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Los archivos de EL EMPERADOR DE LOS HELADOS

Cinefagia

¡Aplasta!

Es posible que ha muchos espectadores casuales les sorprenda que The Incredible Hulk no sea una secuela directa del blockbuster más insólito de 2003, pero el marvelita no debería arquear la ceja: cuando una colección no funciona, lo normal es cambiar al equipo creativo y tomar una nueva dirección. La cinta de Ang Lee era una historia de orígenes que prefería quedarse con Bruce Banner y sus problemas edípicos que acompañar a Hulk en uno de sus paseos altamente destructivos. Con todo, el director de "Deseo, peligro" supo coreografiar al menos una gran secuencia de acción (¡tanques volando por el desierto!) y una clímatica, intensa conversación bajo los focos entre padre e hijo. Cinco años después, el director Louis Letterier y el actor y co-guionista Edward Norton presentan un teaser que promete haber tomado nota de los aciertos de su predecesor... y también de sus errores: Letterier ha anunciado que Banner se transformará por primera vez a los tres minutos de película, mientras que Norton parece mucho más convincente que Eric Bana en la piel de un frágil cinetífico que lucha por contener a la bestia que lleva dentro. Los primeros compases de este avance recuerdan algo a la serie de televisión, con Banner huyendo de sí mismo a través de varios países (Brasil y una montaña nevada, por lo que vemos) y un primer plano de unos ojos verdes que volverá locos a los nostálgicos de Lou Ferrigno. Por el contrario, desde el momento en que el científico salta del helicóptero tras despedirse de Betty (Liv Tyler), las referencias que nos vienen a la cabeza son más contemporáneas: concretamente, el primer volumen de "Los Ultimates", cuya potencia puede haber sido trasladada a ese combate entre Hulk y Abominación (Tim Roth) que, al parecer, ocupará toda la última media hora del metraje (con las fatales consecuencias que, imagino, se derivan para los peatones y el mobiliario urbano de Nueva York).

La presencia de Ty Burrell como el psiquiatra Leonard Samson, ausente en la anterior adaptación, también parece una buena noticia, pero el temor a que el nuevo Hulk cinematográfico vuelva a cargar las tintas en los lamentos del héroe a su pesar no ha desaparecido del todo: ¿le habrá sucedido al director de "Transporter 2" lo mismo que a Sam Raimi? ¿Primarán las frases del estilo "Mi poder es mi condena" y los primeros planos de personajes llorando, o Hulk tendrá libertad para sembrar el caos y la destrucción como sólo él sabe? ¿Y qué hay de un retorno inesperado de los perros gamma de la peli de Ang Lee? ¿Nadie quiere un retorno inesperado de esos perros? Tendremos todas las respuestas en junio, cuando La Masa aplaste otra vez las pantallas del multicines.

Que el buen Señor encienda una luz en ti

Que el buen Señor encienda una luz en ti

Hay una manera de estudiar la evolución de los Rolling Stones que podría complementar a una sesión intensiva de sus discos en orden cronológico: revisar (o, en algunos casos, descubrir) su peculiar filmografía, que acaba de sumar una nueva entrada con Shine a Light, impresionante jam session entre la banda y Martin Scorsese que llegará próximamente a nuestras pantallas. Lejos de la furia del "Gimme Shelter" de los hermanos Maysles o el "Sympathy for the Devil" de Godard, el último documental de los Stones es una pieza más reflexiva, donde las tormentas de energía que desatan en el Beacon Theater de Nueva York se ven complementadas por viajes al pasado (en forma de un material de archivo gloriosamente seleccionado) que funcionan casi como flashbacks en un cómic de superhéroes crepusculares. En ese sentido, los Stones han llegado a un lugar al que el cine beatle nunca pudo llegar, pero eso no signfica que "Shine a Light" sea un documental mustio y deprimente. Nada más absolutamente lejos de la verdad: es la crónica de cuatro músicos que no pueden (ni deben) parar, que siguen manteniendo la misma energía escénica que cuando eran unos jóvenes impresionados por haber durado dos años en el negocio. Sobre el escenario, Jagger, Richards, Watts y Wood son cuatro titanes que siguen hacia delante, llevando con una naturalidad sin precedentes el peso de su leyenda.

Durante sus extraordinarios primeros quince minutos, "Shine a Light" no sólo demuestra que también es una película de Scorsese, sino que incluso podría interpretarse como una película sobre Scorsese. ¿Qué ocurre cuando un control freak se enfrenta a un grupo fundamentalmente anárquico, incapaz de proporcionarle la lista de las canciones que van a tocar hasta segundos antes del concierto? El autor de "Taxi Driver" sabe colocarse discretamente tras las cortinas cuando comienza la actuación, hasta el punto de hacerse casi invisible para el espectador poco atento. No obstante, Scorsese está ahí, sincronizando su sentido de la intensidad con el de Mick Jagger, mimando convenientemente a las estrellas invitadas y logrando que nos sintamos como si realmente estuviésemos en el escenario. El resultado final es una experiencia fundamentalmente satisfactoria, dotada de un arrebatador halo cool —es el mundo de Keith Richards, nosotros sólo vivimos en él— y un puñado de canciones excelentes. Sobre todo, "Shine a Light" me ha servido para derribar algunos prejuicios sobre la etapa más reciente de las carreras de los Stones y Scorsese: con una media de edad de 64 años, estos cinco tíos siguen saliendo ahí fuera para enseñarnos a todos cómo se hace.

