"Los Cazafantasmas", circa 1954. Ningún problema con Fred MacMurray como Egon, pero yo veo más a Bob Hope como Ray y a Dean Martin como Venkman. En cualquier caso, hay mucho con lo que disfrutar en este falso trailer que reubica la comedia sobrenatural ochentera en los orígenes mismos de la comedia sobrenatural. La secuela natural sería "Abbott & Costello conocen a los Cazafantasmas". Extraído (bonito eufemismo) de io9.com.

Si no fuera por la diferencia horaria, el sonido de miles de fanboys de todo el planeta aullando al unísono hubiera sido algo ciertamente único en este caluroso 16 de julio. La razón del ataque de sensaciones colectivo está en la nueva portada de Entertainment Weekly, que contiene la primera imagen pública de Scarlett Johansson en el papel de la Viuda Negra. Teniendo en cuenta que "Iron Man 2" no se estrena hasta la próxima primavera, Marvel ha iniciado pronto su campaña de hype, aunque es poco probable que la película la necesite: la anterior entrega superó las expectativas más optimistas del estudio, fue uno de los primeros Blu-ray superventas y convirtió a Robert Downey Jr. en la persona más admirada/envidiada del universo (la secuencia extra con el Nick Furia de Sam J. era, en ese sentido, un duelo de titanes de lo über-cool). Esta segunda parte tiene todo ese bagaje a sus espaldas, más la presencia de Scarlett Johansson. Teñida de pelirrojo. Con un traje de lycra ceñido. De hecho, si Robert Downey Jr. no estuviera superpuesto (¡gah!), podríamos verla en una postura que parece calcada a la de Sienna Miller en las imágenes promocionales de la inminente "G.I. Joe".

El artículo de EW da algunas pistas sobre lo que podremos esperar de "Iron Man 2", aparte de los trajes ajustados y el acento ruso. Para empezar, parece confirmarse que Mickey Rourke interpretará a Ivan Vanko, un prisionero ruso con elementos del primer Crimson Dynamo, pero cuyo uniforme de guerra lo situará más cerca de Whiplash. El hecho de que forme alianza con Justin Hammer (Sam Rockwell) para derrocar a Tony Stark también debería ser significativo. En cuanto al protagonista, Downey Jr. hace una referencia a sus problemas con el alcohol, aunque el co-guionista Justin Theroux declaró que no quieren jugar del todo la carta de "El Diablo en la botella" todavía. Por suerte, sí jugarán la de la pelea de gatas: Gwyneth Paltrow (cuya Pepper Potts ha sido ascendida a directora general de Industrias Stark) indica que habrá fricciones entre su personaje y Natasha Romanova. El aullido final tendrá lugar el 7 de mayo de 2010: mientras tanto, aseguráos de visitar frecuentemente este blog para saber más sobre "Scarlett Johansson con traje ajust...". Perdón, sobre "Iron Man 2".

Hay comedias que, además de proporcionarnos una generosa ración de motivos para partirnos de risa, sirven para fijar o consagrar arquetipos sociales que, hasta entonces, gran parte de la sociedad no había sabido detectar. En otras palabras: el pagafantas ya existía antes de "Pagafantas", pero la notable película de Borja Cobeaga lo acaba de acercar hasta la mirada del gran público, con una mezcla de ternura (o compasión) y crueldad inédita hasta ahora en la comedia española. De hecho, muchos de sus referentes principales están en esa Nueva Comedia Norteamericana fundada (entre otros) por Ben Stiller, cuyas humillaciones romántico-desternillantes en "Algo pasa con Mary" (1998) y "Los padres de ella" (2000) suponen el gérmen de una tendencia proto-pagafantista que culmina en la factoría Judd Apatow. Sería muy fácil describir "Pagafantas" como un intento de adaptar el toque de películas como "Supersalidos" (2007) a nuestra realidad, pero no le haría justicia a lo que Cobeaga ha conseguido con su debut en el largometraje: caminar en la cuerda floja de la amargura sin caer en el sentimentalismo, cargar su película de descargas de pochez sin que la fuerza cómica del conjunto se resienta.

Es posible que la clave secreta de "Pagafantas" sea su protagonista, Gorka Otxoa, espléndido como el tipo gris a punto de entrar en un lacerante agujero negro de la mano de Claudia (Sabrina Garciarena), no tanto femme fatale como motor incosciente de una catástrofe sentimental que (intuimos) está condenada a ser eterna. Cobeaga y Otxoa saben extraer oro del dolor de su protagonista, pero también consiguen que el cariño hacia los personajes no introduzca el tramo final en los callejones sin salida que suele frecuentar Apatow. Con un reparto de secundarios en el que viejos leones se dan la mano con jóvenes cachorros (e incluso presencias de culto), "Pagafantas" bien podría ser ese sensacional sleeper que le gusta a cualquier tipo de público, pero uno intuye que su equilibrio entre ternura y crueldad sólo funciona del todo para los que, de algún modo u otro, hemos pasado por ello. Detrás de cada risa hay un espejo incómodo, un eco de nuestra biografía: en suma, una bofetada de realidad.

 "Pagafantas" (2009) Director: Borja Cobeaga. Intérpretes: Gorka Otxoa, Sabrina Garciarena, Óscar Ladoire, Kiti Manver, Julián López. Guión: Borja Cobeaga y Diego San José. Música: Aránzazu Calleja. Fotografía: Alfonso Postigo. Duración: 90 minutos.

Vivir en las nubes tiene sus riesgos. Como, por ejemplo, no haber recomendado aún a mis muy queridos lectores (a ambos) el impresionante estudio de la nueva comedia norteamericana que han ensamblado los responsables de la imprescindible Miradas de Cine. Además, me han dado la oportunidad de escribir sobre Hot Rod ("Flipado sobre ruedas", 2007), una de mis películas preferidas. Tampoco os perdáis el especial de la saga Terminator, para el que debería haber escrito un artículo sobre "Las crónicas de Sarah Connor" que este ajetreo vital y laboral que llevo me ha hecho imposible materializar. Vergüenza debería darme, lo sé. ¿Mi único consuelo? Que los cinco textos que integran el especial son tan buenos como indican los nombres de sus autores, y que el mío hubiera bajado ese listón considerablemente.

Hacia el final del primer acto de "Terminator Salvation", me di cuenta de una terrible verdad: no soporto la voz ronca y las cargas de profundidad que Christian Bale parece empeñado en inyectarle a cada personaje que interpreta desde "Batman Begins" (2005). Por supuesto, esto no influye en mi veredicto oficial de la película (que, si todo va bien, aparecerá el jueves), pero tengo la sensación de que a Bale le vendría realmente bien parar un poco. O rodar una comedia, pero sin La Voz (a no ser que los otros personajes le imiten y se burlen de él). Además, su recién adquirido don de la ubicuidad nos hace temer que vamos a odiarlo aún más cuando estrene "Enemigos públicos" el próximo 14 de agosto, en la que interpreta a un gris G-Man que tiene toda la pinta de partir con cierta desventaja con respecto al presumiblemente hipercarismático Dillinger de Johnny Depp. Recemos para que La Voz no figure en la película de Michael Mann, pero tampoco nos hagamos muchas ilusiones, pues el tema ya está adquiriendo tintes de infección vírica. Un ejemplo: Journal for Plague Lovers, el nuevo disco de Manic Street Preachers, ha sido compuesto en torno a las últimas letras escritas por Richey Edwards, ídolo oscuro del rock alternativo y antiguo líder de la banda, que desapareció sin dejar rastro una mañana de febrero de 1995. Pues bien, el disco se abre... ¡¡con La Voz!! Concretamente, con un sampler de "El Maquinista" (2004), precedente directo de su Batman ronco. En otras palabras: vivimos en unos tiempos en los que Bale puede aparecer incluso en los lugares más insospechados. Sólo nos queda rezar para que no esté cabreado...

(*) La foto proviene de ohnotheydidnt: Kermit Bale, que expone decenas de simetrías entre el actor y el teleñeco. En muchos sentidos, esta es la mejor página web jamás creada.

Tremendamente lúcido el artículo sobre el estado actual del cine de terror que firma el ídolo Kim Newman en el Sight & Sound de mayo. Se titula "Horror Will Eat Itself" y comienza con la confesión, brutalmente honesta, de un experto en cine de terror que teme estar convirtiéndose en Dennis Gifford (paradigma británico del crítico carca y über-nostálgico). Su tesis es que el cine de terror de su infancia y adolescencia abría vías expresivas, capturaba el zeitgeist sin aparente esfuerzo y (sobre todo) era capaz de remover algo en lo más profundo de los espectadores. Newman lamenta que al género le cueste tanto conseguir clásicos coyunturales (pero, también, eternos) como "La matanza de Texas" (1974) o "La última casa a la izquierda" (1972), optando por volver a rodarlos en versiones incapaces de recontextualizar los sustos de los originales o, ya que estamos, de dar miedo. El autor recuerda que el horror se ha alimentado de remakes, secuelas y derivados desde sus mismos orígenes (ahí están las diferentes versiones silentes del mito del golem o los megamixes de monstruos de la Universal), pero ahora ha llegado a un punto en el que filmes originales como el de "La Semilla del Mal" (2008) parecen remakes.

Otro ejemplo: hoy han aparecido las primeras imágenes de Dead of Night, adaptación de los fumetti creados por Tiziano Sclavi en la que Brandon Routh interpreta a Dylan Dog. El fan del original, consciente de que un proyecto así sólo podría resultar interesante en manos de un director como Dario Argento, no necesita más datos para saber que el resultado final va a estar lejos no ya del espíritu del Sclavi, sino incluso de "Dellamorte Dellamore" (1994). Quizá el problema es que ya quedan muy pocos autores de terror: los viejos zorros se apagan y los jóvenes leones... Bueno, digamos que cada vez es más raro que aparezca un joven león. Newman afirma que solamente Eli Roth ha conseguido crear un filme de terror realmente relevante para los tiempos que corren: "Hostel" (2005), del que ya nos podemos imaginar un remake dentro de diez años. Por supuesto, el autor reconoce que aún vemos destellos de originalidad de vez en cuando. Este año, sin ir más lejos, tenemos "Déjame entrar", película con la que tengo algún problema grave, pero que considero extremadamente valiosa. La conclusión de su artículo es algo perturbadora: en los años setenta, el mensaje de una película de terror tipo solía ser que hay algo que va increíblemente mal en la sociedad. En esta década, en cambio, el terror nos explica que el problema está en Los Otros. El solipsismo y la misantropía pueden ser las claves de la era del sampler terrorífico.

Cuentan que el plan original de John Carpenter y su co-guionista Debra Hill era acabar para siempre con Micheal Myers, el psycho killer protagonista de su seminal "La noche de Halloween" (1979), al final de la segunda parte ("Halloween II", 1981), abriendo así la posibilidad de una saga que no girara en torno a ese quintaesencial Hombre del Saco, sino que se permitiera explorar nuevos territorios con cada entrega. Finalmente, esa estrategia solamente se aplicó en la interesante "Halloween III: Season of the Wicth" (1982): la escasa fortuna comercial de una entrega sin conexiones explícitas con las dos anteriores no gustó lo más mínimo al estudio, que exigió el regreso de Myers en la cuarta entrega (forzando, de paso, la salida de un Carpenter poco dispuesto a ajustarse siempre a la misma fórmula). En otras palabras, las sagas de terror en general, y "Halloween" en particular, no toleran la experimentación ni el cuestionamiento de sus iconos. Esa es la razón por la que Michael Myers se ha mantenido esencialmente inalterable desde "Halloween 4" (1988).

O, al menos, así se mantuvo hasta que cayó en las manos de Rob Zombie. Su incomprendida (pero no excesivamente brillante) "Halloween: El origen" (2007) era más interesante cuando funcionaba como precuela que cuando ejercía de remake del original. Las escenas en las que un Michael Myers niño celebraba las navidades en compañía del doctor Loomis (lo más parecido a una familia que tenía en ese momento, dejando a un lado a su hermana) eran exactamente la clase de sabia nueva que necesitaba un mito demasiado gastado por el uso. Por suerte, Myers parece haber sido el primero en percatarse de eso, razón por la cual sus fans podemos esperar grandes cosas de H2, proyecto que puede superar todos los prejuicios que acarrea el concepto "secuela-de-un-remake" y erigirse como la versión definitiva (o Ultimate, si preferís) del personaje. La primera foto oficial, aparecida hoy mismo en Coming Soon, es una señal de que Zombie no piensa rodar otra vez la misma película: la máscara de Shatner quemada nos indica que Myers va a evolucionar, al menos en apariencia. Lo cual, visto lo visto, ya es mucho. Por si fuera poco, Zombie promete que este look a lo última batalla no será el único que veremos en la película, sino que también tiene pensado un ataque a cara descubierta. Está por ver si "H2" (en la que repiten Malcolm McDowell y Scout Taylor-Compton, es decir, los Loomis y Laurie de la nueva generación) seguirá el argumento de "Halloween II" u optará por uno original, pero es posible que el sueño carpenteriano de una saga slasher mutante se esté empezando a cumplir a través de un discípulo aventajado.

Quantum of Solace, o "Aquella en la que Bond se pasaba t-o-d-o el metraje intentando superar lo de Vesper", acaba de salir en DVD y Blu-ray (zona 1, aquí sale mañana). Es una buena oportunidad para comprobar si el plan diabólico de Dominic Greene (Mathieu Almaric) tenía algún sentido o si la persecución del prólogo merecía un galardón a la peor secuencia de acción de 2008. Está bien: "Quantum of Solace" tenía sus errores (especialmente si la comparamos con su notable predecesora, "Casino Royale"), pero es muy difícil negar que en ella aparecían dos de las chicas Bond más memorables de la saga. Tanto Gemma Arterton (en su breve aparición como la agente Strawberry Fields) como, sobre todo, Olga Kurylenko recuperaron gran parte del esplendor de Pussy Galore o Anya Amasova. Si, además, tenemos en cuenta el insuperable trabajo de Eva Green como primera chica Bond de la nueva etapa, no cabe duda de que estamos en una temporada idónea para ser amante del espía.

Por eso, Entertainment Weekly ha elaborado un especial con las mejores y las peores chicas Bond de todos los tiempos. Como siempre, su criterio es algo discutible (la Mary Goodnight de "El hombre de la pistola de oro" no era, en absoluto, desdeñable), pero este recorrido por 47 años de belleza y nombres llenos de dobles sentidos es ciertamente interesante. Confieso que siento cierta debilidad por las féminas de la etapa Roger Moore, más que nada porque, probablemente, el tipo se acostaba con más mujeres por película que yo en 23 años de vida.

Acabemos este arrebato de bondmanía (es una palabra) con el otro elemento que, en mi opinión, es intrínseco a 007: su licencia para encadenar jugosos double-entrendes. Es posible que el ejemplo quintaesencial sea el momento de "Diamantes para la eternidad" en que Bond (Sean Connery) se encuentra por primera vez con Plenty O’Toole (Lana Wood):

- Hi, I’m Plenty.
- (Mirándole el canalillo) Of course you are.
- Plenty O’Toole.
- Named after your father, no doubt. 

¡Oh-oh-wow! Más ejemplos en "La espía que me amó" y sus antológicos "She’s just coming" (¡jurl, jurl!) y "Keeping the British end up, sir" (¡buf!), o el "I like to keep abreast of things" de "Moonraker" (¡a-ha!). Y todo en nombre de Su Majestad.

La colonia oficial de "Anchorman" ha saltado de la estantería de Brian Fantana al mundo real. Así es: Sex Panther está a la venta. De modo que, señoritas, prepárense para conocer el olor del deseo.

Es de dominio público que Sex Panther es ilegal en nueve países y está elaborada a partir de trozos de piel de pantera. Se trata de una fragancia que rasga las fosas nasales y huele (según algunas versiones, infundadas en su mayoría) a pura gasolina, a pelo quemado, a un pañal usado con comida india o al pene de Bigfoot. Lo cierto es que, como su página web indica, es una colonia masculina, así que ni siquiera intentes ponértela si no eres lo suficientemente masculino. Además, la sección The Science de la web explica exactamente por qué Sex Panther es un 150% más alucinante que cualquier otra cosa comercializada en la historia del mundo. Y para ello, aporta datos. Datos científicos.

En suma: si necesitas agilizar las cosas en el proceso de cortejo de una compañera de trabajo, un par de gotas de Sex Panther bastarán para (en las inmortales palabras de Brian Fantana) "hacer el baile sin pantalones". Si, por alguna remota razón, eso no funciona, siempre podrás extenderle dos entradas para la exhibición de armas. "Anchorman", Sex Panther y "El Emperador de los Helados", siempre aconsejando a los auténticos caballeros sobre la manera correcta de seducir a una dama. De nada.

Toby Dammit me pidió una colaboración para el homenaje a Patrick Swayze que ha organizado en su hogar, y a mí me costó un poco (¡glups!), pero al final se lo di. El texto se titula "Ídolo caído" y lo podéis leer si pincháis aquí. Lo mejor de todo es que hay otros cuatro textos que le dan mil vueltas al mío, firmados por Mario Vírico, PJ Tena y el propio Toby. Para redondear este brindis a la salud del protagonista de "Amanecer rojo", he aquí Top 5 de sus frases en "De profesión, duro":

1. "A mi manera... o a la puta calle".
2. "A nadie le gusta pelearse".
3. "El dolor no duele".
4. "Lo que quiero es que seas agradable hasta que llegue la hora de no ser agradable".
5. (Cuando le preguntan por qué siempre lleva su historial médico consigo) "Para ahorrar tiempo".

Gerry Fleck (Eugene Levy) dice: "¡No puedo bailar! ¡No puedo! ¡Tengo dos pies izquierdos!". Y la cámara empieza a descender lentamente, de su cara a sus extremidades, para verificar sus palabras. Es uno de los momentos cumbre de "Very Important Perros" (2000), penúltima entrada en el canon de falsos documentales de Christopher Guest. En su ensayo F Is for Phony. Fake Documentary and Truth’s Undoing, Alexandra Juhasz indica que el gran triunfo de Guest fue aplicar a personajes fundamentalmente ridículos un lenguaje (el documental) que, hasta entonces, se utilizaba para dejar constancia de hitos de la ciencia o acontecimientos históricos. En cierto sentido, continúa Juhasz, Christopher Guest precognizó la telerrealidad, el único género documental que no se centra en sujetos relevantes, sino que reviste de una cierta sensación de relevancia a sujetos que, sencillamente, no existirían de otro modo. Al final de "Very Important Perros", Gerry Fleck y su mujer aprovechan sus quince minutos de fama para grabar un disco de rap con los sonidos de su perro, ganador de un concurso canino. En otras palabras, deciden creerse y, de paso, rentabilizar su presunta relevancia. 

En The Office (2001-2003), Ricky Gervais y Stephen Merchant inauguraron un nuevo género, la falsa telerrealidad, que defendía una postura opuesta a la de Guest: sus sujetos, oficinistas grises, no parecían especialmente entusiasmados con la idea de que unas cámaras de televisión les fueran a proporcionar un pase al estrellato. Solamente el jefe, David Brent (Gervais), aprovechaba su aparición en el reality para vivir una forma especialmente humillante de fama líquida, pero el público tenía dificultades para decidir si lo recordaban del programa de la oficina o de otro, ambientado en un aeropuerto.

