Cinefagia

The Monster Mash: Primera ronda

Ocho monstruos entran, uno sale. Porque pocas cosas hay en esto del cine más placenteras que ver un megamix de titanes del terror midéndose el lomo, "El Emperador de los Helados" necesita vuestra ayuda para dar respuesta a la pregunta más importante de toda fiesta de Halloween: ¿qué monstruo del cine ganaría en una pelea? Así que ya sabéis: ocho tiparracos asesinos, tres rondas y un sólo campeón absoluto. Que empiece el show.

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Dos aristócratas del Mal, dos mitos de la Universal y dos auténticos hijos de perra (el Conde, al menos, tiene excusa: no es humano). ¿Podrá el Príncipe de las Tinieblas contra un adversario al que (¡ajá!) no puede ver?

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La última vez que se celebró, el combate acabó en tablas (bueno, casi), así que démosle otra oportunidad a estos dos caballeros. Antes de que me lo preguntéis, no sé si la pelea tiene lugar en el mundo real o en el de los sueños: eso lo dejo a vuestra elección. ¿Será más fuerte el wisecrack ingeniosamente mortal o la puñalada brutalmente lacónica?

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Los dos han demostrado tener algo muy parecido a un corazoncito debajo de esa apariencia castigada, pero eso no significa que sean un par de costureras. ¿Podrá soportar la criatura unos cuantos arañazos más en su cuerpo? ¿Podrá flotar nuestro licántropo amigo si lo arrojan a un lago?

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Al de la careta de William Shatner no le gusta que el de la careta de Munch le samplee en cuanto tiene la más mínima ocasión (y a una adolescente a mano). Ahora tiene la oportunidad de comentárselo en persona: ¿quién ganará, la hiperexpresividad o la inmutabilidad?

Vota por tu monstruo favorito en los comentarios de este post. La próxima ronda tendrá lugar el jueves 26 en la pintoresca ciudad de Cherry Falls: ¡no faltes!

Trío de trailers

1) For Your Consideration: El fenómeno conocido como Oscar buzz se puede definir, básicamente, como el proceso mediante el cual una película determinada es dotada, por las razones que sean (y no siempre por las correctas), de un halo cegador que parece convencer a todo el que lo mira de que va a arrasar en la noche de los Oscars. El buzz es, por tanto, un consenso originado por una ignota minoría (de pedantes) y mantenido por una mayoría (de pedantes) demasiado asustada como para llevar la contraria. Y, al igual que el heavy metal ochentero, las compañías de teatro amateur, los concursos caninos y las reuniones de bandas de folk, es un fenómeno lo suficientemente idiota como para merecer un inteligente mockumentary rodado por Christopher Guest y su troupe. Puede que "For Your Consideration" no sea exactamente un falso documental, pero la mirada cínica (al tiempo que cariñosa con los personajes) de Guest empapa el trailer de esta comedia sobre un grupo de actores de medio pelo que descubre cómo, de la noche a la mañana, su película se está convirtiendo en el gran acontecimiento hollywoodiense. Seguro que va a ser buenísima, pero no tiene que preocuparse por eso: ya ha pasado a la Historia por el simple hecho de unir al maestro Guest con su alumno más brillante, Ricky Gervais. Y, al parecer, tenemos que agradecérselo a Jamie Lee Curtis: Estaba viendo "The Office" y le dije a mi mujer: 'Esta es la serie más divertida que he visto en mi vida', recuerda el director de "Very Important Perros". En veinte minutos, ella había llamado al agente de Ricky y ya tenía su teléfono móvil.

2) The Quiet: Si piensas que esta es la típica película adolescente con ínfulas de thriller serio que le va a volver loco al autor de este blog por el simple hecho de que salen dos de las actrices que más, eh, admira, sólo tendrás razón a medias. Así que primero échale un vistazo al trailer y apunta las razones obvias por las que un servidor va a estar el primero en la cola del cine (algo que también piensa hacer en 2008 con "The Best Times of Our Lives", también conocida como "El mejor argumento de la historia"), y luego mira el nombre de la directora. Jamie Babbit no sólo ha ejercido de competente artesana en series de televisión que van de lo estimable ("Alias", "Nip/Tuck", "Malcolm") a lo nimio ("Las chicas Gilmore", "Popular", "Miss Match"), sino que también dirigió una de las comedias hormonales más bílicas de todos los tiempos, la subterránea "But I'm a Cheerleader" (1999). Así que, por lo menos, tenemos cierta garantía de que "The Quiet" no va a ser otra "Crazy/Beautiful" (2001) al uso: de hecho, parece que la manera en la que afronta la pedofilia ya ha molestado a más de uno... ¿¿Pero quién se va a creer que Elisha Cuthbert es menor de edad?? Busqué mucha información y leí un montón de cosas para intentar identificar los arquetipos y figurarme por lo que tuvieron que pasar, aclara ella. Hay tantos casos y niveles distintos que fue una tarea dura y realmente arrolladora.

3) Hot Fuzz: Es bastante "Brokeback": ¡Heath y Jake no tienen nada que hacer con nosotros!, bromea Simon Pegg cuando le preguntan por la relación que mantienen él y Nick Frost en su última película juntos. No es de extrañar: "Hot Fuzz" va a ser a las buddy movies lo que "Shaun of the Dead" fue a las pelis de zombis, así que es bastante lógico esperar que un par de chistes sobre el subtexto homoerótico de este tipo de cintas formen parte del plan de Pegg y Edgar Wright para dinamitar todas sus convenciones a base de carcajadas. Ahora, tras un buen número de vídeo-diarios que no hacían más que ponernos los dientes largos, por fin podemos contemplar un avance de lo que nos va a ofrecer esta comedia de acción policial, y la verdad es que no podía tener mejor pinta. Y eso que aún no hemos visto lo mejor: Wright promete homenajes explícitos al cine de Shane Black, cameos de gente como Martin Freeman o Paddy Considine y un tramo final explosivo. Ah, y la química entre nuestro colegas Simon y Nick sigue tan inquebrantable como siempre: ¡toma nota, Ang Lee!

"It's, like, so totally awesome": Las 45 mejores comedias adolescentes (3)

 

III. Romance, etc.

Cuando uno piensa en la comedia hormonal, lo más probable es que le vengan a la cabeza hembras despampanantes y chascarrillos de pajero. Sin embargo, no todo el monte es orégano: la comedia teen también ha sabido hablarnos de amor sin ponerse (demasiado) burra o, lo que es peor, demasiado empalagosa, como demuestran las cinco películas de este mes (mucho más que la versión con acné de una de Hugh Grant). Con ellas, recordaremos amores (y desengaños) de instituto, comprobaremos cómo los clásicos de la literatura pueden encajar perfectamente en el género, escucharemos las canciones que dejan al descubierto nuestra faceta sentimental y descubriremos la mejor escena romántico/musical de la historia. En resumen: este mes, amor; el mes que viene... ya sabéis cuál es el siguiente paso, pero os daré una pista de todos modos: Stifler.

10 Más vale muerto (1985): El amor puede ser un auténtico cabronazo, especialmente cuando se acaba. Lane Meyer (John Cusack) lo sabe muy bien: cuando su novia le deja por el capitán del equipo de esquí, la única solución que encuentra para acabar con su dolor es el suicidio. No obstante, en una ciudad (ficticia) como Greendale y con una familia (desquiciada) como la suya, matarse no es tan fácil como parece... Este clásico menor del cine ochentero lo tenía todo, absolutamente todo para convertirse en una película de culto: secundarios que parecen sacados de una cinta de John Waters (¡o de David Lynch!), gags tan memorables como los sucesivos intentos de suicidio de Lane, una banda sonora deliciosamente coyuntural, un sentido del humor tendente al absurdo y un clímax final redondo (y nevado). Además, fue el trampolín definitivo de Cusack, un actor al que vamos a ver unas cuantas veces más a lo largo de este dossier.

Frase mítica: I want my two dollars! Momento definitorio: El slalom final de Lane. Canción para recordar: "Breaking Up Is Hard To Do", de Neil Sedaka. Ver también: Un verano loco (1986), How I Got Into College (1989), Grosse Point Black (1997).

11 Un gran amor (1989): Como decía, John Cusack es un nombre insoslayable dentro de este subgénero de la comedia teen, y es muy posible que esta película sea la razón por la que todo el mundo le ama. Tanto él como el debutante Cameron Crowe estaban en plena forma cuando formaron equipo en la que, muy posiblemente, sea el highlight de sus carreras: buscadla en lo más alto de todas las listas de comedias románticas, porque siempre está allí. De acuerdo, su guión no es precisamente una joya (perdedor-se-enamora-de-la-chica-más-lista-y-guapa-de-la-clase), está llena de tópicos e Ione Skye no es precisamente el ideal de chica de tus sueños. Entonces, ¿por qué ha pasado "Say Anything" a la historia? Pues por La Escena del Radiocassete: se dice que si Shakespeare hubiese tenido uno mientras escribía "Romeo y Julieta" (y si Peter Gabriel ya hubiera compuesto "In Your Eyes"), su escena del balcón habría sido muy parecida a esta.