Deberían haber enviado a un poeta (9)

Poesía previa:

Estatuillas y cafeína intravenosa

Qué locura de gala, amigos y vecinos. ¡Pero en el buen sentido! De acuerdo, alguien subió el product placement hasta el 11, los montajes nostálgicos se hicieron un poco pesados y las canciones de "Encantada" y de "August Rush" estuvieron a punto de ser más de lo que un hombre cuerdo podría soportar, pero la labor de Jon Stewart y el triunfo de los Coen fueron sólo dos de los muchos alicientes que nos mantuvieron despiertos todo el tiempo. Si viste la gala, échale un vistazo a Helados y Oscars para recordar algunos de los mejores momentos y leer algunos chistes realmente terribles. Quiero dar las gracias a todos los que estuvieron allí durante toda la madrugada, interactuando o simplemente leyendo: juntos, conseguimos hacer frente al sueño, reímos con Seth Rogen, lloramos (de emoción) cuando ganó "Once", vibramos con Javier Bardem, descubrimos que visitar el foro de Canal + era como mirarse en un espejo y nos enamoramos de Helen Mirren (al menos, yo lo hice). De nuevo, gracias a todos por una velada fantástica. Maldita sea, puede que hasta haya recuperado la fe en esto de los Oscar, así que ahí va... ¡Hasta el año que viene!

Recuerda tu cita con el Oscar

Recuerda tu cita con el Oscar

La madrugada del domingo, a eso de las 2.00 de la mañana, un servidor empezará su primera incursión en el mundo del live blogging con Helados y Oscars, una cuenta de Twitter creada exclusivamente para hacer un seguimiento al minuto de la gala de (lo habéis adiviniado) los Oscar. Se trata de la única ceremonia en años con nominados interesantes, así que la idea de dar un testimonio exhaustivo de ella me parece irresistible a la vez que insensata. Por supuesto, estáis invitados a seguir el evento conmigo e interactuar desde vuestra cuenta de Twitter, aunque lo más probable es que prefiráis revisarlo al día siguiente, después de haber dormido vuestras horas. No os culpo: yo, con una fiesta loca preparada para esta noche y el live blogging para la siguiente, estoy en guerra contra el sueño, pero no hay necesidad de que vosotros también lo estéis.

En suma, Helados y Oscars es una buena opción si no tienes Canal + (prometo chistes sobre los presentadores, casi más que sobre Daniel Day-Lewis) y, bueno, no quieres escuchar la radio. ¿Se beberá el batido del Oscar a Mejor Actor quien-nosotros-sabemos? ¿Tiene "Michael Clayton" más posibilidades de las que parece a simple vista? ¿Alguien duda de que "Ratatouille" se irá a casa con la estatuilla de Mejor Película de Animación? ¿Ganará una actriz secundaria que interpreta a un hombre? Y, lo más importante: ¿será esta la noche de "Norbit" (nominada a Mejor Maquillaje)? Todo esto y mucho más, el domingo a partir de las dos de la madrugada. There will be Red Bull.

Helados en los Oscar: Un evento muy especial

Helados en los Oscar: Un evento muy especial

Sinceramente, los Oscar nunca me han estimulado demasiado: más allá del glamour de la alfombra roja y los chistes del presentador, ¿qué nos queda? Un puñado de ejecutivos de Hollywood viendo cómo sus producciones, increíblemente aburridas en su mayoría, reciben toneladas de premios. Quizá mi principal problema con las últimas ediciones ha sido, sencillamente, que no me gustaban las películas nominadas. ¿"Chicago"? ¿"Una mente maravillosa"? ¿"Million Dollar Baby"? ¿"Crash"? Ni siquiera "Infiltrados" me estimulaba lo más mínimo a quedarme toda la noche despierto... Salvo el año de "7:35 de la mañana" y Charlie Kaufman por "Eternal Sunshine", nunca he encontrado razones para estar entusiasmado.

Por supuesto, todo eso ha cambiado este año. Mirad la imagen de arriba, con cinco pantallas como cinco solares mañaneros anunciando las nominadas a Mejor Película. Excepto "Michael Calyton", que no pude ver en su día, se trata de un plantel de películas con las que realmente he disfrutado, en lugar de con dramones protagonizados por estrellas comprometidas o musicales para abuelas. ¿Qué ha pasado? No lo sé, pero tampoco me interesa demasiado: quiero vivir el sueño, ya que soy consciente de que algo así sólo me va a pasar una vez cada 20 años (cálculo aproximado). Por tanto, este blog ha pensado en algo especial para la noche del 24 de febrero: una cobertura en directo de la gala a través de Twitter. Lo sé, es una locura, pero así es como empiezan todas las cosas que merecen la pena en la blogosfera, así que he decidido darle una oportunidad. Además, prometo más chistes sobre Daniel Day-Lewis y más puyas a los presentadores de Canal + que la competencia (si la hubiera).

A través de Helados y Oscars, una cuenta creada para la ocasión, iré desgranando las claves de la gala en comentarios de no más de 140 caracteres. El Twitter empezará a postear actualizaciones alrededor de las 2.00 AM de la madrugada del domingo 24 al lunes 25, y hay dos maneras de seguirlo:

  • En directo, en tiempo real, incluso interactuando con él a través de tu propia cuenta.
  • A posteriori, a modo de testimonio preciso y exhaustivo de gala (la razón por la que no hago esto en mi propio Twitter es que no quiero saturar a mis followers... Twitter... Followers... Twitter... Followers...).

