Este mes de agosto, el teléfago coleccionista está, indudablemente, de enhorabuena: a la anunciadísima edición en DVD de series tan míticas como "El gran héroe americano" o la antológica sexta temporada de "Los Simpsons" hay que sumar ahora "The Muppet Show - Season One", la primera recopilación del insuperable programa teleñeco que nos llega en formato digital. Nacido en 1967 gracias a los talentos de Jim Henson y Frank Oz, "The Muppet Show" mimetizaba la estructura de los espectáculos vodevilescos para ofrecer un programa dinámico y lleno de canciones, bailes, chistes y un invitado especial cada semana (estructura que luego adoptarían la mayoría de los shows de variedades norteamericanos, con el "Saturday Night Live" a la cabeza). El resultado era francamente delicioso: no sólo nos legó personajes que ya forman parte de nuestro inconsciente colectivo (Gustavo, Peggy, Gonzo, Fozzie, Animal...), sino que también bordó algunos de los gags más recordados de la historia de la televisión - el falso programa de cocina del chef sueco, la parodia de los seriales de SF titulada "Pigs In Space", el hilarante "Muppet News Flash", los inventos del doctor Bunsen Honeydew... -.

Esta primera colección de DVDs reune los 24 capítulos que conforman la primera temporada de la serie, jalonada por invitados de la talla de Vincent Price, Rita Moreno, Avery Schreiber, Twiggy, Peter Ustinov, Paul Williams o los inenarrables Mummenschanz. Por si esto fuera poco, la caja incluye extras tan suculentos como bocetos, un vistazo al concepto original de Jim Henson y el piloto inédito del programa (titulado "Sex and Violence!"). Todo el que quiera adquirirlo no tiene más que pinchar aquí a partir del 9 de agosto y prepararse para disfrutar.

Resulta curioso que aún no me haya pronunciado sobre el último disco de Oasis, un grupo que hace unos tres o cuatro años se encontraba en pleno centro gravitatorio de mis preferencias musicales. Las razones por las que he ido perdiendo progresivamente interés por los hermanos Gallagher no las tengo demasiado claras, pero puede que el batacazo que me pegué tras escuchar su anterior disco ("Heathen Chemistry", publicado en 2002 y que, con todo, tenía un par de canciones realmente buenas) tuviera mucho que ver con todo ello. Así las cosas, "Don't Belive the Truth" (que para muchos ha supuesto la prueba de madurez de la banda) me parece un disco sólido, notable incluso, pero que no puede hacer nada para devolvernos a los Oasis de antes, a los de "Rock'n'Roll Star" o "Acquiesce". Claro que ya no son precisamente unos jovencitos rebeldes, por lo que puede que lo mejor sea atesorar en lo que valen sus primeros discos y conformarse con estos convincentes rockeros de mediana edad que aún saben cómo facturar grandes temas ("Love Like a Bomb", "Keep the Dream Alive", "Turn Up the Sun", el enmudecedor bonus track "I Can See It Now"...).

Y, tras esta introducción, entremos directamente en materia: el 22 de agosto se espera la salida de "The Importance of Being Idle", el segundo single del disco, compuesto e interpretado por un Noel Gallagher en estado de gracia. Esta misma mañana he tenido ocasión de ver el videoclip en un canal musical, y tengo que decir que el resultado es francamente estupendo: si en la estructura juguetona y festiva de la canción se puede detectar la huella palpable de los Kinks, los La's y los Small Faces, el vídeo apuesta directamente por estos últimos, colocando al actor galés Rhys Ifans (el inolvidable Puff de "Human Nature") en el centro de una trama funerario-carnavalesca rodada en tonos blanquinegros y puntuada por un humor irónico típicamente británico. Dirigido por Dawn Shadforth, "The Importance of Being Idle" (el vídeo) es una excelente traducción en imágenes del mensaje casi nihilista de la canción de Gallagher, auténtica oda a la vaguería como forma de vida y posible manifiesto para muchos de nosotros. Puede que Oasis haya envejecido, pero ojalá todos los grupos envejeciesen tan bien como Oasis.

Visitando Women in Cabaret, una galería de Early Visual Media sobre las cabareteras de las primeras dos décadas del siglo XX, a uno le da por pensar que donde mejor se percibe el signo de los tiempos es en las bailarinas exóticas. Me explico: a nadie se le escapa que entre la muchacha selénica de la foto y una siliconada stripper de Las Vegas media un abismo. Esta galería de fotos en tonos sepia celebra esos días en los que uno iba al Moulin Rouge a encontrarse con ninfas rellenitas como salidas de una fantasía de Meliès: agradezcámosle al asombroso blog Tacky Times el descubrimiento y bebamos absenta a la salud del erotismo vintage. Hasta caer redondos.

A mí hay cómicos que no me hacen gracia, otros que me hacen poca gracia, otros que me hacen mucha gracia y luego están los Titanes de la Risa. A esta última categoría pertenecen genios como Will Ferrell, W.C. Fields, Joaquín Reyes, Bill Murray, Jerry Seinfeld, Ben Stiller, los Spinal Tap, Chiquito de la Calzada, John Belushi, Ricky Gervais, Tina Fey, los Monty Python, Conan O'Brien, Javier Deltell, Jack Black... No obstante, hace unos años esta lista se reducía básicamente a una sola persona: Jim Carrey, uno de mis actores favoritos de todos los tiempos, el héroe cinematográfico de mi infancia (junto con Bruce Willis e Indiana Jones) y la única persona capaz de hablar con el culo... ¡¡y resultar gracioso!! No importa que a veces se ponga serio ni que haga cosas llamadas "Como Dios" o "The Majestic": Jim Carrey siempre será un Titán de la Risa, por los siglos de los siglos, y nadie tendrá derecho a quitarle el puesto nunca.

Si vosotros sois de los que pensáis que "Dos tontos muy tontos", "Mentiroso compulsivo" y "Ace Ventura: Operación África" no son, de ningún modo, malas películas (yo diría hasta que la primera es una obra maestra, pero sé que ahí ya me quedo sólo), pues os interesará esta página: The J.C. Movie Spinoff, que contiene versiones animadas de los mejores momentos de esas tres películas. La cosa está bien, pero se queda corta: ¡¡queremos más dibus de Carrey!! Porque no me negaréis que hay material como para catorce cortos de estos...

Ahora que parece que los skaters están muy de moda (en gran parte gracias a la película "Los Amos de Dogtown", dirigida por Catherine Hardwicke y estrenada el mes pasado), es lógico que la moda se fije en los skaters. En cierto sentido, el film de Hardwicke ya pronosticaba que este deporte extremo (nacido en los suburbios de California en plenos años 70) estaba destinado, tarde o temprano, a ser absorbido por la industria del entretenimiento y a convertirse en un pasatiempo cool para niñatos modernos. Puede que el skateboard no haya perdido del todo ese componente agresivo y marginal de sus orígenes, pero lo cierto es que esto ya no es lo que era. Si alguien tiene dudas, que se pase por Agents of the Area (linkada vía We Make Money Not Art), una web que comercializa unos skateboards para chicas (y, en este contexto, para chicas quiere decir fashion). Algo así como el patinete que diseñaría (y se compraría) Jordi Labanda. O las hermanas Hilton.

Es posible que, en este verano de reposiciones interminables de mediocres series pseudo-costumbristas, al espectador le de por pensar que la (buena) telecomedia y la época estival son conceptos autoexcluyentes. Por ello, desde aquí me he decidido a recomendar al teléfago aburrido nada menos que cinco de las mejores sitcoms de los últimos años (la mayoría de ellas en formato DVD, que ya se sabe cómo son los programadores españoles con esto de las series extranjeras), capaces de hacernos olvidar lo duro que puede llegar a ser este mes aciago de chiringuitos y salmonelosis. De modo que empecemos con un clásico con mayúsculas: Seinfeld, la serie que nos enseñó que las guías de la televisión son coleccionables, que los astronautas utilizan bolígrafos antigravedad o el significado de la expresión Clavo Atómico. Entre otras muchas cosas.

La historia de "Seinfeld" ya forma parte de la Historia de la televisión: lo que originalmente pretendía ser una crónica sobre el día a día de un stand-up comedian (Jerry Seinfeld) que pretendía responder a la eterna pregunta de ¿de-dónde-sacas-los-chistes? acabó convirtiéndose en el gran show sobre Nada. El microcosmos de "Seinfeld", integrado por cuatro elementos (Jerry, George, Elaine y Kramer) y herméticamente cerrado en sí mismo, se compone de pequeñas nimiedades y anécdotas de la vida cotidiana que afectan de distinta manera a sus elementos durante los 23 minutos que dura cada episodio, pero que jamás cambian su vida de forma sustancial ni les enseñan moraleja alguna. En ese sentido, la serie no trata sobre Nada, porque (a diferencia del resto de las series de ficción que se emitían hasta entonces), en "Seinfeld" nunca pasa nada. Tal y como decía Larry David, este no es el tipo de serie en la que al final los personajes se abrazan u obtienen valiosas lecciones morales. Así, "Seinfeld" sacrifica los Grandes Temas y el sentimentalismo que lastraban series como "Blossom" o "Padres forzosos" para centrarse en lo único que debería preocuparnos en una sitcom: la risa, o mejor dicho, las carcajadas.