Frase mítica: You must chill. Momento definitorio: Ejem... Canción para recordar: "In Your Eyes", de Peter Gabriel (duh). Ver también: "Alta fidelidad" (2000), "Casi famosos" (2000), "Date Movie" (2006).

* Cinta recopilatoria que le grabarías a tu churri (con ayuda de Cameron Crowe):

CARA A:

1. Pretty In Pink - The Psychedelic Furs (La chica de rosa)

2. Ultimate - Lindsay Lohan (Ponte en mi lugar)

3. Kiss Me - Sixpence None The Richer (Ella es única)

4. The Hardest Walk - The Jesus & Mary Chain (Una maravilla con clase)

5. In Your Eyes - Peter Gabriel (Un gran amor)

6. Everytime I Look For You - Blink 182 (American Pie 2)

CARA B:

1. I Want You To Want Me - Letters to Cleo (10 razones para odiarte)

2. Love Hurts - Nazareth (Ya no puedo esperar)

3. Time After Time - Cyndi Lauper (Napoleon Dynamite)

4. Twist and Shout - The Beatles (Todo en un día)

5. Mad World - Gary Jules (Donnie Darko)

6. Don't You (Forget About Me) - Simple Minds (El club de los cinco)

12 Ya no puedo esperar (1998): Una de las películas que mejor retratan ese difuso, casi fantasmal, paso de la primera a la segunda adolescencia (o del instituto a la universidad), "Can't Hardly Wait" es también una de las comedias adolescentes más injustamente menospreciadas de todos los tiempos. Al desarrollarse casi por completo en una concurrida fiesta de graduación, esta memorable cinta reduce los clichés del género a su más pura esencia y supone casi una mirada bretchiana al fin de una era, a la inevitable destrucción de un paraíso hormonal. Así, los chistes (gruesos) quedan matizados por un sensación casi apocalíptica que convierte los rótulos finales en un complemento innecesario: no nos interesa saber lo que les sucede a estos personajes en el futuro porque, a efectos narrativos, no tienen futuro. Ah, y además es la película que cuenta con más actores del Buffyverso por plano, además de con iconos del cine adolescente de finales de los 90 como Jennifer Love Hewitt, Jerry O'Connell y Melissa Joan Hart (¿la habéis visto últimamente?).

Frase mítica: Let's go, boys. Time is honey. Momento definitorio: William, borracho por primera vez en su vida, con música de Guns N' Roses. Canción para recordar: "Dammit", de Blink 182. Ver también: "Dazzed and Confussed" (1993), la serie de televisión "My So-Called Life" (1994-1995).

13 Crueles intenciones (1999): Toda comedia romántica adolescente es, casi por definición, un placer culpable, pero hay algunas que parecen tener esas dos palabras escritas en la carátula del DVD. Tal es el caso de "Cruel Intentions", la comedia más sofisticada y menos obvia de todas las que aparecen aquí, pero no por ello la más digna: de hecho, es un exquisito catálogo de perversiones softcore que está tan cerca de la obra en la que se basa ("Las amistades peligrosas", pero eso ya lo sabíais) como de un telefilm calenturiento y un poco zetoso (algo que potenciaron las secuelas) que nos descubre los licenciosos placeres de los que gozaban los niños ricos de finales del siglo XX. Al juego de intrigas pasionales que imaginó Pierre Choderlos de Laclos allá por 1782 le van como anillo al dedo las canciones de Blur, Placebo y Fatboy Slim: y seguro que alguna vez soñó con una Cécile como la que interpreta aquí Selma Blair. Las epístolas se cambian por e-mails, pero el espíritu libertino sigue intacto: hay cosas que nunca, nunca cambian.

Frase mítica: We've done some pretty fucked up shit in our time but this... I mean, we're destroying an innocent girl. You do realize that?  Momento definitorio: El beso entre Sarah Michelle Gellar y Selma Blair. Canción para recordar: "Every You Every Me", de Placebo. Ver también: "Les liaisons dangereuses" (1959), "Las amistades peligrosas" (1988), "Valmont" (1989), "Crueles intenciones 2" (2000), "Crueles intenciones 3" (2004).

* 7 canciones que no habrían funcionado en la escena de "In Your Eyes"

Chico tiene un plan para que chica no le deje, pero... ¿y si John Cusack hubiera utilizado una de estas canciones?:

1. "Baby Got Back", de Sir Mix-a-Lot

2. "Wannabe", de las Spice Girls

3. "I'm Qualified To Satisfy You", de Barry White

4. "Tu mirá", de Lole y Manuel

5. "Everybody Have Fun Tonight (Everybody Wang Chung Tonight)", de Wang Chung

6. "Cotton Eyed Joe", de Rednex

7. "SexyBack", de Justin Timberlake

14 10 razones para odiarte (1999): Otra versión de un clásico literario: esta vez, son William Shakespeare y "La fierecilla domada" los que visitan el instituto. El resultado no llega a las cotas de excelencia que, en otro registro, consiguió Bazz Luhrmann con "Romeo + Julieta", pero eso no significa que  "10 Things I Hate About You" no sea una película reseñable: tiene adolescentes que hablan como en una comedia isabelina, momentos musicales realmente delirantes, un conocimiento de causa inusual en lo que se refiere al genio de Stratford, una banda sonora fantástica y al menos un personaje (el de Heath Ledger) para el recuerdo. Menos da una piedra. O Freddie Prince Jr.

Frase mítica: Leave it to you to use big words when you're smashed. Momento definitorio: El momento "I Love You Baby" de Patrick Verona. Canción para recordar: "I Want You to Want Me", de Letters to Cleo. Ver también: "La fierecilla domada" (1967), "Ella es única" (1999), "Nunca me han besado" (1999).

* Las 10 razones para odiarte:

1) I hate the way you talk to me, and the way you cut your hair.

2) I hate the way you drive my car.

3) I hate it when you stare.

4) I hate your big dumb combat boots, and the way you read my mind.

5) I hate you so much it makes me sick; it even makes me rhyme.

6) I hate the way you're always right.

7) I hate it when you lie.

8) I hate it when you make me laugh, even worse when you make me cry.

9) I hate it when you're not around, and the fact that you didn't call.

10) But mostly, I hate the way I don't hate you. Not even close, not even a little bit, not even at all.

"La prueba del crimen": Noir metanfetamínico

La histeria es, según la Wikipedia, el diagnóstico que se aplica a un estado mental de incontrolable miedo o exceso emocional. A lo largo de su larga y fructífera historia, el cine de acción ha ejemplificado muchas psicopatologías (recordemos el complejo de Dios de Michael Bay, el Síndrome de Supervivencia Urbana de Steven Seagal o la hiperactividad de la reciente "Domino"), pero pocas veces una película se ha ajustado mejor a una como "La prueba del crimen", o, si lo preferís (yo lo prefiero), "Running Scared". Lo que digo no es, ni mucho menos, un reproche: los primeros seis minutos de esta frenética y ejemplar cinta de acción son una de las más perfectas traducciones cinematográficas de la histeria que hemos visto desde el motín carcelario de "Asesinos natos". La apuesta por la hipérbole no es gratuita, ya que el director Wayne Kramer quiere que experimentemos, de primera mano, el infierno por el que atraviesa su protagonista (un sorprendente Paul Walker), que acaba de meterse de cabeza en un lío que le enfrenta tanto a sus camaradas mafiosos como a un policía corrupto con muy pocos escrúpulos. Las explosiones de celuloide netamente histérico que nos golpean en la cara de vez en cuando no sólo están ahí para recordarnos que, como dice Tarantino, el cine de acción debe salir de la pelvis, sino también para que simpaticemos con un antihéroe tan humano como nosotros.