Por supuesto, la primera opción es más divertida, toda una experiencia y convierte al que la siga en un valiente (leerlo al día siguiente, tras haber dormido tus horas, no tiene demasiado mérito). Ya iba siendo hora de que tuviéramos una buena razón para vivir una gala en directo, y Helados y Oscars va a ser mi manera de dejar escrito que hubo un año en que los Oscars molaron. ¡"El Emperados de los Helados" + Twitter + Hollywood! ¿Qué puede salir mal?

Son los años Y los kilómetros...

 

... pero nadie lo notaría ni en un millón de años. El primer trailer de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal es la prueba, radiante y despampanante, de que Indy sigue completamente fresco: las dudas, si es que las había, se disipan con esa entrada en sombras, puro Spielberg y (pronostico) un momento clásico en su filmografía desde hoy mismo. Una visita a la actual residencia del Arca de la Alianza, una pista sobre la conexión extraterrestre, unos nativos, un reencuentro con un viejo amor, una villana poderosa (en la foto) y muchas acrobacias con el látigo. Acabo de terminar los parciales de febrero, pero no me importaría que mañana mismo fuese ya mayo. Concretamente, el jueves 22 de mayo.

¿Qué? ¿Diseccionamos el trailer en los comentarios?

Trío de trailers

Trío de trailers

1) Son of Rambow: Cualquiera que haya visto los cortos primerizos que M. Night Shyamalan esconde entre los extras de sus DVDs sabrá lo candorosos que pueden llegar a ser los primeros esfuerzos de un cineasta precoz (casi embrionario) por estar a la altura de sus ídolos. Puede que la cima de este subgénero de blockbusters caseros sea ese remake casi plano a plano de "En busca del arca perdida" que se rodó hace algunos años bajo el mecenazgo de Harry Knowles, pero sus artífices ya estaban creciditos y, por tanto, no cuenta. "Son of Rambow" es la crónica (ficticia) de la home movie más ambiciosa jamás rodada: una secuela de "Acorralado" rodada por dos muchachos de la campiña británica en los años 80. El colectivo Hammer & Tongs (es decir, el director Garth Jennings y el productor Nick Goldsmith) cuentan con un presupuesto casi tan ínfimo como el de sus protagonistas, pero su cákida agocida en Sundance 2007 parece indicar que "Son of Rambow" no tiene nada que envidiar a su modélica adaptación de "La guía del autoestopista galáctico". Si tan sólo pudiéramos ignorar ese fantasma de "Billy Elliot" que parece planear a lo largo y ancho del trailer...  Estreno primavera-verano

2) Doomsday: Resulta extremadamente difícil no amar a Neil Marshall: puede que tuviera unos inicios algo titubeantes con "Dog Soldiers", pero logró facturar una de las películas de terror más dignas de la presente década con "The Descent", aquella pesadilla espeleóloga que comenzaba con un accidente escalofriante y terminaba con un velado homenaje a "Carrie". Para su próximo proyecto, Marshall parece haber decidido echar el resto: una aventura post-apocalíptica que, por lo que se ve en el trailer, parece aunar la sensibilidad punk de "Mad Max II" con la ciencia-ficción británica surgida a raíz de "28 días después". Por si fuera poco, Marshall amplía el abanico referencial: el personaje de Rhona Mitra es una versión femenina de Serpiente Plissken, mientras que Malcolm McDowell ha interpretado a un Coronel Kurtz con la convicción de un Rey Lear. Sumémosle planos gratuitos del culo de la protagonista HASTA EN EL TRAILER, y concluyamos que "Doomsday" es, sin lugar a dudas, la película de ciencia-ficción más esperada de la temporada. Estreno por confirmar

3) 21: Lo que pasa en Las Vegas debería quedarse en Las Vegas, pero lo cierto es que no paran de surgir películas que nos lo cuentan, partiendo de la hipotética base de que nos interesa. Por supuesto, hay excepciones ("Fear and Loathing in Las Vegas", el primer y el tercer "Ocean's"), botes salvavidas en medio de un océano de películas de timos y luces de neon que parecen cortadas por el mismo patrón. "21" no va a ser una excepción: uno podría escribir un borrador del guión con tan sólo ver los primeros compases del trailer, más o menos hasta que aparece Lawrence Fishburne y quedan muy claros los derroteros que va a tomar este thriller con Kevin Spacey interpretando a un personaje de moralidad ambigüa (todos sabemos hacia dónde lleva eso). Además, incorporar la canción de Spoon "My Mathematical Mind" para darle un uso tan literal es, bueno, increíblemente pueril. Definitivamente, Jim Sturgess tendrá que esforzarse más para hacernos olvidar "Across the Universe". Estreno 11 de abril

Claves y Fundamentos de la Filmografía Coeniana - Examen parcial (febrero 2008)

Claves y Fundamentos de la Filmografía Coeniana - Examen parcial (febrero 2008)

OBJETIVOS DE LA PRUEBA: Medir el nivel de conocimientos del alumno ante el estreno en salas de "No Country for Old Men". Para ello, se utilizará el método patentado por el profesor G. H. Dorr (Phd), consistente en 15 preguntas de dificultad moderada. El alumno deberá responder un mínimo de 9 para aprobar la asignatura, teniendo en cuenta que las respuestas erróneas restan puntos y las parcialmente correctas se consideran automáticamente erróneas.

1) El montador Roderick Jaynes puede ser considerado como el perfecto hombre de confianza para dos directores que sólo se fían de sí mismos. Indique: a) la verdadera naturaleza de Jaynes; b) el número total de películas en las que ha trabajado; y c) el nombre de la gran dama de la política que, según el testimonio de Joel y Ethan Coen, posó desnuda para él en su época como fotógrafo.