Para ser una serie que no trata sobre Nada, "Seinfeld" consiguió crear un universo privado sin parangón hasta entonces: Seinfeld y David desarrollaron un vocabulario y unos códigos propios, cuya función no sólo era buscar la complicidad del fan constante, sino también hacer que este se sintiera, de alguna manera, parte del grupo de amigos protagonistas. Los caramelos Pez, las botellas de Snapple, los Junior Mints o las industrias Vandelay aparecen recurrentemente en infinidad de episodios para recordarnos que la serie transcurre en un mundo paralelo regido por sus propias reglas; algo que se potenció aún más con el antológico episodio "The Pilot" (cuarta temporada), que convirtió a "Seinfeld" en la primera serie televisiva que abrazó la posmodernidad, de un modo absolutamente lúdico y magistral.

En "The Pilot", al Jerry Seinfeld personaje se le ocurre la idea de convertir su vida cotidiana en una sitcom, o sea, lo que ya hizo el Jerry Seinfeld real hace cuatro temporadas. Para ello, acude a los ejecutivos de la NBC con su idea de crear un show sobre Nada titulado "Jerry". Y todo ello ocurrió en 1993, en una época en la que ni siquiera Wes Craven se había vuelto posmoderno. Aún así, "The Pilot" no es el mejor episodio de aquella insuperable temporada: "The Contest", emitido por primera vez en noviembre de 1992, se centraba en una apuesta absurda según la cual Jerry, Elaine, George y Kramer debían pasar el mayor tiempo posible sin masturbarse. Fenomenalmente escrito por un Larry David en estado de gracia (no en vano, le valió el Emmy), el episodio giraba totalmente en torno al peliagudo (mucho más en aquella época) tema del autoalivio en televisión... sin que se oyera ni una sóla ver la palabra masturbación (aunque sí algunos eufemismos que pasaron a formar parte del slang de la serie: Maestro de mi dominio y Señor de la casa para ellos, Reina del castillo para Elaine). En una pirueta magistral, en el penúltimo episodio de la temporada (o sea, la primera parte de "The Pilot") se revela que Jerry no ganó realmente la apuesta, sino que hizo trampa. Creedme: no vais a ver una situación así en una telecomedia española, o al menos no resulta con tanta inteligencia. Pero ni de coña.

Espléndidamente escrita, brillantemente interpretada y fenomenalmente dirigida, "Seinfeld" es uno de esos extraños casos en los que sus responsables no bajaron lo más mínimo el listón durante las nueve temporadas que se mantuvieron en antena (es más: Jerry Seinfeld rechazó continuar con la serie cuando empezó a advertir leves síntomas de agotamiento, rechazando una oferta millonaria de la NBC antes de dejar que el concepto cayera en la mediocridad). Pero lo que sin duda convierte a esta serie en un clásico indiscutible es la frescura que aún transmiten sus episodios: no importa los años que tengan o las veces que los hayas visto, porque aún sigues maravillándote con la manera en la que se entrecruzan todas sus subtramas y partiéndote de risa cada vez que Kramer entra por la puerta. O que Elaine dice ¡¡Venga ya!!. O que George se desespera buscando aparcamiento. O que Jerry compara algo con el Tercer Reich. O que...

* "Seinfeld" se emite de lunes a viernes a las 12:30 en Paramount Comedy (Digital +). Sus tres primeras temporadas ya han sido editadas en DVD en nuestro país, y la cuarta está disponible en Zona 1.

Hace tiempo que tenía Old Haunts en el punto de mira. Pensaba reservarla para la IIª Semana de Halloween de este blog, pero es que es tan rematadamente buena que no he podido resistirme a recomendarla ya mismo a todo el que no la conozca. Se trata de una colección de material gráfico de los Halloweens del pasado, que hace especial incapié en la década de los 60 y que ofrece estímulos tan irresistibles como ese post de Pin-ups halloweenianas que encabeza la página (aquí os pongo a Ann Rutherford, pero no os perdáis a Linda Darnell ni, sobre todo, a Deborah Walley).

Para los amantes de Halloween y de la cultura popular norteamericana, el placer que nos proporciona "Old Haunts" no se puede expresar en una frase que tenga final: digamos sólo que ver a Shirley Temple sosteniendo una calabaza en una foto promocional de la Fox (o anuncios cutres de casas encantadas de barrio) va a ser uno de los pocos recuerdos perdurables que, a buen seguro, me va a proporcionar este maldito y aburridísimo sábado de agosto.

NOTA: Debido a problemas del servidor, este blog (como todos los de Blogia) ha permanecido cerrado un día y pico. Parece que ya volvemos a estar accesibles, así que perdón por las molestias y entremos directamente en materia: ¿merece o no merece la pena visitar "La Isla"?

Es posible que la clonación humana (con las consecuencias éticas y científicas que conlleva) marcara el inicio de una nueva era en la ciencia-ficción: cuando la realidad supera la imaginación de autores pasados como Aldous Huxley o Frizt Lang, va siendo hora de que los autores presentes se pongan las pilas y lleven el tema hasta sus últimas consecuencias... antes de que la realidad científica les adelante y, de paso, agote el filón para siempre. Hasta ahora, las aproximaciones post-"Oveja Dolly" al tema han seguido dos directrices: a) el tratamiento ultraserio y circunspecto que, no obstante, era incapaz de evitar rozar el ridículo (con la película "El 6º Día" a la cabeza); b) el tratamiento lúdico y poco respetuoso con el debate científico que está generando todo esto (es decir, la serie animada Clone High y la conexión Kamino en la saga "Star Wars"). A medio camino entre ambos modelos, "La Isla" es una sólida y a ratos divertidísima propuesta fantacientífica de un Michael Bay que, probablemente, nunca haya oído hablar de Woo Suk Hwang, pero que desde luego sabe cómo rodar una maldita persecución de vehículos (en este caso, voladores) mejor que nadie en el mundo.

En realidad, estamos ante dos películas en una: por un lado, tenemos una primera mitad en la que Bay intenta demostrar que él también puede hacer ciencia-ficción adulta y basada en los personajes (con el Spielberg de "Minority Report" como transparente modelo a seguir). Homenaje a la vez que pastiche posmoderno de aquel cine de utopías/distopías tan de moda durante los años 60 y 70 ("La fuga de Logan", "Fahrenheit 451", la serie de televisión "El prisionero"...), este tramo de "La Isla" contiene un diseño de producción espléndido y algunas ideas francamente interesantes (entre ellas, una reflexión sobre la asepsia de las relaciones personales en un entorno sospechosamente parecido a los nightclubs modernos de ahora mismo o un pronóstico fascinante sobre el futuro de los videojuegos), pero lo cierto es que uno está deseando que empiecen a explotar cosas de una buena vez. Y justo cuando el espectador comienza a olvidarse de que está viendo una película del responsable de "Bad Boys II", Bay inicia uno de sus cinéticos maratones de escenas cumbre non stop que, no obstante, no es todo lo intenso (ni, ojo, tampoco todo lo descerebrado) que debería. Puede que su precipitado clímax final sea el culpable de que "La Isla" no sea un cóctel de acción tan memorable y contundente como "La Roca", aunque lo cierto es que es una bendición que Bay haya sido capaz de rodar una historia de amor increíblemente naïf sin caer en el sentimentalismo absurdo que lastraba "Armageddon" y "Pearl Harbor".

Al final, lo que tenemos es una competente película de acción con coartada fantástico-científica, servida por uno de los reyes indiscutibles del Blockbuster Veraniego que, pese a no haber filmado su mejor obra, parece haber desarrollado ciertos síntomas de madurez: es posible que el tema de la clonación se la sude, pero Bay se muestra capaz de trazar tenues paralelismos entre nuestra sociedad y la subterránea granja de clones-pólizas de seguros para ricachones, además de realizar una reflexión (festiva, asombrosa y probablemente inconsciente) sobre la fama y la cultura audiovisual que ya quisiera para sí el Soderbergh de "Full Frontal": el personaje de Scarlett Johansson se da cuenta de la vacuidad de su existencia... a través del anuncio de Calvin Klein protagonizado por la verdadera Scarlett Johansson. Justo antes de protagonizar una persecucíón aérea y sobrevivir ilesa a una caída de setenta pisos, claro.

Surgida de la imaginación de una Courtney Love poseída por la fiebre otaku y convertida en realidad gracias a los talentos de Ai Yazawa y Misaho Kujiradou (con la colaboración de DJ Milky), Princess Ai es una heroína extraterrestre de manga heterodoxo que ya lleva a sus espaldas dos volúmenes recopilatorios y una serie de anime televisivo. Sublimación fantástica de la biografía de su creadora, esta princesa alienígena que aterrizó en nuestro planeta para convertirse en estrella de rock es uno de los proyectos más personales de la ex líder de Hole, además de uno de los personajes más queridos por los amantes del shojo (manga cuya audiencia potencial son las adolescentes, pero que precisamente por eso gustan a toda persona con dos dedos de frente).