Los protagonistas de Anvil! The Story of Anvil (2008) comparten una desgracia similar a la de Brent: tras arrasar en el Tokyo Super Rock Festival de 1984 y ganarse la admiración de estrellas como Slash y Lars Ulrich, estos autodenominados "semidioses del metal canadiense" fueron víctimas del olvido generalizado del público. Tras décadas tocando en bares de su barrio y acaptando trabajos basura para mantener a su familia, el líder Steve Lips Kudlow se enfrenta a una desastrosa gira por Europa y a la posibilidad de que su disco número trece sea, por fin, el que coloque a Anvil en su merecido lugar en el firmamento del rock duro. Como premisa para un falso documental en la línea del clásico guestiano "This Is Spinal Tap" (1984), "Anvil!" es casi perfecta. El problema es que se trata de un documental en toda regla y Anvil es una banda real. Su historia, sus miserias, son auténticas. Cuesta creerlo, especialmente si tenemos en cuenta los nombres de sus máximos responsables —el batería Robb Reiner, el director Sacha Gervasi—, pero "Anvil!" no es un mockumentary. Por eso, es imposible no sentirse culpable cuando uno ve a Lips llorando de emoción por el dinero que su hermana le ha prestado para poder sacar adelante el disco. "Family is important shit, man". Y el espectador intenta ahogar la carcajada, pero no puede. Así, "Anvil!" va un paso más allá que "The Office" en su concepción de la comedia como motor de incomodidad, principalmente porque esto (a pesar de las apariencias) no es una comedia.

Las comparaciones con "Spinal Tap" son inevitables, pero realmente sólo hay una opción si queremos preparar un programa doble: Some Kind of Monster (2004), otro rockumentary que parece, en realidad, una calculadísima comedia. Sin embargo, mientras que Metallica convierte sus sesiones de terapia en un desopilante choque de egos (Ulrich, proselitista número uno de Anvil, sale especialmente mal parado), Anvil se sitúa en el lado opuesto de la balanza. Ver a la banda tocando ante un público de fans entregados que se puede contar con los dedos de una mano es una experiencia casi límite, un crudo testimonio de lo crueles que pueden llegar a ser los sueños del rock. "Anvil!", la primera obra maestra verdadera que he visto en lo que llevamos de 2009, culmina con un clímax que habla de redención y emoción auténtica en unos términos con los que "The Wrestler" (2008) y "Slumdog Millionarie" (2008) sólo pueden soñar.

 Anvil!: The Story of Anvil (2008) Director: Sacha Gervasi. Música: David Norland y Anvil. Fotografía: Christopher Soos. Duración: 90 minutos. 

1) The Taking of Pelham 123: En los setenta, uno podía poner bajo su control un metro lleno de pasajeros y esperar que le tratasen como a un ingenioso secuestrador. Ahora, en cambio, es un terrorista sin escrúpulos. No es el primer thriller que Denzel Washington rueda bajo la sombra del 11-S ("Plan oculto", ¿recordáis?), pero algo en este trailer nos dice que el remake de "Pelham 1, 2, 3" (1974), una de las favoritas de Quentin Tarantino, va a ser la película más paranoica del Año de la Paranoia: el hecho de que el alcade de Nueva York (James Gandolfini) tenga peso dramático parece indicar un estudio sobre las mecánicas del terror urbano parecido al de "El Cabellero Oscuro". Todos estaremos demasiado ocupados comparando a John Travolta con Robert Shaw para darnos cuenta, pero el guionista David Koepp (que acaba de estrenar "Ghost Town" en nuestro país) asegura que se trata de una adaptación de la novela original antes que de una versión del clásico setentero. En cualquier caso, la química actor/director que siempre generan Washintong y Tony Scott hace del nuevo "Pelham" un título a tener en cuenta. Y, bueno, luego está la duda de si han conservado lo de Mr. Blue, Mr. Green y Mr. White en unos tiempos en los que "Reservoir Dogs" ya forma parte de inconsciente colectivo.

2) Gigantic: "A big, big love!". Zooey Deschanel vuelve a demostrar su férreo compromiso con lo indie en esta dramedia (es una palabra) que casi podría considerarse como el ideal platónico de película indie: rodada en Brooklyn, presentada en el Festival de Toronto y protagonizada por un joven valor en alza (Paul Dano) y una presencia secundaria de prestigio (John Goodman). Y Zooey, claro, encantada de volver a lo simple tras su insólito paso por el blockbuster veraniego en "El Incidente". Si la fórmula "De los productores de..." sirve para que nos guiemos, "Gigantic" podría tener muchos puntos en común con "Junebug", película de la que nadie guarda un recuerdo precisamente grato, pero que le reportó a Amy Adams su primera nominación al Oscar. ¿Podría volverse a repetir la historia para Zooey Deschanel? Ah, y atención a la breve aparición de Zach Galifiankis, cómico de culto en el papel de extraño asesino a sueldo. Al parecer, el trailer prefiere vendernos "Gigantic" como una feel-good movie sin aristas antes que avanzarnos ese interesante detalle...

3) State of Play: En principio, iba a ser la Primera Reunión Oficial de "El Club de la Lucha", ideal para conmemorar los diez años del estreno de aquella obra maestra. Brad Pitt en el papel de periodista con dilema ético considerable, Edward Norton como el delfín del Partido Demócrata al que debe investigar. Sin embargo, Pitt tuvo dudas en el último momento y abandonó el proyecto. Norton fue detrás. Por suerte, el director Kevin Macdonald, que demostró tener mano izquierda para narrar el lado oscuro del poder en "El último rey de Escocia", pudo convencer a Russell Crowe antes de que el estudio desenchufara el proyecto. Con él a bordo, esta adaptación de una prestigiosa miniserie británica será algo más que una reunión Tyler Durden/Jack: un "Todos los hombres del presidente" cargado de ambigüedad moral y dotado de un reparto (Helen Mirren, Ben Affleck, Rachel McAdams, Robin Wright Penn, Jeff Daniels) con más pedirgrí que Lassie.

Millonarios en tiempos de crisis, ¿eh? La 81 edición de los Oscar fue muchas cosas, pero nadie puede decir que fuese una noche repleta de sorpresas: "Slumdog Millionaire" culminó su meteórica carrera en la temporada de premios con ocho galardones, Heath Ledger recibió el homenaje de sus compañeros, Kate Winslet obtuvo su tan ansiado reconocimiento y Penélope Cruz llevó un pedacito a Alcobendas al Kodak Theatre. Todo ello en una gala algo diferente (los fantasmas de las estatuillas pasadas que presentaban a los intérpretes nominados, los cambios en el orden de entrega de galardones, los números musicales estilo Broadway), pero bastante tediosa. Hugh Jackman echó el resto demasiado pronto, en un brillante primer número, y en lo que quedaba de gala se limitó a ser el hombre que apenas estuvo allí. Ah, y Steve Martin, Jack Black y (sobre todo) Ben Stiller aportaron algo de diversión al nada emocionante cara a cara entre "El curioso caso de Benjamin Button" y "Slumdog".

Esto es, a grandes rasgos, la versión oficial de lo que pasó. Si quieres la versión completa de cómo un puñado de Twitter Men (porque no hubo ninguna chica, ¿verdad?) vivimos la noche, acude ahora mismo a Helados y Oscars 2. La mejor manera de leerlo es empezar por la página 10 e ir de abajo a arriba, haciendo la ola. Es un resumen al minuto de todo lo que iba pasando, más reflexiones chorras, chistes terribles, comentarios políticamente dudosos, candidatas rebautizadas (a mitad de la noche, "The Reader" se convirtió en "Nazis Follando"), observaciones y dudas. No fue una noche gloriosa como la del año pasado, pero fue una experiencia divertida. A pesar de que Twitter me castigó con unos veinte minutos sin postear, a pesar de que "Wall•E" no se llevó todos y cada uno de los galardones a los que obtaba, a pesar de que "Speed Racer" sólo salió una vez, a pesar de que el cumbayá caradura de Danny Boyle arrasara.

Hace un año, este blog se preparaba para uno de sus mayores retos/locuras ever: un live blogging (blogueo en vivo) de un evento larguísimo, tradicionalmente poco divertido y emitido a horas intempestivas. Era la ceremonia de entrega de los Oscar, pero también era un año especial: peliculazas como "No es país para viejos", "Juno", "There Will Be Blood", "Expiación" o "Once" peleaban en las principales categorías, Jon Stewart ejercía de maestro de ceremonias y la huelga de guionistas convirtió la propia existencia de la gala en un milagro. Naturalmente, nos lo pasamos en grande. De hecho, lo pasamos demasiado bien como para no repetirlo este año...

A priori, este año tiene unos nominados mucho más convencionales ("The Reader", pura papilla para el paladar medio, a la cabeza) y un claro caballo ganador ("Slumdog Millionarie"). Sin embargo, también hay nominaciones para David Fincher y "Wall•E", espacio para chistes terribles, un presentador (Hugh Jackman) que podría sorprender a lo grande y claras posibilidades de pasárnoslo bien mientras nos metemos cafeína intravenosa. Por todo ello, Helados y Oscars 2 será la única cuenta de Twitter que merezca la pena seguir en la madrugada del domingo al lunes. Desde las 2.00 AM hasta el final de la gala, un servidor estará sintetizando los primeros Oscar de la era Obama. Si quieres seguirlo en directo y usas Twitter, puedes hacerte follower desde ya mismo e interactuar durante la noche de autos. Si no, puedes leerlo en directo y presumir de ello la mañana siguiente. Por último, también está la opción de leerlo todo el lunes por la mañana, pero esa NO es la opción de los valientes.

En suma, Helados y Oscars 2, a las 2.00 de la madrugada, en Twitter. No será lo mismo que estar allí, pero habrá más antiglamour, Red Bull y chistes ofensivos sobre Penélope Cruz. ¿Te lo vas a perder?

En "Team America: La policía del mundo" (2004), Trey Parker y Matt Stone orquestaron una secuencia de acción de proporciones ridículas en el desierto de El Cairo, con la Esfinge y la Gran Pirámide de Giza como daños colaterales del heroismo de sus protagonistas. Resulta significativo que, cino años después, la diana más evidente de esos dardos envenenados haya decidido recrear su propia parodia: en las primeras imágenes del teaser de Transformers: Revenge of the Fallen, Michael Bay estrella varios meteoritos (en realidad, Decepticons antes de adoptar formas terrestres) en el paisaje más reconocible de Egipto. En otras palabras: el cine de acción moderno, en su apuesta por la espectacularidad sin límites, se está atreviendo a traspasar la frontera de lo que hasta hace poco se consideraría autoparodia. Hoy por hoy, es el género que está sufriendo la revolución de lenguaje más acusada, y un cineasta como Bay bien podría representar la vanguardia de esta tendencia. Además de la referencia involuntaria a "Team America" con su festival de la destrucción en El Cairo —el equipo obtuvo un permiso especial sin precedentes para rodar en los alrededores de la Gran Pirámide—, el director de "La isla" (2005) se cita a sí mismo en los primeros segundos del teaser, en los que los edificios de una gran ciudad se parten en dos por culpa de unos meteoritos. ¿Muy "Armageddon" (1998), verdad? Recordemos que esa película ya figuraba en los diálogos de la primera parte. Michael Bay, el William Faulkner de la acción loca.

Tiene que pasar todo un minuto para vislumbrar la primera presencia humana de peso en este teaser. No necesitamos más que explosiones, brutos mecánicos y buques de guerra hundiéndose para darnos cuenta de que "Transformers 2" va a seguir al pie de la letra la regla no escrita de toda secuela: ser más oscura que su predecesora. La mejor prueba de ello es el diálogo de Sam (Shia LaBeouf) con su padre (Kevin Dunn), quien parece que va a dejar su puesto de alivio cómico para sufrir las consecuencias de una invasión a gran escala. Dado que el humor chorra era uno de los grandes aciertos del primer "Transformers" (una película que, muy sabiamente, se negaba a tomarse en serio a sí misma), la decisión de dar un giro hacia lo trágico no parece demasiado acertada. En cualquier caso, habrá que esperar a ver el resultado final. En lo que se refiere a los robots gigantes y über-gigantes, no parece que esta secuela vaya a estar por debajo de las expectativas: los Devastators son tan colosales que sólo una pantalla Imax parece capaz de encuadrarlos, el Caído del título (parpadea y te lo pierdes) se comporta como un hijo de perra realmente peligroso y nuestro Bumblebee tiene un momento heroico en el jardín de los Witwicky. Además, será un placer volver a ver a LaBeouf y Megan Fox en los personajes que les convirtieron en estrellas. El 26 de junio comprobaremos hasta qué punto "Transformers: Revenge of the Fallen" es capaz de repetir los logros de su primera entrega: mientras tanto, sigámonos recreando con el plano final del teaser.

El concepto de remake no debería resultarle en absoluto ajeno al primer hombre del saco de la era del sampler. Al fin y al cabo, el primer "Viernes 13" (1980) era una explotación confesa y desprejuiciada de los éxitos terroríficos del momento, desde "La noche de Halloween" (1978) hasta "Carrie" (1976), convenientemente remixados en el primer slasher pensado para el VHS. El propio Jason Voorhees se convirtió en símbolo de la cultura pop y del cine de derribo: mató adolescentes en 3D, se adaptó en los códigos genéricos de la ciencia-ficción, recibió el premio MTV a toda su carrera e incluso protagonizó, junto a Freddy Krueger, su propia ensalada de monstruos. El único paso que le quedaba por dar a un icono trash que fue formándose a lo largo de sus secuelas era ser reformulado de cara a una nueva década.

Platinum Dunes, la productora fundada por Michael Bay, ha vuelto a contar con el director Marcus Nispel para resucitar una franquicia herida de muerte (cuando no directamente fallecida). Su estrategia ha sido idéntica a la que pusieron en práctica con "La matanza de Texas" (2004): extraer el ADN de la saga y adaptarlo al espíritu de los tiempos. Si la esencia de Leatherface era el gótico surreal a pleno sol, la de Jason es la zafiedad, los chistes racistas, las tetas y los machetazos contundentes. El resultado quizá carezca de la radicalidad del último tramo del remake de "Texas", pero se inscribe sin problemas entre lo mejor de una saga que sacó a la luz el lado oscuro de las calenturas de campamento. Nispel se aleja de las cabañas y nos introduce en un universo de pasillos subterráneos, plantaciones de marihuana y altares paganos, con las suficientes gotas de humor tosco y unos homenajes tan bien insertados que se convierten en sorpresas para el fan irredento. Lástima que el director no se haya librado del todo de esa farragosidad visual que lastraba su fallida "Pathfinder" (2007), aunque lo compensa con dos planazos que se sitúan en lo más alto del Top Voorhees: el encuentro de la máscara de hockey y el asesinato policial en travelling lateral. En caso de que existiera alguna duda, Jason vive. Y cómo.

 Friday the 13th (2009) Director: Marcus Nispel. Intérpretes: Jared Padalecki, Danielle Panabaker, Amanda Righetti, Derek Mears. Guión: Damian Shannon y Mark Swift, basado en personajes creados por Victor Miller. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Daniel Pearl. Duración: 97 minutos. 

Comunicado de prensa de Sony Pictures:

Con motivo de la desafortunada reacción que tuvo hace unos días Christian Bale durante el rodaje de "Terminator Salvation", el actor ha querido pedir disculpas públicamente y lo ha hecho llamando a un conocido programa de la radio estadounidense (la emisora Kroq). Los presentadores del show radiofónico, Kevin y Bean, tuvieron la oportunidad de hablar abiertamente con Christian, quien admitió que estuvo fuera de lugar y que lamenta mucho haber explotado de esa manera.

La desafortunada reacción, como todo el mundo sabe, fue el estallido de pura furia que ha situado al actor en el punto de mira de los humoristas de todo el mundo. Algunos de sus highlights ya han entrado a formar parte del slang internáutico. Verbigracia: "McG, joder, ¿tienes algo que decirle a este capullo?". O mi preferida: "¿Tienes alguna idea de lo que distrae tener a alguien caminando detrás de Bryce (Dallas Howard) en medio de la puta escena? ¡¡DAME UNA PUTA RESPUESTA!! ¡¡¡QUÉ ES LO QUE NO ENTIENDES!!!". Todo esto perpetúa la leyenda negra que rodea a Bale desde que el verano pasado fuera acusado de agredir a su madre y a su hermana tras la premiere de "El Caballero Oscuro" en Londres. De todos modos, ya llevaba tiempo arrastrando una fama de actor complicado, capaz de dejarse físicamente la piel en un papel ("El maquinista", en cuyo rodaje, al parecer, se respiró un buen rollo ejemplar). Lo más curioso de todo este caso es que se haya filtrado solamente el audio. Mi teoría es que la fuente proviene de dentro, es decir, del equipo de "Terminator Salvation", y que no ha filtrado el vídeo completo (imagen y audio) porque la escena en la que Bale "tenía puesta su puta mente" era un spoiler en sí misma. ¿Serán los problemas de rodaje lo último en estrategias de márketing?

Para terminar, todo el que necesite más pruebas de que The Baler es una persona intrínsecamente inquietante, que se pase por este gran, gran enlace. Risas y asombro a partes iguales.

La gala de los Goya, ¿eh? De mis cuatro razones para ver el evento, sólo dos acabaron materializándose: el Goya honorífico a Jesús Franco y las piezas de los Muchachos. Por desgracia, ni Nacho Vigalondo (autor de la mejor película española de 2008, por si hiciera falta decirlo a estas alturas) ni Sergio Barrejón se llevaron su estatuilla a casa. Lo cual, sinceramente, apesta. Hubo algunas cosas más que apestaron, pero concentrémonos en lo bueno: el discurso de agradecimiento del tío Jess fue emotivo, vibrante y magnífico, con esa referencia final a los jóvenes que se salen, cortometraje en mano, a partirse la cara con el mundo. Santiago Segura no estuvo nada mal, pero lo suyo hubiera sido que se lo entregara Pedro Temboury. ¡Y un vídeo-resumen del corpus fanquiano un poco más elaborado tampoco hubiera hecho daño! Por suerte, tenemos El Franconomicon.