2) Señale el número exacto de personajes que vomitan en toda la filmografía de los Coen (incluyendo "No Country for Old Men"), indicando asimismo el título de cada película, el nombre del personaje y el del actor/actriz que lo interpreta.

3) Ethan Coen colaboró en el guión de una película ambientada en el mundo de la lucha libre. ¿Cuál era su título?

4) Explique brevemente en qué consistía la solución que Joel Coen ingenió para sustituir al travelling durante el rodaje de "Poesión infernal" (1981). Señale también cómo aparece acreditado en dicha película.

5) Nombre al menos un título alternativo que se barajase durante el proceso de escritura de "Barton Fink" (1991).

6) Folklore y leyendas urbanas: según algunas fuentes poco fiables, ¿qué famoso artista de la música pop realiza un cameo no acreditado en "Fargo" (1996)?

7) ¿Cómo se llamaba el grupo techno pop de efímero éxito al que pertenecieron los nihilistas de "El Gran Lebowski" (1998)? ¿A qué músicos reales parodia la cubierta de su disco?

8) Indique el título y la fecha de publicación de la novela de Elmore Leonard que los hermanos Coen intentaron adaptar a la gran pantalla.

9) Identifique al actor/actriz y personaje autor de cada una de las siguientes citas:

  • "I guess something inside of me died when I realised that you'd hired a goon to kill me".
  • "The old man's still an artist whit a Thompson".
  • "Fact is... he's anal, Ray".
  • "The only good thing you ever did to the gals was get hit by that train!".
  • "Well, ma'am, I don't know much, but I know human beings".
  • "The call it the 'Uncertainty Principle'. Sure, it sounds screwy, but even Einstein said the guy's onto something".

10) En la introducción al guión de "Arizona Baby" (1987), editado por Faber & Faber en 1988, los hermanos mantienen una tensa conversación (seguramente ficticia) con otro cineasta, su productor y su actor fectiche: indique el nombre de cada uno de los interlocutores.

11) Establezca un máximo de seis grados de separación entre cada una de las siguientes parejas, teniendo en cuenta que ha de pasar al menos una vez por una película de los hermanos Coen:

  • Sting y George Clooney
  • Robert Redford y David Hasselhoff (1 punto extra)
  • Scarlett Johansson y Jennifer Lopez

12) Cite el popular videoclip, dirigido por Jonathan Glazer, que homenajeaba explícitamente una de las secuencias clave de "Sangre fácil" (1984), así como el grupo británico al que pertenece.

13) Cuando visitó España para promocionar "El hombre que nunca estuvo allí" (2001), Joel Coen declinó la oferta de asistir como invitado a un programa de televisión tras escuchar los consejos de su amigo John Turturro, que no guardaba un buen recuerdo del trato que recibió allí años antes (ni, desde luego, de su presentador). ¿De qué programa estamos hablando?

14) Cada uno de los siguientes fragmentos de fotograma pertenecen a una cinta de los Coen. Indique, en cada caso, de cuál se trata:

a)   b)   c)   d)

15) Pregunta de desarrollo: ¿cuál es el contenido de la caja al final de "Barton Fink"? Relaciónelo con el significado simbólico del sombrero de "Muerte entre las flores", la alfombra de "El Gran Lebowski" y el platillo volante de "El hombre que nunca estuvo allí".

FIRMA DEL ALUMNO

 

La nueva frontera

Resulta intrigante que dos ejemplos de anti-western tan poderosos como No Country for Old Men y There Will Be Blood hayan coincidido en las carteleras de todo el mundo: quizá los hermanos Coen y Paul Thomas Anderson hayan capturado el zeitgeist casi sin proponérselo, a través de dos perversiones de la Gran Historia Americana que tienen en común bastante más de lo que puede parecer a simple vista. La etiqueta de anti-western no es gratuita: ambas están protagonizadas por unos personajes que podrían considerarse la contrafigura del cowboy modelo Wayne o Cooper. No es que el foco se sitúe sobre el antihéroe crepuscular, como podría ser el caso del "Sin perdón" de Eastwood, sino que ahora es el villano el que cabalga al atardecer por unos paisajes que ya no tienen nada de míticos y una poética de la frontera que, sin embargo, no han perdido ni un ápice de su capacidad metafórica.

Daniel Plainview (la fuerza motriz de "There Will Be Blood") y Anton Chigurh (el asesino insondable de "No Country...") son dos nuevos modelos de anti-cowboy, metonimias de un nuevo tipo de cine del Oeste que aún sigue conservando su capacidad para hablarnos de Norteamérica actual (y, en cierto sentido, eterna) en un código secreto. Quizá la de Anderson sea la más radicalmente pesimista de las dos: relata el nacimiento de una nación en clave antiépica, a través del cruel enfrentamiento entre las dos fuerzas elementales que aún hoy siguen moviendo unos hilos manchados de sangre (y petróleo). Encarnando a ese Capitalismo despiadado está Plainview, un Daniel Day-Lewis que somatiza el proceso de deshumanización de su personaje de una manera estremecedora y casi hipnótica; encarnando a la Religión está Eli, un Paul Dano de mirada inquietante. Anderson toma una postura rabiosamente experimental (su prólogo silente, su dilatación de los momentos anticlimáticos, su insólito clímax final) que, no obstante, da como resultado su mejor trabajo hasta la fecha... aunque sea tan agotador que, al salir del cine, uno sienta como si llevara todo el día perforando en una tierra baldía.