El via crucis rabioso de Walker tiene un correlato igual de interesante y adrenalítico en la huída sin retorno de Oleg, el niño ruso interpretado por Cameron Bright (mucho más que una mirada insondable). Como los magníficos (y muy snicketianos) créditos finales se encargan de subrrayar, "Running Scared" no es simplemente el noir metanfetamínico que a uno le entra por los ojos, sino que posee un subtexto de cuento de hadas macabro muy similar (salvando las distancias) al que propone Guillermo del Toro en "El laberinto del Fauno". En ese equilibrio entre el thriller sórdido post-tarantiniano y una suerte de cine infantil exclusivamente para adultos es donde reside el secreto de una película capaz de invocar a Walter Hill (o a Robert Aldrich, o incluso al Orson Welles de "Sed de mal") al tiempo que ejecuta piruetas visuales suicidas, de convertir la digresión narrativa en un arte (el fragmento en la casa del matrimonio de psicópatas, algo así como la secuencia de terror que rodarían mano a mano Tim Burton y el Brian De Palma más desfasado), de dispararnos a bocajarro con monólogos tan memorables como el dedicado a John Wayne y de hacernos reír histéricamente con cosas que sabemos que nos convierten automáticamente en malas personas. Es decir, una película de género como las de antes, pero que conecta perfectamente con los tiempos de desenfreno audiovisual que corren: una gozada.

Gosh, we're all really impressed down here, I can tell You

Estoy vivo. Y ahorrando para poder comprarme esto.

Kellyrama (Nº 17)

1. "Southland Tales": ¿os acordáis de ella? The Rock, Sarah Michelle Gellar, Sean William Scott, un dirigible gigante, Justin Timberlake, el fin del mundo, números musicales... Se suponía que iba a ser la película de 2006 y todo eso. La pregunta es: ¿dónde está ahora? Pues, al parecer, en el infierno de la sala de montaje, mientras rumores maliciosos alimentan aún más su halo de malditismo. Los más optimistas dicen que Sony ha eliminado casi una hora de metraje sin el consentimiento de su director, mientras que los más pesimistas se preguntan si alguna vez veremos la maldita película. Por todo ello, Richard Kelly ha hecho unas declaraciones en las que deja claro que nadie le ha quitado su segundo largometraje de las manos: Como muchos de vosotros sabéis, la película fue comprada por Sony, y he estado terminando un montaje más corto de ella bajo su supervisión, dice Rich. También dice que esta versión de "Southland Tales" es mejor que la de Cannes y que el 13 de septiembre saldrá a la venta la segunda novela gráfica-precuela (por cierto, Amazon ya tiene una imagen de la portada del futuro tomo recopilatorio: aquí al lado os la pongo). Personalmente, espero que todo esto merezca la pena.

2. En cuanto nuestro hombre consiga estrenar "Southland Tales", le llegará el turno a "The Box", su esperada colaboración con Eli Roth. Como era de esperar, el proyecto ya ha generado rumores para dar y regalar, hasta el punto de que hay fuentes que aseguran que, finalmente, el encargado de dirigirla será Kelly (para que, de este modo, su camarada Roth pueda terminar tranquilo "Hostel 2" y, con toda probabilidad, ponerse manos a la obra con la adaptación de "Cell"). Más cosas: en un chat reciente, Richard soltó un montón de pistas ambiguas sobre la película, aunque tampoco es seguro que estuviera hablando completamente en serio. Si hacemos caso a lo que dijo en esa ocasión, "The Box" estará ambientada en 1976, será un thriller oscuro a lo "Se7en" y llevará la historia mucho más allá de lo que lo hizo Richard Matheson. De todas maneras, aún es muy pronto para especular nada: tal y como se lo está montando Kelly últimamente, tendremos suerte si consigue estrenar "The Box" antes de la próxima década...

3. El momento que todos (bueno, no todos) estaban esperando: el final del diario adolescente de Richard Kelly (reproducido con su permiso en las páginas del número 180 de la revista "Empire"). ¿Cómo acabaron sus peripecias en el rodaje de "Cuando Harry encontró a Sally"? Aquí abajo tenéis todas las respuestas.

14 de diciembre de 1988. ME CAGO EN LA PUTA. No os vais a creer lo que ha ocurrido en el plató esta noche: estaban rodando la gran escena del baile de Nochevieja cuando mi tío apareció completamente drogado. Empezó a gritar a Rob Reiner, acusándole de comunista por no haberle dado un papel en la peli. Supongo que eso le cabreó de verdad a Rob... y perdió los nervios. Mi tío y él empezaron a empujarse, y Bruno Kirby tuvo que meterse en medio para separarlos. Mi tío la pegó un puñetazo en la cara, y luego BRUNO KIRBY PERDIÓ LOS NERVIOS. Bruno le pegó una paliza de muerte a mi tío en frente de todo el equipo. Luego, Andrew Scheinman me dijo que ya no se me permitía la entrada al plató. Antes de irme, me aseguré de echar un par de pastillas blancas en el chili que estaban preparando los de catering. Jodidos gilipollas.

15 de diciembre de 1988. Esta va a ser mi última entrada. Ahora mismo estoy en el tren, de vuelta a Nueva York, y hay un niño insoportable que no para de GRITAR en el asiento de atrás. ¡Su madre le hace llevar un estúpido disfraz de conejo! He decidido que voy a tomarme un par de pastillas blancas para que me ayuden a dormir un poco. Aún no sé si son PCP o no, pero me importa una mierda. ¿Qué es lo peor que puede pasar?

Trío de trailers

1) The Invisible. "Destino final" conoce a "Los Otros" en el tercer largometraje como director de David S. Goyer, quien busca redimirse de "Blade: Trinity" con un thriller sobrenatural para adolescentes. La trama, adaptada de una producción sueca de 2002, trata sobre invisibilidades reales y metafóricas: Nick Powell (Justin Chatwin) debe resolver el misterio de su propio asesinato mientras se encuentra en una suerte de limbo entre la vida y la muerte, incapaz de interactuar con un mundo que no puede verle (¡ni siquiera su churri!). O sea, dinamita para reventar las taquillas durante el primer fin de semana. Tras ver el trailer, ¿es necesario que apostemos a que hay final sorpresa? Sus referentes también parecen indicar que no: Es una especie de combinación entre "Romeo y Julieta", "Ghost" y "El sexto sentido", dice Goyer. Algo un poco diferente a lo que estoy acostumbrado a hacer.

2) loudQUIETloud: A Film About The Pixies. Tras el excelente "The Devil and Daniel Johnston", ya tenemos otro documental musical de culto para apuntar en la agenda de próximos estrenos. Tras haber pasado los últimos once años separados, los Pixies (una de las bandas de rock más influyentes de las últimas décadas) decidieron reunirse en 2004 para realizar una gira por Estados Unidos. Es decir, que todo documentalista que no viera en este acontecimiento una oportunidad de oro es que estaba ciego. Por suerte, ese no es el caso de Steven Cantor y Matthew Galkin, que (por lo que se ve en el trailer) han sabido capturar la esencia extraña del grupo (ese coche ardiendo en medio de la carretera) sin renunciar al costumbrismo propio de estos documentales (la llamada telefónica de Frank Black). Me sorprendió ver lo completamente humana que era esta banda, sobre todo en comparación con su imagen idolizada, cuenta Cantor. Estaban tratando con los conflictos normales de la mediana edad y, al mismo tiempo, todas esas masas de espectadores se volvían locas con ellos.

3) Fur. Historia real + psique torturada + suicidio + Nicole Kidman = ¡Oscar! Al menos, así fue como ocurrió la última vez, aunque "Fur" parece muy distinta a "Las Horas": para empezar, está dirigida por Steven Shainberg, que ya demostró con "Secretary" que es capaz de comprender conductas humanísimas que, en manos de otros directores, serían carne de sensacionalismo. Prácticamente todas las actrices de Hollywood querían interpretar a la fotógrafa Diane Arbus, que pasó de trabajar como modelos para "Esquire" a convertirse en retratista de esas personas a las que los lectores de "Esquire" preferirían no mirar. Con Robert Downey Jr. interpretando un papel tan misterioso como sugerente y la Kidman provocando esas descargas de intensidad que la han hecho famosa (¡y esto es solo el trailer!), no cabe duda de que "Fur" está lejos de ser el típico biopic que narra el ascenso y caída del artista a través de fórmulas preestablecidas: Me sentía capaz de intentar hacer un retrato íntimo de su vida interior, afirma Shainberg, de lo que ella pudo haber sentido al fotografiar a alguien en concreto.