Bleeding Edge acaba de sacar al mercado una colección de muñecas de doce y siete pulgadas basadas en el personaje: ya sea en versión pseudo-gótica o ataviada de lolita angelical, no hay duda de que esta Princess Ai de vinilo hará las delicias de sus seguidores en todo el mundo. Mi favorita, claro, es esta "Rock 'n' Roll Ai" que he puesto en la foto, más que nada porque me recuerda a la Courtney de "Celebrity Skin". Lo mejor es que cuestan sólo quince dólares más gastos de envío: ¿quién puede decir que no a algo así?

Frank, saludando a su público tras su actuación en los Kensington Gardens

1) El pasado sábado 6 de agosto, los darkorófilos londinenses tuvieron la oportunidad de asistir a un evento único (avistado por Dani Lebowski en su visita a la ciudad): un pase al aire libre de "Donnie Darko" en plenos jardines de Kensigton, con la National Symphony Orchestra interpretando la banda sonora a las órdenes de Gary Jules. Lo cierto es que el pase fue un éxito total, ya que las entradas se vendieron a una velocidad espasmosa, por no hablar de las cifras astronómicas que alcanzaron las reventas en eBay. Todo esto no hace más que revalidar el estatus de gran película de culto que posee la opera prima de Richard Kelly, además de obligarnos a formular de nuevo la misma pregunta: ¿a qué espera su distribuidora española para estrenar en nuestras salas el Director's Cut? Y si hay que empezar a recoger firmas, se empieza.

2) "Domino" estrena (por fin) página web oficial, que ya iba siendo hora. No obstante, la espera ha merecido la pena: sin llegar a las cotas de excelencia de las de "Donnie" o "Southland Tales", la web de la nueva película de Tony Scott potencia aún más nuestras ganas de verla. Básicamente, consiste en un puñado de falsos pop-ups que se abren sobre la conocida foto de los tres cazarrecompensas apoyados en la pared de un drugstore, además de contener una pequeña biografía de Domino Harvey y montones de cosas para descargar. Sin duda, lo mejor es la parodia de las webs de pago, además de la sección "Bounty Hunters Quartely" (con sorpresas escondidas) y un poco de esa iconografía religiosa a la que Scott parece haber cogido cariño tras su enmudecedora "El fuego de la venganza". ¡Ah!, y si queréis echarle un vistazo al nuevo trailer, aquí lo tenéis: Keira Knightley disparando dos metralletas, Christopher Walken dirigiendo un reality show, Mickey Rourke con bigote, tiros, explosiones, Tom Jones y chicas en ropa interior pegándose puñetazos. ¿Alguien da más?

3) Los tipos que llevan la página no oficial de Kelly han abierto dentro de la misma un blog sobre el recién iniciado rodaje de "Southland Tales". Por ahora, no hay más que dos posts (aunque cuando empecé a escribir este "Kellyrama" había sólo uno, lo cual puede ser un síntoma de la velocidad posteadora que puede alcanzar este flamante blog), uno de ellos con tres buenas fotos de Kelly rodando en la playa y otro que nos asegura que el casting ya está prácticamente completado (quedamos a la espera de un comunicado de prensa que nos aclare de una vez por todas quiénes van a acompañar al Trío de Ases, es decir, Gellar-Scott-El Rockarino). Presiento que este blog nos deparará muchas y muy jugosas noticias sobre el Rodaje del Año, así que no conviene perderle la pista.

Cuentan que cuando Michael Eisner (quien, en 1984, fue encumbrado hasta lo más alto de la Disney por los mismos ejecutivos que ahora piden su cabeza) visitó el rodaje de "Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra", se volvió literalmente loco de ira. ¿Contratamos al actor más sexy del planeta y luego resulta que tiene esa pinta?, exclamó un enfurecido Eisner al ver la arriesgada caracterización de Johnny Depp como el capitán Jack Sparrow. El comandante en jefe no era el único ejecutivo de la Casa del Ratón que pensaba que la aventura pirata de Depp tenía serias posibilidades de convertirse en el golpe de gracia de esta zozobrante empresa multimedia (que, no obstante, empezó siendo un modesto estudio de animación). No estaría de más recordar que, en la primavera de 2001, un Eisner lleno de orgullo declaró que su estreno veraniego de aquel año era lo más parecido a un éxito seguro que se puede encontrar en este negocio. El título de aquel estreno era, por supuesto, "Pearl Harbor".

El libro DisneyWar: The Battle for the Magic Kingdom, del siempre interesante James B. Stewart, no sólo habla de esta considerable ceguera que parece poseer a los ejecutivos disneyanos a la hora de valorar sus películas de imagen real, sino que también es una acertada crónica de la decadencia de un imperio que, hace unas pocas décadas, era sinónimo de entretenimiento multimillonario. También es la historia de Eisner y Jeffrey Katzenberg, dos amigos unidos por sus ansias de dólares y más tarde enfrentados exactamente por la misma razón: en las manos de estos dos titanes del corporativismo, Disney empezó a parecerse más a una multinacional sin alma en la que importaban más los negocios a gran escala que la creatividad de unos artistas (los animadores) que se veían, irremediablemente, superados por las circunstancias. Eisner resumía sus prioridades de la siguiente manera: Nosotros no estamos obligados a hacer arte. Nosotros no estamos obligados a hacer historia. Nosotros no estamos obligados a hacer algo remarcable. Pero, para poder hacer dinero, a veces es importante hacer historia, hacer arte, hacer algo remarcable.

A lo largo de sus más de 500 páginas, Stewart narra el proceso de lenta pero segura autodestrucción en el que está sumida la compañía: en ese sentido, su decisión de no producir más largometrajes de animación tradicional no es más que un síntoma de cómo está el patio. Bajo la dirección de Eisner, Disney se ha enfrentado a algunas de sus peores pesadillas: la fundación de una compañía rival (DreamWorks) a manos de un listillo (Katzenberg) al que ella misma le había enseñado todos los trucos, la -finalmente fallida- decisión de producir una de las películas más controvertidas de los últimos tiempos ("Fahrenheit 9/11"), el abandono de su más sólido bote salvavidas (Pixar), la guerra contra los hermanos Weinstein, la llegada de un inepto heredero del Padre Fundador (Roy E. Disney) que venía a reclamar lo que es suyo... No obstante, como el propio Stewart se encarga de aclarar al final de su libro, DisneyWar está muy lejos de haber acabado; y el nombramiento en septiembre de este año de Robert Iger como sustituto de Eisner no parece inspirarle mucha confianza al autor. Al fin y al cabo, muy difícil lo tiene este nuevo jefazo si pretende hacer entrar en razón a un grupo de ejecutivos que, según lo que nos cuenta Stewart, se parece cada vez más a un capítulo de "The Office". O de "Los Simpsons".

Todo el que haya visto "Shaun of the Dead" (o, si preferís, "Zombies Party") sabe que se trata de una película tremendamente buena, pero también tremendamente elitista. Me explico: al igual que "Kill Bill" o "Cliente muerto no paga", la primera película del dúo Edgar Wright-Simon Pegg es tan sumamente ultrarreferencial que sólo puede ser comprendida y disfrutada en su totalidad por los fanáticos del cine zombi. Ni que decir tiene que "Shaun" está tan perfectamente llevada que le puede gustar incluso a alguien que no tenga ni idea de quién demonios es Lucio Fulci, pero lo cierto es que Wright y Pegg supieron escribir entre líneas suficientes guiños, referencias y codazos cómplices como para ganarse un (merecido) hueco en el corazón de todo zombiadicto. "Shaun" es una película hecha por y para fanáticos de los muertos vivientes, y que se joda el resto: por eso, y no por otra cosa, se ha convertido en una gran película de culto en tan poco tiempo.

Pues bien, fans de "Shaun of the Dead": ¿qué harías si descubriérais que vuestra comedia romántica con zombis favorita no es ni la mitad, pero ni la mitad de referencial que la serie de televisión de la que surgió? Bueno, lo más seguro es que a estas alturas todos hayáis oído hablar/visto/comprado en DVD los catorce capítulos que integran las dos gloriosas temporadas de Spaced, pero este post va para los afortunados que aún no la conocen y que, por tanto, no saben lo que les espera. Porque aunque así, mal contado, el argumento de "Spaced" no se diferencia mucho del de cualquier otra sitcom (un dibujante de cómics y una aspirante a escritora alquilan un piso en North London fingiendo que son pareja, con hilarantes resultados y vecinos que lo son aún más), lo cierto es que estamos ante una de las series más revolucionarias de los últimos años: desde su formato cinematográfico hasta su montaje espídico, "Spaced" comparte con muchas teleseries británicas de última generación (dos de ellas aparecerán próximamente en esta sección) la característica de no parecerse a casi nada que se haya hecho antes.

