a) Extracto:

She came from Planet Claire
I knew she came from there
She drove a Plymouth Satellite
Faster than the speed of light

Planet Claire has pink air
All the trees are red
No one ever dies there
No one has a head

b) Datos:

• Apareció por primera vez en el álbum homónimo de los B-52’s (1979), un debut sonadísimo que también incluía cancionzacas como "Rock Lobster" o "52 Girls".
• Si "Rock Lobster" era la idea que tenía la banda de una fiesta en la playa, "Planet Claire" es su romance de ciencia-ficción cincuentera. Para recrear el ambiente adecuado, el guitarrista Ricky Wilson tocó hasta una alarma de incendios, aunque era Fred Schneider quien se encargaba de ella en los directos. No obstante, algunos de los sonidos de la canción aún no han sido identificados: Keith Strickland aparece la carpeta del disco como autor de "los sonidos de "Planet Claire" ". 
• Los primeros segundos de "Planet Claire" se parecen mucho al tema de "Peter Gunn", clásica serie de detectives creada por Blake Edwards. La lista de grupos y cantantes que han hecho versiones de la canción de "Peter Gunn" antes y después de "Planet Claire" es impresionante: Elvis, Quincy Jones, They Might Be Giants, Art of Noise, Pulp, The Cramps, Aerosmith, Dick Dale... Es posible que los B-52’s se basaran en la de Devo, que no sólo es anterior, sino que es la más parecida. La más famosa, por supuesto, es la de los Blues Brothers.
• La película "Monstruos contra Alienígenas" (2009), aún en nuestras pantallas, propone una buena manera de cerrar el círculo: la versión que suena en los momentos previos al primer contacto del presidente (Stephen Colbert) está interpretada por Les Deux Love Orchestra, que contrató para la ocasión a músicos que colaboraron en su momento con Henry Mancini para la canción de "Peter Gunn". De hecho, los créditos de la cinta marcan la primera ocasión en la que Mancini es acreditado como co-compositor de "Planet Claire".
• "Planet Claire" también ha sido versionada: por Foo Fighters (con el propio Schneider como cantante) y por Aviador Dro, con una letra convenientemente traducida y adaptada: "Ella es del Planeta Claire / No te lo vas a creer".
  c 

El crítico británico Nick de Semlyen sintetiza perfectamente el problema de las películas de orígenes: en lugar de tomarse libertades y relocalizar al superhéroe en un contexto (o un género) sorprendente, su máxima preocupación parece residir en explicar al espectador dónde encontró Lobezno su chaqueta de piel. O, podríamos añadir, cómo consiguió Bruce Wayne los fondos para construir la Batcueva. "X-Men Orígenes: Lobezno" podría haber sido una buena excusa para alejarse del modelo acuñado por Bryan Singer (y matizado por Brett Ratner) en la saga madre, tan correcta en la forma como insustancial en el fondo. El prólogo y los títulos de crédito de este aparatoso spin-off sí parecen apostar por una línea mucho más feroz e hiperbólica, pero la ilusión no tarda en desvanecerse: Logan sigue siendo un héroe de una pieza, inacapaz de transmitir ese carisma descreído que tan bien conocen los lectores de cómics. Las escenas de Hugh Jackman con el matrimonio de ancianos son, posiblemente, lo más sonrojante que hemos visto en una película de superhéroes desde el clímax de "Spider-Man 3" (2007). Que nadie espere ver a un Lobezno en modo berserker o alguna sorpresa más allá del ocasional cameo digitalizado: el objetivo de esta cinta de acción sin carisma no va más allá de expandir esos breves flashbacks que tenían lugar en "X-Men" (2000) y "X2" (2003).

Hay momentos en los que el marvelita atento puede vislumbrar lo que, sobre el papel, parecía el plan original de la compañía: una precuela de Lobezno que, en realidad, ampliara el universo fílmico de sus héroes de cara a futuros cruces y spin-offs. Eso explica la presencia de personajes como Deadpool o Gambito (con serias posibilidades de ganarse su propio "Origins") o el interés por perfilar a Stryker como villano de largo alcance. La ambición es legítima, pero el resultado es mediocre: la cinta de Gavin Hood sólo contentará a los incondicionales del Lobezno de Jackman, siempre y cuando sean capaces de perdonar los agujeros de un guión que hace auténticos malabarismos para integrar las distintas versiones del orígen del personaje en un todo coherente (al menos, a ratos). Al final, "X-Men Orígenes: Lobezno" sirve como cruda confirmación de algo que el fanboy sabía desde hace algún tiempo: que Logan es un inmenso secundario, pero resulta mucho menos interesante cuando se coloca bajo el foco principal.

 VEREDICTO: Es el mejor en lo suyo, pero lo suyo no es muy agradable. De hecho, es bastante aburrido... Un inicio descorazonador para el verano cinematográfico. 