"Mi ansiedad me funciona como un gimnasio"

Tras 41 películas como director, Woody Allen no sólo ha conseguido tratar prácticamente todos los géneros cinematográficos (igual el western es el único que le queda), sino que ya se ha convertido en un género en sí mismo. Un género que, a su vez, está plagado de subgéneros: "Scoop", su última entrega anual, entra en esa corriente que podríamos llamar "Pequeños asesinatos allenianos", de la que ya nos dejó el año pasado una muestra tan correcta (pero no excesivamente redonda) como "Match Point". De hecho, este último trabajo podría considerarse casi como una variación del anterior, con el que comparte protagonista, escenario urbano e incluso algunos de sus temas rectores (no diré cuáles, no diré cuáles). "Scoop" es un "Match Point" ligero, un divertimento londinense que casi podría conformar una nueva "Melinda y Melinda" con su hermana mayor: de hecho, Scarlett Johansson interpreta aquí a un personaje tan alejado de su Nola Rice como lo estaba la Melinda cómica de la Melinda dramática. Nadie debe esperar demasiada originalidad en el nuevo Allen, pero eso no quiere decir que "Scoop" no funcione: de hecho, funciona bastante bien como una entrada menor en la filmografía alleniana, y es tan divertida como insustancial. El director/actor y su nueva musa forman una pareja irresistible, hay líneas de diálogo tan ingeniosas como la que da título a este post, sus toques sobrenaturales nos recuerdan a "La última noche de Boris Grushenko" y "Desmontando a Harry", tiene ecos de la novela detectivesca británica y no aburre en ningún momento. Queda, no obstante, la incómoda sensación de que Allen es capaz, a poco que se esfuerce, de mucho más que de hacer que los 96 minutos de metraje se nos pasen volando.

Bringing sexy back

Cinco galerías de fotos de Scarlett Johansson. ¿Por qué?, preguntaréis vosotros. ¿Por qué no?, respondo yo.

• UK Vogue (lo ultimísimo)
• Grandes éxitos (incluye algunas de los pasados Globos de Oro)
• Venecia 2006 (incluye propina en forma de Mia Kirshner)
• Miscelánea (la foto en la que lleva la camiseta de tirantes blanca y unos pantalones militares tiene más valor sentimental para mí que algunos miembros de mi familia)
• Más fotos de los Globos de Oro (porque NUNCA tendremos suficientes)

Mañana os contaré qué tal está en "Scoop": de entrada, esas gafas redondas y esa secuencia de la piscina que salió hace unos meses a modo de aperitivo parecen indicar que nada puede salir mal, pero el consenso crítico parece ser que Woody la ha cagado esta vez. No sé, ya os digo que mañana la veo y os cuento. De todos modos, por la que todos estamos aguantando la respiración este año es por "The Black Dahlia": ¿he dicho ya que comparte cartel con Mia Kirshner? ¡Mia Kirshner Y Scarlett Johansson! Lo malo es que parece poco probable que también vayan a compartir plano.

Uwe Boll iba en serio

Con el director alemán Uwe Boll no se bromea. El crítico de cine Carlos Palencia, responsable de la web Cinecutre, puede contarnos un par de cosas al respecto: él ha sido la primera víctima del espectáculo cinéfago-pugilístico Raging Boll, organizado por el realizador de "BloodRayne" y la web de apuestas Golden Palace. En caso de que nunca hayáis oído hablar de la feliz idea, yo os hago un resumen: Boll necesita dinero y algunas escenas de boxeo para su próximo proyecto (la adaptación al cine de la sensacional saga "Postal"), así que ha decidido retar a cinco críticos cinematográficos de todo el mundo a vérselas con él en el ring. La única condición para poder medirte el lomo con Mr. Boll es haber publicado al menos dos críticas negativas de alguna de sus películas, que él estará encantado de debatir contigo. Punto por punto.

Pues bien, el primer combate de los cinco que Uwe tiene programados tuvo lugar el pasado martes, durante la Semana de Cine Fantástico de Estepona. El señor Palencia se había estado preparando intensivamente para su gran día, pero ignoró el hecho de que el director de "House of the Dead" lleva tanto tiempo en esto que casi se le puede considerar un boxeador profesional (otro dato que probablemente no sabíais: posee un doctorado en literatura. Ahí donde le veis). Como era de esperar, el combate acabó siendo un paseo del señor Boll, que casi tuvo que perdonarle la vida en un par de ocasiones al bueno de Carlos Palencia. Antes de que lo preguntéis, os lo digo yo: por supuesto que el evento está en YouTube, y por supuesto que es todo lo hilarante que esperabais (al final hay una aparición estelar de... ¡¡Juan Manuel de Prada!!). Tras haber dejado su huella en Málaga, Uwe Boll ha puesto rumbo al rodaje de "Postal" en Vancouver, donde tendrán lugar los otros cuatro combates (y, espero, uno especial con la única estrella confirmada de la película: Gary Coleman).

De todas maneras, yo creo que Boll se ha ido de España demasiado rápido: ¡aún le quedaban muchos críticos bizarros con los que enfrentarse! ¡Carlos Boyero! ¡Andrés Arconada! ¡Antonio Gasset! ¡Carlos Pumares!

"It's, like, so totally awesome": Las 45 mejores comedias adolescentes (2)

 II. Las chicas solo quieren divertirse

La segunda entrega de nuestro coleccionable está dedicada a la especie más peligrosa del instituto: las chicas guapas, ricas y populares, unos auténticos depredadores situados en lo más alto de la escala alimenticia. Vestidos caros, teléfonos móviles, tarjetas de crédito, mucho maquillaje y un refinado sentido de la crueldad son algunas de las armas con las que ejercen su hejemonía por los pasillos. Ten mucho cuidado con el grupo de Heathers (o de Plastics), y vigila tu espalda.

6 Clueless (Fuera de onda) (1995): Ultrasatírica a la vez que ultradivertida, llena de personajes odiosos a la vez que entrañables, "Clueless" es la quintaesencia de un tipo de cine adolescente que se desarrolló y murió durante los años 90. La película sirvió como trampolín para Alicia Silverstone, que aún no ha podido superar ese papel hecho a medida: su Cher Horowitz es la clase de triunfadora superficial y egocéntrica a la que a todos nos encanta odiar, una doctora loca que crea un monstruo de Frankenstein y luego no puede soportar las consecuencias. Al relocalizar la clásica comedia romántica decimonónica en el valle de California de finales del siglo XX, la directora Amy Heckerling no solo consiguió una ejemplar película adolescente, sino que también cambió para siempre el lenguaje de las Valley Girls y, por extensión, el de toda la juventud norteamericana. O sea, duh!

Frase mítica: Searching for a boy in high school is as useless as searching for meaning in a Pauly Shore movie. Momento definitorio: La experiencia cercana a la muerte de Tai (Brittany Murphy). Canción para recordar: "Supermodel", de Jill Sobule. Ver también: La novela de Jane Austen "Emma" (1816), la serie de televisión "Sensación de vivir" (1990-2000), la serie de televisión del mismo nombre (1996-1999).

* "As IF": Breve diccionario de argot de "Clueless" (cortesía de la Wikipedia)

AWESOME - Algo increíblemente bueno

BALDWIN - Un hombre muy, muy atractivo (de Alec Baldwin)

BARNEY - Un hombre muy, muy poco atractivo (de Barney Rubble, o sea, Pablo Mármol)

DUH! - Obviamente (I mean, duh!)

FER SURE! - ¡Pues claro!

LIKE - Expresa un estado de ánimo (She was like: 'Oh. My. Gwad')

OR SOMETHING - Se utiliza al final de una frase, cuando no sabes de qué demonios estás hablando (She's like a loadie, or something)

TOTALLY - Completamente. Normalmente, va acompañado de la partícula So (You are so totally money and you don't even know it!)

WHATEVER - Lo que sea, no me importa. Se debe poner énfasis en la última parte (So you're so hip? What-EVER!)

WORST (...) EVER - Algo muy, muy malo. Es recomendable hacer largas pausas entre palabra y palabra (This is the Worst. Night. Ever)

7 Caramelo asesino (1999): Con un humor más negro que la pez y un desconcertante cameo de Marilyn Manson, es posible que "Jawbreaker" sea la comedia adolescente más antipática y oscura jamás rodada (aunque no la más deprimente: esa viene dentro de unos meses). Su sentido del humor raya con la misantropía, por lo que esta es una cinta pensada exclusivamente para espectadores perversos y con pocos escrúpulos. De todos modos, hay varios tesoros escondidos en este éxito subterráneo: una muerte horriblemente absurda, una impagable colección de gags torvos y un trío protagonista de auténtico culto (Rose McGowan, Julie Benz y Rebecca Gayheart).

Frase mítica: I killed Liz. I killed the teen dream. Deal with it. Momento definitorio: Courtney (McGowan) es nombrada Reina del Baile. Canción para recordar: "Checkin' It Out", de The Donnas. Ver también: "Carrie" (1976), "Escuela de jóvenes asesinos" (1989), "Very Bad Things" (1998).

8 A por todas (2000): Es posible que sea la más suave (o la que menos mala leche tiene) de todas las comedias de este apartado, pero eso no quiere decir que "Bring It On" sea una película de Hilary Duff. La razón por la que todo el mundo se enamoró de Kirsten Dunst y Eliza Dushku es una mirada divertídisima a ese particular Olimpo de seres semidivinos que componen los grupos de animadoras dentro del ecosistema del instituto, con las rivalidades y venganzas propias de toda mitología. Y esas coreografías... ESAS coreografías...