Pero lo que de verdad hace única a "Spaced" es su ya comentada lujuria referencial, que en ocasiones va un paso más allá de la exhibida por Seth McFarland en su soberbia "Padre de familia": aquí los guiños a Sam Raimi, a "Encuentros en la Tercera Fase" o a la revista "2000 AD" no funcionan simplemente como chistes ocasionales, sino que incluso pueden formar parte de la trama de un episodio. Así, "Spaced" es una ficción autoconsciente, que se nutre de otras ficciones para componer un discurso personal e intransferible. Es casi imposible condensar aquí los mejores momentos de la serie, pero ahí van algunos ejemplos que (espero) os animen a verla: cuando a Tim (Pegg) le echan del trabajo por culpa de su odio irracional hacia Jar-Jar Binks, cuando alguien recuerda el intento del ex-soldado Mike (Nick Frost, también presente en "Shaun") de invadir EuroDisney con su tanque, aquel capítulo en el que Tim se echa una partida al "Resident Evil" completamente empastillado, Daisy (Jessica Stevenson) bailando el "Time Wrap" en la fiesta rancia del segundo episodio... Y, por supuesto, las referencias: hay tantas que el DVD de la segunda temporada incorpora un "Homage-o-meter", que aparece en pantalla para explicárnoslas. Un detalle, sin duda.

* Las dos temporadas de "Spaced" se pueden encontrar en DVD Zona 2 (UK), aunque también se pueden encontrar por otros medios más, digamos, alternativos...

Vale, esta mañana no tengo mucho tiempo, pero tengo dos enlaces como dos soles que me gustaría publicar aquí antes de que se me olvide (o surja algo mejor, no sé). En principio, las dos páginas que os dejo que aquí no parecen tener nada en común, pero sí que lo tienen: ambas han sido halladas mientras este bloggero buscaba material para unos posts wraroswraroswraros sobre sexo y música pop que, a este paso, saldrán a la luz para el mes de noviembre o así (siento ser tan incréíblemente vago e inestable). Así que ya sabéis lo que une a una empresa que se dedica a limpiar y ordenar escenas del crimen y una tribute band de Madonna formada íntegramente por hombres.

Empezamos con Aftermath, Inc. (no me preguntéis cómo llegué hasta ella porque no me acuerdo, pero os aseguro que fue buscando el origen de los videoclips semieróticos). Se trata de un grupo de especialistas que aparecen inmediatamente después de una muerte horrible (si les llaman, se entiende, aunque probablemente estén trabajando para mejorar eso) con el objetivo de limpiar, recoger y descontaminar los lugares donde haya acontecido un suicidio, un homicidio o una muerte inesperada. No sólo eso, sino que los chicos de Aftermath también se preocupan de los familiares y amigos del finado, a los que ofrecen asistencia para superar esos momentos tan duros (por ejemplo, el recuerdo de la cabeza reventada de su hijo adolescente tras practicar un suicidio ritual a ritmo del último disco de su artista neo-gótico preferido, o el cuello roto de su abuela al salir de la bañera). Si hasta tienen un libro: "Aftermath: Cleaning Up After CSI Goes Home", del periodista Gil Reavill, autor también de Smut: A Sex-Industry Insider (and Concerned Father) Says Enough is Enough. ¡Ah, aquí estaba la conexión sexo-MTV!

Y ahora, amigos y vecinos, llega Mandonna (The all-male all-live tribute band to the Material Girl). Lo cierto es que a mí el cantante me recuerda poderosamente a alguien, pero no sé decir muy bien a quién. Lo mejor es la sección de vídeos, aunque requiere unos niveles de tolerancia al gay kistch bastante elevados (sobre todo las coreografías de "Open Your Heart" y "Like a Virgin"). No obstante, su cover de "Papa Don't Preach" deja mucho que desear, sobre todo si la comparamos con la de Kelly Osbourne. ¿Para cuándo una banda femenina que interprete exclusivamente canciones de KISS? Si no existe ya, claro...

"Sin City" es, por encima de todo, una historia de amor. Ya lo era en su formato original, aquel cómic fundacional con el que Frank Miller rendía tributo a un género (el noir) que amaba tan profundamente que uno casi podía respirarlo en cada viñeta, en cada monólogo interior y en cada dibujo. Por supuesto, ese amor por el hard-boiled también está presente en su adaptación cinematográfica, ya que está muy claro que Robert Rodríguez comparte con Miller su pasión por ese universo chandleriano en el que conceptos como honor, lealtad o venganza parecen regirlo TODO. Por último, las tres historias elegidas para este "Sin City" cinematográfico son también tres de las historias de amor más heterodoxas (pero también más conmovedoras) que hemos visto en pantalla en lo que va de año: "The Hard Goodbye" y "That Yellow Bastard" hablan de redención y de un amor tan blanco y puro que sólo puede acabar en tragedia, mientras que "The Big Fat Kill" nos cuenta un romance agresivo y desesperado entre dos personas que nunca podrán estar juntas... pese a que estén hechas la una para la otra. Pero pese a que "Sin City" sea una historia de amor, aquí no hay lugar para la cursilería: la película es todo lo sórdida, oscura, violenta e implacable que deseábamos. Y puede que un poco más.

Probablemente, estamos ante la primera adaptación realmente fiel de un cómic jamás filmada, y esa es al mismo tiempo la mayor virtud y el talón de Aquiles de esta película: no descubre nada nuevo para todo aquel que ya se haya leído los tebeos, pero eso es precisamente lo que los fanboys puntillosos llevan décadas pidiendo. Su estructura narrativa tampoco es ninguna novedad, y Rodríguez no pretende camuflar en ningún momento su inmensa deuda hacia el "Pulp Fiction" de Tarantino (que aquí ejerce como director invitado en una intensísima y lluviosa escena de carretera). De todos modos, no podemos quejarnos, ya que el tádem de lujo Rodríguez-Miller nos sirve exactamente lo que queríamos, y lo hace de manera espectacular: consiguen dar vida en la gran pantalla a una obra complejísima que, en otras manos, hubiera sido un francaso artístico colosal; y lo hacen apoyados en un reparto impecable (Bruce Willis, Mickey Rourke y Rosario Dawson a la cabeza) que consigue hacer creíbles a unos personajes que habitan en un Universo Paralelo muy distinto al nuestro. No obstante, el verdadero triunfo de "Sin City" está en su condición de primer paso hacia un tipo de cine futuro (refundición de todos los cines pasados) cuyas posibilidades aún no podemos ni imaginar.

Supongo que a vosotros/as, como a toda persona de bien, os gusta la música pop francesa de los años 60. Yo no entiendo (casi ni) una palabra del idioma, pero es oír a Serge Gainsbourg y volverme loco. De todos modos, tengo que confesar que mi afición por las canciones galas comenzó hace tan sólo un par de meses, así que la ayuda que me prestan dos páginas tan remarcables como Slipcue E-Zine y The Ye-Ye Girls es incalculable. Os recomiendo de todo corazón que os paséis por ellas y que, de paso, conozcáis a France Gall, la rubia de la foto. Nacida en París allá por 1947, France se hizo famosa al representar a Luxemburgo en el Festival de Eurovisión de 1965, donde cantó ese "Poupée de cire, poupée de son" que le haría ganar el concurso con una facilidad pasmosa. Considerada por muchos como el equivalente francés de la inefable Twinkle, France Gall representa (junto con otras ninfas como Sylvie Vartan o Brigitte Bardot) el primer eslabón de una cadena de superhembras del pop francófono que desemboca en nuestra Alizée.

Pues eso, que si queréis ser los Kings of the Divan no tenéis más que entrar en las dos páginas que os indico ahí arriba y, probablemente, poner a funcionar el Soulseek. O cualquier aparato similar.

Supongo que esto era inevitable, señor Anderson. Aún así, hay que reconocer que la cosa no deja de tener cierta gracia.

De Catholic Online (extracto), vía Relapsed Catholic :

'Just as Keanu Reeves fought against the powers of evil, a priest comes to help people fight against sin. There is a battle out there', explained Father Jonathan Meyer, associate director of youth and young adult ministry for the Archdiocese of Indianapolis.

Os recomiendo que leáis la noticia completa, porque no tiene desperdicio. Siento no poder postear algo más consistente hoy, pero mi conexión a internet lleva todo el día haciendo cosas raras y absurdas. No obstante, os invito a que os paséis por aquí mañana: habrá chocolate, ardillas trabajadoras, Oompa-Loompas y un ascensor de cristal.

Roald Dahl no sólo es uno de los mayores constructores de las fantasías que alimentan el imaginario colectivo anglosajón, sino que también fue uno de los autores de literatura infantil que mejor supo comprender a sus potenciales lectores: sus obras no menosprecian en ningún momento la inteligencia de su público, tratando al lector infantil con un respeto similar al de los grandes escritores del género (de J.M. Barrie a J.K. Rowling, pasando por Antoine de Saint-Exupéry o el Dr. Seuss). "Charlie y la fábrica de chocolate" es, probablemente, su obra más importante y quintaesencial, la que mejor define su poética y (con permiso de su guión para "Chitty Chitty Bang Bang") la que más hondo ha calado en varias generaciones de admiradores. No hay más que contabilizar el número de referencias/homenajes/parodias que ha generado desde su publicación en 1964 para darse cuenta de la relevancia cultural de este relato azucarado (que no empalagoso) con una pizca de veneno en su interior.