Y mientras los españoles (y Benicio del Toro) se reunían, cual familia Grigui, para ver los Goya en sus televisores, en Estados Unidos la cosa giraba en torno a la Superbowl. Los Pittsburgh Steelers se impusieron a los Arizona Cardinals por 27 a 23, pero un deporte tan aburrido como el fútbol americano no es la razón por la que el llamado Big Game merece la pena: lo mejor, como en tantas otras cosas últimamente, está en la publicidad. Los anuncios de este año han sido generosos en avances cinematográficos, recopilados todos ellos por Apple Trailers (en glorioso Quicktime, por supuesto). La joya de la corona fueron los treinta apabullantes segundos de Transformers: Revenge of the Fallen, plagados de robots gigantes, robots más gigantes, robots über-gigantes y Megan Fox. Otro de los blockbusters clave del próxomo verano, G.I. Joe: Rise of the Cobra, se presentó en sociedad con un teaser sorprendente y muy poderoso, al igual que ese poema épico para reggaetoneros que promete ser Fast and Furious. Si a eso le sumamos la ausente "Terminator Salvation", no tendremos más remedio que admitir que los meses de calor serán especialmente propicios para la acción loca en pantalla grande. Por desgracia, no se puede decir lo mismo de la comedia: ni Year One ni Land of the Lost estuvieron a la altura de los talentos de primera magnitud que intervienen en cada una de ellas. Aunque, ¡ey!, es posible que estén reservando los mejores chistes para los cines.

1. Twin Peaks: Peak Harder. Tras el desconcertante episodio final de la quinta temporada, dirigido por David Lynch (fragmentos en imagen real) y los hermanos Quay (fragmentos en animación stop-motion), nadie podía aventurar una continuación para lo que empezó siendo un misterio criminal y acabo narrando, en clave de comedia autista, el fin absoluto del mundo. Tampoco era esperable una nueva adaptación al cine: la trilogía que Lynch inició con "Fuego, camina conmigo" (1992) y cerró con "Las alas del amor" (2004) expandió, matizó y dinamitó las claves de una mitología televisiva que cuenta con miles de adeptos en todo el mundo. Sin embargo, la idea de un nuevo reboot, como el que Joss Whedon le ha aplicado a "Star Trek" en uno de los grandes blockbusters del próximo verano, era demasiado tentadora. Este escueto teaser parece dejar claro que Spike Lee no ha optado por el camino fácil, ni tampoco tiene interés en repetir los hallazgos de Lynch: lo suyo apunta más hacia la recreación, en clave de opera rap, de la primera temporada. Brittany Murphy parece un acierto como Laura Palmer, pero está por ver hasta qué punto dará la talla Denzel Washington como un agente Cooper afroamericano. El último plano del trailer, en el que David Bowie vuelve a enfundarse el traje de Phillip Jeffries (personaje clave en las últimas temporadas), parece indicar que esto va a ser más que el remake del clásico "¿Quién-mató-a-Laura-Palmer?". Veremos. Estreno 25 de diciembre

2. Unbreakable 2. M. Night Shyamalan se encuentra en una posición privilegiada como creador: tras el éxito arrollador de su radical "El Incidente" (2008), parece que el gran público está dispuesto a dejarse llevar hasta el final por la magia de este superdotado contador de historias. Su siguiente paso es tan lógico como suicida: regalarnos la prometida secuela de "El protegido" (2000), pero hacerlo a su manera. Parece hasta cierto punto probable que los espectadores no estén dispuestos a pasar dos horas de su vida en compañía de un David Dunn (Bruce Willis) que ha perdido sus superpoderes, pero lo cierto es que aún está por la primera vez que el público de la espalda a Shyamalan, un tipo que parece conocer la fórmula secreta del éxito masivo. Estreno 3 de julio

3. Megalopolis. Los seguidores de Francis Ford Coppola pensaron que nunca llegaría este momento. "Megalopolis" es la película soñada de uno de los directores más influyentes de todos los tiempos: una historia épica de ciencia-ficción en la que Cecil B. DeMille se da la mano con Fritz Lang. No parece descabellado afirmar que Coppola ha rodado la película más ambiciosa de todos los tiempos: no sólo trata de la naturaleza humana y de nuestro deseo de una utopía, sino que también reflexiona acerca de la propia naturaleza del tiempo. El encadenado de primeros planos sobre el que se articula este trailer es realmente apabullante: Nicolas Cage, Al Pacino, Paul Newman, Parker Posey, Kevin Spacey, Lindsay Lohan, Jeff Bridges, Tim Roth, Maribel Verdú, Simon Pegg, Helena Bonham-Carter y Nathan Fillion son sólo algunos de los nombres que han ayudado al director de "Napoleón" (1999) a hacer realidad el trabajo de su vida. Se preveé una batalla con "Avatar" estas navidades: la cinta que gane será la que defina el futuro mismo del medio cinematográfico. Estreno 19 de diciembre

1. La duda (Doubt): El underdog de la carrera de los Oscar es una de esas películas con tanta clase que agobian. Basada en la prestigiosa obra de John Patrick Shanley (ganadora del premio Pulitzer en 2005), protagonizada por dos actores de talla colosal y una joven promesa dispuesta a superar su prueba de fuego, abalada por el sello de calidad del productor Scott Rudin y nominada a tantos premios (Globos de Oro y Critic’s Choice incluídos) que da incluso vértigo mirar la lista. Muy poquita broma. O quizá no: Shanley adapta su propio libreto, pero no es su debut tras las cámaras, porque ese fue... ¡"Joe contra el volcán"! Sin embargo, que nadie espere encontrar comedia ligera ni romance hanksiano en esta parábola moral sobre la fe, la intolerancia, la culpa y la brutal eclosión del cambio en un ambiente (un colegio católico del Bronx en la década de los 60) especialmente poco propicio. Philip Seymour Hoffman podría llevarse el gato al agua en la próxima ceremonia de los Oscar gracias al padre Flynn, acusado sin pruebas de abusar sexualmente del único alumno negro de la escuela. O quizás vuelva a ser el turno de Meryl Streep, que se aleja todo lo posible de las soleadas costas de "Mamma Mia!" con la siniestra hermana Beauvier. Sea como sea, el trailer parece indicar que Shanley ha conseguido introducir dos elementos que, esperemos, hagan la experiencia un poco menos agobiante: suspense y un afilado sentido del humor. Estreno 30 de enero

2. Adventureland: A diferencia de Robert Pattinson, su compañero de reparto en "Crepúsculo", es posible que Kristen Stewart pueda escapar a la maldición del encasillamiento. "Adventureland" es una tragicomedia nostálgica con un reparto de cómicos excepcionales y absolutamente ningún vampiro a la vista, por lo que puede ser un paso en la dirección correcta. También es la segunda película de Greg Mottola, alumno de la escuela "Arrested Development" que en 2007 estrenó la que posiblemente sea la producción Appatow más redonda, "Superbad". Una vez más, Mottola planea extraer las risas de una potente carga autobiográfica. Él mismo se ha encargado del guión, inspirado en ese edénico primer trabajo que comparten casi todos los que han sido adolescentes en California: un puesto de mantenimiento en Disneyland. Desde John Lasseter hasta Steve Martin, prácticamente todos los que trabajan en el parque al acabar sus estudios recuerdan esa época como una de las mejores de sus vidas (para más información, Mouse Tales, de David Koening; y "Zombis en Disneyland", work in progress de un servidor). Secundarios de lujo como Ryan Reynolds, Bill Hader o Kristen Wiig se encargarán de poner el humor en la historia de amor protagonizada por Jesse Eisenberg y la mencionada próxima ex-señora Ceballos, Kristen Stewart. Historia de amor en la que, esperemos, no habrá vuelos por las copas de árboles. Ni partidos de baseball vampírico. Estreno 2009

3. X-Men Origins: Wolverine: Lo sé, este trailer lleva siglos circulando por la Red, ya nos lo sabemos de memoria, no es una novedad, este blog le está volviendo a hacer perder el tiempo a sus lectores, debería darme vergüenza. ¡Pero! "El Emperador de los Helados" siempre va un paso más allá y, por tanto, ha descubierto claves que pueden pasar inadvertidas en un primer visionado. Por ejemplo, que el pasado de Lobezno sigue paso a paso las pautas marcadas por los tebeos clave sobre el personaje: Logan saca por primera vez sus garras óseas ante el cadáver de su padre ("Origin", de Paul Jenkins y Joe Quesada), combate en los conflictos bélicos más señalados de la historia reciente (las dos guerras mundiales, no así la Guerra Civil estadounidense), disfruta de un retiro con su amada Silver Fox en los bosques canadienses hasta que Dientes de Sable la mata en su cumpleaños (uno de los momentos cumbre de la etapa Claremont)... Todo está en este trailer, aunque también se han añadido algunos cambios. Para empezar, Victor Creed (Liev Schreiber) es hermanastro de Logan y nunca utiliza su nombre de guerra. Además, todo el rollo de "Arma X" ha sido adaptado para mantener la continuidad con la trilogía mutante, "X2" a la cabeza. No obstante, nada de eso importa cuando tenemos a un Hugh Jackman pulverizando su propio récord de tiempo en pantalla sin camiseta y subiéndose a un helicóptero desde su moto. Eso sí, la superpoblación de tipos poderosos que se ve en el trailer no es buena señal: si se supone que el spin-off iba a servir para centrarse en el único mutante que realmente nos interesa, ¿por qué le involucran con pesos pesados como Gámbito (Taylor Kitsch) o Deadpool (Ryan Reynolds)? Por no hablar de los cameos que esconde este trailer: utiliza la pausa líquida de Quicktime para detectar a un niño con los ojos vendados y a una niña rubia que se transforma en diamante... Estreno 1 de mayo

Es probable que "The Spirit" sea el estreno navideño más heterodoxo e imprevisible de todos los tiempos. Lo que quiero decir es que la película ya es una rareza por sí sóla (debut como director en solitario de autor de cómics medio majareta, versión ultrasexualizada y fantasmagórica del tebeo norteamericano más influyente del siglo XX, Sam Jackson llorando lágrimas negras), así que la decisión de estrenarla el 25 de diciembre ya linda con lo enfermizo. Por supuesto, me muero de ganas por verla, pese a que las primeras críticas no sean precisamente alentadoras. Hay un reproche que me parece muy curioso: ¡"The Spirit" parece "Sin City 2"! Y me parece curioso que se lleven las manos a la cabeza cuando es absolutamente comprensible, dado que Frank Miller aprendió todo lo que él consideró que debía saber sobre el cine en el set de "Sin City". Por tanto, es normal que utilice esos recursos para trasladar y adaptar el imaginario de su admirado Will Eisner a la gran pantalla, un imaginario que, por cierto, era puro género noir hiperbolizado (como "Sin City").

Cuento todo esto como mero pretexto para enlazar esta alucinante galería de carteles alternativos, obra de los alumnos del Instituto Europeo di Design. El ganador se lleva un viaje a Los Angeles, así que buena suerte a los miembros del jurado, porque la cosa está realmente complicada.

Una expresión de vergüenza dibujándose en el rostro de una actriz aficionada mientras, sin un atisbo de convicción, intenta recitar sus líneas. Un marido infiel que contempla cómo su abnegada familia le ha preparado una fiesta sorpresa por su cumpleaños. Una ama de casa que se adentra voluntariamente en el bosque que separa su complejo residencial del mundo exterior. "Vía revolucionaria" (1961), primera y magistral novela del escritor torturado Richard Yates, está llena de imágenes cargadas de resonancia, de pequeños detalles que parecen manchas casi inapreciables en la lujosa moqueta de la América de Eisenhower. Yates, bautizado como el gran cronista de la Era de la Ansiedad, trabajaba en un área que también recorrió John Cheever: los suburbios, esos confortables e inmaculados paraísos del bienestar que, como sucedía al comienzo de "Terciopelo azul" (1986), esconden un infierno de hormigas bajo sus mantos de césped recién cortado. El secreto de "Vía revolucionaria" no sólo estaba en los detalles, sino también en la sutileza de su prosa: la de los Wheeler (familia nuclear que parece el reverso explícitamente tenebroso de una comedia de Doris Day y Rock Hudson) es una tragedia imperceptible, una lenta erosión del Sueño Americano en un contexto que asfixia la individualidad y pulveriza lo diferente. Yates escribió una novela de horror con los recursos de una sitcom como "Embrujada", descubrió un cadáver pudriéndose de forma horrible al fondo de una ilustración de Norman Rockwell, llevó el Apocalipsis a un cuadro de Edward Hopper.

En su crítica de "Vía revolucionaria" para "The New York Times" (9 de abril de 2000), Richard Ford describió la novela como American Beauty (Circa 1955). En ese sentido, resultaba casi inevitable que Sam Mendes se fijase en Yates a la hora de planificar su segundo intento de rodar la Gran Película Americana. Revolutionary Road, adaptación lujosa, notable y con hambre de Oscar, es un hueso duro de roer para cualquier crítico: por un lado, supone una de las aproximaciones más certeras a los llamados Virgilios de los subirbios (Cheever, Updike o el propio Yates) que jamás nos ha dado el cine; por otro, ejemplifica de manera diáfana la imposibilidad de traducir la sutileza de un medio a otro. Lo que en el original era un drama imperceptible es aquí un drama sobreactuado. Y no sólo por las toneladas de energía que Leonardo DiCaprio y Kate Winslet ponen en sus peleas conyugales, sino por esa tendencia al subrrayado que ha caracterizado al cine de calidad en este 2008: la película ofrece explícitamente todas las claves para interpretarla, convirtiendo toda sutileza en un auténtico grito. Cabe preguntarse si el problema no estará en el propio medio de expresión, si la única manera de adaptar "Vía revolucionaria" al cine era convirtiéndola en un drama ostentoso y explícito. Si, en suma, el mal llamado séptimo arte no será impermeable a todo aquello que convertía a Yates en el (o en un) gran novelista americano. Sea como sea, "Revolutionary Road" es la mejor adaptación que Hollywood ha podido hacer de un material que, definitivamente, no estaba hecho para Hollywood.

Este interesante post de Neatorama bucea en el origen secreto (o no tan secreto) de los logos de los grandes estudios hollywoodienses. Es curioso como las majors originales que han llegado hasta nuestros días lo han hecho manteniendo un respeto casi total por sus respectivos emblemas: el escudo de Warner Bros. fue el único que desapareció durante un tiempo (concretamente, de 1972 a 1984), pero tanto la montaña de la Paramount como la señora de Columbia se han mantenido intactas a lo largo de las décadas.

Otra cosa muy distinta son las ocasiones especiales en las que una película modifica, de manera excepcional, el logo del estudio. Quizá el ejemplo que nos viene antes a la cabeza sea Indiana Jones, cuyas aventuras siempre se abren con una montaña que, de algún modo, se superpone al logo de la Paramount: una cordillera peruana en "En busca del arca perdida", un grabado en "El templo maldito", una formación rocosa en "La última cruzada" y (¡alerta geek! ¡Alerta geek!) un montón de tierra con un perrillo de las praderas dentro en "El Reino de la Calavera de Cristal". Un director aficionado a jugar con los logos es Tim Burton, que en "Eduardo Manostijeras" situó una tormenta de nieve sobre el emblema de la 20th Century Fox y en "Mars Attacks!" escondió a un platillo volante en los cielos dominados por el escudo de Warner Bros. La trilogía de "Matrix" también jugó con esos mismos cielos, que se tiñieron de rojo para "Trabajo de sangre" y cambian con cada nueva entrega de "Harry Potter". El globo terráqueo de la Universal sufrió los efectos del cambio climático en "Waterworld" y vio zarpar las naves al principio de "Serenity", pero es posible que el que más modificaciones puntuales haya sufrido sea el de la Fox: sumó un siglo para "Futurama", se congeló para "Ice Age", fue visitado por Ralph para la película de "Los Simpson" y se escondió tras el telón de "Moulin Rouge", en la que quizás sea la forma más inteligente y encantadora de personalizar un logo que hayamos visto hasta la fecha. ¿Me dejo alguna importante?

"Quemar después de leer", una de las películas del año, supone la primera colaboración entre los hermanos Coen y Brad Pitt, pero este encuentro estuvo a punto de producirse mucho antes. JoBlo acaba de publicar el asombroso (a falta de un adjetivo mejor) guión de "To the White Sea", adaptación de una obra del poeta y novelista James Dickey. Ambientada en la Segunda Guerra Mundial, esta comedia sin chistes y casi silente tenía su mejor (y única) baza en el entusiasmo que Pitt mostró por protagonizarla: los Coen creyeron que su presencia sería suficiente para que los estudios aceptasen un presupuesto de 60 millones de dólares. Por desgracia, no lo fue.

Es posible que "To the White Sea" sea el proyecto malogrado de los Coen más interesante, pero no es el único. He aquí una pequeña guía de lo que pudo llegar a ser y no fue en su carrera:

Hail Cesar
En principio, iba a ser la segunda parte de la Trilogía de Idiotas que los hermanos idearon para George Clooney. Se habló de una comedia blanquinegra ambientada en la década de los 20 y centrada en los esfuerzos de una desastrada troupe teatral para levantar un montaje de "Julio César". Se supone que Tim Blake Nelson iba a repetir la química con Clooney que demostró en "O Brother!", pero los Coen tuvieron problemas con el guión y lo acabaron abandonando. Finalmente, "Crueldad intolerable" se confirmó como la segunda entrega de la Trilogía.

Suburbicon
Otro papel para Clooney, aunque esta vez no era una comedia, sino una de crímenes misteriosos. "Me iban a golpear hasta la muerte con una pala", bromeó George en una entrevista. "Era un gran papel".

Old Fink
Se rumorea que los hermanos aún guardan en el cajón su borrador para la secuela de "Barton Fink". La historia daría un salto hasta finales de los años cincuenta, con el viejo Barton convertido en un poeta estilo Ginsberg y dando clases en la universidad. Es posible que estén esperando a que John Turturro se haga lo suficientemente mayor para el papel, pero el tipo se conserva bien.

The Second Coming
Otra para Turturro, más concretamente, una de Turturro. El actor le congió tanto cariño a su personaje en "El gran Lebowski" que intentó convencer a los Coen para que produjesen un spin-off, escrito y dirigido por él mismo. Su idea era hacer que The Jesus y su inseparable colega Liam tuvieran que conducir un autobús escolar lleno de... niños de ocho años, Nota. Seguro que Turturro tenía una manera de hacerlo funcionar.

Cuba Libre
Compraron los derechos de este western caribeño (en serio) de Elmore Leonard tras el boom de "Jackie Brown", pero nunca tuvieron planes más allá de transformarlo en guión. De hecho, se rumoreó incluso que el propio Tarantino estaba interesado en dirigirlo, aunque no sabemos ni siquiera si llegaron a escribirlo.

Una película de perros
Es posible que estuvieran bromeando, pero Joel e Ethan declararon su intención de rodear una comedia familiar con animales durante la promoción de "El hombre que nunca estuvo allí". Al parecer, la inspiración iba a ser "Old Yeller" (1957), una producción Disney de imagen real sobre un niño confederado y su perro labrador.

Batman
¡En serio! Durante el largo y tortuoso camino del héroe de DC hacia su encarnación definitiva (bueno, casi) en la gran pantalla, los jefazos de Warner se fijaron en "Arizona Baby" y les ofrecieron el proyecto a los Coen. Ellos se lo pensaron durante un día entero, pero acabaron declinando la oferta.