TERMÓMETRO:     (2/5) 

Una vez explicada su teoría con cierto detenimiento ("El hombre completo, en armonía, fluye libremente hacia su meta natural"), (Crowley) pasa a relatar cómo, a la edad de catorce años, resolvió matar un gato para evr si realmente tenía nueve vidas. "Por lo tanto cogí un gato y, luego de administrarle una buena dosis de arsénico, le puse cloroformo, lo colgué encima del mechero del gas, le enterré un cuchillo, le corté el pescuezo, le rompí el cráneo y, cuando ya estaba completamente bien quemado, lo ahogué y lo tiré por la ventana de modo que la caída le quitara la novena vida... Recuerdo que durante todo el tiempo estuve realmente afligido por el animal; sencillamente, me obligué a llevar a cabo el experimento por puro interés científico".

La cita pertenece a Aleister Crowley. La naturaleza de la bestia, biografía de Colin Wilson que, si bien no es todo lo rigurosa que esperaba, se me está pasando en un suspiro. La combino con la lectura de Moonchild, la novela metafísica del propio Crowley. El objetivo oculto de todo esto es prepararme para el tercer volumen de "The League of Extraordinary Gentlemen", que debería haber salido a finales de abril pero que, como siempre ocurre con este título, se ha vuelto a retrasar. Aleister Crowley (o, más concretamente, sus numerosos alter egos de ficción) es el villano principal de la historia escrita por Alan Moore y dibujada por Kevin O’Neill, pero no es la única obra reciente que invoca la figura del hombre más perverso de Inglaterra: según este reportaje de USA Today, el personaje encarnado por Mark Strong en el "Sherlock Holmes" de Guy Ritchie está (naturalmente) inspirado en Moriarty, pero también tiene toques de Crowley. ¿El gran detective contra la Bestia 666? Tiene sentido y, además, estoy deseando verlo.

Tremendamente lúcido el artículo sobre el estado actual del cine de terror que firma el ídolo Kim Newman en el Sight & Sound de mayo. Se titula "Horror Will Eat Itself" y comienza con la confesión, brutalmente honesta, de un experto en cine de terror que teme estar convirtiéndose en Dennis Gifford (paradigma británico del crítico carca y über-nostálgico). Su tesis es que el cine de terror de su infancia y adolescencia abría vías expresivas, capturaba el zeitgeist sin aparente esfuerzo y (sobre todo) era capaz de remover algo en lo más profundo de los espectadores. Newman lamenta que al género le cueste tanto conseguir clásicos coyunturales (pero, también, eternos) como "La matanza de Texas" (1974) o "La última casa a la izquierda" (1972), optando por volver a rodarlos en versiones incapaces de recontextualizar los sustos de los originales o, ya que estamos, de dar miedo. El autor recuerda que el horror se ha alimentado de remakes, secuelas y derivados desde sus mismos orígenes (ahí están las diferentes versiones silentes del mito del golem o los megamixes de monstruos de la Universal), pero ahora ha llegado a un punto en el que filmes originales como el de "La Semilla del Mal" (2008) parecen remakes.

Otro ejemplo: hoy han aparecido las primeras imágenes de Dead of Night, adaptación de los fumetti creados por Tiziano Sclavi en la que Brandon Routh interpreta a Dylan Dog. El fan del original, consciente de que un proyecto así sólo podría resultar interesante en manos de un director como Dario Argento, no necesita más datos para saber que el resultado final va a estar lejos no ya del espíritu del Sclavi, sino incluso de "Dellamorte Dellamore" (1994). Quizá el problema es que ya quedan muy pocos autores de terror: los viejos zorros se apagan y los jóvenes leones... Bueno, digamos que cada vez es más raro que aparezca un joven león. Newman afirma que solamente Eli Roth ha conseguido crear un filme de terror realmente relevante para los tiempos que corren: "Hostel" (2005), del que ya nos podemos imaginar un remake dentro de diez años. Por supuesto, el autor reconoce que aún vemos destellos de originalidad de vez en cuando. Este año, sin ir más lejos, tenemos "Déjame entrar", película con la que tengo algún problema grave, pero que considero extremadamente valiosa. La conclusión de su artículo es algo perturbadora: en los años setenta, el mensaje de una película de terror tipo solía ser que hay algo que va increíblemente mal en la sociedad. En esta década, en cambio, el terror nos explica que el problema está en Los Otros. El solipsismo y la misantropía pueden ser las claves de la era del sampler terrorífico.