"No Country...", por el contrario, es una de esas películas que dejan al espectador temblando en la butaca durante todos los créditos finales. Los Coen logran facturar otra obra maestra sin aparente esfuerzo, con una depuración de su estilo que podría remitir a "Fargo", pero que realmente está en consonancia con el lirismo seco y la dura épica de Cormac McCarthy. Al contrario que la notable (pero agotadora) "There Will Be Blood", este anti-western tiene un trío de personajes protagonistas que nos provocan algo más que temor e inquietud (aquí, eso es patrimonio exclusivo de Chigurh, un Bardem que camina al lado de la Muerte en cada plano): el Llewelyn de Josh Brolin y, muy especialmente, el sheriff Bell de Tommy Lee Jones hacen que detectemos en el cine de los Coen una humanidad en carne viva que, hasta ahora, no había logrado emerger con tanta fuerza. No hay nada en "No Country..." que sobre ni que falte, no hay un sólo plano o diálogo que admita grandes objeciones: es imperativo ver esta película en cuanto se estrene y, a ser posible, planear un programa doble con "There Will Be Blood". La tentación de quitarnos nuestro polvoriento sombrero de (anti)cowboy será irresistible. 

Sí. Puede volar

Sí. Puede volar

Cuando se trata de apostar por la película de superhéroes del año, este blog anima a sus lectores a que se posicionen en el bando ganador, es decir, en el bando de Iron Man. A pesar de lo prometedora que resulta la segunda aventura en la gran pantalla de Hellboy (y a falta de ver un avance del reboot de La Masa), Jon Favreau y Robert Downey Jr. son las personas a las que el cinéfago debería confiar su dinero: el anuncio que presentaron ayer durante la Super Bowl (bueno, técnicamente, durante una pausa de la Super Bowl) nos hizo revivir las buenas vibraciones que sentimos cuando apareció el primer teaser trailer, allá por octubre del año pasado. Quizá el secreto sea que Marvel y Paramount no han reciclado demasiadas imágenes de aquel, optando por cargar las tintas en la acción desenfrenada y comprimida al máximo. Así, lo que perdemos en humor (Downey Jr. sólo tiene un one-liner esta vez) lo ganamos en planos enmudecedores y muchas cosas que vuelan/explotan/disparan/vuelan mientras explotan y disparan. Tan brillante como la armadura del Viejo Cabeza de Lata: "El Emperador de los Helados" desea que mañana mismo sea ya 30 de abril.

El resto de anuncios de blockbusters estivales también tienen un nivel excelente, sobre todo teniendo en cuenta lo sucedido el año pasado (el de "300" fue el único gran avance de aquella horrible, horrible noche). Wall•E nos vuelve locos al sumar el factor nostálgia al aparentemente ilimitado arsenal de trucos que tiene su protagonista para robarnos el corazón, la segunda parte de Narnia se ha ganado algo ligeramente parecido al beneficio de la duda (bueno, quizás) y Wanted da todavía más muestras de ese nivel de delirio audiovisual que los fans le exigimos a su director. Lo que hace Angelina Jolie para meterse dentro del túnel casi es tan cool como lo que hace Iron Man con ese tanque. Casi.

"Juno": "The pebbles forgive me, the trees forgive me"

Con "Gracias por fumar", el debutante Jason Reitman logró la proeza de firmar una comedia corrosiva sobre un tema extremadamente controvertido... ¡sin ofender a nadie! La Norteamérica liberal alabó su despiadado retrato de una maquinaria industrial que crece exponencialmente sobre los cadáveres de sus usuarios, mientras que los conservadores suscribieron su reflexión sobre si no será el individuo quien, en última instancia, decide canjear su salud a cambio de unos cuantos palitos de cáncer. "Juno" confirma al hijo del director de "Los cazafantasmas" como el anti-Todd Solondz (o el anti-Parker & Stone), es decir, como el cineasta que pone todo su empeño en no dañar ninguna sensibilidad: su conato con la posibilidad del aborto está milimétricamente calculada para que ambos bandos puedan sentirse satisfechos. Sin embargo, quien decida negarle el pan y la sal a esta notable película basándose sólo en su escasa voluntad de transgresión es que no ha entendido lo que en el fondo nos quiere contar. "Juno" es, por encima de todo, la comedia romántica adolescente más singular de los últimos años, una inteligente subversión de los códigos narrativos de la ficción sobre el embarazo teen (normalmente, carne de telefilm lacrimógeno y tremendista) que cuenta a su favor con una serie de elementos sencillamente irresistibles.

El primero de ellos es, faltaría más, Ellen Page. La portentosa actiz hace suyos los ingeniosos diálogos escritos por Diablo Cody (dotados, además, de una idiosincrasia y una agilidad que los acerca al universo "Seinfeld"), construyendo un personaje tremendamente original y sencillamente inolvidable. Predigo disturbios en Los Angeles si no se lleva el Oscar. Su chispeante sentido de la ironía y su arrolladora perspicacia encuentran su complemento perfecto en Michael Cera, casi una declinación teenager del modelo keatoniano, que sigue practicando la comedia de la sutileza (con él, menos es siempre más) que demostró dominar en "Superbad" y la serie "Arrested Development". La química desborda la pantalla cada vez que ambos comparten plano, pero no son los únicos puntos de apoyo de la cinta: la relación de Juno con el futuro padre adoptivo de su bebé (Jason Bateman) también está llena de momentos gloriosos y una cantidad de referencias pop inusual en este tipo de producciones, aunque una revelación final esté a punto de echarlo todo por tierra (Jennifer Garner, a la que le toca el personaje más difícil y más desaprovechado de la función, es quien evita el desastre). Menos pretenciosa que "Lost in Translation" y más divertida que "Pequeña Miss Sunshine", "Juno" puede ser la sorpresa indie de la temporada: bien sabe Dios que podría haber sido la comedia destroyer que reformulara el subgénero adolescente y se limpiara los dientes con sus huesos, pero me gustaría saber quién es capaz de permanecer impasible ante su precioso plano final.