En "Gomorra: Un viaje al imperio económico y al sueño de poder de la Camorra" (Debate), Roberto Saviano reflexiona sobre la fascinación que ejercen las películas de mafiosos sobre los más bajos estratos de la organización criminal napolitana. La diferencia, lamenta el autor, es que muchos parecen no darse cuenta de que siempre hay un momento en que la cámara deja de grabar y Joe Pesci se seca la sangre falsa de la cara. En que el doble de Al Pacino sale de la piscina y su asistente le pone un albornoz. En suma, el cine siempre mitifica una figura que, en el caso de la Camorra, no tiene nada de mito: en el mayor de los casos, incluso tiene más de mártir.

La prestigiosa adaptación cinematográfica de la obra de Saviano, que lleva desde la semana pasada dignificando nuestra cartelera, le debió plantear algún dilema al autor: su mirada analítica y su voluntad sociológica corrían un grave peligro de convertirse en un espectáculo frenético en la gran pantalla. Sin embargo, nada más lejos de la verdad, porque el director Matteo Garrone (responsable de la perturbadora "L’imbalsamatore") ha conseguido rodar una de las escasas películas sobre la mafia que rechazan frontalmente todo lo que esta pueda tener de seductora. Resulta muy significativo que en "Gomorra" nunca veamos las altas esferas del crimen organizado, sino solamente la base de la pirámide o sus manifestaciones más sutiles. Una película de la mafia en la que apenas se ve a la mafia. Los personajes no hacen ninguna mención explícita a una estructura que jamás se manifiesta como tal, sino que la llevan en su ADN, forma parte del ambiente (tóxico) que respiran. La única conexión real de estos hombres con el mundo del cine es accidental y muy lejana, representada en la novela por Angelina Jolie y en la película por Scarlett Johansson.

Resulta paradójico que incluso una aproximación tan implacable, áspera y desaliñada a los bajos fondos napolitanos haya acabado siendo asimilada por sus protagonistas en la vida real: desde hace unos días, la Camorra ha puesto en circulación una versión pirata del DVD, en la que se eliminan unos rótulos finales incómodos y, por supuesto, la banda de subtítulos (que hace comprensible la película para el espectador italiano de fuera de Nápoles). El hecho de que la mafia esté traficando con la película en lugar de amenazar de muerte a sus responsables (como hizo con Saviano) nos lleva a pensar que esa fascinación por el cine de la que hablaba el escritor no conoce límites. Es posible que los dirigentes de la Camorra se sientan tan orgullosos de tener su propia película que no les importe demasiado si salen o no bien parados en ella, cosa que nunca ocurriría con una obra literaria, ni siquiera con un best seller mundial. Es, no obstante, probable que todo tenga que ver con un cinismo mercantil que a nadie sorprende ya.

Tras los primeros rumores, las primeras fotos y un evento con JJ Abrams al que no pude ir (¡ah! ¡nstch!), el teaser trailer de Star Trek ha sacudido de arriba a abajo la cabeza de todo fanboy federado. Por supuesto, algunos de ellos no están demasiado entusiasmados: de hecho, la reconceptualización (o lavado de cara) que Abrams, Orci y Kurtzman le han aplicado a la saga ha estimulado a algunos a sacar sus figuras articuladas de su puente de mando a escala, como acto de rebeldía. El comienzo del trailer parece dejar claro que este no es el "Star Trek" que conocemos, con un Kirk adolescente pisando el acelerador en una polvorienta carretera de Iowa. La idea es devolver la mitología de Gene Rodderberry al mundo real, hacerla más accesible para el recién llegado, después de una última hornada de películas demasiado exigentes para el no aficionado.

De todos modos, lo que parece proponer el creador de "Alias" es algo más que un reseteo de la saga: al incluir el viaje en el tiempo como motor de la trama, la undécima película de "Star Trek" no teme trastocar la continuidad ni cambiar de manera radical las reglas del juego. Por ejemplo, los romulanos: todo trekkie sabe que el primer humano en establecer contacto con uno de ellos fue Kirk, pero un Kirk mucho más maduro que el vemos aquí (el Kirk Shatner, para entendernos). El villano de esta nueva aventura, interpretado por Eric Bana, viaja al pasado para alterar las cosas, presumiblemente motivado por su etapa cautiverio en una prisión klingon —son difíciles de detectar, pero "El Emperador de los Helados" garantiza que aparecen en el trailer—. Por supuesto, el Spock Nimoy también volverá a sus años en la academia, abriendo todo un universo de paradojas que parece pensado para deslumbrar al recién llegado... y entusiasmar al veterano. Porque este último también ha sido tenido muy en cuenta, como sugiere la presencia de la USS Kelvin y del Capitán Pike, interpretado por Bruce Greenwood y de vital importancia para las bases del universo trekkie. Así que es posible que los fans airados quieran volver a colocar sus muñecos en el puente de mando y dejarse seducir por un avance estimulante y potente como pocos: trepidante, espectacular y rematadamente cool, "Star Trek" resucita el interés del cinéfilo y se perfila como uno de los mayores placeres del próximo verano. Beam me up, JJ! 

Las películas del año se preparan para el circuito del cine en casa, y lo hacen con extras realmente sabrosos. A la espera de contemplar ese intrigante montaje lineal de "Los cronocrímenes" (17 de diciembre), ya tenemos el tradicional corto de Pixar que va a acompañar a "Wall•E" en su edición en DVD y Blu-ray. Huelga decir que es soberbio. "Burn•E" es algo así como el Rosencrantz y Guildenstern (los dos en uno) de la historia, un adorable working class loser robótico que también sabe un par de trucos chaplinescos para robarnos el corazón... y desencajarnos la mandíbula. Pinchad arriba para ver ya esta pequeña y adorable joya, que estará disponible en alta calidad a partir del próximo 5 de diciembre.

ACTUALIZACIÓN: Parece que las fuerzas de BnL han actuado deprisa y ya han retirado "Burn•E" de la circulación. Si has sido realmente rápido y te dio tiempo a verlo, enhorabuena. Si no, habrá que esperar al viernes 5.

En su último post, Vigalounge enlazó una ilustración de la revista neozelandesa "The Lumiere Reader", en la que se veía a dos personajes de "Los cronocrímenes" extrañamente fusionados. Su director escribía: "Es curioso, en cierta manera podría apuntar a algunas de las teorías más demenciales que he escuchado acerca de la película, como la que sugiere que el personaje de Bárbara y el mío podrían ser el mismo". Como entusiasta de las teorías descabelladas, tengo que decir que esta es muy buena. Casi tanto como algunos de mis highlights: el Dr. Lecter es Santanás (volved a ver "Hannibal" con esta idea en mente), "Donnie Darko" es un remake perverso de "E.T.", Padmé y Obi-Wan son amantes, el Joker de "El Caballero Oscuro" es tan sólo un secuaz de otro villano... De todos modos, nada es comparable a mi teoría favorita. ¡La madre de todas las teorías! ¡El acabose! ¿Estáis preparados para ella? Pues bien, allá va.

James Bond es un agente doble.

Es posible que ahora, en los tiempos de "Quantum of Solace", casi nadie se acuerde, pero 007 era el hombre que surgió del frío. De la Guerra Fría, concretamente, un periodo en el que el espionaje era una herramienta fundamental para mantener el status quo entre ambos bloques. En semejante contexto, Bond sólo podía ser dos cosas: un traidor a la patria o el agente más inepto que jamás trabajó para el MI6. Como el propio Roger Moore ha explicado en más de una ocasión, la clave del espionaje está en pasar desapercibido, no en entrar cada noche en uno de los casinos más lujosos de Europa e ir dándole tu nombre (repitiendo bien alto el apellido) a todo el mundo. De hecho, algunos camareros no sólo conocen a nuestro hombre, sino que ya saben incluso qué bebida servirle en cuanto lo ven entrar. Su profusa lista de conquistas tampoco encaja en el perfil silencioso que se le supone a un espía. Peor aún, Bond lleva décadas costándole muy caro a su gobierno: no sólo exige y destruye tecnología punta en cada una de sus misiones, sino que también estrella una media de 1,6 coches en cada nuevo destino (y no cualquier coche: 007 no conduce otra cosa que no sea un Aston Martin o un BMW). ¿Cómo se puede interpretar esta estrategia, sino como un plan calculado para dinamitar el dinero de los contribuyentes y, por tanto, hundir la economía británica? Y no sólo, pues el objetivo final de Bond parece ser el colapso de la economía occidental en pleno: cada vez que mata a un empresario multimillonario (su enemigo más común), miles de puestos de trabajo desaparecen de golpe. En resmen, si su actitud de desvergozado conquistador amoroso hasta las cejas de vodka martinis no parece propia de un agente secreto del más alto nivel, es porque forma parte de una calculada estrategia para garantizar el triunfo de la Unión Soviética.

Por supuesto, existen más teorías, y es muy posible que "Solace" estimule algunas más para este nuevo milenio (de hecho, la mía sólo se puede aplicar a la etapa pre-"Goldeneye"). Si tienes la tuya, eres libre de dejar constancia en los comentarios de este blog, pero, por favor, nada de teorías de "Lost". Todos sabemos que no es más que una realidad alternativa provocada por el primer viaje en el tiempo de la vieja que conoce a Desmond.

Después de alcanzar el firmamento (e ir un poco más allá) con su último trabajo, Pixar se enfrenta a un reto singular: la vida más allá de "Wall•E". No es una situación fácil, ya que incluso una obra con la clase y la sofisticación de "Ratatouille" palidece un poco en comparación con la que, salvo algún improbable seísmo de última hora, es la película del año en "El Emperador de los Helados". En otras palabras: la casa que Buzz construyó ha puesto a su público en contacto con un grado tan supremo de maravilla que cualquier esfuerzo posterior corre un gravísimo riesgo de saber a poco. Pixar ha tocado techo en este 2008, pero lo más difícil (que no es llegar, sino mantenerse) viene ahora.

En esta tesitura nos llega el primer trailer de "Up", la película que va a tener que luchar contra el fantasma de Wall•E a partir de mayo de 2009. Y, tras dos minutos que suponen una clase maestra de encanto y sentido de la maravilla, queda claro que es una situación injusta. Co-dirigida por Pete Docter, "Up" es una película en la que un anciano se va a explorar los secretos de la jungla sin abandonar la comodidad de su hogar. Cientos de globos de colores no se merecen ser mirados con lupa por cientos de blogueros ridículamente estrictos, sino que más bien nos invitan a dejarnos llevar. En una entrevista reciente, John Lasseter aseguró que "Up" contiene una celebración de la aventura realmente emotiva (el protagonista, al que Edward Asner presta su voz, está cumpliendo el sueño de su mujer fallecida), además de una historia de amistad entre un anciano y un niño que, según asevera el director de "Cars", está pensada para no levantar ni una suspicacia entre los espectadores más cínicos. Quizá debamos hacernos a la idea, desde ya mismo, de que lo de "Wall•E" será irrepetible: de hecho, lo mejor que le puede pasar a "Up" es que no sea ni mejor ni peor, sino distinta.

Will Ferrell y el director Adam McKay llevan juntos el suficiente tiempo como para poder hablar de un modelo de comedia propio, capaz no sólo de mantener durante noventa minutos la potencia y el nivel de delirio de un buen sketch del "Saturday Night Live" (donde ambos velaron sus armas), sino también de manejar como nadie todos esos recursos que logran arrancar auténticas carcajadas en la platea. Lejos de acomodarse, ambos han seguido una estrategia bastante arriesgada: colocar a sus protagonistas en entornos cada vez más realistas, menos caricaturizados. En la irrepetible "Anchorman: The Legend of Ron Burgundy" todo era deliciosamente absurdo, pero en "Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby" ya se notaba una intención de enfrentar la extravagancia de Ferrell a un entorno hostil. "Step Brothers", que recupera a ese John C. Reilly cómico que nació en "Talladega", es la culminación de ese discurso: los dos protagonistas, tipos de cuarenta años que actúan como si tuvieran catorce, no paran de darse golpes contra un mundo que les pide que maduren. No obstante, que nadie piense que Ferrell y McKay han añadido un toque de amargura a su fórmula, porque todo sigue siendo tan desprejuiciadamente chorra como siempre.

"Step Brothers" es la gran comedia de la inmadurez, pero también de la inocencia: el impresionante dúo protagonista logra hacer que sus personajes sean adorables, en lugar del par de energúmenos enervantes que deberían haber sido sobre el papel. Al igual que en las primeras comedias de los Farrelly ("Dos tontos muy tontos" y "Vaya par de idiotas"), en "Step Brothers" se notan los ecos de toda una tradición que, probablemente, naciese con Los Tres Chiflados: de hecho, el grito histriónico y las hostias son las principales armas con las que Ferrell y Reilly sostienen prácticamente todo el peso de la película. Sin embargo, la intención oculta de esta descacharrante comedia es, por sorprendente que parezca, la de hacer una comedia familiar. La cita de George W. Bush con la que se abre el fuego (de las risas) sirve para dejar claro que Ferrell y McKay van a despedazar la idea de familia en una sociedad profundamente inmadura... para luego reconstruirla. A su manera.

La mayor parte de la crítica española ha caído en el error de considerar "Step Brothers" como una producción quintaesencial de Judd Apatow, ignorando por completo uno de los discursos más importantes de la comedia actual. Es cierto que el director de "The 40 Year Old Virgin" ejerce de productor, pero ahí acaba su parcela de responsabilidad en una película que, por si fuera poco, contiene un mensaje diametralmente opuesto al de "Knocked Up": si allí el idiota acababa descubriendo a la persona gris y responsable que habitaba en su interior, aquí (en un inspiradísimo clímax musical) los protagonistas nos ayudan a descubrir al idiota que habita en nuestro interior gris y responsable. No hay proceso de madurez, ni tampoco una redención con sabor a claudicación: "Step Brothers" es el triunfo majestuoso de la chorrada.

La novia de Frankenstein (1935). Nada mejor para abrir la velada que un toque de distinción y de buen gusto, una cinta clásica que vaya abriendo el fuego mientras todos los invitados acaban de llegar y las bebidas empiezan a subir. "La novia de Frankenstein" es, al mismo tiempo, la cumbre de toda una manera de entender el cine de terror y una obra adelantada a su tiempo: el prólogo, que recrea esa legendaria noche tormentosa en Villa Deodati, es una cegadora lección de metalenguaje, en la que se reescribe el final de la primera parte y se dan astutas pinceladas de metaficción (Elsa Lanchester es, al mismo tiempo, creadora y novia del monstruo). James Whale echó el resto en una secuela que corrige y mejora todo lo que hacía única a la original, empezando por su retorcido sentido del humor (el Doctor Pretorius, cumbre de la perversión filogay, es todo un hallazgo en ese sentido) y culimando con esas inmersiones en lo surreal que tan bien representan los humúnculos conservados en frascos. El fascinante clímax final, con su subtexto de sexo chungo, deja para la posteridad a una icónica Elsa Laschester, suprema sacerdotisa de un nuevo mundo de dioses y monstruos. [IMDb]

Suspiria (1977). Ahora que el espíritu de Halloween ha poseído a todos los invitados, ahora que las bebidas y demás sustancias paganas empiezan a hacer efecto, ahora es el momento de dejarse llevar por la experiencia límite del terror lisérgico. Es el momento de "Suspiria", obra maestra de Dario Argento, cuyo barroquismo estilístico nunca había estado tan afinado como en este asombroso, desconcertante catálogo de excesos (no en vano, está inspirado en un ensayo de Thomas De Quincey). Hay una manera alternativa de interpretar este slasher sobrenatural de damiselas en peligro, y es concebirlo como un juego de bebidas: cada muerte grotesca y elaborada que Argento narre con su exquisito gusto por el detalle, un trago de absenta. Y cada vez que aparezca en pantalla Miguel Bosé, un chupito de tequila. Tus invitados nunca olvidarán la velada. [IMDb]

- Por Noel, de "El Enterrador de los Finados".

Muñeco diabólico (1988). Si compras discos en la calle, como ya sabrás, estás matando el negocio de la música. Si lo que compras es un muñeco, estás poniendo en peligro tu vida y la de tus seres más queridos. Dejando aparte el alegato anti piratería subyacente y la crítica a la mercadotecnia desaforada (la extensa gama de productos Good Guy), "Child’s Play" comienza retratando la enfermiza y simbiótica relación de un tierno infante con el juguete que desea intensamente. Este hecho tan típicamente infantil no debería suponer ningún problema, claro, siempre y cuando el jueguete en cuestión no esté poseído por el alma de un psicópata con estudios superiores en vudú. A partir de ahí, la cinta se permite jugar al falso despiste durante la mitad del metraje para terminar revelando progresivamente a un muñeco sádico e increíblemente expresivo en su maldad, creando, de paso, uno de los iconos más reconocibles y temibles del terror moderno. [IMDb]

Esta última afirmación nos lleva, invariablemente, al segundo y principal acto de mi noche de Halloween, Pesadilla en Elm Street (1984). Por ser el acta fundacional de una de las sagas más excitantes, ya no del cine de terror, sino del cine a secas; por crear a Freddy Krueger (aquí todavía Fred, aún no era de la familia), el personaje que pobló las pesadillas reales y ficticias de toda una generación; por esos sueños opresivos, por el baño de sangre de Johnny Deeo, por Heather Langenkamp en la bañera, por... ¿hace falta seguir?  [IMDb]

- Por Jose María Aznar.

A modo de extra, Jose también recomienda Do They Know It's Halloween?, una supercanción benéfica que, hace tres Halloweens, reunió a artistas como Beck, Feist, Elvira o Karen O. He aquí el youtube.

Odio cuando me hacen elegir. Especialmente si hay múltiples opciones correctas. Sólo conozco dos formas de realizar la selección de películas para Halloween, planificándolo con un mes de antelación o rascando de entre el cajón de saldos infectos. Así que... ¿cómo elegir un buen programa doble? Hay tantas opciones... Desde un doble Wilde ("Terrorífica Luna de Miel" / "El Jovencito Frankestein") a un programa de diversiones ("Re-Animator" / "El convento") o unidos por el título (¡¡¡hay dos "Alone in the Dark"!!!), por el género ("La Pequeña Tienda de los Horrores" / "The Rocky Horror Picture Show") o por la productora ("Dr. Terror" / "La Calavera del Marqués")... Creo que lo peor del asunto es la elección en sí así que centrémonos en algo concreto. Por ejemplo los ’viejos maestros’.