En "Donde ningún fan ha llegado antes", uno de los episodios más memorables de la cuarta temporada de "Futurama", Fry explica la importancia de "Star Trek" para la cultura pop del siglo pasado en estos términos: "Me enseñó tantas cosas... Como, por ejemplo, a aceptar a la gente, sin importar que fuesen negros, blancos, klingon o incluso hembras. Pero lo más importante es que, cuando no tenía amigos, me hacía sentir que quizá sí los tenía". Así, los dos conceptos rectores del universo creado por Gene Roddenberry, integración y esperanza, quedaron marcados a fuego en toda una generación. No es arriesgado afirmar que, en su momento, "Star Trek" fue la cosa más alucinante que le ocurrió al medio televisivo en su por entonces corta vida. El problema es que su nutrida comunidad de fans se agarró a esos sentimientos con demasiada fuerza: muy pronto, un concepto intrínsecamente cool acabó convirtiéndose en sinónimo de ciencia-ficción anacrónica y tan poco atractiva como su seguidor medio. El salto hacia la nueva generación funcionó durante un tiempo, pero se hizo el hara-kiri con una cinta ("Némesis", 2002) que traicionaba los conceptos rectores de Lo Trekkie con su desvío a la oscuridad y el pesimismo. El plan de J.J. Abrams y sus guionistas Kurtzman & Orci para rescatar la franquicia pasaba por una vuelta radical a los orígenes, una búsqueda de lo que propulsó los sueños siderales del espectador de los sesenta. En otras palabras, "Star Trek" necesitaba volver a configurarse como el epítome de lo cool. Y cuesta imaginar una tarea más hercúlea...

En cierto sentido, lo que Abrams ha hecho con la serie de Roddenberry no es muy diferente a lo que guionistas como Mark Millar o Warren Ellis hicieron con otro texto sagrado de la cultura pop, el universo Marvel, en los comienzos del sello Ultimate: liberarse por completo del peso de la tradición y volver a imaginar a unos personajes-iconos con el lector novato en mente... y el fan talibán en la nuca. Decir que esta película es esencialmente un "Ultimate Star Trek" no es exagerar un ápice ni utilizar el concepto a la ligera. Tampoco es descabellado pensar en ella como el blockbuster veraniego definitivo: es inteligente, divertida, excitante y articulada enteramente en torno a adrenalíticas set pieces. Lejos del tono oscuro y/o crepuscular que parece dominar toda reconceptualización de franquicia que se precie, "Star Trek" vuelve al optimismo candoroso de Roddenberry, pero con un giro posmoderno como as en la manga. El resultado es algo tan difícil como una película de ciencia-ficción capaz de entusiasmar al neófito y de respetar (e incluso seducir por completo) al trekkie más exigente.

Abrams parece estar forjándose una carrera cinematográfica mediante el homenaje reivindicativo a sus modelos: si en la notable "M:i:III" (2006) reconoció su enorme deuda con "Misión imposible" de la forma más espectacular posible, aquí devuelve a "Star Trek" a ese puesto de honor en la historia de la ciencia-ficción que nunca debió abandonar. En lo formal, el filme hace gala de un apabullante estilo visual que define el aquí y el ahora sin aparente esfuerzo (esos planos secuencia por el puente de mando, ese tratamiento de la luz). En lo conceptual, Kurtzman, Orci y el productor ejecutivo Damon Lindelof recuperan conceptos de la serie clásica y los integran con el gusto por el viaje en el tiempo que domina varias de las novelas inspiradas en la saga. Al final, uno tiene la sensación de que no ha visto más que el episodio piloto de un nuevo "Star Trek" que, probablemente, sea capaz de llegar hasta el infinito y más allá. O, en los términos de Fry, ahora tenemos unos nuevos amigos más allá de las estrellas, y no podemos esperar para volver a reunirnos con ellos.

 VEREDICTO: "Star Trek" no había molado tanto desde 1966. J.J. Abrams revitaliza una franquicia herida de muerte, logra un blockbuster poderosísimo y, de paso, se postula como aspirante al trono de creador multimedia esencial para la próxima década. 

 TERMÓMETRO:         (5/5) 

Hay un vicio del lector/espectador medio que nunca lograré comprender del todo: su insistencia en que toda obra debe poder sintetizarse en una (o unas pocas) oraciones para que uno logre comprender su sentido. David Lynch es el ejemplo que primero nos viene a todos a la mente, posiblemente porque lleva toda su carrera intentando luchar contra esta tendencia a creer que algo sólo funciona si se puede explicar de forma unívoca y lineal. Por suerte, parece que con "Inland Empire" (2007) se empezó a aceptar la idea de que, a veces, una interpretación estrictamente narrativa no tiene por qué ser necesaria.

Wired incluye "Mulholland Drive" (2002), probablemente una de las películas más accesibles de Lynch, en su top 10 de historias-complicadas-hechas-simples. No sé si es intencionado, pero la lista deja bien claro que estas explicaciones para necios (o para cómodos) son siempre reduccionistas. Por ejemplo, "Jimmy Corrigan: El niño más inteligente del mundo" (2000) vendría a ser esto:

Jimmy revive la vida de su abuelo. Finalmente conoce a su padre, quien muere después. Superman no puede salvarlo.