1979-2008

1979-2008 En su post de hoy, Libertino ha tenido el acierto de recordar una de las mejores secuencias del cine adolescente de todos los tiempos. Más reacciones ante la trágica muerte de Heath Ledger aquí, incluyendo la de su amigo Stacy Peralta (el de "Los Amos de Dogtown" es uno de sus mejores papeles). Lisa Schwarzbaum, de Entertainment Weekly, analiza su carrera y se lamenta por la promesa de un futuro que nunca será.

Trío de trailers

Trío de trailers

1) Zoo: El 2 de julio de 2005, Kenneth Pinyan, un ingeniero aeronáutico de 45 años, murió de peritonitis en un hospital de Washington. Cuando sus vecinos se enteraron de lo que realmente le perforó el colon, no tardaron en circular frases como "tenían una relación ESTABLO" por una de los 17 estados de Norteamérica en los que la zoofilia está explicitamente prohibida por la ley. El director Robinson Devor y el periodista Charles Mudede se interesaron por una historia que, en primer lugar, les llevó a analizar con qué facilidad pueden quedar diluidos todos los logros de una persona cuando esta es hallada muerta en una situación delicada e incomprensible para el resto, en una faceta de su personalidad que no quería que nadie conociese. "Zoo" es un documental de corte experimental, que ha sido comparado con el cine de Werner Herzog y que, lejos de adoptar una mirada sensacionalista, trata de comprender uno de los tabúes más arraigados de la sociedad occidental. La película intenta que reflexionemos antes de escandalizarnos y condenar algo, pero eso no significa que no podamos ir preparando nuestro mejor chiste/juego de palabras con "El hombre que susurraba a los caballos" de cara a su estreno. Estreno por confirmar

2) Leatherheads: No es una secuela bufa de "La matanza de Texas" (esa se llama "Meet the Leatherfaces" y la estoy escribiendo yo), sino la nueva película como director de George Clooney. Tras la borrachera de solemnidad que supuso "Buenas noches, y buena suerte", resulta agradable ver cómo el hombre de la sonrisa de oro vuelve a un terreno más cercano a "Confesiones de una mente peligrosa", aunque el trailer también indica que no sería descabellado pensar en una comedia similar a la inolvidable "O Brother!" de los Coen. Clooney narra la profesionalización del fútbol americano en la década de los 20 como si se tratase de una screwball comedy, en la que John Krasinski interpreta a la joven promesa del deporte que se interpone en el ping-pong dialéctico/amoroso de Renée Zellweger y nuestro Cary Grant en lugar de Cary Grant. Con un guión en el que ha colaborado hasta Steven Soderbergh y un delicioso estilo visual, "Leatherheads" tiene uno de esos trailers refrescantes que se podrían ver hasta tres veces seguidas: insisto en que, tras su plomizo último trabajo tras las cámaras, esto es una bendición. Estreno 6 de junio

3) Kung Fu Panda: Un teaser tan compacto como este no debería acabar con ese gag tan malo (todos sabemos que el panda de metira va a acabar devolviéndole el golpe gracias a la inercia), pero no desesperemos: "Kung Fu Panda" transmite un sutil mensaje de esperanza para los fans de Jack Black, que no tendrán problemas para reconocer a su ídolo en la piel (y el bañador) de su álter ego animado. Dreamworks Animation parece estar haciendo progresos en lo que a diseño de personajes se refiere: tras los logros en ese campo de la estimable "Madagascar", aquí tenemos un mono con las capacidades acrobáticas de Jackie Chan, un sabio maestro que habla con la voz de Dustin Hoffman, una víbora con trezas para Lucy Liu (¡homenaje geek!) y una tigresa sexy con un aire a Angelina Jolie. Esperemos que todo acabe mejor que con "El espantatiburones", la otra producción Dreamworks en la que coincidían Black y la protagonista de "Sr. y Sra. Smith", en la que unos peces con los rasgos de Christina Aguilera y Missy Elliot acababan cantando una canción. Digamos que, en ese aspecto, "Kung Fu Panda" no va a suponer ningún avance: Timbaland y Hans Zimmer (el Luis Cobos del Hollywood actual) se encargan de la banda sonora. Estreno 11 de julio

Árbol caído

Árbol caído

Como el matón de instituto que le hace la vida imposible al chico con asma hasta que este se acaba suicidando, los premios Razzie han dejado de tener gracia para convertirse en algo atroz. Uno lee las nominaciones a la edición de este año y no puede evitar pensar que tanta mala uva debería haber sido dirigida contra unas dianas más (in)dignas, en lugar de contra subproductos que no sólo tuvieron una fortuna comercial más bien escasa, sino que además cargan con una retahíla de críticas negativas más que considerable. En otras palabras: los Razzies son menos transgresores y más inofensivos que un comentario sarcástico del Dependiente de la Tienda de Cómics. ¿De verdad necesitábamos que alguien nos recalcara que "Bratz" es una mala película? ¿No deberían dedicarse estos señores a derribar castillos en lugar de a hacer leña del árbol caído?