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Escalofrío (1959). William Castle siempre se mereció un monumento, lo que no quita que ya se llevara algo parecido con “Matinee” de Joe Dante, y se lo merece por películas como está. Si el cine de monstruos se ha construido sobre algún lugar común ese ha sido el del gigantismo. Castle le supo dar la vuelta Y respetarlo. A la vez. La idea de un pequeño parásito que se alimenta del miedo es sólo la mitad del asunto gracias al uso del “gigantismo” que logra convertirlo en un bicho grande que no necesita ser gigante. Alimentándose del miedo de la gente –y si hoy se hiciera la película se hablaría de lectura política- el gran Castle logra, además, meternos en un juego de cine y metacine en el que gritar no sólo es divertido sino que es bueno y necesario. Es una pena que no podamos ver la película en uno de esos cines de entonces para que la sensación –y la diversión- fuera completa. También es una pena que no dispongamos del Gadget de turno –en este caso una butaca que daba “descargas”- para poder llegar a disfrutar del concepto de diversión en el cine que demostraron tener hace ya 50 años. [IMDb]

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In-Natural (The Stuff) (1985). Resultará sorprendente a alguno el señalar como un “viejo maestro” a Larry Cohen con una película del año 85. Quizá cronológicamente pueda no parecernos tan antiguo pero viendo la película se aprecia una forma de hacer las cosas que le sitúa directamente con esos directores sin miedo a las grandes historias extrañas. En un Halloween como este en el que "High School Musical 3" puede ser la película más vista conviene no olvidar a estos auténticos hombres-orquesta del cine que dirige, guioniza e, incluso, produce. Quizá más conocido pro su saga “It’s Alive”, o más referenciado por la curiosa “Q, la serpiente voladora”, es “The Stuff” / “Innatural” / “La Sustancia Maldita”… mi elección por tres motivos claros: Hay una cierta unidad con respecto a la anterior película también en la “amenaza” y cómo se alimenta de al gente, se trata de una película mucho más desmadrada que las anteriores –por difícil que parezca- y sirve, además, como contrapunto dulce e irónico sobre “La cosa” de John Carpenter [Con quien podría haber formado otro interesante programa doble] al mostrarnos a un informe ser decidido a conquistar la tierra gracias a su peculiaridad: Es un Yogur Mutante Controla-Cerebros Intraterrestre. Malvado, por añadidura. Y desde ahí se habla de la adicción, se ridiculiza a los militares o se exponen las vergüenzas del capitalismo y la familia, todo con un tono de farsa más que notable. [IMDb]

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Así que ahí lo tenemos, monstruos, dobles lecturas, diversión, risas y un par de señores a los que nunca se reivindicará lo suficiente. ¡¡¡Feliz Halloween!!!

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- Por Sark-o-Rama.

Sleepy Hollow (1999). Siempre he asociado Halloween con el terror gótico y los "Classic Tales of Horror" mucho más que con todo la parafernalia pirotécnica de slashers, zombies y compañía (¡que me pirra, ojo!). La leyenda de Sleepy Hollow y el jinete sin cabeza siempre será, para mi, el gran pilar sobre la que la tradición del Halloween moderno está asentada. Todo muy "Scooby-Doo", con el jinete recortado contra la luna, espada en mano y el Jack-o-Lantern (ver diccionario) por cabeza. Este último elemento, omitido en la película de Tim Burton que, pese a sus fallos (toda la trama detectivesca me perece superflua), logra crear esa atmósfera agobiante de las pequeñas comunidades acechadas por un asesino implacable. El ambiente de las primeras colonias, letras escarlatas, ‘Nathaniels’, ‘Fenimore Coopers’, con todos los vecinos, familiares entre ellos y tropecientos apellidos holandeses. Y Jeffrey Jones, y Miranda Richardson, y Martin Landauuu, y los dos Christophers, Lee y Walken – as the Hessian. [IMDb]

La noche del Demonio (1957). El gran clásico de Tourneur, al margen de su trilogía ("Yo anduve con un zombi", "La mujer pantera", "El hombre leopardo") es para mí la cumbre del cine de terror llamado ‘ambiental’ (que no ‘de ambiente’ –por ejemplo "La lengua asesina"-). A favor: una criatura aterradora a pesar de que tenga cara de perro, rodada en un asfixiante blanco y negro, y con los efectos de humo más cutres pero efectivos que recuerdo. Una trama que muchos han calificado de moralmente ambigua (bajo el argumento que hace apología de la brujería –vamos, como Harry Potter) y unos personajes míticos, así como su banda sonora. Quizá no acojone tanto ya, pero acabas con el regusto típico de las grandes pelis. Masterpiece! [IMDb]

 - Por Vieja "Ia! Ia! Cthulhu fhtagn" Mofeta.

L’aldilà (1981): "L’aldilà" (o más conocida para los españoles como "El más allá") es una de las indudables obras maestras que Fulci hizo junto a Dardano Sachetti como coguionista. Pues, bien, como indicó muy bien Absence, es una especie de exploit de "Inferno" (1980, Dario Argento) pero genuinamente fulciana, y contiene una cantidad de planos terroríficos perfectos: arañas devorando a un hombre, ojos saltones en blanco, una crucifixión, perro devorando a una mujer ciega (sí, una idea calcada de la perfecta "Suspiria"), etc. Es en su final cuando realmente llega al punto álgido de su perfecta atmósfera malsana, cuando realmente la película de Fulci llega al horror puro, a la perfección: nuestra realidad se ha transformado en el infierno, ciegos y solos junto a los muertos. Atrapados en una maldición. Ese final que parece traducir los textos de Lovecraft, redondea una de las mejores películas de terror que haya existido, y por lo tanto, imprescindible para una noche de Halloween como Satán manda. [IMDb]

The Devil Rides Out (1968): Una sesión perfecta de Halloween debería contener, al menos, un film de la Hammer. Qué mejor que una de las películas dirigidas por Fisher, y guionizada por un titán como Richard Matheson. "The Devil Rides Out" es una aventura de terror gótica entretenidísima de la Hammer, aunque difiere de los habituales personajes característicos. En el film encontramos a un Christopher Lee como perfecto héroe aristócrata en medio de una lucha contra una secta comandada por un Sir Aleister Crowley de la vida capaz de controlar la mente, un detalle que convierte en la película en una sucesión de giros, previsibles e imprevisibles, que devienen en problemas todavía más gordos, más hiperbólicos, inquietantes y más, sí, perversamente diabólicos, y  hasta su final siempre parece alejada de finalizar agradablemente. Perfectamente estructurada, y con una dirección virtuosa, "The Devil Rides Out" no frena ni por un momento su ritmo, sino que lo intensifica hasta dejar sin respiro en un clímax final algo más flojo que el nivel general de la película. Destaco la aparación estelar de un Satán siempre imponente, en una de las escenas más memorables de la película. [IMDb]

- Por Salanova de los espíritus.

- Noche de miedo (1985). [Receta para dos personas]: métase en una cocktelera a un fantástico Roddie McDowall en el papel de cazavampiros televisivo con hammeriano nombre "Peter Vincent", al ex-maridísimo Chris Sarandon (él y Susan compartieron mismo lecho) como discotequero vampiro con tufo a Tony Montana; hombres lobos, caserones polvorientos y temas pegadizos a lo Giogio Moroder; un guión repleto de homenajes, ironía y con ganas de pegarle un buen repaso a los clásicos del terror; agítese a ritmo de Serie B; acompáñese de una buena ración de palomitas. Para emplatar, lo mejor es servirla en sistema VHS con carátula en relieve del sello CIC-Video. [IMDb]
 
- The Rocky Horror Picture Show (1975). Quizás no sea la película más terrorífica de todos los tiempos (a excepción de para los baptistas del sur de Estados Unidos), pero simplemente por ser el musical más gamberro, iconoclasta y psicotrónico de la historia del séptimo arte tendrá siempre un lugar en mi retina. Además, considero acertada su inclusión desde el momento en que el film se inicia con el hipnótico "Science Fiction/Double Feature", con esos brillantes labios carmesí perdidos en medio de la tenebrosa oscuridad (ejem, qué frase...). Su peculiar homenaje a la Universal, con el mad doctor Tim Curry como travestido maestro de ceremonias, es todo un canto a la procacidad, al desate de los sentidos, al dislate erótico... en pocas palabras, lo que es un aquelarre en toda regla; qué mejor manera de pasar la Noche de Brujas. "Let´s do the time warp again!!". [IMDb]

- Por Grom el Terrorífico.

 Wayback Machine!  nóigeL se erbmon iM (Halloween 2004), una excusa tan buena como cualquier otra para: a) hablar de satanismo; y b) colocar una letra de Siniestro Total. ¡De la banda sonora de "El día de la Bestia"!

Mi programa doble de Halloween en Disney Channel:

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El domingo pasado vino a casa un amigo (que confiese él su identidad si quiere) con un par de pelis en su disco duro portátil. Yo le había pedido “Buenas noches, señor monstruo”y él me trajo lo más parecido que pudo encontrar: Halloweentonwn (1998) [IMDb] y Return to Halloweentonwn (2006) [IMDb], la primera y la cuarta películas de una súper saga del Disney Channel.

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La primera, Halloweentown, la vimos en italiano, “porque se había bajado así”. Doblada en italiano y sin subtítulos en ningún idioma. Pero entre que el italiano es molto facile e divertente y que el argumento no tenía mucha complicación, pues eso, que ningún problema.

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Va de una madre soltera con tres hijos (del padre no se sabe nada, o a lo mejor es que el italiano no es tan facile) que es una bruja. Literalmente. Pero “undercover”. Es Halloween y los hijos -una adolescente con cara de cerdita, un niño con gafas que solía ser Ulysses Adair en Tierra Dos y una niña repelente genérica- protestan porque su madre no les deja salir a pedir caramelos como a los demás niños (toma poni) cuando viene la abuela (que es bruja también y Debbie Reynolds para más señas), y les descubre la verdad de la familia. No, lo del padre no. Que son mágicos y tienen poderes, y que ella en lugar de en Florida vive en Haloweentown, una ciudad superchupi a la que tienen que ir para que un malo no se haga con el poder. Van, lo impiden y se acaba la peli. Básicamente.

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Aquí va una elipsis de dos pelis que no vimos: "Halloweentonwn II: Kalavar’s Revenge" [IMDb] y "Halloweentonwn High" [IMDb]. Pero vamos, que no importan mucho para la trama general. Veréis.

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Pusimos Return to Halloweentown y nos encontramos lo siguiente:

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-Han pasado ocho años y la madre cada vez se parece más a Felicity Huffman.

-La hija mayor ha mutado en menos cerdita. Es que cambiaron las actrices y pusieron a Sara Paxton en lugar de Kimberly Brown.

-La hija pequeña (aka niña repelente genérica) desaparece de la historia. Dicen que está “viajando por la galaxia”. Ya, sí, claro.

-Ulysses Adair es guapete de mayor (bueno, de “joven adulto”). Con la pinta de enfermizo que tenía el pobre.

-Ryan Evans (de "HSM") hace de chico-majo-no-gay-con-el-pelo-raro. Venía de ser el malo de la tercera peli de la saga y para la cuarta ya se ha reformado y se acaba ligando a la chica.

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En ésta todo sucede en la Universidad de Halloweentown, que de lejos parece Hogwarts y de cerca el castillo de la Bella Durmiente de Disneylandia. Los hermanos mayores van allí a estudiar y acaban salvando, de nuevo, en un giro inesperado, el mundo mágico. Sorprendente.

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Me pregunto cómo es posible que, siendo el programa doble más improbable de la historia, molara. Y moló. Será un milagro de Halloween.

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(Eso fue el domingo pasado. Para el viernes tenemos previstas "Terrorífica Luna de Miel", "Un vampiro adolescente", "Transylvania 6500" y "Una pandilla alucinante". Y los episodios de Halloween de "Buffy". Habrá que votar).

- Por Be, la Guardiana de la Puerta.

 Wayback Machine!  Supuse que lo mío con "La Casa de Cera" sería pasajero, pero ya han pasado más de tres años y la sigo revisitando con absoluto placer. Hay algo en esa película que me vuelve completamente majareta, y en Dale cera (Halloween 2005) intenté expresarlo con palabras.

1. My Bloody Valentine 3D: ¿Harto de que tus únicas experiencias con las tres dimensiones digitales sean aventuras familiares o macroconciertos para espectadores de mediana edad? Bien, pues es muy posible que tus plegarias hayan sido atendidas: "My Bloody Valentine 3D" es un remake del reivindicable slasher de 1981, con todas las papeletas para acabar siendo otro "Una noche para morir" (o, ya que estamos, otro "Un San Valentín de muerte"), pero con un gimmick que nos trae a la memoria, aunque no estuviéramos allí, lejanas sesiones de serie B o nombres como el de William Castle. Ningún aficionado al terror heterodoxo puede resistirse ante un trailer que contiene planos de su asesino psicópata amenazando con su pico a la platea, por no hablar de esa bola de fuego que sale al final. Su director, Patrick Lussier, lleva prácticamente toda su vida en esto del horror (fue montador a las órdenes de Wes Craven y Guillermo del Toro, además de máximo responsable de la descacharrante saga "Drácula 2000"), y en su reparto destacan nombres como Jaime King o el hermano de Sam Winchester en "Supernatural". ¿Aún no estás convencido? La tagline reza: "Nothing says ’date movie’ like a 3-D ride to Hell". Caso cerrado. Estreno 16 de enero (Estados Unidos)

2. Let the Right One In: Vampiros, romance, paisajes nevados y angustia adolescente se dan cita en una de las películas revelación del año, "Crepúsculo", basada en la novela de Steph... ¿Qué? Oh. "Let the Right One In" (en España, "Déjame entrar") es la flamante ganadora del premio a la mejor película de terror en el Fantastic Fest, amén de una de las cintas más comentadas del pasado Sitges: un cuento gélido de chicas pálidas y muertes horribles que no sólo está cosechando montones de alabanzas en el circuito festivalero, sino que ya tiene programada su versión hollywoodiense, a cargo de Matt Reeves ("Cloverfield"). Sí, también está basada en una novela superventas (aunque, en este caso, solamente en la península escandinava) que ha reactivado el interés del gran público por los vampiros, pero las comparaciones con el huracán "Crepúsculo" acaban ahí: de hecho, el trailer parece postular a "Déjame entrar" como su gran alternativa. De todos modos, eso será algo que los lectores que la vieron en Sitges se encargarán de matizar en los comentarios, ¿no es así? Estreno 19 de diciembre

3. Fear(s) of the Dark: Seis cortometrajes en blanco y negro, seis de los mayores titanes vivos del cómic y el diseño gráfico, seis maneras distintas de volver a tenerle miedo a la oscuridad. Esta producción francesa viene abalada por Guillermo del Toro y nos ofrece el macabro aliciente de poder escuchar al recientemente fallecido Guillaume Depardieu en uno de sus últimos papeles. Por si fuera poco, "Fear(s) of the Dark" contiene también la primera incursión de Charles Burns en la animación, con un corto que (a tenor de lo que vemos en el trailer) se enmarca perfectamente en su perturbador universo personal. No es el único artista que explora las infinitas posibilidades del blanco y negro en un proyecto tan fascinante que, sinceramente, sería una pena que no llegara jamás a nuestras salas: esto parece especialmente pensado para ser disfrutado en pantalla grande. Estreno por confirmar

 Wayback Machine!  Seres de las profundidades  (Halloween 2006), o Lovecraft a la vuelta de la esquina.

Me bebo tu sangre (1970). Es una peli con niño maloso, babas blancas y música garage-surf para los ataques de unos obreros enrabietados (el origen está en unos pastelitos con sangre de perro muerto rabioso, ¡¡¡toma ya!!!), una obra maestra llena de situaciones desternillantes casi todas protagonizadas por el jodido niño (o por los charcos del río o las batallas o...), en especial cuando ’atraviesa’ la puerta de un granero y su posterior reacción al descubrir a su abuelo empalado, dignas del mismísimo Ed Wood.

Lo cierto es que se ha convertido desde ya en un clásico de esos que tengo que enseñar a las visitas (sobre todo ahora en Halloween), tan grande que me va a costar quedarme con una sola frase, pero creo que la tengo: "Discúlpala, no sabe lo que hace, es muda". Antológica. [IMDb]

La Cosa (1982). Es al cine de terror lo que Godzilla a los bichos mutantes: lo más grande. Torsos a modo de fauces, Ennio Morricone haciendo la bso (y no John) conflictos internos (pero no por dilemas morales, que también, aquí los conflictos internos se van apoderando de tu piel, de tu carne, de tu puta cabeza...), soledades, lanzallamas y miedo.

Mogollón de miedo.

Es perfecta. [IMDb]

- Por Libertino, el pirata-fantasma.

 Wayback Machine!  ¡Cuidado, está detrás de ti! ¡¡Detrás de ti!! Es inútil, una scream queen que se precie no te va a escuchar... hasta que ya sea demasiado tarde. Este Top 10 Scream queens (Halloween 2007) es la única guía del grito cinematográfico que necesitas.

Muertos y enterrados (1981). [IMDb]

Lobos humanos / Wolfen (1981). [IMDb]

Si consideramos Halloween como esa fiesta que sirve para ahondar en el folklore del horror, el programa doble debe ser consecuente: 1981 es su año. Indagar en las tradiciones, supone también reconsiderar los mitos. Y podemos considerar Halloween como esa noche fundamental (y para eso tenemos a John Carpenter) y como esa noche como regocijo de lo fundamental.

Apuesto por un Halloween antropológico y en las películas de Gary Sherman y Michael Wadleigh hay un examen a fondo de dos figuras míticas del horror: el muerto viviente y el hombre lobo. En el caso de "Muertos y enterrados" no hay deconstrucción, ni regreso (explícito) a las tradiciones haitianas. Pero si hay ahondamiento metafísico, que eso es lo que late tras la tradición: el espejo legendario de los terrores de una época. Escrita por el nombre fundamental de todos nuestros miedos modernos y más allá, Dan O’Bannon, la película de Sherman hace de su plano final su más valioso e incontestable acierto. Ni tan siquiera cuando un satánico John Carpenter, poséido por las tradiciones de ese encantador poeta de las raíces de Halloween llamado Dario Argento, repitió una pirueta parecida en "El Príncipe de las Tinieblas" (1987), el público sintió un escalofrío tan tremendo. De lo que habla O’Bannon es de la naturaleza (secreta) de la memoria y de la sospecha de que el sentido de la vida está en la misma muerte.  Y de ahí al artificio.

Y llegamos a "Wolfen", rareza de manual. La dirige un documentalista de la Contracultura (Michael Wadleigh), la base la pone un todavía autor de culto (Whitley Streiber) y uno de sus dos guionistas está ahora de auténtica moda (Eric Roth) en el mainstream. Obstinada es la película ya que devuelve al hombre lobo a su condición puramente salvaje, lo despoja de esos lazos freudianos que le colgaría Neil Jordan tres años más tarde y lo hace habitar, sin apenas humor, por una Nueva York brumosa, y todavía más salvaje. La elección de Albert Finney acrecienta las sospechas de que Wadleigh estaba rodando un documental sobre caza victoriana en plena era contemporánea. Mucho tiene Wolfen de "El perro de los Baskerville", pero da aquello que Conan Doyle dejó sólo en los atónitos ojos de sus personajes: una visión, única y a veces desoladora, de la Naturaleza.

- Por Alvy "No iré a Texas en verano nunca más" Singer.

 Wayback Machine!  ¡A la hoguera! (Halloween 2004), o vamos a cazar unas brujas. La página que enlacé en ese post sigue funcionando y, por descontado, sigue siendo igual de excelente.

Halloween me da un poco igual. No me llamen cínico si les digo que no lo veo más que como una estratagema de Port Aventura para permanecer abierto más tiempo. Y sin embargo, el Día de los Muertos es una tradición ancestral, común a múltiples culturas, y en la que nos recreamos en nuestros más hondos terrores. Los más hondos. Como estos.