Con la segunda adaptación a la gran pantalla de "Charlie y la fábrica de chocolate", Tim Burton se enfrentaba a uno de los mayores desafíos de su carrera: por un lado, tenía que estar a la altura de las expectativas de millones de espectadores para los que la historia de Dahl (y/o la versión cinematográfica de 1971) forma parte de su disco duro neuronal; por otro, debía contentar a una gran parte de sus seguidores que, tras sus últimos y poco personales trabajos, empezaban (empezábamos) a darle por perdido. Por suerte, Burton ha superado el reto con creces: al igual que hizo con sus otros dos referentes primordiales (Edward Gorey y el Dr. Seuss) en "Pesadilla antes de Navidad", el cineasta ha filtrado la prosa de Dahl a través de su poética personal, convirtiendo el material de partida en algo nuevo a la vez que viejo, en un viaje único a través de un universo imaginario cimentado en la nostalgia pop, en un producto (en suma) puramente burtoniano. Así, este nuevo "Charlie" es Tim Burton en estado químicamente puro: un festival de sabores exóticos que le reconcilia con su portentoso alter ego -Johnny Depp, que en ocasiones parece poseído por el espíritu del mítico Pee-Wee Herman-, le ayuda a descubrir nuevos colores en su paleta creativa, le deja explorar rincones del alma de su protagonista que Dahl había pasado totalmente por alto (la relación entre Willy Wonka y su sombrío padre, que alcanza su cénit en una maravillosamente cruel secuencia halloweeniana) y le permite pulsar todas las notas de la emoción cinematográfica. "Charlie y la fábrica de chocolate" no sólo es la mejor película de Burton desde "Sleepy Hollow", sino que además logra hacernos sentir a todos igual de maravillados que Charlie Bucket mientras cruza el umbral hacia un mundo de fantasía.

Se avecina un otoño movidito para todo coleccionista de juguetes pop que se precie: las últimas novedades de la industria juguetera ya empiezan a asomar la cabeza, y no os quepa la menor duda de que esto va a ir en aumento a medida que nos acerquemos a Halloween. Por eso, me he tomado la molestia de elaborar una pequeña guía para que el comprador de muñecos de importación no se paralice ante el aluvión de estímulos que se nos viene encima (por supuesto, los criterios de selección han sido total y absolutamente subjetivos, así que no os cortéis si queréis añadir o puntualizar algo). Vamos allá:

1) Buffyverso: Abrimos el fuego con la biblioteca del Instituto Sunnydale, reproducida con un buen gusto y una atención por el detalle sencillamente impresionante. Por desgracia, este playset no lleva figuras incluidas, pero supongo que todo el que se lo compre ya tendrá algún o alguna Scooby de plástico para rellenarlo. Por si esto fuera poco, también nos llega la segunda colección de Buffy PALz (ya sabéis, esos muñequitos tan majos hechos de ladrillos), con cebos de la talla de Drusilla, Oz, Cordelia o The Gentlemen, a los que todos recordamos por el sublime episodio titulado "Hush". ¿Quién dijo que "Buffy" se había acabado?

2) Harry Potter: Por desgracia, LEGO y Gentle Giant Studios continúan con su política de fabricar juguetes basados en las películas, lo que significa que aún tendremos que esperar unos años para tener nuestros muñecos de Dolores Umbridge, Tom Riddle niño, Tonks, Bellatrix Lestrange o Horace Slughorn (por no hablar de nuestras reproducciones a escala 1:1 de los Horcruxes de Lord Voldemort...). Por ahora, tendremos que conformarnos con el busto de Sirius Black, el barco de Durmstrang, el Autobús Noctámbulo, Remus Lupin o la versión LEGO del final de "Harry Potter y el Cáliz de Fuego". Lo cual, hay que admitirlo, tampoco es poco.

3) Marvel: Yo tengo una necesidad imperiosa de comprarme esta radiante X-23 de Toy Biz, pero lo cierto es que hay más novedades marvelitas que merecen la pena, como El Vigilante (uno de mis favoritos de todos los tiempos, amigos), la edición Premium de la Elektra frankmilleriana, la carísima estatua de Thor o los Minimates de Los 4 Fantásticos. Aún así, si tuviera que quedarme con una sola figura, esta sería X-23. Sin ningún género de dudas.

4) Donald Trump: Parece ser que alguien ha oído nuestras plegarias y ha fabricado un muñeco parlante de Donald, preparado para desembarcar en las tiendas el mes que viene. El propio millonario playboy parece estar encantado con la idea de tener una réplica de doce pulgadas que nos grite ¡Estás despedido!, tanto que se personará en el Toys'R'Us de Times Square en su fiesta de lanzamiento (que se antoja apoteósica). Como diría el propio Donald: As long as your going to be thinking anyway, think big.

5) Películas: ¡Yippee-Kai-Yay! Los euroterroristas (y sus hermanos) están temblando: John McClane ha vuelto, esta vez en forma de figura PALz con aspecto desaliñado y muy mala hostia. Ahora ya podremos recrear en nuestra propia casa el Mejor Blockbuster de la Historia (marca registrada), ya que los chicos de Palisades también nos traen figuras de Hans Gruber, Al Power, Argyle, Ellis, Karl e incluso Holly Generro/McClane. No acaba ahí la cosa, porque el cinéfago también podrá dejarse el sueldo en maravillas como la máscara de V, el peluche parlante de Napoleon Dynamite, Willy Wonka o Tom Savini zombificado ("Land of the Dead"). Aún así, seguimos esperando las figuras de 18 pulgadas de "Chicas malas". Esperando pacientemente.

6) Ositos Ramones: Para terminar, estas irresistibles bolas de pelo interpretando "The KKK Took my Baby Away" (o puede que "Sheena Is a Punk Rocker", no estoy seguro). No me digáis que Joey no es adorable. Más en Toxic Teddys.com.

1) Superman Returns: Sí, ya sé que estáis pensando que todavía es muy pronto para que tengamos un trailer de la película de Bryan Singer, pero es que esto no es exactamente un trailer... aunque se le parece mucho. Al menos, en parte. Me explico: ayer apareció en Blue Tights (el diario virtual de rodaje que se ha montando Singer a imagen y semejanza de Peter Jackson) la última entrega de los "Bryan's Journals", pequeños clips de vídeo en los que el realizador va documentando, paso a paso, la creación de una de las películas clave de 2006. La mayoría de ellos incluyen muchas entrevistas y storyboards, pero este último contiene las primeras imágenes editadas y terminadas de "Superman Returns" que hemos podido ver hasta ahora. No sólo eso, sino que también es una crónica divertidísima de la visita de Singer y su equipo a la Comic-Con de San Diego: ver al director de "X-Men" (supongo que víctima del jet-lag) afirmar que Lobezno posee sólo una garra no tiene precio, pero ver a Superman en el balcón de Lois Lane tampoco. Confiemos en que este Hombre de Acero sea más interesante que la gris Patrulla X cinematográfica, y esperemos impacientes hasta julio del próximo año para comprobarlo.

2) Aeon Flux: Creada por el animador coreano Peter Chung y elevada a los altares de la cultura pop gracias a la mítica "Liquid Television" de la MTV, Aeon Flux es una de las heroínas más ambiguas y surrealistas de la ciencia-ficción animada. Los episodios de su serie eran espídicas y violentas descargas de energía visual que solían terminar con la muerte de la propia Aeon a manos de sus enemigos (ya fueran estos clones, robots, agentes dobles, alienígenas extraños o su propio amante). Por si esto fuera poco, "Aeon Flux" estaba trufada de referencias al sexo chungo y parodias sangrantes del cine de acción hollywoodiense. La pregunta es: ¿cómo una serie como esta ha terminado convirtiéndose en un vehículo para Charlize Theron? Tanto su trailer como su web oficial dan la impresión de que se trata de una cinta de acción futurista apetecible, incluso dotada de cierta inventiva visual, pero basada muuuuuy ligeramente en el personaje de Chung. No obstante, la presencia tras las cámaras de Karyn Kusama ("Girlfight") es incentivo suficiente para acudir al multicines cuando toque (seguramente a principios de año) y ver en qué ha acabado todo esto.

3) Jarhead: La tercera película de Sam Mendes llegará a las pantallas norteamericanas en noviembre dispuesta a iniciar la batalla por el Oscar, pero ya está disponible su primer y muy prometedor avance. Tras la notable "Camino a la Perdición", Mendes ha sabido rodearse de un soberbio elenco actoral (Jake Gyllenhaal, Jamie Foxx, Peter Sarsgaard y Chris Cooper) para adaptar la polémica novela autobiográfica de Anthony Swofford, que narraba sus experiencias como Marine en la Arabia Saudí pre-Tormenta del Desierto. El trailer parece indicar que el tono del film será más similar al de "Tres reyes" o "Buffalo Soldiers" que al de, pongamos por caso, "Cuando éramos soldados". Lo cual, admitámoslo, solo puede ser una buena noticia. Lamentablemente, un guión firmado por William Broyles Jr. ("El Planeta de los Simios 2001", "Polar Express") no tiene pinta de ser tan buena noticia...

Are ya ready kids?
I said are ya ready?

Who lives in a pineppple under the sea?
SpongeBob SquarePants
Absorbent and yellow and porous is he
SpongeBob SquarePants
If nautical nonsense be something you wish
SpongeBob SquarePants
Then drop on the deck and flop like a fish
SpongeBob SquarePants

SpongeBob SquarePants
SpongeBob SquarePants
SpongeBob SquarePants
SpongeBob SquarePants!