Quizá el problema fundamental sea que los Razzies se han convertido en el vestigio de una época pre-blogs, en la que no existían medios consagrados a poner verdes a películas como "I Know Who Killed Me" desde el mismo fin de semana de su estreno. Así, tras haber leído todo tipo de puyas sobre el ero-thriller desnortado de Lindsay Lohan, su colección de nominaciones a estos antipremios suena como un chiste que ya dejó hace meses de tener gracia. Los Razzies no han sabido evolucionar, sino todo lo contrario: llevan ya cinco años de profunda involución que, mucho me temo, va a acabar por provocar su desaparición en un futuro no muy lejano. Hay quien dice que la broma dejó de tener sentido en el momento en que Tom Green se personó en la ceremonia para recoger todos y cada uno de los marrones dorados que le cayeron por la profundamente incomprendida "Freddy Got Fingered", hazaña que repitió unos años después Halle Berry como parte de algún tipo de acto de contrición por "Catwoman" (sin gracia ninguna, por supuesto). No es del todo descartable que, este año, Rob Schneider o Cuba Gooding Jr. quieran asistir también: los Razzies ya ni siquiera asustan a quienes pretenden asustar.

Deberían haber enviado a un poeta (8)

Poesía previa:

Dos chicas Bond, dos

Dos chicas Bond, dos

Volver a la rutina tras las vacaciones de navidad es una de las cosas menos divertidas de la historia, así que evadámonos con el epítome de la evasión pura: James Bond. Precisamente hoy, Barbara Brocolli y Eon Productions han anunciado oficialmente el comienzo del rodaje de "Bond 22" (es tan nueva que aún no tiene título) en los estudios Pinewood, santuario cinematográfico del personaje y auténtica fortaleza inexpugnable para los fotógrafos a partir de esta misma mañana. La primera aventura de 007 tras el reloaded existencial que supuso "Casino Royale" será una secuela pura (se rumorea que la secuencia pre-créditos transcurre minutos después del epílogo de la anterior), que se centrará en los esfuerzos de nuestro hombre para acabar con la organización criminal que le metió en problemas con Le Chiffre y, peor aún, corrompió a la mujer que amaba. Lo que se traduce en un Daniel Craig increíblemente cabreado e impecablemente vestido buscando venganza.

Por ahora, Eon no ha hecho realidad nuestros sueños de que una versión ultimate de Blofeld esté esperando a Bond en algún sofá giratorio, pero ha confirmado que Mathieu Amalric ("Munich") interpretará a uno de los cerebros criminales de esa Superestructura del Mal que se intuía en "Casino", y que alguien lo va a pagar muy caro si al final resulta no ser SPECTRA. Eso en cuanto al departamento de Bang Bang. En el departamento de Kiss Kiss, también tenemos muy buenas noticias: ayer se confirmaba que la joven actriz británica Gemma Arterton, estrella de la nueva versión de "St. Trinians" (el "Casino Royale" de las películas de escuelas para jovencitas inglesas), interpretará a un interés romántico pasajero de 007, algo así como la Chica Bond de calentamiento. Hoy ya sabemos quién será la atracción principal: Olga Kurylenko (en la foto), protagonista femenina del accidente ferroviario conocido como "Hitman". Su personaje, Camille (¿alguien se imagina el apellido con doble sentido que acompañará a este nombre?), es una chica misteriosa que desafía a nuestro agente y le ayuda a sobrellevar las consecuencias emocionales de la traición de Vesper. En otras palabras: "Oh, James".

Jai guru deva... D'oh!

Jai guru deva... D'oh! Hay veces en que hasta las mejores intenciones pueden dar como resultado algo horrible. Nadie duda del amor que la directora Julie Taymor tiene por los Beatles y por su proyecto-homenaje, Across the Universe (estreno el próximo 4 de enero), pero eso no significa que esté capacitada para ilustrar uno de los cancioneros más perfectos, complejos y esquivos de la historia de la música: todo lo contrario, porque la autora de "Titus" parece empeñada en que su musical esté regido por la obviedad, la ñoñería y el lugar común, cuando no directamente por la pura vergüenza ajena ("I Wanna Hold Your Hand" se convierte en una estilizada coreografía de animadoras y jugadores de fútbol americano). Muchos puristas de los Fab Four han interpretado como un sacrilegio que el 90% de la acción transcurra en Estados Unidos, pero quizá sea más grave la visión maniquea e idealizada que Taymor tiene de las décadas de los 60-70, un catálogo de situaciones tópicas y personajes irritantemente estereotipados (el peor, Bono imitando a Timothy Leary) que parecen estar ahí para servir a las canciones, y no al revés. Por supuesto, los temas de Sir Paul McCartney y San John Lennon son lo suficientemente arrolladores como para no dejarse sepultar del todo por esta historia de amor envasada al vacío, emergiendo con fuerza en momentos puntuales ("Something", "With a Little Help from My Friends") que nos permiten soñar, aunque sea por un momento, lo que hubiera sido este proyecto en manos más expertas. La desesperanzadora conclusión a la que uno llega tras terminar la proyección es que "Across the Universe", con su talentoso reparto vocal, hubiera quedado mejor como un simpático disco de versiones que como una película: los Beatles se merecían un "I'm Not There", no un "Rent" para pre-adolescentes cuyo único contacto con el género sea "High School Musical".