El Enigma De Otro Mundo (1951): En uno de sus monólogos más conocidos, Gila hablaba de un señor de marrón que nadie de su familia sabía quién era y que vivía en el pasillo de su casa. A mí me aterraba que de repente un coloso torpe y enorme venido de otro mundo derribara la puerta de nuestra casa y apareciera rugiendo al fondo del pasillo. Sabía que el fuego no serviría para detenerlo. Que tendría que apagar las luces de inmediato y encontrar el modo de electrocutarlo. Estaría preparado. Vigilando. [IMDb]

El Hombre Con Rayos X En Los Ojos (1963): Si una parte de tu cuerpo te avergüenza, aléjala de ti. Aléjala de ti. Si tus ojos han contemplado los confines del universo, si alcanzan a verlo todo, el terror, el mal, la enfermedad, la locura, ¡arráncatelos! ¡Arráncatelos! ¡ARRÁNCATELOS! [IMDb]

- Por el Doctor FrankenZito.

 Wayback Machine!  El post Ouija virtual y otros pasatiempos (Halloween 2004) no es gran cosa, pero ha ido acumulando los comentarios más insospechados a lo largo de estos cuatro años. Supongo que la culpa la tiene Google. Siempre Google.

Braindead (Tu madre se ha comido a mi perro) (1992): Una de las traducciones mas descabelladas de todos los tiempos anuncia este pedazo de peliculon. ¿Que les puedo contar a estas alturas? El mono-rata, la abuela zombi, el cura maestro de kung-fu... No tiene desperdicio de principio a fin, y de qué final hablamos. Lo mas gracioso de esta pelicula es que, si lo piensan bien, es una defensa a ultranza de la familia, no de una familia ideal sino de la familia como lo que es: algo que puede llegar a ser monstruoso. [IMDb]
 
Demons (1985): Hoy en dia que ir al cine  se ha convertido en una experiencia inquietante con esos pasillos desiertos, aseos vacios, esos empleados ausentes y esas sesiones casi a solas, se debe recuperar esta pelicula de terror dentro del cine. Un autentico hit teen de videoclub que no ha perdido nada de su fuerza y con uno de los mejores usos de banda sonora de todos los tiempos. La ’escena de la moto’ con "Fast as a shark" de Accept es simplemente inolvidable. [IMDb]

- Por Pablo Vergel, from Hell.

 Wayback Machine!  ¡Ah, el Grand Guiñol! Los franceses sí que saben hacer teatro de calidad. En Sangre a cascoporro (Halloween 2006) hay información útil y un enlace fetén. Tengan cuidado los de las primeras filas.

Vía Quiddity, descubro unas asombrosas láminas que detallan la anatomía de Godzilla, Mothra y otras bestias kaiju. ¿Alguna vez te habías preguntado por qué el lagarto gigante tenía aliento radioactivo? Está todo aquí, estimado lector. Todo aquí.

 Wayback Machine!  No todo el mundo es un entusiasta del truco o trato: de hecho, hay quien piensa que es una artimaña del Diablo para corromper almas infantiles. En Halloween de mal rollo (Halloween 2007) hay algunos enlaces que intentan argumentarlo.

Entendamos este festejo jalouinesco como a una puta estructural de perfecta belleza e inteligencia privilegiada que nos regala un raro gran amigo por nuestro cumpleaños, o algo así, y a la que follarnos hasta enamorarnos de cada centímetro de su cuerpo y de su lisa y llana piel para luego estudiarla desde adentro y enamorarnos también de su mente. Escoger un par de pelis que nos espanten y nos enamoren, otra vez, por y para este Halloween, entre tanta y tantísima que hay, parece difícil, pero es una alegría, pan comido. No tenemos por qué disputarnos por escoger entre nuestras más incunables (esa lista de nunca acabar) o entre los clasicotes de cualquier época supuestamente mejor o no, simplemente hagámosle caso al corazoncito y que él se encargue de todo, que esto es de una sola vez al año y revoltosos e inspirados lo estamos siempre y más por estas fechas. Observen, si no os lo creéis:

The Willies (1991). Hija de puta y de la fiebre horrorífica de los 80, "Los Willies" es la mejor película de terror en sketches desde "Creepshow", y tan grotesca, subversiva, divertida, creepy e ingenua como debía serlo. Aunque a mí siempre me guste decir que sirve como imprescindible escapismo a los tiernos infantes, a los que alecciona a base de mala uva concentrada y sin ningún tapujo, con una, en el fondo, pese a su tono de Serie B amable y cómic viejuno a lo EC, vena mórbida y gore que escandalizaría al propio William M. Gaines y ya no te digo a los Hermanos Grimm, "Los Willies" se desentiende de la crueldad de pega o sólo aparente y te rompe el cacas aunque tengas éste pegado con superglue: niño gordo marginal aspirante a serial killer que tortura moscas hasta ser atacado por una mutación monstruosa de ellas; una gárgola más fea que picio es el encargado de mantenimiento de un colegio (genial James Karen) que venga a los niños nerds de los niños macarras y las profesoras desagradables; trenes de la bruja surrealistas y lo más normal, una gorda repugnante zampándose una rata muerta en un Kentucky... Una puta maravilla, penetrante, necesaria, obligada, joder. [IMDb]

Seed (2007). Uwe Boll es ése hombre del casi todo el mundo habla mal y se pregunta de dónde coño saca las subvenciones para esas películas “tan jodidamente malas” que hace. Por eso a Boll no le quedan más huevos que hacer películas de HORROR como "Seed" para hacerse odiar todavía más, pero, esta vez, con fundamento, o sea, sin coartada moral o intelectual que valga, mostrando en todo su realista (con derecho a burlar cierta lógica y sin basarse en ningún videojuego esta vez; todo es fruto de la particular misantropía de Boll) y, a la vez, espectacular esplendor puro y demoledor horror, un poco al estilo "Maniac", las maneras más socavónicas de "La Matanza de Texas" o "Henry" mezcladas con la hosquedad brutal y expositiva de las secuelas de "Viernes 13". Final de temblar, muy apropiada carencia de guión, anticlímax uno tras otro y uno de los planos secuencia más perversos y gore-artys de la galaxia. Además, es uno de los mejores gores alemanes de la historia; uno de los pocos que realmente merecen la pena, vamos. Se empecinen como se empecinen en decir los plastas detractores de Boll, que lo son ya porque sí, A Must, me cago en la puta, A Must. [IMDb]

S

Os deseo un Halloween de puta madre a todos. Jodío mierda quien no lo celebre de algún modo un otro.

- Por Toby "Me bebo tu sangre" Dammit.

 Wayback Machine!  Dentro de una sección tristemente desaparecida, la Biblioteca de Clásicos Marcianos, hubo un lugar especial para "Desesperación" y "Posesión" (Halloween 2006), el díptico King/Bachman de terror peckinpahniano. Estoy leyendo "Blaze", por cierto. A-pa-bu-llan-te.

La profecía (1976): Un pilar del género y si me apuran del cine en general, tan mal asumido (basta con ojear someramente el remake de 2006) porque sólo puede tratarse de eso, de un clásico. A su modo fundacional, de una corriente que apenas conoce exponentes. El "Ave Satani" de Jerry Goldsmith es un ya un himno de lo maligno y lo crispante. Para mi siempre será la gran y única superproducción del terror: reparto de puritito lujo, director sensato y gore explícito, además de un pesimismo llevado con condescendencia cero. O no, esperen... eso ya lo teníamos en "The Exorcist", de William Friedkin. [IMDb]

El Exorcista III (1990): Tan discutida como amada, aunque no tanto como el ensayito parapsicológico/teológico de John Boorman. Será que, como el film de Richard Donner, mezcla el policíaco, el imaginario cristiano y el giro gore con igual sobriedad. Cuenta con un George C. Scott tan enorme como él siempre fue, aquí como un detective cansado y descreído que puntúa con un cinismo rayano en lo cómico esta historia, una de esas pocas donde el escenario del hospital psiquiátrico es explotado adecuada y morbosamente. Repletita de simbolismos y pistas nada obvias que amplían la historia y el terror incómodo que colmaba la de Friedkin. [IMDb]

- Por Mario Vírico, el terror del Más Allá.

* Recuerda que puedes enviar tu programa doble a noelceballos2@hotmail.com *

 Wayback Machine!  Si quieres darle un toque de distinción a tu fiesta de Halloween, nada mejor que esta selección de canciones que preparé el año pasado. Sigue siendo absolutamente válida, aunque quizá quieras añadir "I Kissed a Girl" como bonus track. Ya, no es de miedo, pero dime una fiesta en la que no suene estos días.

La noche de Halloween (1978). Por motivos obvios: sale Jamie Lee Curtis, la banda sonora asusta por sí sola, dirige John Carpenter (¡John Carpenter!), sale uno de mis secundarios favoritos, Donald Pleasence (¡Blofeld!) y por todos los motivos que cualquiera de vosotros sabéis. [IMDb]

La leyenda de la mansión del Infierno (1973). Por muchas razones: está basada en una novela de Richard Matheson, la dirección es impecable, el ambiente malsano y de un mal rollo que cuando la vi de crío me mantuvo semanas en un estado de nerviosismo fuera de lo común, sale Pamela Franklin (quien también salía en "The Innocents"), sale Roddy McDowall (¡Cornelius!), sale Clive Revill ("Avanti!", "La vida privada de Sherlock Holmes" y la voz del Emperador en "El Imperio contraataca"), sin apenas efectos especiales acojona, la portada de la carátula de VHS en España era aterradora y porque una vez que la has visto no la olvidas jamás. [IMDb]

- Por Tito Gray, cazafantasmas.

 Wayback Machine!  El próximo 30 de octubre se cumplirán setenta años de la celebérrima emisión de "La guerra de los mundos", de H.G. Wells, interpretada por el Mercury Theatre para horror de toda una nación. En Radio Susto (Halloween 2005) ya hubo un recuerdo para Orson Welles y otros maestros del escalofrío en las ondas. El enlace a la web del Mercury sigue activo, por cierto.

No hay otra saga mediática como "Star Wars": la mitología creada por George Lucas admite fans con actitudes súmamente contrapuestas, desde el talibanismo más intolerante hasta la iconoclastia hecha desde el amor. Estos últimos tiempos, en los que los productos oficiales parecen estar abriéndose cada vez más a la heterodoxia, se oyen cada vez más los gritos desesperados de los que piensan que alguien está triturando su nostalgia. De todos modos, la rotura galáctica no es un fenómeno propio del nuevo milenio: ya la tercera entrega de la (para muchos, intocable) saga original fue polémica entre el núcleo duro de los fans, por no hablar del trauma que supuso "La amenaza fantasma" (1999), auténtica bestia negra del Fan de Toda la Vida.

Es posible que "Star Wars: Clone Wars" (2008) haya sido para muchos la gota que ha colmado el vaso. Incluso ese porcentaje de Fans de Toda la Vida que acabaron abrazando el cambio y reconociendo las virtudes de la nueva trilogía han abominado de una serie de televisión (cuyos primeros tres episodios fueron reeditados en forma de largometraje) que no tiene ni rastro del estilizado sentido de la maravilla de Genndy Tartakovksy. De hecho, es muy posible que "Star Wars: Clone Wars" actúe como brecha generacional: su animación de síntesis, sus destellos de humor pueril y su escasa ambición narrativa (aquí lo importante son los sables láser y las cosas que explotan) atrerán a las nuevas generaciones, pero dejarán atrás a los que crecieron con algo que, no lo olvidemos, era una puesta al día de la añeja space opera. Si "Star Wars" es una saga mutante, "Clone Wars" es su último salto evolutivo, tan cercano a las películas canónicas como a los videojuegos que estas inspiraron. A un servidor no le parece un mal trabajo: de hecho, es mucho más refrescante que "El poder de la Fuerza", proyecto multimedia que se antojaba revolucionario y ha acabado siendo una nota a pie de página. La serie de Cartoon Network funciona mejor en la pequeña pantalla y en cápsulas de veinte minutos que como película, pero su cascada de batallas estelares, combates jedi y Hutts progresivamente más grotescos supone una experiencia placentera en cualquier formato.

Cuando comprobé el odio que despertaba "Star Wars: Clone Wars", me preguntaba si no sería el único que pensaba que era la apuesta más moderna y decididamente cool de una saga que se niega a quedarse anclada en la nostalgia de los que crecieron con ella (yo, por una cuestión cronológica, soy un fan muy, muy tardío). Por suerte, me equivocaba: el estreno de la serie ha hecho que muchos recapaciten y le den una segunda oportunidad. Además, el diseñador Mac Ecko ha creado una nueva línea de camisetas y sudaderas que, muy probablemente, harán que la imagen de Darth Vader en la ropa deje de ser un distintivo geek. Sin duda, es un buen momento para la iconoclastia galáctica. E, inevitablemente, también para la rotura galáctica.

Larry Powles nos presenta, en exclusiva, la versión traducida de su popular geek-web. En otras palabras: noticias de verdad, gags terribles. El mes que viene, blogdecine.com.

¡¡¡¡ALERTA MARVEL, ALERTA MARVEL!!!! ¡¡¡¡TERRENCE HOWARD!!!! ¡¡¡¡NO SALDRÁ EN IRON MAN 2!!!! ¡¡¡¡Y UN PROYECTO NUEVO!!!! ¡¡¡¡PARA KITTY PRYDE!!!!

Hola colegas, este es Larry. Esta mañana me siento en mi silla reforzada y no me puedo... creer... lo que estoy viendo. Os lo voy a contar ahora mismo: una de mis fuentes en MARVEL STUDIOS me envía un e-mail totalmente demoledor, una noticia lo suficientemente mala como para hacer me den ganas de rasgarme la camisa hawaiana y llorar como un NIÑO. Al parecer, TERRENCE HOWARD no volverá para interpretar a Jim Rhodes en la segunda parte de IRON MAN (que, p.c., era LA HOSTIA).

¡¡¡LA VIRGEN!!!

Bueno, intentaré reponerme. Se dice que Howard y el estudio han tenido ciertas discusiones en torno a... asuntos... financieros, aunque ninguna de las partes quiere entrar en detalles. Lo que significa que nuestro Rhodey no podrá cumplir su promesa de la primera parte (¿os acordáis? ¿¿Cuando mira a la armadura MK. 2 y dice: "La próxima vez, pequeña"?? ¡¡Dios mío, por poco me echan de aquel CINE de Austin del grito que di cuando dijo eso!! Creo que manché mis pantalones cortos XXXXXXL. Mierda, ¿no os parece que este paréntesis es demasiado largo?), pero no temáis: el suplente ya ha sido seleccionado, y no está nada mal. Se trata de DON CHEADLE, un actor con la suficiente soltura como para hacer suyo a Rhodey y conseguir que nos olvidemos de Howard. Solo espero que esto no cambie los planes de meter a WAR MACHINE en la segunda parte, porque de ser así... mi ira sería... o sea, digamos que el BOMBARDEO de e-mails que mi colaborador SEBASTIAN MORAN y yo organizaríamos haría que Kevin Feige saliera por la puerta de Marvel Studios a pedirnos perdón en persona. ¡¡NO SABÉIS DE LO QUE SERÍAMOS CAPACES!! 

En otras noticias (pero, ya sabéis, relacionadas), ELLEN PAGE ha seleccionado un nuevo proyecto: se trata de una... adaptación... de una... novela... "Jane Eyre"... del siglo XIX (creo)... que no está escrita por Jane AUSTEN, sino por una tal CHARLOTTE BRÖNTE. Lo cual le quita interés, porque todo el mundo sabe que Jane AUSTEN estaba tan buena como ANNE HATHAWAY, que está BUENÍSIMA. Así que, pues eso. Este es el mail de un lector que nos cuenta la noticia (la de Ellen Page. Perdón si os habéis perdido, pero estaba, ya sabéis, poniéndoos en ANTECEDENTES):

Hola, Larry, aquí un lector veterano, pero nunca había escrito antes, principalmente porque mis dedos son demasiado gordos como para presionar sobre la tecla correcta. Déjame decirte que totalmente amo yo tu uso del hipérbaton, así como tu manera de UTILIZAR MAYÚSCULAS y cursivas cuando ni siquiera hace falta ponerlas. Bueno, al grano: da la casualidad de que llevo espiando a la encantadora Ellen Page desde hace más de dos años, concretamente desde que La vi interpretar (con tanta delicadeza) a mi Kitty Pryde en la tercera parte de "X-Men". Los signos inequívocos que me dirigía desde la pantalla (da igual que el cine estuviera lleno de gente: sé que Ella me miraba A MÍ) me convencieron de que estábamos hechos el uno para el otro.

En una de mis rondas rutinarias, tuve la suerte de escuchar a Ella y a Su agente cerrando un trato con BBC Films: al parecer, mi Ellen va a interpretar a Jayne Eyre en una nueva versión de la novela, producida por Alison Owen de Ruby Film. Esta mujer (que, p.c., está BUENA, pero no tanto como Ella) es la misma que se encargó de llevar al cine "Las hermanas Bolena".

Y esto es todo lo que pude escuchar antes de que la rama de mi árbol se rompiera y su representante (te.. odio...) volviera a llamar a la policía. Yo les tuve que explicar que no estaba acosando a Ellen Page. O sea, ¡yo también he visto HARD CANDY! ¡Sé cómo acaba todo esto!

Larry dice: suena bien, aunque no estoy muy convencido en lo que respecta a la tal Owen. ¡¡¡Al fin y al cabo, "Las hermanas Bolena" pasó a la historia como la película en la que Scarlett y Natalie NO se enrrollaban!!! De todas maneras, esto ha sido todo en nuestra ALERTA MARVEL del día. ¡Me voy!

Thorpe Park, uno de los parques temáticos más importantes de Reino Unido, ha anunciado la próxima apertura de su atracción más ambiciosa: Saw - The Ride, basada en esa saga cinematográfica de la canción ultra-pegadiza ("¡tananán, tananán, tana-TANANÁN!"), que este Halloween estrena su quinta entrega. Se trata de la primera montaña rusa de horror que se construye, dotada de una caída vertical que promete dar a los visitantes una buena razón para seguir viviendo, así como de unos altavoces con la voz de Tobin Bell (Jigsaw) redondeando la experiencia y, probablemente, haciendo más llevadera la cola. Nada de esto estará listo antes de la primavera de 2009, pero ya tenemos un cartel promocional que parece sacado de Rasca-Y-Picalandia (¡una cuchilla gigante se acerca a los vagones!).

Como "El Emperador de los Helados" es un blog que se declara entusiasta de las atracciones basadas en películas, ahí va una lista de sugerencias para los parques temáticos del mundo. ¿Estaremos preparados para...?

• Taxi Driver: La atracción
Súbanse al ataúd con ruedas de Travis Bickle (un animatronic), el taxista más imprevisible de nuestra encantadora maqueta de Nueva York. Si miran por la ventanilla, podrán conocer a algunos de los miembros más destacados de la fauna nocturna: prostitutas menores de edad, asesinos, camellos, atracadores de poca monta, políticos (también animatronics)... Para terminar, agarren la pistola de agua que tienen frente a ustedes y acompañen a Travis mientras dispara a algunos chulos: ¡es hilarante! El que más aciertos tenga recibirá un premio. Al terminar, sean tan amables pasar un kleenex por su asiento.