Un consejo: dejad de meteros en los foros para que otros os digan qué creen que había en la caja de "Barton Fink" (1991). Descubridlo por vuestros propios medios.

Publicado en Fast Company, encontrado en el blog de Warren Ellis:

Should creative workers use cognitive-enhancing drugs?

(...) For those of you who haven’t been watching this trend, the dilemma is that certain pharmaceuticals intended to treat cognitive and neurological disorders —primarily, attention deficit/hyperactivity disorder and narcolepsy— and, when used by people without these disorders, provide a kind of cognitive boost. This usually means increased focus and concentration, but it can also mean better spatial reasoning, greater alertness, and improved clarity of thinking. As a result, it’s apparently becoming increasingly common for people in "knowledge work" professions to take these drugs as a way of improving their performance.

The mainstream debate on this subject seems to boil down to one side arguing that this is the knowledge work equivalent of athletes taking steroids, and the other side arguing that this is little different from using a more powerful computer, getting a better education, or any of the other steps we might take to improve our performance —it just happens to be pharmaceutical in nature.

El resto del artículo, aquí. Ahora: ¿¡dónde demonios están mis pastillas!?

A Dan Brown se le pueden reprochar muchas cosas, pero nadie le negará su asombrosa capacidad para identificar el zeigeist de nuestro tiempo y articular intrigas folletinescas en torno a él. Publicada en 2000 (tres años antes que su exitosa "El código Da Vinci"), "Ángeles y demonios" es la novela que mejor sintetiza las claves del estilo Brown: un thriller a contrarreloj que aúna conspiranoia pop y amenazas de alta tecnología, con el vigente debate entre ciencia y religión como centro neurálgico. Lejos de jugar en su contra, el paso del tiempo ha hecho aún más relevantes los temas planteados en aquella primera aventura del profesor Robert Langdon: el auge del CERN, la búsqueda de la partícula de Dios y algunas de las más recientes declaraciones de Benedicto XVI hacían inevitable un "Ángeles y demonios" en forma de secuela cinematográfica de la rompetaquillas Da Vinci (2006).

La buena noticia es que Ron Howard y el guionista Akiva Goldsman han tenido el buen gusto de contratar a todo un David Koepp para que arreglara los tiempos muertos y los excesos de exposición que una adaptación demasiado literal de la novela hubiese traído consigo. La mala noticia es que no es suficiente: "Ángeles & Demonios", la película, logra ser bastante más divertida que "El código Da Vinci", pero su ritmo es artrítico en comparación con el frenético aliento pulp del original. Una cinta que contiene bombas de antimateria ocultas en el Vaticano, teorías imaginativas sobre el origen de los Illuminati y rutas psicogeográficas por la Roma oculta exigía una textura visual y narrativa llena de hipérboles. En otras palabras, "Ángeles & Demonios" necesitaba que un Timur Bekmambetov le sacase todo el partido al delirio browniano. En cambio, Howard apuesta por una corrección que no sólo pone en evidencia las carencias del original, sino que ni siquiera es capaz de conseguir que una trama que avanza bajo la amenaza de un holocausto inminente provoque la más mínima tensión en el espectador. Sólo el presunto sacrificio del Camarlengo (un ajustado Ewan McGregor) en el falso clímax nos da una idea de lo que "Ángeles & Demonios" debería haber sido: algo más cercano a "Vidocq" (2001) que a un manso recorrido turístico por la basílica de San Pedro.

 VEREDICTO: Un pequeño paso adelante con respecto al farragoso tostón de "Da Vinci", pero el profesor Langdon cinematográfico sigue necesitando una dosis más alta de locura y arrojo para ganarse la admiración del espectador. 

 TERMÓMETRO:      (2/5) 

1) El Club de la Lucha (Edición 10º aniversario): Hasta ahora, la edición en dos discos y la funda de cartón eran rasgo distintivo del verdadero fan de "El Club de la Lucha": el que se la compró cuando Fox la lanzó a la venta y aún no había alcanzado estatus de culto masivo, no el que se subió al carro después y se tuvo que comprar la edición más normalita (la que sacó la distribuidorá cuando la primera se agotó). Por desgracia, el décimo aniversario trae consigo una nueva edición que reproduce e incluso corrige el diseño de la original, lo que nos quita el orgullo de ser verdaderos creyentes a los que la teníamos. Por lo demás, nada nuevo: el fabuloso libreto con notas de producción, los extras, el audiocomentario y la jodida obra maestra siguen igual que siempre. Ah, y lo de que ya hayan pasado diez años te hace sentir increíblemente viejo, ¿verdad? Excelente.  A la venta el 27 de mayo 