¿Quién nos iba a decir que la biología marina podía llegar a ser tan divertida? Stephen Hillenburg es la prueba viviente de ello: estamos hablando del creador de una de las series de animación más chispeantes e imprevisibles que han surgido en el canal Nickeoldeon desde la triste cancelación de "Ren & Stimpy". "Bob Esponja" (o, mejor, "SpongeBob SquarePants") es capaz de conjugar el anárquico sentido del humor de Pee-Wee Herman con el estilo de John Kricfalusi, de hablar en dual a los televidentes mocosos y a los adolescentes porreros (principales fans de la serie), de provocar la ira de los fundamentalistas cristianos con una simple cover de "We Are Family" y de convertirse en todo un icono cultural en menos de cinco años. Entre otras cosas.

Si aún no os habéis dado una vuelta por la ciudad submarina de Bikini Bottom, no sé a qué esperáis: los episodios de "SpongeBob" contienen tantas sutilezas, referencias, ideas de guión brillantes y dobles sentidos como cualquiera de "Los Simpsons" o "Padre de familia". Así que no os dejéis engañar por su apariencia de serie infantil y sumergíos sin miedo en las aguas del sinsentido náutico de la mano de SpongeBob (eso sí, en inglés, que el doblaje es malísimo). Si no sabéis por dónde empezar, mi sugerencia es que lo hagáis por una de las mejores películas del año: Scarlett Johansson prestando su embriagadora voz a una sirena mucho más creíble que su personaje en "Lost in Translation", una banda sonora de antología, desconcertantes giros metalingüísticos en forma de película de piratas y David Hasselhoff haciendo de Deus ex Machina deberían ser incentivos de sobra para enganchar a cualquiera a la serie.

* "Bob Esponja" se emite actualmente en el canal de pago Nickelodeon y, los fines de semana, en "Megatrix" (Antena 3).

Por muy manido que suene, el futuro es ahora. Cuando creíamos que nos estábamos recuperando del recuerdo de Repliee R1, surgen tres nuevas noticias proto-cyberpunks que nos vuelven a alertar sobre los peligros de la robótica. Por si fuera poco, acabo de leer unas declaraciones del científico futurólogo Ian Pearson, en las que afirma que el escenario de máquinas-rebelándose-contra-seres-humanos que describía James Cameron en "Terminator" será perfectamente plausible dentro de unos años. La única diferencia es que los humanos no ganarían la guerra ni con John Connor: si las máquinas inteligentes deciden que nos les gustamos, entonces estamos jodidos. Así de simple.

Hablando de "Terminator", os presento al TerminatorBot, una especie de brazo mecánico basando en el famoso T-800 (dato curioso que no tiene nada que ver: ¿sabíais que, salvo "Titanic", todas las películas de James Cameron incluyen una explosión nuclear?). Sorprendentemente, el artilugio no ha sido diseñado por SkyNet, sino por DARPA Distributed Robotics, y creo que sirve para manipular cosas y escalar paredes a una velocidad de vértigo. De todos modos, yo le veo mucha más utilidad al Juke Bot, otra especie de brazo móvil que pincha discos de vinilo con una efectividad que ya quisieran muchos (de hecho, este robot es a la vez discjockey y tocadiscos). Como decía Morrisey, colguemos al DJ, porque parece que ya no lo vamos a necesitar.

Pero no todos los robots son tan inofensivos como estos dos: poca broma con los que vienen ahora, amigos y vecinos. Porque el hecho de que un superordenador prediga que se va a cometer un crimen debería hacernos reflexionar a todos (o volver a leer a Phillip K. Dick, lo que venga primero). Dos personas fueron arrestadas exactamente a la misma hora y en el mismo lugar en el que la máquina de la policía de Nueva York dijo que ocurriría, convirtiéndose así en los primeros ladrones de poca monta que son arrestados por un ordenador. Puede que, dentro de unos años, la policía ya disponga de una unidad de Robots Kendo para castigar este tipo de crímenes: se trata de unos engendros mecánicos que saben artes marciales y no dudan en utilizarlas, lo cual les convierte en los tatarabuelos entrañables de ese ED-209 que salía en "RoboCop" y que, a buen seguro, les dará a nuestros nietos veinte segundos para arrojar al suelo la botella de whisky cuando les pille bebiendo en la vía pública. Así que este es el futuro de la policía.

Wishline era un canal de televisión por satélite (Astra, para más señas) desaparecido hace unos años. Para el que no tuviera la suerte o la desgracia de conocerlo, digamos que la totalidad de su programación consistía en la emisión non stop de anuncios de lujo pensados para atraer la atención de un público ideal que, lógicamente, no existía. Así, los vídeos de suntuosas mansiones en la Provenza francesa (equipadas con pista de tenis, yate de dos plantas e incluso avión privado) no estaban destinados tanto para ese hipotético comprador capaz de desembolsar las cantidades que se indicaban al final de cada anuncio, sino para ponernos los dientes largos al resto de la Humanidad. Dicho de otro modo, Wishline era lo más cerca que íbamos a estar todos nosotros de ese inalcanzable mundo de lujo y glamour, era nuestra única manera de sentirnos alguien (o, al menos, de saber qué se siente siendo alguien). Puede que "Sr. y Sra. Smith" sea la versión cínica -o posmoderna- del canal Wishline: aparentemente, se trata de una fábula sobre la crisis matrimonial narrada en forma de blockbuster espectacular, pero ese es sólo su significado más obvio. La última película de Doug Liman es, en realidad, un lujoso y metafórico anuncio de la vida de dos paradigmáticas estrellas de Hollywood que, también, parece pensado para ponernos los dientes muy largos.

Decía el crítico Sergi Sánchez que "Ocean's Twelve" (película con la que "Sr. y Sra. Smith" comparte un empeño por reformular el concepto de cool movie, un marcado descreimiento narrativo y a Brad Pitt) era una película sobre Nada, del mismo modo que "Seinfeld" era una serie sobre Nada. Al igual que el film de Soderbergh, esta deconstrucción destructiva de comedia romántica no gira en torno a nada en concreto, es decir, no está construida alrededor de una trama mínimante creíble, sino que gira sobre sí misma. Del mismo modo, Brad Pitt y Angelina Jolie no interpretan tanto a sus personajes como a ellos mismos: la camiseta de "El Club de la Lucha" que luce un secundario o el hecho de que Jane Smith fingiera colaborar en causas humanitarias no hacen sino confirmar que estamos ante un rarísimo ejemplo de película confesional, en la que estos dos astros parecen reflexionar de cara a la audiencia sobre la vacuidad de su vida como héroes de cine de acción. El resultado final es bueno, contiene secuencias memorables (la pelea doméstica, las conversaciones con el terapeuta, el tango en el restaurante), pero no lleva su juego metalingüístico tan lejos como ese "Ocean's Twelve" que se reía de su audiencia de una forma que lindaba con lo magistral. No obstante, su clímax en un gran almacén sospechosamente parecido a IKEA (es decir, el simulacro del simulacro del simulacro de un hogar normal) es uno de las aproximaciones al metalingüísmo barthiano -o fosterwallaciano- más certeras que nos ha ofrecido Hollywood hasta ahora. "Sr. y Sra. Smith" es la manera que tiene un blockbuster veraniego de decirnos que la realidad está hecha de capas.

Panini Comics acaba de publicar en España el primer número de "Special Ultimates & Ultimate X-Men", una miniserie (bueno, en realidad tres) guionizada por Warren Ellis y dibujada por Trevor Hairsine que, como habréis podido adivinar, es el sueño húmedo de todo aficionado a la cosa esta de los "Ultimates". Pero en el post de hoy no voy a instaros a que compréis este cómic (que también), sino a informaros de una de las sorpresas que nos tiene preparadas la Casa de las Ideas para este otoño. Se trata de una revisión/reimaginación de algunos de los personajes más olvidados del sello: los Marvel Classic Monsters, unas criaturas horribles (pero multicolores) que surgieron de la siempre fértil imaginación de Jack Kirby allá por los años 70. A partir de octubre tendremos a nuestra disposición esta miniserie de cuatro números en la que podremos volver a ver en acción a personajes como Devil Dinosaur, en historias completamente nuevas que correrán a cargo de Eric Powell, Roger Langridge, Mark Farmer, Jeff Parker o Keith Giffen, entre otros. Es evidente que la aparición de algunos míticos del Universo Marvel como Hulk o La Bestia será uno de los principales reclamos de esta arriesgada aventura, así como ese innegable componente nostálgico que atraerá a los marvelitas de la vieja escuela. La pregunta es: ¿qué hacemos los de la nueva escuela? No sé por qué, pero me da la impresión de que este "Marvel Monsters" va a ser lo suficientemente bizarra e inteligente como para gustarnos a todos. Espero no equivocarme...

Últimamente este blog va increíblemente lento, ¿no? Como siempre, pido disculpas y os aseguro que la culpa no es de un servidor, que ya bastante tiene con lo suyo. El asunto del éxodo de Blogia es tentador, pero esos entrañables (para mí, claro) posts atrasados, archivados tan pulcramente en la columna de la derecha... ¿Qué sería de ellos? De lo que no me cabe la menor duda es de que si algún día inauguro ese segundo blog que tengo en mente desde hace un par de meses, será el Blogger o en La Coctelera. De todos modos, no creo que eso vaya a ocurrir en un futuro próximo, aunque quién sabe.