Frase mítica: Courtney, this is not a democracy, it's a cheerocracy. Momento definitorio: El lavado de coches. Canción para recordar: "Makes No Difference", de Sum 41. Ver también: "Willing to Kill: The Texas Cheerleader Story" (1992), "Así es el amor" (2001), "Los feos también mojan (2002), las secuelas "Bring It On Again" (2004) y "Bring It On: All or Nothing (2006).

* Bitch-O-Meter!

1) ANGELA HAYES (American Beauty): 15 MegaCollins

2) CHER HOROWITZ (Clueless): 35 MegaCollins

3) COURTNEY ALICE SHAYNE (Caramelo asesino): 70 MegaCollins

4) KATHRYN MERTEUIL (Crueles intenciones): 85 MegaCollins

5) REGINA GEORGE (Chicas malas): 100² MegaCollins

9 Chicas malas (2004): Poco puedo decir de esta película que no haya dicho ya. Aproximación en clave casi antropológica al microcosmos del high school, comedia mucho más vitriólica de lo que parece a simple vista, caramelo para la vista e impagable retahíla de frases y momentos míticos, "Mean Girls" se atreve, además, a llevarnos a un territorio donde pocas pelis adolescentes nos llevan. ¿Sucumbiríamos al Lado Oscuro (es decir, a la aristocracia del insti) si este nos aceptara en su impenetrable círculo secreto? ¿Seríamos capaces de mantener nuestra integridad y seguir siendo unos pringados? Escrita por Tina Fey (y con apariciones estelares de Amy Poehler, Tim Meadows y la propia Fey), esta extraordinaria película es lo más parecido que tenemos a una comedia adolescente modelo "Saturday Night Live". Y, bueno, también es la consagración del mayor icono pop de nuestro tiempo. ¿Hace falta que diga su nombre?

Frase mítica: Halloween is the one night a year when girls can dress like a total slut and no other girls can say anything about it. Momento definitorio: Cuando Regina (Rachel McAdams) es arrasada por un autobús. Canción para recordar: "Overdrive", de Katy Rose. Ver también: "Escuela de jóvenes asesinos" (1989), "Clueless (Fuera de onda)" (1995), el libro de Rosalind Wiseman "Queen Bees and Wannabes" (2002), "¡Quiero ser superfamosa!" (2004).

Randy Meeks presenta: Las reglas no escritas de la comedia adolescente (II)

"El 50% de los capitanes de equipos de fútbol americano son unos capullos cuando están los colegas, pero lloran y escriben poesía en la intimidad.

El 95% de las protagonistas femeninas se acuestan con ellos tras descubrir esa faceta de su personalidad"

La casa ha intentando comernos

Tres breves de cine: 

1) A la blogosfera no le está gustando demasiado lo que el director Michael Bay está haciendo con los Transformers, y eso es un hecho. Yo nunca he sido fan de la serie ni de los muñecos, así que no logro entender muy bien las razones de tanto levantamiento de ceja: ¿por qué no le damos una oportunidad al bueno de Bay antes de tirarnos a su yugular (que parece que lo estábamos esperando)? Parece que el problema son los nuevos diseños de los robots-automóviles espaciales, demasiado tuneros y muy poco fieles a los que miles de aficionados tienen grabados a fuego en su memoria sentimental. Y yo pregunto: ¿es esa razón suficiente para odiar tanto la peli? ¿No nos estaremos pareciendo al tipo que abrió la desaparecida web craignotbond.com, consagrada a lapidar a Daniel Craig antes incluso de haber visto un solo minuto de su trabajo en "Casino Royale"? Además, a mí me parece que el diseño de Megatrón mola: esa pesadilla de metal y pura maldad concentrada se la pondría muy dura al Ballard de "Crash". De todos modos, aquí dejo constancia de que hay blogueros de los que me fío muchísimo que no están nada contentos con este futuro blockbuster : EKI (que empezó una cadena de favores y nos proporcionó a todos la foto que ilustra este post), Forfy, Hombre Lobo y Uruloki. Ellos dicen No a Michael Bay.

2) Acaba de salir el trailer de Killshot, la adaptación al cine de una de las novelas más populares de Elmore Leonard, que cuenta con la producción ejecutiva de Quentin Tarantino. Este avance promete, fundamentalmente, la contundente presencia de un Mickey Rourke que ya se ha convertido casi en un ser mítico, en un titán crepuscular que camina por la pantalla de forma casi etérea. Además, ¿habéis visto la pinta que tiene aquí? Casi supera a la que lució en la de Alex Rider, y eso es decir mucho. Poco más hay en este trailer que nos haga pueda hacer vibrar, aparte de la siempre bienvenida Rosario Dawson. Quentin, ¿por qué dejas las adaptaciones de Leonard en manos de sosos como John Madden, en lugar de coger tú la cámara y hacerle justicia una vez más a su prosa?

3) Hoy podéis leer en Kultura Urbana un artículo bastante interesante (en serio, está muy bien: ¿quién lo habrá escrito?) sobre "Monster House". Deciros que vayáis a ver la que ya es una de las películas del año (y lo digo tranquilamente) me parece una tontería y una obviedad, así que no diré nada más.

Trío de trailers

1) The Host: La premisa es sencilla: un monstruo marino gigante se despierta e inicia una escalada de furia y destrucción en mitad de Seúl. No obstante, con Bong Joon-ho como director y co-guionista, el espectador sagaz sabe que esta no va a ser la típica creature movie: Existen muchos prejuicios sobre las películas de monstruos, dice el director de "Memories of Murder". Esos prejuicios me intrigaron y me empujaron a hacer la película. Para mí, fue como un desafío. El trailer demuestra que Joon-ho no ha perdido ni un ápice del sentido de la intensidad que le caracteriza: se trata de una colección de momentos climáticos pensada para ponernos los dientes muy largos a los aficionados al fantástico. Además, el ataque del monstruo que aparece al principio de este avance acredita a "The Host" como una de las películas más esperadas de este otoño.

2) The Marine: El luchador profesional John Cena presenta así su debut en el cine: Es una clásica peli de acción como las de los 80, adrenalítica, cruda y áspera, admite el hombre conocido como "El Prototipo" entre los aficionados a la WWE. La película nos devuelve a los días del cine con cojones. Todo parece indicar que "The Marine" va a ser otra de las razones por las que nunca podremos agradecerle lo suficiente a la productora WWE Films la labor que está realizando en los últimos años: después de las sensacionales "Tesoro del Amazonas" y "Pisando fuerte", los caballeros nos presentan otro festival de hostias protagonizado por uno de sus luchadores más carismáticos. Con Robert Patrick haciendo de malo y Cena librándose por los pelos de tres explosiones solamente en el trailer, necesitamos que "The Marine" se estrene por aquí lo antes posible. Sí, es una NECESIDAD.

3) Borat: Cuando el director Larry Charles hizo un pase privado de esta película para su amigo Larry David, este tuvo una única queja: era demasiado divertida. Y si "Borat" es demasiado divertida para el creador de "Crub Your Enthusiasm", entonces más te vale ir haciendo cola ya mismo en el multicines más cercano. De hecho, los dos minutos que dura el trailer de este cuasi-documental contienen más risas que los 90 de, por ejemplo, "Scary Movie 4": la escena en la que Borat asegura en una reunión de feministas que el cerebro de la mujer es más pequeño que el del hombre ya es un clásico, y la película aún no se ha estrenado. Además, su protagonista nos asegura que ya ha sido un éxito en Kazakhstan : Se estrenó simultáneamente en las siete salas de nuestro país y le arrebató el primer puesto en taquilla a "King Kong", que ha sido la película de más éxito en Kazakhstan desde su estreno en 1933.

Hammer Summer: La Momia visita Londres

Bizácoras quiere conmemorar un par de fechas que deberían significar mucho para todos vosotros: el estreno de la última película de la Hammer (hace treinta años) y el final de su serie televisiva (hace veinte). Por eso, este agosto celebramos el HAMMER SUMMER, dedicado a repasar los logros de uno de los mejores estudios cinematográficos que en el mundo han sido: "El Emperador de los Helados" se encarga, como podéis ver, del ciclo de la Momia. Estad atentos a las novedades en la lista de Bizácoras, y deleitaos con la iniciativa de Harmony House (el primer blog que ha empezado a hammerizarse): "Hammerettes", o un recorrido sentimental por las chicas que gritaron al son de las partituras de James Bernard.