2) Horizonte Final (Blu-ray): Cuando inventaron la alta definición, probablemente estaban pensando en Sam Neill. Desnudo. Cubierto de sangre. También es probable que no estuvieran pensando en nada remotamente parecido a eso, pero esta reciente edición de "Horizonte final" nos permite volver a aquel momento doce años después (y con una calidad de imagen cristalina, además). Otra razón de peso para volver a comprarnos esta pesadilla de ciencia-ficción barkeriana (de Clive Barker) es un apartado de material extra que amplía lo visto en la ya satisfactoria edición especial en DVD de 2006: es casi como si el director Paul W. Anderson fuera consciente de que esta es su mejor obra y que, por tanto, necesita mimarla todo lo posible. Su presencia en este Blu-ray (que detalla minuciosamente todo el proceso de producción de la cinta) es contínua, por lo que acabas con la sensación de que el cineasta te está ofreciendo un recorrido por su plató y su sala de montaje mientras tú estás en casa. Desnudo. Cubierto de sangre.  Ya a la venta 

3) The Spirit: Para muchos espectadores, el debut en la dirección de Frank Miller fue como abrir un regalo de navidad y econtrarse una serpiente venenosa en su interior (de hecho, es posible que sea el estreno navideño más extravagante de todos los tiempos). Curiosamente, muchos de los que salieron echando espuma por la boca coincidían en que Miller se había vuelto loco y había firmado su peor trabajo ever, cuando realmente "The Spirit" entronca a la perfección con la última etapa creativa del autor, la que se abrió con "All-Star Batman & Robin" y que, efectivamente, parece guiada por una tendencia a la chifladura conceptual y a la hipérbole insensata. El universo de Will Eisner choca con la estética sub-"Sin City" en una cinta encorsetada y similar a una naturaleza muerta, pero que no se parece a nada que hayas visto antes ni, probablemente, después. Dios bendiga a Miller por haber rodado una película tan heterodoxa y única como esta, y Eisner bendiga al elenco de atrices que han hecho realidad (y carne) su olimpo de mujeres fatales.  A la venta el 25 de mayo (Amazon) 

Esto es "New in Town", el primer videoclip de Little Boots, joven promesa del electropop británico. Ver a vagabundos realizando coreografías modernas es una de esas cosas que no acaban de estar bien del todo, en el sentido moral del término. Pero qué demonios.

¿La maldad tiene un estilo arquitectónico concreto asignado? O, dicho de otro modo, ¿algún estilo arquitectónico es esencialmente malvado? Este post de BLDGBLOG analiza las guaridas secretas de algunos de los villanos más memorables del videojuego. Sus conclusiones son muy lúcidas: si el jefe final es nazi o un villano de la vieja escuela, lo más común es que su guarida sea neorrománica o gótica (¿alguien dijo "Return to Castle Wolfenstein"?); si viene del espacio exterior, es muy probable que la influencia de Giger sea más que palpable. Las excepciones que propone son realmente inapelables: el interminable edificio/sede del mal en "Half-Life 2" recuerda a la Torre Starliner de "Vinieron de dentro de..." (que, como señaló Rubén Lardín en uno de sus brillantes textos para el libro colectivo David Cronenberg. Los misterios del organismo, es hermana de los "Rascacielos" de J.G. Ballard). Además de en el art decó sumergido de "Bioshock", el post se fija en otro ejemplo de guarida malvada que trasciende el lugar común: en "Shadow of the Colossus", los monstruos son su propia guarida secreta, un complejo arquitectónico vivo y en movimiento. Pero esa no es la única trasgresión de la norma en un juego en el que acabar con la sede del Mal conlleva la muerte del protagonista: "It is a game where destroying the evil lair might well have been the wrong thing to do. And yet it is all you can do". Lo cual está muy bien, pero ninguno de los colosos-guaridas del juego tiene un puñetero (abro comillas con los dedos) láser (cierro comillas con los dedos). ¿Qué hay de eso?

Wolfram Alpha podría ser la confirmación de que el conocimiento ilimitado no tiene por qué ser algo necesariamente bueno. Especialmente, si uno no sabe qué hacer con él. Diseñado por el físico británico Stephen Wolfram, este über-motor de búsqueda se define como una herramienta de conocimiento computerizado: en cristiano, una base de datos que garantiza al usuario un acceso inmediato a cualquier dato que este necesite, por esotérico que sea. Wolfram Alpha presume de contener 10 trillones de unidades de conocimiento, filtradas a través de 50.000 modelos y algoritmos diferentes. Impresionante, ¿eh? El problema es que, bueno, uno no sabe por dónde empezar.