Trío de trailers

Trío de trailers

1) Los crímenes de Oxford: La última vez que Álex de la Iglesia rodó fuera, el resultado fue la película más extrema e incomprendida de su carrera. En cambio, no parece que "Los crímenes de Oxford" esté destinada al mismo panteón de las obras de culto que ocupa "Perdita Durango", sino todo lo contrario: puede ser ese gran éxito internacional que el director bilbaíno llevaba tiempo persiguiendo. Basada en la novela "Crímenes imperceptibles" (rebautizada en nuestro país con el título de la película), del escritor y matemático argentino Guillermo Martínez, la octava película de De la Iglesia posee un trailer que mezcla la espectacularidad de los nuevos thrillers con coartada histórico-intelectual (en este caso, una serie de asesinatos relacionados con fórmulas lógicas) con la excéntrica energía visual de su director, que cuenta con Elijah Wood (y su eterna expresión de perplejidad) como gran baza comercial, con John Hurt como garantía de elegancia, con Leonor Watling y Julie Cox como intrigantes presencias femeninas y con Domique Pinon como seguro robaplanos (maldita sea, sólo necesita abrir la boca para convertirse en la imagen más memorable del trailer). ¡Ah, y Alex Cox! Al final, puede que sí tenga algo que ver con "Perdita Durango"... Estreno 18 de enero

2) 10.000: La Casa Blanca volando por los aires, Nueva York bajo el terror del monstruo (y, eh, de sus crías), la Estatua de la Libertad hundida bajo numerosas capas de nieve... El director Ronald Emmerich, algo así como la alternativa descerebrada a Steven Spielberg, siempre ha sido un especialista en lo que la jerga de Tinseltown denomina money shots, es decir, esos planos estratégicamente colocados al final de un trailer que consiguen disparar las espectativas y hacernos pasar por taquilla el mismo día del estreno. Con "10.000", no hay ninguna duda: ¡mamuts! ¡Cientos de mamuts! ¡En estampida! Emmerich es lo suficientemente astuto para saber qué es exactamente lo que el público le va a pedir a una película de aventuras prehistóricas, razón por la que tenía a dos factorías diferentes de efectos especiales diseñando a las criaturas desde 18 meses antes de rodar la primera toma. El trailer parace mostrar a las claras que tamaño derroche digital valió la pena, además de suponer una suerte de nirvana del money shot : sigue paso a paso el esquema "Héroe popular de tiempos remotos" que parece formar parte del zeigest contemporáneo, pero con un aroma a pulp de bárbaros y a serie B de gran presupuesto. Tigres con dientes de sable que rugen al ver a Camilla Belle. Estreno 14 de marzo

3) The Machine Girl: Hay conceptos que le obligan a uno a pararse, golpearse la frente y pensar: "¿Por qué no se me ocurrió a mí antes?". YouTube es uno de ellos. "The Machine Girl" es otro. Nada tan sencillo como organizar una tormenta de ideas tras ver "Evil Dead II" y "Kill Bill" en un programa doble y llegar a la conclusión más lógica, pero las ideas más sencillas suelen ser también las que sólo se encuentran al alcance de mentes privilegiadas. Es cierto que un halo de heterodoxia impostada (o de lo que unos orientales astutos piensan que puede ser la idea que tenemos los occidentales de heterodoxia oriental, gracias por no haberte perdido a mitad de la frase) sobrevuela el conjunto, pero conviene recordar que ese es precisamente el espíritu de la explotación post-Tarantino, que no es lo mismo que la explotación de Tarantino (la de mediados/finales de los 90) y, desde luego, está más allá de la explotación pre-Tarantino. "The Machine Girl" habla en un lenguaje sólo apto para aquellos iniciados que ya hayan superado ese lenguaje, pero que están encantados de volver a él. Que lo están deseando, de hecho. Estreno por confirmar

This Is Shane Meadows

This Is Shane Meadows

Resulta algo frustrante que, por culpa de la proverbial ceguera de nuestras distribuidoras, vayamos a descubrir a uno de los cineastas británicos más interesantes del momento justo por el final. This Is England (estreno el próximo 4 de enero) es la última pieza de su corpus creativo, una brutal depuración de estilo que prescinde casi por completo de artificios y nos ofrece a un Shane Meadows en carne viva: para apreciar del todo su sentido, es conveniente que uno se haya familiarizado de antemano con un cine que trata, fundamentalmente, de la ira, de la rabia que provoca la sensación palpable de haber perdido algo por el camino. En cierto sentido, "This Is England" supone el fin de un largo periodo de búsqueda, a través del cual Meadows ha acabado por encontrar su propia voz y atreverse a cantar con ella, a pleno pulmón y sin miedo a desafinar.

Nadie lo hubiera pronosticado a tenor de sus primerizos cortometrajes, "Where's The Money, Ronnie?" (1996) y "Small Time" (1996), humoradas sobre criminales de poca monta que parecía inspiradas en tiras británicas del estilo "Bash Street Kids" y que, con el paso del tiempo, casi se pueden considerar como antecedentes del cool noir de Guy Ritchie. No fue hasta TwentyFourSeven (1997), su primer largometraje, cuando el cineasta comenzó a definir las claves temáticas y estéticas que regirían el resto de su filmografía (especialmente, un inmenso sentido de la camaradería masculina y una voluntad de convertirse en cronista oficial de sus Midlands natales). A Room for Romeo Brass (1999), Dead Man's Shoes (2004) y "This Is England" forman una concisa Trilogía de la Ira, interrumpida sólo por el neo-western romántico Once Upon a Time in the Midlands (2002). Si las viésemos seguidas, no dudaríamos en aceptar que el mote que se le suelen adjudicar a Meadows, Midlands Scorsese, es más que justificado: el fantasma de Travis Bickle sobrevuela este devastador tríptico sobre el dolor de la nostalgia, el lado (muy) oscuro de la infancia y la insoslayable figura del padre ausente. Thomas Turgoose, el portentoso niño protagonista de "England", podría ser la perfecta metáfora del cine de Meadows, enérgico y sombrío como pocos. Parece mentira que por aquí hayamos tardado tanto en enterarnos.