Cuando, allá por 1932, la Universal planeó incorporar a la Momia a su incipiente catálogo de monstruos cinematográficos, se enfrentó a un importante dilema: a diferencia de Drácula o el monstruo de Frankenstein, este personaje no tenía una base literaria o teatral como respaldo, por lo que nadie sabía cómo iba a reaccionar el público ante este nuevo monstruo. Por ello, el estudio no quiso arriesgar prácticamente nada con la producción de "La momia" (1932): la película de Karl Freund canibaliza sin pudor los hallazgos del "Drácula" de Browning, hasta el extremo de contar con los mismos actores interpretando a personajes similares o con escenas prácticamente calcadas de su anterior éxito. Más importante aún, la Momia nacía con una mitología de segunda mano: sus temas rectores (el amor inmortal, el miedo a lo ancestral, la vida después y más allá de la muerte) eran los mismos de la novela de Bram Stoker. Cuando el estudio británico Hammer decidió reformular algunos de los clásicos del terror de la Universal, las similitudes entre la Momia y el conde se acentuaron aún más: la acción se trasladaba al Londres del siglo XIX, Peter Cushing repetía el papel de cazamonstruos que ya bordara en el "Drácula" de Terence Fisher y, sobre todo, Christopher Lee volvía a encarnar al personaje del título. Es decir, que la Hammer cambió la capa negra por las vendas roídas.

De todos modos, resultaría algo injusto descalificar a La momia (1959) como un sucedáneo de "Drácula": Fisher supo imprimirle la suficiente personalidad como para que resultara una película bastante notable, uno de los clásicos refinados y atmosféricos que nos regaló la productora en sus años dorados. Es importante señalar que el punto de partida no fue la película de Karl Freund, sino dos de sus secuelas de bajo presupuesto: "The Mummy's Hand" (1940) y "The Mummy's Tomb" (1942), de las que el guionista Jimmy Sangster tomó prestado al personaje principal (Kharis, y no Him-Hotep). El argumento de la Momia hammeriana es muy parecido al de sus dos fuentes de inspiración: un grupo de arqueólogos británicos pretende descubrir el sarcófago de la princesa egipcia Ananka, sin conocer las graves consecuencias que conlleva profanar el sueño de los muertos (sobre todo de aquellos que descansan a orillas del Nilo). Al ser abierta la tumba de su protegida (y amada) princesa, el sacerdote Kharis vuelve de la tumba para vengarse de los arrogantes ingleses, pero sus planes se tuercen cuando descubre que la hija del jefe de expedición se parece sospechosamente a su Ananka (de hecho, ambos personajes fueron interpretados por la misma actriz, Yvonne Furneaux). Maestro en la dirección de actores y dotado de un gusto por el detalle realmente excepcional, Fisher consiguió sacar oro puro de los irreales decorados —ese pantano nebuloso...— y nos regaló una historia de amor fou con esa intensidad que sólo puede conseguir la serie B.

Las Hammer tardó algún tiempo en rentabilizar este éxito comercial y artístico: hasta 1964 tendríamos que esperar para ver su primera secuela, la competente La maldición de la momia. Dirigida por el simpar Michael Carreras, esta segunda parte contiene al menos una idea interesante (¡la Momia como atracción de feria!) y una hammerette para el recuerdo (la futura chica Bond Jeanne Roland), aunque ya quisiera esta momia tener la mitad del pathos que Lee le imprimió a la suya. El sudario de la momia (1967) ya cae directamente en la mediocridad con encanto: el director John Gilling, autor de la superior (y muy psciotrónica) "La plaga de los zombis" (1966), se limita a filmar al doble de Christopher Lee (Eddie Powell, fans fatales de la Gran H) cubierto de vendas y vengándose por enésima vez de sus agresores. Ni siquiera el irrepetible Michael Ripper podía evitar el evidente desgaste que estaba sufriendo el ciclo, razón por la cual Sangre sobre la tumba de la momia (1971) no fue otra repetición del mismo esquema, sino un arriesgado cambio de rumbo. Impregnada del erotismo sofisticado que caracteriza a las producciones Hammer de principios de los 70, "Sangre..." abandona la idea del vengador con vendas para convertirse en un cuento onírico (y muy femenino) sobre la reencarnación que cuenta con la hipnótica mirada de Valerie Leon como sugerente punto de partida.

Para terminar, un último apunte: "Sangre sobre la tumba de la momia" estaba basada en "La joya de las siete estrellas" (1903), una de las novelas menos conocidas de Bram Stoker. Con estos datos, uno podría pensar que el escritor británico fue decisivo a la hora de forjar no solo uno, sino dos de los monstruos más importantes de la cultura popular.

Olvídate de "Silent Hill"

Cinco razones por las que DOA: Dead or Alive tiene muy serias posibilidades de convertirse en "Al final de la escapada" para las adaptaciones de videojuegos.

1) La trama: Cinco supernenas de diferentes países se apuntan a un torneo de artes marciales y descubren que algo huele a podrido en la organización (no está basada en Dostoievski: está basada en un beat 'em up). Mientras hacen algo al respecto, también encuentran tiempo para jugar un torneo de voleibol en bikini, organizar peleas en la lluvia que acaban convirtiéndose en un concurso de camisetas mojadas y, en general, tener serios problemas para conservar su ropa.

2) Las protagonistas: "DOA" es una película esencialmente femenina, pero no en el sentido en que lo era "Volver". Aquí, en lugar de Carmen Maura o Blanca Portillo, tenemos a actrices como Jaime Pressly ("No es otra estúpida película americana", "Torque"), Devon Aoki ("D.E.B.S.", "Sin City"), Natassia Malthe ("40 días y 40 noches", "Elektra"), Sarah Carter ("Destino final 2", "Smallville") y la versátil Holly Valance (el videclip Kiss, Kiss, ninguna otra cosa digna de mención). Todo un quién es quién de las actrices-barra-loquesea.

3) El director: Corey Yuen, co-director del primer "Transporter" y uno de los mayores expertos en cine de artes marciales en activo. Es de esperar que Yuen se conozca a la perfección las dos entregas de "Los Ángeles de Charlie", auténticas estrellas que, a buen seguro, guiaron sus pasos durante el rodaje.

4) El trailer: Pinchad aquí. Hay tantas clases de belleza contenidas en él que la primera vez que lo vi pensé que iba a llorar. Lo mismo me pasó con el póster.

5) Esta secuencia: Pinchad aquí. Holly Valance les pega una paliza a unos tíos mientras se pone el sujetador. No tiene sentido y, por lo tanto, también es genial.

Página oficial (en alemán) y colección de fotos.

"It's, like, so totally awesome": Las 45 mejores comedias adolescentes (1)

I. Sátiras y comedias negras

Odiada y amada a partes iguales, la comedia adolescente sigue siendo una baza segura tanto en las taquillas como en el corazón de todo cinéfago. Este dossier por entregas pretende ser una colección de apuntes para matricularse con nota en el Instituto John Hughes: las partes más importantes están marcadas con rotulador verde, y se adjuntan esquemas y tablas que os van a poner las cosas más fáciles de cara al examen final.

Comenzamos nuestro repaso a este glorioso género por su cara más oscura: las cinco películas que vienen a continuación nos hablaron, con mucho conocimiento de causa y bastante bilis, de las consecuencias no deseadas que puede tener la angustia adolescente. Desde atentar contra el instituto hasta quedarse preñadas en un entorno ultracatólico, estas son algunas de las cosas que las hermanas Stratford NO harían mientras su padre siguiera con vida.

1 Escuela de jóvenes asesinos (1989): Convertida en auténtica pieza de culto en nuestra sociedad post-Columbine, "Heathers" es una de las pocas películas que consigue caminar con éxito por la línea que separa lo divertido de lo terriblemente oscuro. Winona Ryder y Christian Slater se convirtieron en iconos generacionales en esta extrañísima, torva cabalgata de excesos argumentales, asesinatos a sangre fría, suicidios adolescentes, sexo poco seguro y terrorismo suicida. Como el episodio de "Compañeros" que todos desearíamos haber visto.

Frase mítica: Dear diary, my teen angst bullshit now has a body count. Momento definitorio: El asesinato de Kurt y Ram con balas Ich lüge. Canción para recordar: "Teenage Suicide (Don't Do It)", de Big Fun. Ver también: "Caramelo asesino" (1999), "Chicas malas" (2004).

2 Secuestrando a la Srta. Tingle (1999): El debut en la dirección de Kevin Williamson (guionista estrella y futura flor de un día) supuso un refrescante cambio de tono con respecto a sus anteriores trabajos: aún con un pie en el cine de terror, "Secuestrando a la Srta. Tingle" era más bien una obra de cámara perversa, un pasatiempo macabro que sabía sacar lo mejor de sus (premeditadamente) absurdos giros argumentales. Cómo no, el personaje más carismático de la función no era uno de los adolescentes en apuros, sino el monstruo, encarnado por una Helen Mirren que disfruta siendo mala.