Mi primera experiencia con este oráculo de la era virtual ha sido algo agridulce. Decidí empezar con dos consultas que respondieran a las dos pulsiones humanas básicas, esas que ingenios como Wolfram Alpha parecen dispuestas a volver obsoletas: sexo y muerte. El resultado es como preguntarle a un superordenador por el sentido de la vida, el universo y todo lo demás. De todos modos, lo más asombroso estaba aún por llegar: un amigo de Facebook me aconsejó que le preguntase al ingenio por la velocidad máxima de un guepardo (el animal más rápido de la Tierra, según la sabiduría popular). Wolfram Alpha establece su velocidad media en 30 metros por segundo, para luego compararla con la de un vehículo terrestre pilotado por humanos... y con la velocidad a la que Marty McFly necesita conducir un DeLorean DMC-12 para viajar en el tiempo. En otras palabras: Wolfram Alpha, que se postula como algo destinado a "erigirse como un gran hito entre los logros intelectuales del siglo XXI", está en manos de geeks. Bienvenidos al futuro.

"País insustancial". Año de la Muestra del Snack de Chocolate Dove. Poor Yorick Entertainment Unlimited. Crosgrove Watt, 16 mm; 30 minutos; blanco y negro; muda/sonora. Un impopular cineasta après-garde (Watt) sufre un ataque en el lóbulo temporal o enmudece o es víctima del error de todos de que el ataque en el lóbulo temporal (el de Watt) lo ha dejado mudo. EDICIÓN PRIVADA EN CARTUCHOS POR POOR YORICK ENTERTAINMENT UNLIMITED.

Esta es sólo una de las muchas sinópsis de películas rodadas por James O. Incandenza que integran la profusa y ya casi mítica nota 24 de "La broma infinita" (1996), mi novela preferida de todos los tiempos y la obra maestra de David Foster Wallace. Empezar a leer el tomo de +1.200 páginas es sencillo: conozco a mucha gente que lo hizo cuando Mondadori sacó la traducción (de Marcelo Corvián, revisada por Javier Calvo). Terminar "La broma infinita" ya es otra cosa. Algunos lectores con considerable cayo abandonaron por el camino, absolutamente agotados por una novela que le exige a uno el equivalente intelectual de escalar el Everest en medio de una tormenta de meteoritos. He de confesar que yo me compré la traducción de Mondadori en las navidades de 2003 y no cerré la última página hasta finales de agosto de 2004, poco antes de abrir este blog. Hubo pausas de varios meses, hubo unas treinta lecturas paralelas (cuando estás leyendo "La broma infinita", cualquier otra lectura paralela se te antoja un pasatiempo ligero), hubo momentos de duda e incluso (alrededor de la Semana Santa de 2004) hubo un intento serio de abandonarla para siempre a la mitad. Por suerte, puedo enorgullecerme de que fui fuerte y acabé lo que había empezado. ¿La recompensa? Una obra de ficción insuperable que me dejó una huella profunda. En otras palabras, y aún a riesgo de sonar exagerado: la persona que empezó a leer "La broma infinita" no fue la misma que la terminó.

Hace poco, me di cuenta de que ya no conocía la novela como antes. Muchos pasajes se han borrado de mi memoria, muchos detalles y personajes se han ido perdiendo con el tiempo. Por suerte, he encontrado Infinite Summer, una iniciativa que pretende unificar a todos los que quieran aceptar el reto de leerse "La broma infinita" durante todo este verano (del 21 de junio al 22 de septiembre). La idea está pensada para todos aquellos que aún no se han atrevido, pero a mí me ha proporcionado la excusa perfecta para releerla. Todo el que quiera sumarse, no tiene más que unirse a este grupo de Facebook, desempolvar su copia y comprometerse a mantener un nivel de 75 páginas por semana (aproximadamente, porque no sé cómo se ajustará eso a la traducción). A partir del 1 de junio, la web comenzará a darnos más instrucciones: mientras, podemos ir encargando la guía de lectura (siempre he tenido curiosidad por ella) y estudiándonos este mapa.

Hoy es 25 de mayo, lo que significa Día de la Toalla para todos los amantes de Douglas Adams. Si queréis saber cómo se celebra de verdad una fecha tan señalada como esta, bucead en los archivos de mayo de 2006 y descubrid lo que hice a lo largo de todo un día libre. Por desgracia, este año tengo mucho menos tiempo entre manos para dar rienda suelta a mi fanatismo autostopístico (es una palabra), así que os vais a tener que conformar con este único post. ¡Pero es un post con noticias jugosas! El próximo 12 de octubre se publica And Another Thing..., la sexta entrega de la ’trilogía’ de Adams, escrita por Eoin Colfer (de la saga "Artemis Fowl"). Antes de que alguien hable de sacrilegio entre alaridos, dejadme que os diga que yo estoy emocionado: Colfer tiene cierta afinidad con el sentido del humor de la saga, y Dios sabe que "Mostly Harmless" era un final increíblemente bajonero para estos personajes. Mi consejo es esperar hasta leerla en octubre: entonces ya podremos ponernos en modo berserker.