El caso es que hoy tenía pensado hablaros de The Descent, la mejor película de terror del año so far (no os perdáis su estreno el 2 de septiembre, en cines, que una película tan atmosférica no se puede ver en casa pirateada), o del injustamente olvidado Robert Coover, o de Veronica Mars, la serie más imprescindible de ahora mismo. Pero todo eso pasó a segundo plano cuando descubrí ESTO. El enlace habla por sí mismo, así que no creo que sea necesario añadir ningún comentario (sobre todo si este incluye los conceptos cheerleader, metáfora y Sueño Americano). Si os gusta, aquí tenéis más: ¿estaremos ante la revista más irresistiblemente necia del panorama? Yo creo que sí, y añado que me gustaría concer a los que estén suscritos. Para terminar, la versión oscura (bueno, aún más oscura) de todo esto: The Satan's Cheerleaders (basadas, supongo, en la peli de culto del mismo título) y el disfraz de Zombie Cheerleader que sale en la foto.

Saludos de parte de un bloggero en constante estado de perplejidad existencial.

Ya queda menos para que la peli de ciencia-ficción más esperada del año aterrice en nuestras pantallas: estoy hablando de "Serenity", la versión más grande, más larga y sin cortes de la tristemente abortada serie de televisión "Firefly". Para hacernos más llevadera la cuenta atrás, la portentosa revista británica Empire ha organizado un chat con su director y guionista Joss Whedon, un hombre (qué digo, un titán) para el que ya no me quedan alagos. El evento tendrá lugar mañana jueves a las 12:30 PM hora local, con lo cual calculo que en España será a las 13:30 PM (corregídme si me equivoco, que yo soy muy malo para los cambios horarios). Además, se acaba de confirmar que Joss no estará solo: los actores Nathan Fillion y Summer Glau también responderán encantados a nuestras preguntas, pero todos sabemos quién va a ser el que más va a acaparar. Pues eso, que mañana a medio día tendremos una oportunidad única de hablar con el iluminado creador de "Buffy", aunque sea de esta manera tan impersonal... y aunque haya tan pocas probabilidades de que seleccionen nuestra pregunta, claro.

En otro orden de cosas, os recomiendo que le echéis un vistazo a la nueva portada de la revista, creada en exclusiva por los estudios WETA. Sin duda, una de las cosas más bonitas que uno se puede encontrar en un quiosco.

Crop of the Pops es un juego altamente adictivo y simple como él solo: se trata de adivinar las portadas de los discos y singles de nuestros grupos favoritos antes de que se acabe el tiempo. Cada ronda consta de diez preguntas, y la cosa se va complicando a medida que avanza. Parece fácil, ¿verdad? No es por presumir, pero os informo de que servidor ha pulverizado los quizzes de Oasis (80% de respuestas acertadas) y de los Apples in Stereo (100%), mientras que ha sido convenientemente humillado en los de Avril Lavigne y Blink 182.

Hablando de Blink (el mejor grupo de pop punk de la Historia de la Humanidad), hace tiempo que quería comentar aquí algo sobre Meet the Barkers, el programa de telerrealidad protagonizado por un Travis Barker que, definitivamente, no está llevando nada bien la más que probable disolución de su banda. El programa se centra en el día a día del carismático batería y su familia, integrada por su esposa y ex-Playmate Shanna Moakler, su hijastra Atiana (cuyo papá es nada menos que el boxeador Oscar de la Hoya) y su hijo Landon: sin llegar igualar en ningún momento las hipérboles de "The Osbournes" (modelo aún no superado de reality-celebrity show abisal), "Meet the Barkers" es, para el que esto escribe, la dolorosa precipitación en el pozo de un ídolo que jamás hubiera imaginado que acabaría de este modo. La serie, que toma su título de una colección de libros infantiles terriblemente empalagosos, hubiera sido muy de mi agrado si el protagonista fuera cualquier otro ex-punk, pero el hecho de que Travis B. haya decidido convertirse en émulo de Anna Nicole Smith (o del cantautor Tontxu) es, para mí, algo inconcebible e insoportable. En fin, voy a echar otra partidita a "Crop of the Pops", a ver si se me pasa...

Defender o recomendar una película como esta podría suponer: a) el fin de una bonita amistad; b) un hara-kiri cinéfilo; y c) una ruptura de pareja. Eso en el mejor de los casos. "Dos chalados y muchas curvas" (o, si pasáis de títulos impostados, "The Dukes of Hazzard") es la clase de película que parece pensada para enervar al crítico talibanesco (de hecho, Roger Ebert montó en cólera como solo él sabe hacerlo), para ser nominada a todos los Razzies posibles, para ser incluida en todas las oraciones que contengan la cadena de palabras declive-del-cine-contemporáneo y para convertirse en paradigma de esa cosa tan incomprensible y ridícula llamada americanada. Sin embargo, este bloggero es incapaz de expresar en una frase con sentido la emoción que sintió al ver cabalgar de nuevo al General Lee, con sus bajos a prueba de balas y su bandera sudista en el techo. Todo aquel que haya disfrutado alguna vez (aunque sea como placer culpable) de la serie original no tendrá más remedio que esbozar una sonrisa cómplice al comprobar que los Dukes siguen todavía con las ganas de juerga intactas.

Protagonizada por Sean William Scott, Johnny Knoxville y el culo de Jessica Simpson, "The Dukes of Hazzard" es una festiva y chispeante celebración de la chorrada, la burrada y la idiotez como tres de las bellas artes. Si el principal objetivo de una adaptación televisiva es convertirse en una versión corregida y aumentada del más espectacular de sus episodios, esta carrera loca sin frenos lo cumple a la perfección: la voz en off que surge cada vez que se congela la imagen, las destructivas persecuciones de coches con desopilantes resultados o la pelea en la tasca nos confirman que los responsables de esta película saben muy bien que la (supuesta) posmodernidad y la pedantería metelingüística que lastran la inminente adaptación de "Embrujada" le hubiera sentado como un tiro a los Dukes. Porque de lo que se trata aquí es de ofrecer a su público lo que su público espera con impaciencia: hostias, tontunas, alcohol, chistes gruesos y bellezas sureñas. Ni más ni menos.

Por supuesto que no es una gran película (hay demasiados agujeros argumentales y no muchos chistes que los compensen), pero es que tampoco pretendía sentar cátedra, sino ofrecer las mismas cantidades de diversión necia que uno puede encontrar en una pelea de gallos (o en un combate de lucha libre semiprofesional). Por si esto fuera poco, el director Jay Chandrasekhar aún tiene tiempo de permitirle a Knoxville un poco de desenfreno estilo "Jackass", de dejar que Sean William Scott visite su hábitat natural (es decir, el campus, en este caso de la Universidad de Atlanta), de brindarles a los míticos Willie Nelson y Burt Reynolds unos papales para los que habían nacido, de incluir un cameo de Lynda Carter, de pasar de lo políticamente correcto, de apuntar a algunos miembros de Broken Lizard a la juerga y de regalarnos la interpretación irresistiblemente estúpida (y semidesnuda) de Jessica Simpson. Qué pena que esté mal visto soltar un sonoro Yeeeeeeeeee-haw cuando las luces de la sala se encienden.

Vamos a dejar clara una cosa desde el principio: ahora mismo resulta imposible concebir una telecomedia mejor que "The Office". No solo lo digo yo, sino también David Letterman, Moby, Richard Curtis, Jason ("Arrested Development") Bateman, Ben Stiller y Will Ferrell. Entre otros. La serie creada por Stephen Merchant y el inigualable Ricky Gervais es tan inteligente, audaz y compacta como en su día lo fue el "Monty Python's Flying Circus", aunque la comicidad de ambos programas no podía ser más diferente. Más cerca de la misantropía de Todd Solondz que del buenrollismo de "Friends", "The Office" le proporciona al espectador risas que saben como una patada en plena boca, carcajadas que se congelan en la garganta y momentos en los que no sabrá si sonreír o llorar. Sí, esta serie es así de buena.

Adoptando la estética (y la ética) de falso documental que acuñaron Christopher Guest y compañía en la clásica "This Is Spinal Tap", "The Office" narra (con intención casi antropológica y una sutilidad impensable en la comedia española) el día a día en una gris oficina de extrarradio que está siendo grabada por equipos de la BBC para un futuro reality show sobre la vida en las oficinas. Todo esto implica un estilo seco y desaliñado que nada tiene que ver con los decorados de color pastel a los que estamos acostumbrados: las constantes meteduras de pata y humillaciones de sus personajes no están narradas con el estilo ligero de una telecomedia al uso, sino con el inclemente hiperrealismo de un documental. En "The Office" las risas duelen, y no solo por las toneladas de crueldad que destilan sus creadores en cada guión, sino porque está protagonizada con unos personajes que de verdad nos importan, más que nada porque nos reconocemos en ellos. En ese sentido, David Brent (interpretado por el propio Gervais) es uno de los mayores mitos televisivos de la tele del nuevo milenio: quintaesencial ejemplo del jefe-que-es-tu-amigo-antes-que-tu-jefe, Brent sufre una marcada atrofia de la autopercepción que le lleva a pensar en sí mismo como un líder carismático absolutamente imprescindible para sus empleados... mientras que estos no dejan de verle como un pringado más de la oficina. Además, David se considera un auténtico hombre del Renacimiento, un tipo capaz de hacer bien todo lo que se proponga (ya sea dirigir una empresa con mano firme y buen humor, hablar en público, contar chistes o componer música). La sublime interpretación de Gervais hace de David Brent un personaje por el que se llega a tener cariño a pesar de todo, y es que esa es la grandeza de esta serie.