Frase mítica: Oh, Mrs. Tingle, threats are a sign of weakness. Momento definitorio: Eve Tingle, jugando con las mentes de sus secuestradores desde la cama. Canción para recordar: "At Seventeen", de Tara MacLean. Ver también: La novela "Killing Mr. Griffin" (Lois Duncan, 1978), la serie de televisión "Dawson crece" (1998-2003).

* Número total de muertos en "Escuela de jóvenes asesinos"

Heather Chandler - Se bebe un cóctel mortal (cortesía de JD)

Ram Sweeney - Recibe un disparo en el bosque (como parte de un falso suicidio ritual)

Kurt Kelly - Recibe un disparo en el bosque (como parte de un falso suicidio ritual)

JD - Vuela por los aires a las puertas del instituto (el único suicidio de toda la película)

El instituto entero - En el final original, JD se suicidaba en los baños, pero Veronica detonaba la bomba durante el baile de graduación

3 Battle Royale (2000): Al llevar su insuperable premisa (¿matarías a tu mejor amigo?) hasta sus últimas consecuencias, Kinji Fukasaku convirtió su última gran película en mucho más que una comedia macabra sobre el eterno choque generacional. Combinando existencialismo con rebelión adolescente, esta obra maestra no sólo ha dejado huella en el imaginario colectivo (ahí está la Gogo Yubari de "Kill Bill: Vol. 1"), sino que se ha convertido en una de las películas más relevantes de nuestro tiempo.

Frase mítica: Life is a game. So fight for survival and see if you're worth it. Momento definitorio: La sonrisa ensangrentada de la chica del prólogo (y su muñeca). Canción para recordar: "Dies Irae", de Giuseppe Verdi. Ver también: La novela "La larga marcha" (Richard Bachman, 1979), la novela homónima de Koushun Takami (1999), el manga homónimo de Takami y Masayuki Taguchi (2000-2005), "Battle Royale II: Requiem" (2003).

4 Ingenuas y peligrosas (2001): Un grupo de animadoras decide atracar un banco para ayudar a su líder, que se ha quedado embarazada del quarterback triunfador del instituto. Sobre el papel, puede parecer una trama insulsa y llena de tópicos, pero esta cinta (cuyo título original era "Sugar, Spice & Semiautomatics") consigue arrojar una ácida mirada sobre todos los clichés a los que se enfrenta (con éxito). Dotada de un sentido del humor aparentemente inofensivo (pero realmente demoledor), "Ingenuas y peligrosas" es una película muy, muy reivindicable.

Frase mítica: I'm gonna be someone's bald bitch! Momento definitorio: Las chicas recitando "Papa Don't Preach" como si fuera el evangelio. Canción para recordar: "Girl Power", de Shampoo. Ver también: "But I'm a Cheerleader" (1999), "American Beauty" (1999).

* Planos y croquis de "Battle Royale" (cortesía de BattleRoyaleFilm.com)

Diagrama de la clase

Mapa de la isla (para ver la lista de muertos, pincha aquí)

Zonas de peligro

5 ¡Salvados! (2004): Al escuchar las palabras comedia adolescente de Mandy Moore, lo más normal es que un espectador con dos dedos de frente salga corriendo. No obstante, esta película no es, en absoluto, lo que parece: lo que podría haber sido un ñoño vehículo para la actriz-barra-cantante se revela como una de las más acertadas sátiras religiosas de los últimos tiempos. Un reparto en estado de gracia (Jena Malone, Macaulay Culkin, Heather Matarazzo y, sí, también Mandy en el papel de perra de Jesucristo) y unos diálogos destructivos puntúan la película que nunca verían Barbra y Jenna Bush.

Frase mítica: Why would God make us all so different if he wanted us to be the same? Momento definitorio: Roland contando qué tal le fue el verano (Macaulay Culkin está hecho para la comedia negra). Canción para recordar: "God Only Knows", de Mandy Moore y Michael Stipe. Ver también: "Superstar" (1999), "American Dreamz" (2005).

* Randy Meeks presenta: Las reglas no escritas de la comedia adolescente (I)

"2 de cada 10 protagonistas de una comedia adolescente se convierten en grandes estrellas de Hollywood.

Un desafortunado 3% se convierte en Freddie Prinze Jr."

Muy pronto...

El mayor evento veraniego de "El Emperador de los Helados". Y no estás invitado.

Kellyrama (Nº 16)

a) "Domino", una reseña: La misma tarde que fui al cine a ver "Domino" me alquilé en DVD "Garden State", de Zach Braff. O sea, que en una misma tarde vi la película de un abuelo que dirige con la furia de un adolescente y la de un jovencito que dirige películas para viejas. Ya sólo por eso, el último trabajo de Tony Scott se merecería una oportunidad: a sus 62 años, el tío demuestra que se encuentra lejos de la senilidad creativa, ofreciéndonos la película de acción más acelerada, imprevisible e hiperbólica de la temporada. Y lo mejor es que eso no es todo: basándose en un guión de Richard Kelly que traiciona voluntariamente los hechos y se centra en la leyenda, el Scott de "Domino" da un paso más allá en su radical propuesta estética, convirtiendo la película en un festival de excesos visuales capaz de encolerizar como nadie a la cinefilia ortodoxa. Le pese a quien le pese, Scott ha logrado desarrollar lo que pocos cineastas poseen: un estilo propio, muy cercano al autismo autoral de los grandes maestros contemporáneos. La excentricidad de la forma también lo es del contenido: "Domino", hermana espiritual de "Amor a quemarropa", divertimento voluntariamente menor tanto para su director como para su guionista, sabe que la vía del exceso y del absurdo es la única que puede vehicular un ácido comentario sobre la sociedad contemporánea. Por supuesto, no es una película perfecta: entre los viajes de mescalina, los predicadores locos y los programas de telerrealidad, Scott y Kelly se olvidan de perfilar a sus personajes, algo que el Tarantino de "True Romance" nunca descuidó. Con todo, "Domino" es uno de los mayores placeres cinéfagos del verano, una descarga de intensidad que tiene tanto de genuino espíritu punk como de ensayo sobre los posibles caminos estéticos y narrativos que puede tomar el cine del futuro.

b) Kelly en la Comic-Con, un resumen: Parece que fue ayer, pero ya ha pasado un año desde que Richard Kelly presentara "Southland Tales" en la Comic-Con de San Diego. Doce meses y un planchazo en Cannes después, el guionista de "Domino" volvió a tener un panel para presentar su aún no estrenada segunda película. Según informa un forero de Richard-Kelly.net, la sala estuvo moderadamente llena y Kelly fue tan abierto y comunicativo como el año pasado. Los de Universal proyectaron un fragmento de la película (en el que se veía al personaje de Justin Timberlake cantando a The Killers en una especie de karaoke) y prometieron un estreno otoñal en los EEUU. En cuanto a Richard, habló un poco del remontaje del film, confirmó que su próxima película como director será "The Box" y comentó el proceso de elaboración de las novelas gráficas. Ah, y ya tenemos un nuevo póster de "ST": pinchad aquí.

c) Los diarios del joven Richard, un extracto: Hoy, Richard Kelly da sus primeros pasos como dealer profesional. El mes que viene, el gran final.

12 de diciembre de 1988. Esta mañana he mirado en la mochila de mi tío y he encontrado un montón de pastillas blancas. Las he llevado al plató y se las he vendido a unos extras: ¡he ganado 500 dólares! Una chica gorda de Queens me ha dicho que puede que sean PCP.

Mi tío sigue desparecido.

13 de diciembre de 1988. Todos los extras me han preguntado si tenía más pastillas hoy. Me estoy quedando sin material a marchas forzadas. Estoy pensando en dejar el colegio y mudarme a Nueva York: es muy fácil montártelo aquí si te quedas en los hoteles y toda esa mierda.

Top 10 Nicolas Cage (y II)

5. Corazón salvaje (1990): ¿Te he dicho ya que esta chaqueta es un símbolo de mi individualidad y mi fe en la libertad personal? En efecto, la chaqueta de piel de serpiente que lucía el bueno de Sailor en esta road movie infernal forma parte de la colección de objetos inanimados que se han convertido en metonimias del Lynchverso: una oreja, una caja azul, una cinta de vídeo, un radiador, un cortacésped (bueno, tachad ese último)... Como dato, decir que la chaqueta pertenecía a Nicolas Cage. O sea, que ese símbolo de individualidad no fue cosa de una directora de vestuario, sino de un actor que se había perdido por completo en su personaje. Incluso tuvo la oportunidad de cantar "Love Me Tender" durante los créditos finales: un fan de Elvis no podría pedir más. Bueno, de hecho, también podría pedir matrimonio a su única hija...