Si queréis seguir celebrando por la blogosfera, El blog de Estrellita Mutante también se acuerda de Douglas. Y, por ahora, eso es todo. ¿Scari Wó? ¿Hijo Tonto? Y, bueno, cualquier otro que haga su post ad hoc, que sea tan amable de dejar constancia en los comentarios.

Hacia el final del primer acto de "Terminator Salvation", me di cuenta de una terrible verdad: no soporto la voz ronca y las cargas de profundidad que Christian Bale parece empeñado en inyectarle a cada personaje que interpreta desde "Batman Begins" (2005). Por supuesto, esto no influye en mi veredicto oficial de la película (que, si todo va bien, aparecerá el jueves), pero tengo la sensación de que a Bale le vendría realmente bien parar un poco. O rodar una comedia, pero sin La Voz (a no ser que los otros personajes le imiten y se burlen de él). Además, su recién adquirido don de la ubicuidad nos hace temer que vamos a odiarlo aún más cuando estrene "Enemigos públicos" el próximo 14 de agosto, en la que interpreta a un gris G-Man que tiene toda la pinta de partir con cierta desventaja con respecto al presumiblemente hipercarismático Dillinger de Johnny Depp. Recemos para que La Voz no figure en la película de Michael Mann, pero tampoco nos hagamos muchas ilusiones, pues el tema ya está adquiriendo tintes de infección vírica. Un ejemplo: Journal for Plague Lovers, el nuevo disco de Manic Street Preachers, ha sido compuesto en torno a las últimas letras escritas por Richey Edwards, ídolo oscuro del rock alternativo y antiguo líder de la banda, que desapareció sin dejar rastro una mañana de febrero de 1995. Pues bien, el disco se abre... ¡¡con La Voz!! Concretamente, con un sampler de "El Maquinista" (2004), precedente directo de su Batman ronco. En otras palabras: vivimos en unos tiempos en los que Bale puede aparecer incluso en los lugares más insospechados. Sólo nos queda rezar para que no esté cabreado...

(*) La foto proviene de ohnotheydidnt: Kermit Bale, que expone decenas de simetrías entre el actor y el teleñeco. En muchos sentidos, esta es la mejor página web jamás creada.

Sorry I'm Late from Tomas Mankovsky on Vimeo.

El único así-se-hizo de un corto para internet que es casi tan interesante como el propio corto para internet, aquí.

El éxito de crítica y público cosechado por "Modern Times" (2006) llevó a muchos a pronosticar una nueva etapa creativa en la obra de Bob Dylan: la Etapa del Regreso, esa que ahora mismo están disfrutando (y salvemos todas las distancias que sean precisas) Take That. Por supuesto, Dylan no iba a encasillarse tan fácilmente, mucho menos si uno tiene en cuenta que una de las pocas constantes en su discografía ha sido la voluntad de sorprender, la firme convicción de que un artista no debería hacer jamás lo que se espera de él. Así, Together Through Life cambia los grandes temas de su anterior disco por una vuelta a las raíces que, como muchos críticos han señalado, puede tener su origen en Theme Time Radio Hour. De hecho, casi parece que Dylan ha grabado un acompañamiento a su programa radiofónico de culto: canciones como "My Wife’s Home Town", que van creciendo cada vez que uno escucha esa voz quebrada y ese acordeón recién sacado de Los Lobos, suponen la inmersión más directa y lúdica que el autor de "Blonde on Blonde" (1966) ha tenido nunca en el blues desgarrado con el que creció. Es un disco bastante insatisfactorio para todos los que nos quedamos maravillados con "Modern Times" (de hecho, a veces parece que la mejor manera de describirlo sería con el epíteto ’Mundo Viejuno’), pero buena suerte si vas a reprocharle algo así a un artista irreprochable.

Antes de zanjar el tema, growabrain nos descubre una versión acústica y austera de "Visions of Johanna", mi favorita de todos los tiempos. Creo que esta canción me seguiría poniendo los pelos de punta aunque la versionara un triunfito.

Seis cosas que realmente han cambiado mi vida este mes.