"The Office" es tu abuela cayéndose por la escalera mientras a ti te entra un incontenible ataque de risa, es una oda al fracaso vital, es todas las veces que has contado un chiste del que nadie se ha reído, es una comedia triste (o un drama gracioso) protagonizado por tipos como nosotros, o sea, por perdedores irremediables. Es posible que soñemos con ser como los protagonistas de "Friends", pero lo cierto es que siempre seremos como ese David Brent suplicando a sus superiores que no le despidan mientras lanza miradas furtivas a la cámara, o como ese Tim Canterbury (Martin Freeman) buscando su zapato por un descampado en el día de su cumpleaños.

* "The Office" está disponible en DVD (Zona 2 - UK). Consta de dos temporadas de seis episodios cada una, más dos especiales de navidad absolutamente imprescindibles.

Parece mentira, pero el verano ya se ha acabado (teóricamente, al menos). Y eso significa muchas cosas, pero aquí lo que nos interesa es el terreno puramente cinematográfico o, más concretamente, cinéfago. Porque hemos llegado al final de la Temporada del Blockbuster, una estación del año especialmente propicia para los que gustamos de la cerveza bien fría, las bolsas extragrandes de palomitas y las películas bigger than life. En mi opinión, este ha sido uno de los veranos cinéfagos más estimulantes de los que tengo recuerdo: hasta las películas que menos me han gustado ("El Reino de los Cielos", "Batman Begins") no han sido decepciones tremendas, sino más bien parciales. Este verano ha sido altamente positivo, sobre todo si lo comparamos con el anterior, en el que no dejamos de llevarnos batacazos (¿os acordáis de "Catwoman"? ¿Y de "Troya"? ¿¿Y de "Las Crónicas de Riddick"??). Es posible que los analistas del box office atribuyan la sorprendente caída veraniega a la mala calidad de las películas estrenadas, pero yo señalaría antes a la piratería que a Michael Bay.

Pero ya está bien de leer mis necias valoraciones, amigo lector. Tras aguantarme un verano entero dando la tabarra con los taquillazos del demonio, ahora tú tienes la última palabra: desde este preciso instante, quedan inauguradas las votaciones para los Premios Blockbuster 2005 de "El Emperador de los Helados". A través de los comentarios de este post, los amigos/amigas y vecinos/vecinas de este blog podrán elegir su favorito entre los nominados en las distintas categorías. Las votaciones se cerrarán la mañana del jueves 1 de septiembre, y los resultados saldrán publicados en el post del día siguiente. Así que ya sabéis: dejad un comentario, por favor, porque vuestro voto puede ser decisivo. Recordad: este post lo hacéis vosotros, porque vosotros hacéis también este blog.

Estos son los nominados:

1) MEJOR GUIÓN
* George Lucas ("Star Wars: Episodio III. La venganza de los Sith")
* Simon Kinberg ("Sr. y Sra. Smith")
* Robert Rodríguez y Frank Miller ("Sin City")
* David S. Goyer ("Batman Begins")
* David Koepp y Josh Friedman ("La Guerra de los Mundos")

2) MEJORES EFECTOS ESPECIALES
* "La Isla"
* "Charlie y la fábrica de chocolate"
* "La Guerra de los Mundos"
* "Star Wars: Episodio III. La venganza de los Sith"
* "Los 4 Fantásticos"

3) MEJOR ACTRIZ
* Rosario Dawson ("Sin City")
* Dakota Fanning ("La Guerra de los Mundos")
* Scarlett Johansson ("La Isla")
* Jessica Alba ("Sin City", "Los 4 Fantásticos")
* Lindsay Lohan ("Herbie: A tope")

4) MEJOR ACTOR
* Johnny Depp ("Charlie y la fábrica de chocolate")
* Tom Cruise ("La Guerra de los Mundos")
* Mickey Rourke ("Sin City")
* Christian Bale ("Batman Begins")
* Ewan McGregor ("La Isla")

5) MEJOR PAREJA
* Johnny Knoxville y Sean Willian Scott ("Dos chalados y muchas curvas")
* Brad Pitt y Angelina Jolie ("Sr. y Sra. Smith")
* Lindsay Lohan y Herbie el Bólido Chiflado ("Herbie: A tope")
* Ewan McGregor y Scarlett Johansson ("La Isla")
* Orlando Bloom y Eva Green ("El Reino de los Cielos")

6) MEJOR PERSONAJE VERANIEGO
* Marv (Mickey Rourke, "Sin City")
* Anakin Skywalker / Darth Vader (Hayden Christiensen, "Star Wars: Episodio III. La venganza de los Sith")
* Daisy Duke (Jessica Simpson, "Dos chalados y muchas curvas")
* Willy Wonka (Johnny Depp, "Charlie y la fábrica de chocolate")
* Ben Grimm / La Cosa (Michael Chiklis, "Los 4 Fantásticos")

7) MEJOR DIRECTOR
* Michael Bay ("La Isla")
* Steven Spielberg ("La Guerra de los Mundos")
* George Lucas ("Star Wars: Episodio III. La venganza de los Sith")
* Robert Rodríguez y Frank Miller ("Sin City")
* Tim Burton ("Charlie y la fábrica de chocolate")

8) MEJOR BLOCKBUSTER
* "Batman Begins"
* "Charlie y la fábrica de chocolate"
* "Los 4 Fantásticos"
* "El Reino de los Cielos"
* "Herbie: A tope"
* "Sin City"
* "Star Wars: Episodio III. La venganza de los Sith"
* "La Isla"
* "Dos chalados y muchas curvas"
* "La Guerra de los Mundos"
* "Sr. y Sra. Smith"

NOTA: En las siete primeras categorías solo podréis escoger UNO de los cinco nominados. En la de "Mejor Blockbuster" hay que elegir TRES (ni uno más, ni uno menos). Os dejo también una foto de "Herbie", más que nada porque me da (sniff) que va a ser la gran perdedora... ¡Que empiecen las votaciones!

No quisiera yo apartar la atención de los Premios Blockbuster, pero tampoco despedir el mes de agosto sin recomendaros la quinta y última telecomedia molona que me prometí recomendaros. De modo que seré lo más escueto posible: lo que voy a hacer es resumir en tres puntos fundamentales por qué no debéis perderos la serie británica The League of Gentlemen (no confundir con el magistral cómic de nombre similar). Allá vamos:

1) ¿Alguna vez os habréis preguntado qué diablos pensaría un extranjero si le obligaran a ver un especial de Los Morancos o una entrevista freak de Jesús Quintero? Pues no lo sé muy bien, pero seguramente sería algo muy parecido a lo que pensaría un espectador medio de Los Morancos (o "Los Serrano", que son casi lo mismo) si le obligaran a ver un capítulo de "The League of Gentlemen": puede que estemos ante la serie más localista y marciana que nos haya regalado la televisión inglesa en los últimos años, incluyendo "Little Britain". Lo cual no tiene por qué ser necesariamente malo: vale que al moranquista de pro le estallaría la cabeza a los cinco minutos, pero a los que conozcan un poco de cultura popular británica, sepan lo que fue (y lo que supuso) "The Goon Show" y toleren cantidades considerables de bizarría, "The League of Gentlemen" les fascinará. Y ni qué decir tiene, claro, que tiene como mil veces más gracia que Los Morancos.

2) Reece Shearsmith, Mark Gatiss, Steve Pemberton y Jeremy Dyson no son, de ningún modo, unos chistosos sin más. Si en Gran Bretaña les consideran los nuevos Monty Python, será por algo: su serie es capaz de dotar de cohesión y coherencia narrativa a una serie de sketches que, en otras manos, se habrían plasmado en forma de farragosa y nada divertida sucesión de gracias inconexas (ver los especiales de Carlos Latre). Además, las aventuras de los habitantes de Royston Vasey están plagadas de humor insano, referencias al cine de terror y a los psychokillers, escatología gratuita e inmersiones directas en el sinsentido más desviado: cada temporada es un poco más bizarra que la anterior, hasta llegar a un inenarrable especial navideño que ninguna familia en su sano juicio vería durante una cena de Nochebuena. A no ser que quisieran tener pesadillas, claro.

3) La última razón por la que uno debería hacerse con esta serie como sea (es decir, pagando o delinquiendo a través de internet) es bien sencilla: "The League of Gentlemen" no será emitida jamás de los jamases por una cadena de televisión española. Me juego el cuello, amigos y vecinos.

* "The League of Gentlemen" está disponible en DVD (Zona 2 - UK): consta de tres temporadas, un especial navideño, dos especiales en vivo y dos libros recopilatorios de guiones para completistas. También acaba de salir a la venta en Zona 2 su película, "The League of Gentlemen's Apocalypse", que el autor de este blog mataría por ver. Y lo dice en serio.