• Michael Bay: La atracción
Una montaña rusa con 35 loops, 23 picos y falsas cargas de dinamita diseminadas por las vías. Solamente está abierta al atardecer.

• There Will Be Blood: La atracción musical
¡Todos cantan, todos bailan! Acompañe a nuestra troupe de actores y acróbatas en el espectáculo más alucinante de todo el parque. Puntuado por canciones tan extraordinarias como "El tipo que dice ser mi hermanastro (no es un gran tipo)" o "Bastardo en una cesta", este espectáculo musical alcanza su punto álgido cuando un afortunado visitante es animado a subir al escenario para ser bautizado. ¡Y, al final, batidos de leche (con nuestras famosas Pajitas Locas™) a mitad de precio para los asistentes! Funciones a las 10.00, a las 17.00 y a las 22.00 horas.

• Piratas del Caribe: La atracción
¡Es lo que todo fan de la trilogía ha soñado! ¡Salten al bote y entren de lleno en el mundo pirata, lleno de simpáticos animatronics, batallas de barcos y la popular canción "A Pirate’s Life for Me"! ¿Qué? Oh.

• Solaris: La atracción
¡Entre en la habitación, síentese en la silla y prepárese para la única atracción en la que no pasa nada! ¡Absolutamente nada! ¡Durante tres horas! Después salga (la puerta por la que entró) y pase el resto de su visita al parque argumentando por qué es mucho más profunda y satisfactoria que el resto de las atracciones.

Vince Vaughn en "Fred Claus". Nicolas Cage en "Bangkok Dangerous". The Rock en "Doom". Hay películas que hacen algo peor que no funcionar: se niegan a dejar que su estrella principal las haga funcionar. No sabemos qué es exactamente lo que les empuja a elegir proyectos que, definitivamente, no están a su altura (aunque sospechamos que un agente de vacaciones y/o recientemente despedido tiene algo que ver), pero hay intérpretes a los que parece que les gusta agonizar en pantalla. No hay mejor ejemplo que Anna Faris, grandísima actriz de comedia que lleva desde "Scary Movie 2" rehuyendo el éxito masivo a base de pésimas decisiones laborales. Claro que hay excepciones ("The Hot Chick" y su personaje recurrente en "Entourage"), pero aún estamos esperando esa gran comedia que acabe de confirmarla de una vez por todas.

Una conejita en el campus, de estreno este viernes, tiene potencial para ser la "Una rubia muy legal" de Anna Faris. Maldita sea, hasta tiene a los mismos guionistas de "Una rubia muy legal", que esta vez sitúan su retórica del pez fuera del agua en la universidad y en la Mansión Playboy, potenciando todos los tópicos característicos de ambos entornos, e incluso acuñando alguno nuevo. Su moderado éxito en la taquilla norteamericana no nos permite sacar aún conclusiones (habrá que ver qué tal le va en el resto del mundo), pero no parece muy probable que estemos ante el nacimiento de una nueva Reese Witherspoon. De hecho, "Una conejita en el campus" no solo desaprovecha —de manera casi insolente— el talento de Faris, sino que es, quizá, el mayor festival de talentos desaprovechados de la temporada. Cojamos aire: el productor ejecutivo Adam Sandler, Colin Hanks, Emma Stone, el cantante de The All-American Regrets Tyson Ritter, Rumer Willis y Hugh Hefner, por no hablar de la fascinante (y futura ex-señora Ceballos) Kat Dennings. No lograr ni siquiera un gag memorable con tan excelente materia prima es escandaloso, por encima de esa oda final a la superficialidad que (admitámoslo) era inevitable. A estas alturas, Colin Hanks debería estar haciendo el tipo de comedias que su padre bordaba cuando tenía su edad, no de comparsa en una pérdida de tiempo y (que se lo digan a Faris) de talento. Todos nosotros nos merecemos algo mejor.

En I’m a Lebowski, You’re a Lebowski, los autores (y fundadores del Lebowski Fest) recogen la iniciativa de dos profesores universitarios que, en la edición de 2006, decidieron organizar un simposio para interpretar la película de los hermanos Coen y el curioso (por su caracter completamente espontáneo) culto subterráneo que ha ido generando a lo largo de los años. La respuesta fue abrumadora: más de ochenta ensayos, firmados por todo tipo de analistas culturales, críticos, teóricos, escritores y universitarios. Solo dos docenas fueron seleccionadas para el simposio, entre las que había títulos tan estimulantes como los que vienen a continuación:

- "Don’t Fuck with the Jesus: "The Big Lebowski", Ritual and (Imposed) Narratives of the Self".

- "Fuck It, Dude, Let’s Go Bowling: The Atecedent Cultural Connotations of Bowling in "The Big Lebowski"".

- "Lebowski avec Lacan: Rethinking Freud’s Comic Logic".

- "Where the Pavement End and the West Begins: Some Notes on Frontiers and Gestures in "The Big Lebowski"".

- "Figurin’ the Fuckin’ Carpet" (aunque la nomenclatura adecuada, como sabe cualquier fan, sería "rug", no "carpet").

- "The Noir that Wasn’t There: "The Big Lebowski", Film Noir and Posmodern Cinema".

- "Well, It’s Not a Literal Connection, Dude: History, Allegory and the Medieval Grail Quest in The Big Lebowski"".

- "You’re Like a Child Who Wanders into the Middle of a Movie: Birth and Representational Violence in "Fargo" and "The Big Lebowski"".

- "Abiding and Enduring".

Lo que daría por poder leer un par de ellos. Esperemos que, tras esto, "Quemar después de leer" no pille a nadie por sorpresa: los Coen hacen comedias acerca de gente increíblemente estúpida sobre la que gente increíblemente inteligente escribe tesis.

1) Synecdoche, New York: Si perteneces al selecto club de los que resistimos (casi numantinamente) la tentación de leer la versión del guión que lleva meses circulando por internet, el trailer de la primera película como director de Charlie Kaufman contiene no pocas sorpresas. Incluso si ya conoces la trama (dramaturgo en crisis vital construye una réplica a escala real de su barrio para representar sus tragedias amorosas), este intrigante avance tiene muchas posibilidades de dejarte helado. Para empezar, la sospecha de que Kaufman no fuera capaz de traducir su texto con la energía que demostraron Spike Jonze, Michel Gondry o George Clooney parece infundada: en el trailer hay un buen puñado de planos lo suficientemente poderosos como para convencer al más escéptico. Tampoco parece que su impresionante reparto (sobre todo, en lo que a ellas se refiere) vaya a estar por debajo de lo esperado. De hecho, las reacciones que provocó en el pasado Cannes fueron, en su mayoría, entusiastas, por lo que es posible que estemos ante el nacimiento de todo un cineasta. Lo que es seguro es que estamos ante el regreso de una de las voces más imprescindibles de los últimos tiempos, pero esto no significa que haya que creer en el hype: cuatro años de silencio han sido muchos años de silencio, por lo que vamos a ser especialmente severos con el resultado. ¡Que la Máquina del Tiempo se la tiene uno que ganar! Estreno en 2009

2) Operación Valquiria: La clásica estrategia de la bomba-en-una-maleta es mucho más complicada de lo que parece a simple vista. A estas alturas, Bryan Singer y Tom Cruise lo deben saber a la perfección: su thriller histórico sobre el intento de asesinato de Adolf Hitler (probablemente, el plan de bomba-en-una-maleta más famoso de la historia) ha sido un continuo quebradero de cabeza desde el minuto uno: problemas con las localizaciones alemanas, recortes controvertidos en la sala de montaje, boicot por parte de la Weinstein Company (que quiere reestrenar una producción para televisión sobre el mismo tema), pases previos no muy esperanzadores, bailes en la fecha de estreno... Con todo, "Operación Valquiria" se adelanta un par de meses en el mercado norteamericano, lo cual indica que sus responsables confían en sus posibilidades de cara a los Oscar: todo se ha acelerado para garantizar un estreno reducido el 26 de diciembre, una estrategia que no le fue mal a "Munich". Es de esperar que esta odisea de nazis buenos sea, con mínimo, tan ambigua como el filme de Spielberg: hay un límite muy concreto de Momentos Cruise en modo padrazo arrepentido de su ideología que podemos soportar. En las inmortales palabras de The Hives: "It’s too late, it’s too soon/ Or is it tick, tick, tick, tick, tick... BOOM!". Estreno en 2009

3) W. : Una biografía parcial del actual presidente de los Estados Unidos hubiera sido un material idóneo para que Oliver Stone se pusiera profundo: sus relaciones con Bush padre, así como su posterior acceso al trono, tienen tantos paralelismos con "Enrique IV" que da hasta miedo. Por suerte, este último trailer parece dejar claro que el subtexto shakespeariano, de estar, estará en un segundo plano. De hecho, muchos afirman que Stone ha logrado algo similar a la sátira política del horror que Stanley Kubrick bordó en su "Teléfono rojo, ¿volamos hacia Moscú?". Es, por supuesto, una estrategia altamente controvertida: su salida por la puerta de atrás en el Festival de Cine de Roma puede ser solamente el comienzo de una serie de reacciones contra la que, no lo olvidemos, es la primera gran superproducción de Hollywood que deja explícitamente al descubierto a un presidente aún en activo (aunque, durante la administración Clinton, "Primary Colors" y "La cortina de humo" estuvieron cerca). Los republicanos que empiezan a ponerse a la defensiva debería saber que fue nada menos que Bruce Willis (más die-hard Republican que Sarah Palin) quien impulsó a Stone a aceptar la propuesta del guionista y habitual colaborador Stanley Weiser: si el astro no hubiera tenido dudas sobre "Pinkville", su proyecto bélico con el director de "JFK", es posible que "W." nunca se hubiese rodado. Una vez más, Bruce nos ha alegrado la vida, aunque esta vez sin saberlo. Estreno 6 de febrero

¿Qué tienen en común las mejores comedias norteamericanas de los últimos meses? ¡A Danny R. McBride! Desde su revelación en la estratosférica Hot Rod (Flipado sobre ruedas), este cómico de la testosterona y el rugido varonil ha pasado de ser uno de los secretos mejor guardados de gurús como Will Ferrell y Adam McKay a convertirse uno de los nombres que cualquier aficionado al género debería conocer si quiere estar al día. Todo empezó con su (cuasi) debut en el cine, The Foot Fist Way, una producción extremadamente humilde en la que McBride interpreta a Fred Simmons, un personaje hecho a medida (también es co-guionista) que debe aprender a canalizar su ira a través de su amado kung fu cuando descubre que su vida no es tan asombrosa como él imaginaba. Ferrell y McKay, responsables de la recién fundada Gary Sanchez Productions, se fijaron en las virtudes de la cinta y compraron los derechos para su distribución, logrando con ello un éxito subterráneo que, con el tiempo, podría crecer hasta convertirse en película de culto. Más o menos como le sucedió a "Hot Rod" (producida también por Ferrell), obra maestra absoluta y mi comedia favorita de 2007, en la que McBride interpreta a Rico, un experto en explosivos a tiempo parcial y flipado de barrio a tiempo completo. Sus repentinos brotes de agresividad recordaban al John Goodman de "El gran Lebowski", razón más que suficiente para que Ben Stiller se fijase en él mientras rodaban "Matrimonio compulsivo" y lo fichase para Tropic Thunder, en la que la habitual comedia de la testosterona de McBride se integra armónicamente en un conjunto que apuesta más por la histeria y la hipérbole.

Como si haber convencido a Will Ferrell y Ben Stiller no fuera suficiente, McBride también se ha ganado el favor del actual Rey Midas de la comedia en Hollywood, Judd Apatow: tras pequeños papeles en "Supersalidos" y "Drillbit Taylor (No tan duro de pelar)", el superproductor le ha ofrecido en Pineapple Express el que quizás sea su personaje de mayor envergadura. Sumémoselo a su aparición en "Tropic Thunder" —en la que, por cierto, también es un experto en explosivos encantado con su trabajo— y reconozcamos a uno de los talentos más prometedores que nos vamos a echar a la cara durante este otoño.

Kiss kiss: En la que ya podemos considerar como la segunda película más esperada de este otoño, Gemma Arterton interpreta a la agente de campo Fields (al parecer, vuelven los innuendos, como comprobaremos al final de este párrafo), una joven destacada en Bolivia a la que M (Judi Dench) le encarga el cometido de interceptar a un rebelde James Bond y devolverlo a las oficinas del MI6. Por lo que podemos ver en su única escena del trailer, tendrá éxito en al menos la primera parte de su misión. Pero la agente Fields —que Arterton ha modelado a imagen y semejanza de la Diana Rigg de "Al servicio secreto de Su Majestad"— es sólo la Chica Bond de calentamiento: el plato fuerte lo sirve Olga Kurylenko como Camille, una mujer fuerte e independiente que tiene sus propios motivos para acabar con la organización criminal de la que 007 se quiere vengar. Porque Quantum of Solace, la vigesimosegunda entrega de la saga, será una historia de venganza impulsada por una tercera Chica Bond. De hecho, por la primera Chica Bond ausente: Vesper Lynd (Eva Green), la mujer que le rompió el corazón a nuestro héroe en la notable "Casino Royale". Por tanto, estamos ante una inusual continuación directa de la anterior entrega, que girará en torno a esa parcela de tranquilidad que Bond intenta alcanzar después de que se lo arrebataran todo. Camille, quien también parece haber perdido a alguien, es una buena manera de empezar el proceso de curación: al fin y al cabo, el pérfido Dominic Greene (Mathieu Amalric) tiene razón cuando afirma que ambos hacen una buena pareja. Por no hablar de (sí) su habilidad para los innuendos: cuando ella le pide a él que se meta dentro, nuestro Bond esboza una media sonrisa y dice: "De acuerdo". Hay cosas que ni las reconceptualizaciones de franquicias logran cambian...

Bang bang: Como es natural, no todo en una película de 007 va a ser enfrentarse la muerte de una amante, conocer a otra en la misma situación que le ayude a superarlo y pasar una noche loca con alguna(s) entre medias. El segundo trailer de "Quantum of Solace" está lleno de acción y momentos trepidantes, como esa cámara que atraviesa una cristalera, esa moto que aterriza en un barco, esa persecución de lanchas motoras o ese combate aéreo coreografiado por Dan Bradley. De hecho, el director Marc Foster ha anunciado que esa última secuencia va a ser realmente memorable: Bond se verá obligado a pilotar un avión anticuado, lleno de balazos y cargado de droga, mientras que sus oponentes le atacan con lo último en helicópteros de asalto (¿dónde está Little Nellie cuando uno la necesita?). Todo parece indicar que Daniel Craig vuelve a dejarse la piel en el personaje, ya sea al volante de un Aston Martin sin frenos o en las obras de restauración de una galería de Siena, escenario que muy probablemente forme parte del prólogo. El trailer también nos presenta a los principales villanos de la función, como ese Mr. White del final de "Casino", el ya mentado Greene (un hombre de negocios que quiere hacerse con las reservas mundiales de agua y no tiene miedo de decirlo bien alto con un asombroso acento francés) o el general boliviano interpretado por Fernando Guillén Cuervo. Si a todo eso le añadimos el regreso de Felix Leiter (Jeffrey Wright) y René Mathis (Giancarlo Giannini), sólo queda un detalle para acabar de perfilar "Quantum of Solace" como la auténtica bomba que seguramente será: que esa superogranización del mal que tiene a gente en todas partes sea S.P.E.C.T.R.A. Por favor, por favor, que sea S.P.E.C.T.R.A.

1) Nick and Norah’s Infinite Playlist: En su lista de pasos para la alcanzar la dominación global, es normal que Michael Cera tuviese escrito "protagonizar una comedia romántica". Sin embargo, y tratándose de él, no podía ser una comedia romántica normal, sino (probablemente) la comedia romántica más cool del año. Basada en la novela de culto de David Levithan y Rachel Cohn, "Nick and Norah..." podría recuperar el espíritu de "¡Jo, qué noche" (cambiando el SoHo por Brooklyn y el East Village) y adaptarlo a nuestra generación, si bien el resultado será menos loco y más dulce. También es posible que estemos ante el relevo generacional de Ben Stiller, ya que Cera interpreta a un rockero de instituto —nombre del grupo: The Jerk Offs— al que Norah (Kat Dennings) le pide que se haga pasar por su novio durante cinco minutos. A partir de entonces, ambos irán enamorándose de verdad poco a poco, en una única noche de taxis, equívocos y algunos de los mejores grupos del panorama actual: We Are Scientists, The Raveonettes, The Real Tuesday Weld, Modest Mouse... En suma, la posible feel good movie de la temporada (que viene) y un paso de gigante en los planes hegemónicos de Cera. Estreno en 2009

2) Red de mentiras: Leonardo DiCaprio quiere un Oscar, por lo que viaja hasta Jordania para infiltrarse en la red de un esquivo terrorista. Bueno, lo cierto es que su personaje hará eso, no DiCaprio. "Body of Lies" está basada en la novela homónima de David Ignatus, prestigioso columnista de "The Washington Post", que recibió algunas críticas por su forma de retratar al enemigo (es decir, a Oriente Medio). Con todo un William Monahan encargándose de la adaptación y el siempre interesante Russell Crowe en un papel que parece hecho a medida, es muy probable que "Body of Lies" (la película) tenga la suficiente clase como para convencer a crítica y público. El problema está en Ridley Scott, que lleva tiempo acomodado en una etapa de imitador de voces: si "American Gangster" era un sucedáneo sin alma del cine negro setentero, es muy posible que cada plano de "Red de mentiras" nos suene de películas como "Syriana" o "La sombra del Reino"- De hecho, a mí ya me ha pasado con el trailer. Estreno 24 de octubre

3) Punisher: War Zone: Frank Castle ha decidido no andarse con hostias en su segunda incursión en la gran pantalla (¿o es un reboot?), pero las cosas no son tan sencillas como parecen. La directora Lexi Alexander ("Hooligans") no apareció en el panel de la pasada Comic-Con, lo que disparó los rumores sobre una posible desavenencia con Lionsgate, que podría estar interesada en suavizar un pocola atmósfera que se respira en este brutal, impresionante trailer. Dado que la única razón de Marvel para autorizar un segundo "Castigador" era incrementar las dosis de violencia de la casi entrañable primera entrega, la productora de la saga "Saw" no debería asustarse en el último momento y echar a perder la que, probablemente, sea su mejor baza. Confiemos, por tanto, en que la directora siga al mando (según Steve Gainer, el director de fotografía, no hay nada que temer) y en que estas navidades podamos ver a un nuevo Frank desfigurando al gángster Billy Russoti, teniendo flashbacks sangrientos de lo que le pasó a su familia, metiendo la pata de una silla en el ojo de un tío y disparando armas. Disparando muchas armas. Quién sabe, podría ser la versión hardcore de "El Caballero Oscuro". Estreno en diciembre

1) Sukiyaki Western Django: ¡Cuando las leyendas chocan! Takashi Miike presenta su spaghetti western con la complicidad de una de las mayores autoridades vivas en la materia, Quentin Tarantino. No es la primera vez que el director de "Death Proof" ejerce de valedor para un cineasta asiático (ya lo hizo con el Won Kar-wai de "Fallen Angels"), pero sí es la materialización de un deseo que llevaba tiempo gestándose en cierto sector de la comunidad cinéfila: QT, caracterizado al estilo de El Hombre Sin Nombre, aporta su nombre y su carisma a la primera superproducción miikeana rodada en inglés. El trailer demuestra que el cambio de aires no fue tal, y que el maestro de lo excéntrico sigue tan en plena forma como (casi) siempre: reescribe a Sergio Corbucci con un pie en Kurosawa y otro en Marte, rueda duelos de pistoleros con espadas de por medio e integra a un ilusionado Tarantino en su universo insólito. Pese a ser una de las bombas del pasado Sitges, "Sukiyaki Western Django" sigue sin tener fecha de estreno en nuestro país: todo parece indicar que, por desgracia, el breve romance de Miike con las distribuidoras españolas acabó hace algún tiempo.