1. Si una bomba atómica cayera sobre todos los hitos de la cultura pop de 2009, Susan Boyle sería el único que sobreviviría. La concursante de "Britain’s Got Talent" ha sido objeto de casi tantos análisis sociológicos como "Slumdog Millionarie" o la gripe porcina. Una columnista de The Herald la describió como un revulsivo para la tendencia actual de equiparar éxito con juventud y belleza física: esta señora fue capaz de emocionar a todo un país con su versión de "I Dreamed a Dream", lo que ha provocado comparaciones con Ella Fitzgerald y (se rumorea) un contrato millonario con la discográfica de Simon Cowell. Es posible que el fenómeno Susan Boyle haya activado un resorte oculto de bondad en una sociedad hipnotizada por cánones de belleza impostados, pero muchos sociólogos y analistas piensan que todo forma parte de una estrategia planificada por el taimado Cowell para romper los índices de audiencia: al fin y al cabo, la historia de superación personal de esta cantante amateur es uno de esos arquetipos infalibles que parecen incrustados en nuestro inconsciente colectivo ("Pigmalión", "My Fair Lady", "Rocky"...). Sea como sea, Boyle se quedó a las puertas del premio gordo, pero va a ser homenajeada en un inminente episodio de "Los Simpson". Y todos sabemos que lo segundo es infinitamente más perdurable que lo primero.

2. En este post sobre "Pride and Prejudice and Zombies" propuse aplicar la fórmula Z a varios clásicos de la literatura. Pues bien, los señores Bartual y Malarrama han ido más allá: ¡han escrito su propio clásico zombificado! Muchos conoceréis ya La casa de Bernarda Alba zombi, una auténtica joya que, en su introducción, logra amplificar el juego propuesto por Seth Grahame-Smith en su perversión de Jane Austen. Si eres de los que piensa, como el autor de este blog, que la próxima década contemplará la destrucción total de las fronteras entre alta y baja cultura, deberías descargar "La casa de Bernarda Alba zombi" en este preciso momento.

3. ¡Todo el mundo está en Twitter! Quizá esa sea la razón de que mi perfil se esté actualizando con una frecuencia muy inusual. Lo que quiero decir es que si el gobernador Schwarzenegger está en Twitter, la herramienta adquiere de pronto un nuevo sentido. La pregunta es: ¿me agregará como following si yo hago lo mismo? No es que necesite recibir actualizaciones acerca de su posición en el debate sobre el matrimonio gay o sus próximas visitas a escuelas de Sacramento, pero el corazón me daría un vuelco cada vez que localizara a Arnie entre mi lista de seguidores. Más gente famosa que twittea: Elizabeth Banks, Jimmy Fallon, Kristen Stewart, Megan Fox, Rainn Wilson, Diablo Cody... Luego están, por supuesto, los dos mejores Twitters de la historia: el de David Lynch, cuyas virtudes (locas, locas virtudes) ya destaqué en otro post; y el de Jon Favreau, que nos informa puntualmente de la última hora en el rodaje de "Iron Man 2" ("Scarlett kicked ass yesterday").

4. Ah, el final de la quinta temporada de "Lost"... ¿Por dónde empezar? Quizá lo mejor sea esperar a que aparezca el juego de realidad alternativa de este verano para alimentar el mono hasta enero de 2010. Eso, o volvernos completamente locos con las teorías. Otros finales de temporada ofrecían pistas sobre lo que posiblemente se nos venía encima (el año pasado, por ejemplo, se nos dejó claro que los Oceanic Six tenían que volver a la isla con un cadáver a cuestas), pero es que esta vez no tenemos ni la más mínima idea de lo que nos espera en la season premiere. ¡Maldito fundido en blanco! Quizá lo mejor sea eliminar de nuestra cabeza al Un-Locke y concentrarnos en otras series, ahora que ya somos libres hasta enero: yo he empezado con The Middleman y Breaking Bad, sigo a tope con The Office (¡cuarta temporada!) e incluso estoy dispuesto a darle otra oportunidad a Dollhouse.

5. Ayer me compré el primer número de Crisis Final, ese über-evento DC escrito por Grant Morrison y dibujado por J.G. Jones. He de confesar que las anotaciones de la edición española me han sido muy útiles porque, bueno, estoy muy poco versado en el universo DC. Pero esto es Morrison, así que estaré allí el mes que viene para ver si el guionista cumple sus promesas de Apocalipsis total (en el primer número mata al Detective Marciano de la forma menos honorable posible, así que tiene toda mi atención). Por supuesto, el final de la serie salió hace meses en Estados Unidos, así que agradecería a todo el mundo que no me contara nada. Gracias. En otro orden de cosas, el creador de "Los Invisibles" está a punto de empezar a publicar la nueva serie de "Batman and Robin" dibujada por Frank Quitely. Un adelanto: Dick Grayson es el nuevo Batman.

6. El mes pasado hubo problemas con mi lista de Spotify: concretamente, que nadie pudo entrar en ella. Aún no sé qué hice mal, pero espero que no ocurra nada parecido con la sensacional lista de mayo, la mejor hasta ahora (de hecho, es tan buena que os hará llorar por pura sobredosis de belleza). Está muy centrada en los últimos lanzamientos, así que escuchádla si queréis estar al tanto. Eso, claro, si esta vez he sabido hacerla pública...