4. Leaving Las Vegas (1995): O "Aquella por la que ganó el Oscar". Nadie puede decir que no se lo mereciera (aparte de esos bastardos que no se levantaron a aplaudir en la ceremonia): Cage no es un actor interpretando a un alcohólico por medio de tics y amaneramientos, sino que se mete hasta las cejas en el universo autodestructivo de Ben Sanderson, llevándonos a todos los espectadores con él. Puede que esta sea la interpretación preferida de todos los que, en realidad, no gustan de Nicolas Cage, pero eso no significa que no esté plagada de genuinos Momentos Nic: la escena en la que baja casi media botella de bourbon de un trago antes incluso de pagarla o el grito de ¡Soy un cactus! están ahí para demostrarnos quién es el jefe.

3. Al límite (1999): Nic conduce como un loco una ambulancia mientras da botes al ritmo de The Clash. De repente, pone esa mirada de loco que sólo él sabe poner y le dice a su compañero: Rompamos algo, Tom. Escenas como esta son las que convierten a "Bringing Out the Dead" en la película más injustamente minusvalorada de Scorsese, un auténtico mal viaje a las cloacas de la urbe, donde Edgar Allan Poe se da la mano con Travis Bickle. La sensación de caos, locura y ansiedad que Paul Schrader supo extraer de las crónicas de Joe Connelly no podía haber encontrado mejor catalizador que nuestro hombre: en la piel de Frank Pierce, Nic se convierte en un volcán a punto de estallar que persigue fantasmas por las calles de un Nueva York nocturno y apocalíptico, camina tambaleándose sobre la línea que separa la vida de la muerte y acaba conociendo el amor (y la rendención) gracias a una ex-drogadicta con los rasgos de la entonces Mrs. Cage. A medio camino entre la parábola cristiana heterodoxa (¡esa defensa de la eutanasia!) y el cuento de terror, "Al límite" es una obra maestra. Por si aún no le había quedado claro a alguien.

2. Con Air (1997): Hay dos clases de héroes de acción. Por un lado, está el carismático antihéroe cool de, por ejemplo, "Snake Eyes" o "60 segundos". Por otro, está el héroe perplejo, el tipo corriente que se ve superado por las circunstancias y decide hacer algo al respecto. Cameron Poe es la quintaesencia de esa segunda categoría: un tipo al que encerraron por defender a su chica de unos maleantes y que lo único que quiere en esta vida es tomar el avión que le llevará a conocer a su dulce hija. No obstante, las cosas nunca son tan fáciles como parecen, y mucho menos en este blockbuster de tintes casi homéricos. Sé que debería haberle dado una oportunidad a Rick Santoro o Memphis Raines, pero me fue imposible no sucumbir a la escena del conejito de peluche. Además, qué narices, Poe es el héroe de acción por excelencia: camiseta de tirantes sudada, actitud macarra, buenas intenciones y muy mala leche. Sólo McClane podría atreverse a mirarle a la cara.

1. Adaptation. (2002): Y el tipo que encarnó a todos esos héroes a los que nos gustaría parecernos algún día (aunque fuera de lejos) descendió a nuestro plano de la realidad y dio vida a dos esos perdedores a los que realmente nos parecemos. A dos. En la misma película. Sería inútil ponerse a defender las infinitas virtudes de la mejor broma intertextual jamás filmada, así que centrémonos en Cage: su desdoblamiento como Charlie y Donald Kaufman es el mayor tour de force de una carrera llena de tour de forces. ¿Os imagináis a muchos actores actuales capaces de dar vida a una persona real (con todo el trabajo de mímesis y observación que eso requiere) y a su gemelo imaginario? La prueba irrefutable de que Cage hizo aquí su mejor trabajo la tenemos en el monólogo final de Donald: sabemos que es todo una distanciada maniobra del guionista/estrella, pero, de algún modo extraño, no podemos evitar emocionarnos cuando el hermano tonto nos habla de su particular concepción del amor. Al final, resulta que hemos aprendido una valiosa lección. Como en "Los 3".

* ¿Qué? ¿De acuerdo? ¿Echas en falta a alguien? ¿Roy Waller, quizás? ¿O tal vez David Spritz? Deja tus impresiones en los comentarios de aquí abajo.

Top 10 Nicolas Cage (I)

Poco se puede decir de El Hombre que no se haya dicho ya: un actor de la vieja escuela en la era de la estrellitas de síntesis, un tipo duro con un carisma a prueba de huracanes, un coleccionista de cómics con criterio que ha bautizado a su primogénito con el nombre de Kal-El, el epítome del concepto cool y uno de los mejores imitadores de Elvis en este planeta. El siguiente Top 10 es un tributo subjetivo a las mejores interpretaciones de Nicolas Kim Coppola (su verdadero nombre: lo de Cage se lo puso por Johnny Cage). Repito: lo que he valorado ha sido la calidad de su interpretación, no de la película. Y creedme cuando os digo que no ha sido fácil.

10. La búsqueda (2004): Si bien es cierto que esta patriótica aventura danbrowniana no pasará a la Historia como uno de los highlights imprescindibles de su carrera, nadie le puede negar a Nic que compusiera uno de los héroes de acción con más carisma desde que Indiana Jones colgara el sombrero. Su Ben Gates es la clase de tipo que a todos nos gustaría ser: inteligente, intrépido, con un don natural para seducir a atractivas archivistas y un peinado casi avant-garde. La torpeza de Tom Hanks en "El código Da Vinci" sólo ha servido para que valoremos más lo que Cage hizo aquí, casi sin que nos diéramos cuenta: reformularse a sí mismo como héroe de pulp, desprejuiciado a la vez que convincente.

9. El beso del vampiro (1989): Cuando eres el sobrino de Francis Ford Coppola, tienes que currártelo muy duro para que te tomen en serio. Da igual que trabajes con los Coen o con Alan Parker: la gente seguirá acusando a tu tío de nepotismo. Cuando todo lo demás falla, quizá la única opción que te queda es comerte una cucaracha viva delante de la cámara. Es posible que no haya una manera mejor de demostrar que vas en serio, aunque eso no era lo único memorable de Cage en esta película, una inmersión en las pantanosas aguas de la locura como síntoma inexorable de los tiempos modernos. Peter Loew es uno de los papeles más complejos e incomprendidos de su carrera, pero la gente se sigue acordando sólo de la cucaracha.

8. La Roca (1996): Vaya por delante que me resulta muy difícil hablar con objetividad y mesura de "La Roca", una de mis películas preferidas de los años 90. Guste o no guste el estilo de Michael Bay, nadie puede negar que el primer coqueteo de Nic con el cine de acción no sólo fue una decisión de lo más valiente por su parte (recordemos que acababa de ser alabado por la ortodoxia gracias a su papel en "Leaving Las Vegas"), sino un auténtico éxito en el apartado artístico: la cínica madurez de Sean Connery no podía haber encontrado un contrapunto mejor que la perenne mirada de perplejidad de un Stanley Goodspeed que ejercía, al mismo tiempo, de secundario cómico y de alma de la película. Si aún no lo veis claro, revisad la escena de "Rocket Man"...

7. Cara a cara (Face/Off) (1997): Cuando es Castor Troy, resulta uno de los villanos más convincentes, despreciables y molones que nos es posible imaginar. Cuando es Sean Archer, se transforma por completo en uno de esos héroes a su pesar que sólo son capaces de bordar él y Harrison Ford. Este baile de máscaras de John Woo es uno de los high concepts más arriesgados del cine de acción contemporáneo (¿y si el público no se entera de quién es el bueno y quién el malo?), pero la sobresaliente labor unos Cage y Travolta en plena forma consiguieron llevarlo a buen puerto. Lástima que Woo no explotase más la subtrama incestuosa con Dominique Swain...

6. Arizona Baby (1987): Nunca supimos lo que pensaba Chuck Jones de la segunda película de los hermanos Coen, pero es fácil imaginar lo sorprendido que debió quedar al ver en ella a la versión en carne y hueso de su Wile E. Coyote. En efecto, el H.I. McDunnough de "Raising Arizona" es una muestra más de la apabullante versatilidad de nuestro hombre, capaz de dar un recital de slapstick hiperbólico justo antes de dejarnos ver el inmenso corazón de su personaje. Además, Cage compone aquí su primer personaje con madera de icono: su pelo, su bigite y sus camisas hawaianas son las señas de identidad de un personaje irrepetible. Okay, then.

* Un paramédico al borde del colapso, un presidiario volando hacia su libertad, un traficante de armas que nunca dispara con su propia mercancía... ¿Quién será el número uno? Espera a mañana para descubrirlo. Aunque hay una cosa que puedes descubrir ahora mismo: NO es el capitán Corelli.