2) Santos: El trailer es demasiado escueto para que consigamos hacernos una idea de lo que nos depara el segundo largo de Nicolás López, que bien podría ser un "Southland Tales", un Sexykiller o, quizá, la confirmación de ese talento que parecía subyacer en la prometedora "Promedio rojo". Por ahora, debemos confiar en las posibilidades de una película freak hecha desde dentro (algo demasiado raro en el cine español), con un reparto lo suficientemente atractivo como para atraer al gran público y una dosis generosa de sana ambición. Aún en el caso de que todo falle (algo que, insisto, es bastante probable), siempre nos quedará el consuelo de que alguien rodó una película de superhéroes con Javier Gutiérrez de protagonista. Estreno 10 de octubre

3) Harry Potter y el misterio del príncipe: Existe un debate entre los potterófilos que consideran el sexto tomo de la saga como un mero libro de transición y los que, por contra, creen que se trata de uno de los capítulos fundamentales de la historia. Sea como sea, es innegable que "El misterio del príncipe" es la novela más pausada de JK Rowling, algo así como la calma antes de la tempestad final: la mayor parte de la acción no tiene lugar en el presente de Hogwarts, sino en profusos flashbacks vía Pensadero, que van construyendo y matizando a uno de los villanos más sublimes de la literatura contemporánea. "Potter 6" es, pues, la historia de Voldemort antes que la historia de Harry, y Warner Bros. confía en que este viaje al lado oscuro de la magia atraiga a los espectadores tanto como las entregas más trepidantes. El hecho de ser la primera película que se estrena cuando todos conocemos ya el final de la saga quizá le reste intriga, pero David Yates y el guionista Steven Kloves aseguran que eso les ha ayudado a separar el grano de la paja, concentrarse en lo fundamental y añadir algunas dosis de espectacularidad a la historia (como un ataque mágico al mundo muggle que en el original tenía lugar en off). Además, ningún potterófilo, sea del bando que sea, va a querer perderse la oportunidad de revivir lo que pasa al final... Estreno 28 de noviembre

Parece que esta vez es una realidad inevitable: tras acabar con la paciencia de cineastas como Terry Gilliam, Darren Aronofsky o Paul Greengrass, "Watchmen: La película" va a ver finalmente la luz el 6 de marzo de 2009. De modo que todos esos fanboys que cruzaban los dedos y rezaban para que una catástrofe de última hora frenase en seco la producción (más o menos como le ocurrió a Greengrass) ya pueden empezar a hacerse a la idea con este primer teaser trailer, una exclusiva de la web de Empire.

¿Ha logrado Zack Snyder trasladar esta ballena blanca de un medio a otro con éxito? Aún es demasiado pronto para emitir una respuesta definitiva. Si consideramos este prematuro avance como una toma de contacto con el nuevo aspecto de un universo que conocemos como la palma de nuestra mano, hemos de reconocer que Snyder y los suyos han hecho un buen trabajo: además de presentar en sociedad al Dr. Manhattan cinematográfico (Billy Cudrup + toneladas de CGI), el trailer incluye la traducción directa de algunas viñetas icónicas del cómic, como la fuga de Rorschach o la nave de Búho Nocturno emergiendo de las aguas. De todos modos, conviene recordar que eso fue exactamente lo que hizo el espectacular primer trailer de "300", otra adaptación de Snyder que acabó dando mucho menos de lo que prometía. Las luces de alarma se encienden aún más si tenemos en cuenta que aquello era una de esas novelas gráficas de Frank Miller en las que la forma primaba sobre el fondo: es decir, que si "300" se le hizo cuesta arriba a Snyder, ¿que no habrán podido hacer con él la complejidad y la infinidad de matices de la obra de Alan Moore? El abuso de cámara lenta hiperrealista no le sentaba del todo mal a Leónidas, pero los Vigilantes necesitan mucho más que eso para resultar mínimamente convincentes.

Terry Gilliam, el único director que contaba con el apoyo de Moore, se lamentaba de que la única manera de hacerle justicia a "Watchmen" era a través de una miniserie de doce episodios: de cualquier otro modo, era imprescindible sacrificar algo fundamental, de modo que (por ejemplo) el Comediante acababa siendo simplemente alguien que caía por una ventana al principio. Tras ver este trailer, la pregunta que tendríamos que hacernos no sería tanto "¿Qué han hecho bien?" como "¿Qué han tenido que sacrificar?". Aún nos quedan unos cuantos meses para saberlo.

Ah, y utilizar la canción principal de la banda sonora de "Batman & Robin" NO es mandar una buena señal a los fans. Definitivamente no.

En su última columna para Entertainment Weekly, Stephen King realiza dos proezas considerables: a) detecta cuál es la razón exacta por la que Hollywood es incapaz de darnos miedo con sus superproducciones de género; y b) da una de las mejores definiciones del terror que este bloguero ha escuchado en toda su vida ("Horror is an unknown actress, perhaps the girl next door, cowering in a cabin with a knife in her hands we know she’ll never be able to use"). La chispa que ha encendido esta lúcida reflexión del escritor fue "The Strangers", esperado slasher en el que Liv Tyler es atacada por unos inquietantes psicópatas enmascarados: la estética sucia que el debutante Bryan Bertino ha elegido para contar su historia se le antoja poesía al autor de "Carrie", al contrario que esas grandes producciones llenas de pantalla azul (el matarratas del miedo cinematográfico) y estrellas a las que sabemos de antemano que no les va a pasar nada.

Nada ejemplifica mejor todo esto que los remakes norteamericanos de cintas de horror orientales. Uno de los últimos que se han estrenado entre nosotros, "The Eye" (versión Jessica Alba), pone de manifiesto que dirigir terror se parece bastante a la alta cocina: uno puede tener los mismos ingredientes que un gran chef para preparar el mismo plato, pero el resultado no tiene por qué ser el mismo. En el original de los hermanos Pang, la secuencia del ascensor era realmente aterradora (de hecho, es una de las pocas veces que algo me ha inquietado de verdad en una sala oscura), mientras que en el remake no conseguía ni arquearnos la ceja. Al final, vamos a tener que darle una vez más la razón a King: las superestrellas no deberían hacer cine de terror. Especialmente Jessica Alba.

¡Jordi Costa en "El País"!

¡John Tones en el "Focoblog"!

¡El Dr. Zito en su Gabinete!

¡Señor Toldo desde el pasado Festimad!

¡Absence desde el pasado Sitges!

¡Alvy Singer en Ochoymedio!

¡Yo mismo en "Kultura Urbana"!

Y alguna más que se me olvida (en los comentarios me la recordáis, gracias).

ACTUALIZADO: En efecto, se me olvidaban Libertino en "Libertinaje" y a Salanova en "La Nova Sala", representando al Bien. También ha venido alguien en nombre del Mal: se llama A Patch’s Life y ha sido un descubrimiento de Crazy Japan!. Esta última contiene, al menos, seis citas que querría ponerme en una camiseta.

27 de junio ya: "Los Cronocrímenes" se estrena en España con 77 copias, que (como muy bien observó Tones) son bastantes más de las que suele tener Vicente Aranda.  En el blog de Vigalounge hay una lista exacta de puntos donde puede uno descubrir el crimen en la cuarta dimensión, además de un sincero y emocionado texto de agradecimiento.

Lo de arriba es Ciencia Ficción Barata, el corto que Nacho realizó para la Expo Zaragoza: como creyente y practicante de una visión del cine de género que servidor intentó explicar aquí, "Ciencia Ficción Barata" puede ser su "8 1/2". Ahí es nada.

La momia rosa del filme de Nacho Vigalondo quizá sea la más excéntrica, pero no es la única. A continuación, repasemos algunos de los grandes iconos vendados de nuestra vida:

♦ Imhotep (Boris Karloff): En la versión de la Universal, era un sacerdote egipcio que volvía a la vida siglos después de su momificación para reclamar venganza, pero el verdadero Im-ho-tep pasó a la historia por ser el primer ingeniero del que se tiene constancia (este tipo fue pionero en utilizar columnas para grandes construcciones arquitectónicas). Monstruo sobrenatural con capacidad para recorrer océanos de tiempo por amor, la momia de Karloff fue acusada en su momento de ser un mero sucedáneo del Drácula de Lugosi, auténtico filón que el estudio había encontrado un año antes. Curiosamente, el actor nunca se volvió a poner las vendas: "La momia" (1932) no tuvo secuela hasta 1940, cuando la Universal decidió volver a contar prácticamente la misma historia en "The Mummy’s Hand", con el mastuerzo actor Tom Tyler como protagonista (ahora rebautizado como Kharis). Como no podía ser de otra manera, esta momia acabó su carrera con Abbott y Costello, en una comedia chorra que acababa de manera harto significativa: con el templo ancestral convertido en un alegre club nocturno.

FACTOR EXCÉNTRICO: ♣ ♣ ♣ ♣, como todo personaje al que Lon Channey, Jr. interpretó en algún momento.

♦ Kharis (Christopher Lee): Los caballeros de la Hammer pasaron por la batidora todas las secuelas tardías de la Universal y destilaron un cóctel irresistiblemente elegante. "La momia" (1959) es, muy posiblemente, la mejor película sobre no-muertos del antiguo Egipto jamás estrenada, con Peter Cushing a la caza y la bella Yvonne Furneaux como objeto de deseo intemporal. Terence Fisher le cedió la silla a Michael Carreras para las dos siguientes secuelas, en las que también se echaba de menos al asombroso dúo Lee & Cushing. El estudio se guardó un impresionante último cartucho: la brillantemente titulada "Sangre sobre la tumba de la momia" (1971) tenía terror erótico, reencarnaciones muy carnales, estética pop y ni una sola momia vendada.

FACTOR EXCÉNTRICO: ♣ ♣ ♣, porque la elegancia de Christopher Lee acaba pesando más que la heterodoxia soft de "Sangre".

♦ Yummy Mummy: El Conde Chocula se sentía muy solo, así que General Mills creó (presumiblemente, en algún laboratorio lleno de electrodos) cuatro marcas de cereales monstruosos más: Fruit Brute, patrocinada por un hombre lobo; Franken Berry y sus anillos de frambuesa; las caras de mermelada del fantasma Boo Berry y, por supuesto, el festival de frutas y vainilla que Yummy Mummy ponía en los platos de Norteamérica entre 1988 y 1990. Es decir, que la pobre no duró mucho, pero tuvo tiempo suficiente para convertirse en un icono pop.

FACTOR EXCÉNTRICO: ♣ ♣ ♣ ♣ ♣, por adelantarse varios años a la moda de las vendas de colores.

♦ Imhotep (Arnold Vosloo): El carisma no era uno de los puntos fuertes del remix Universal que Stephen Sommers estrenó en verano de 1999. De hecho, el pathos de este Imhotep Mk. 2 era tan endeble que hasta el irritante alivio cómico de John Hannah acababa resultando más satisfactorio. Vosloo volvió a prestar su rostro para que los chicos de ILM lo insertaran digitalmente en una tormenta de arena/ola gigante/lo que sea en "El retorno de La Momia" (2001), desangelado remix de un remix en el que el bueno de Imhotep tenía hasta redención final, aunque quedase eclipsada por ese Rey Escorpión de CGI algo precario.

FACTOR EXCÉNTRICO: ♣ ♣, tan escaso que Jet Li ha tenido que sustituir a Vosloo en la tardía tercera entrega, que nos llega a principios de agosto. Con todo, la momia de Vigalondo lo va a tener extremadamente fácil para convertirse en la sensación vendada del verano.

Semana especial en "El Emperador de los Helados". Paradojas y chuminadas a tutiplén.

Semana especial en "El Emperador de los Helados". Paradojas y chum... Espera un maldito momento...

a) La conspiración del pánico: ¡Shia LaBeouf! ¡Fuerzas misteriosas que tienden elaboradísimas trampas mortales a tipos corrientes! ¡La posibilidad de ver a Rosario Dawson y a Michelle Monaghan juntas en la misma película! Hasta ahora, "La conspiración del pánico" ("Eagle Eye" era un título demasiado poco telefilmero para la distribuidora) no ha hecho otra cosa que ponernos los dientes muy largos con promesas. Su primer trailer ha sido una buena confirmación de que las cosas van a marchar bien en este thriller otoñal: su high concept recuerda a "The Game", pero el director D.J. Caruso asegura haber manejado referentes más clásicos, como el suspense conspiranoico de los setenta o el falso culpable de Hitchocock, a quien ya remixó (Chiste de la Semana™) en su anterior película con LaBeouf, "Disturbia". El plano final de este trailer redefine el concepto de money shot, aunque no muestre a sus dos protagonistas femeninas compartiendo plano: al parecer, para eso habrá que esperar. Estreno 10 de octubre

b) The Rocker: "You’re gonna ask your parents for permission to ROCK?!". Ya era hora de que Rainn Wilson preparase su puesta de largo en la gran pantalla: el Dwight de la versión norteamericana de "The Office" es uno de los secretos mejor guardados de la comedia actual, con un talento que se encuentra a medio camino entre la locura de Jack Black y la sofisticación de la actual generación del "Saturday Night Live". El de "The Rocker" es un papel hecho a medida: pocas cosas pueden salir mal en una comedia rockera que cuenta con Will Arnett interpretando a una estrella del glam metal ochentero. Al parecer, Wilson no se ha construido un vehículo a su mayor gloria, sino que simplemente se ha reservado el papel protagonista en una película que también cuenta con talentos como el de Jason Sudeikis o jóvenes promesas como Emma Stone (la Jules de "Supersalidos"). Estreno por confirmar

c) Death Race: Paul W.S. Anderson dirige un remake del clásico loco de 1975, que ha canjeado el gore y la sátira política por... carreras de coches en polígonos industriales abandonados, aparentemente. Ahora que ya nos hemos quitado de encima todos los contras de "Death Race", vayamos con los pros: The Stath, que actualmente tiene en lista de espera "Transporter 3" y "Crank 2" (poca broma), interpreta a un Frankenstein que reparte en el comedor de la cárcel y, en general, pone su carisma de tipo ultraduro al servicio de una locura fantacientífica para machos que parece tener más en común con la saga "The Fast and the Furious" (ahí está Tyrese Gibson, estrella de la segunda parte) que con la carrera a muerte original. Mientras haya tías buenas, Ian McShane, "Wellcome to the Jungle", coches que disparan, coches que disparan con The Stath al volante y cosas que explotan, servidor estará allí. Vaya si estará allí. Estreno 3 de octubre

Hoy ha salido Mi Rambo V, es decir, mi contribución al evento especial que Starman Magazine está organizando durante todo este mes de junio. Comentarios como "pero entonces, miles de hordas de fans se te tirarían encima por no darles su dosis de hostias y tiroteos" indican que he logrado el objetivo que me proponía.

Mientras escribo estas líneas, el jueves 22 de mayo de 2008 se acaba. A partir de entonces, pasará automáticamente a convertirse en leyenda. A convertirse en el final de una frase que empiece por "yo estuve allí". Porque yo estuve allí. Porque todos nosotros estuvimos allí:

• Toby Dammit
• Alvy Singer
• Libertino
• EKI
• Tapón
• Roberto Bustamante
• Dr. Zito
• Ismael
• kei
• Salanova
• Guillermo
• Andrés HH
• Eugenio
• Jónatan Sark
• Be
• REFO
• Lao Che

A todos ellos, gracias.

"El Arca Perdida" –la primera– fue, mira tu por dónde, la segunda película que fui a ver al cine. En mi vida.

La primera seria "El Imperio Contraataca" (desde el punto de vista histórico/familiar), una efeméride, como diría aquel, “largamente recordada” pero no por mi. Según mi padre, espléndido en su papel, cuando vi "El Imperio" me quedé quieto y mudo. Un hecho que contrastaba poderosamente con mi habitual modus operandis. No fue ya de adolescente fluorescente que aprendí a adorar el Imperio de manera consciente y socialmente aceptable.

Pero hoy toca Indy. Y ésta sí que me acuerdo verla en el cine. Pero supongo que en un reestreno de ésos del cine Texas, o en la sesión de las 5 de la tarde (que delicia!) en Sitges, saliendo de casa con un sol d ésos que de tanto darte en la puta cabeza acabas matando al cura. En la sesión de las 5 de la tarde he visto cosas que vosotros los humanos no creeríais. Que hasta me llevaba un jersey porque el chalado de cine debía tener antepasados inuit. Y medía lo bien que me lo había pasado si, a pesar del frío, me dejaba la camiseta vizca de camachitos.

No sé cuando fue. Si fue entonces o no. Pero esto no es una hagiografía sino una maldita crónica sentimental, así que tira millas. Es curioso como los recuerdos te juntan una cosa con la otra.

Tampoco puedo sacarme de la cabeza el (machacante) anuncio que hacía Tele 5, antes de empezar las emisiones (año 90?), y que por entonces eran la promesa de cine de estreno y películas de aventuras (o sea, de las mías). En la cima de todas ellas, y el mismo día de estreno de la cadena, ¡“la primera” tú! Y venga recordar momentos difusos, y que grande es el cine y ¡qué buena está la taquillera!

El templo maldito, como le he leído alguien, para mi es en catalán. Supongo que la fui al estreno verla pero sólo recuerdo que la pasaron un martes (¡!) por TV3 y que me peleé con todo cristo para que me dejaran acabarla. Grandes frases, míticas hoy, lo son más si las recuerdo en mi atávico e incomprendido idioma:

-El Norhachi és una persona molt petita!

-En nen condueix el cotxe?!

El inefable: –Tú ho has intentat Lao Che (que en castellano pronuncian Ché y en catalán Chi, es una de mis frases de cabecera).

-On som? A l’India.

-D’això aquesta gent en mengen una setmana.

-Menja… menja.

-La SIBALINGA!

-Són vampirs!

-ELS HAN PRES LA CANALLA (con cara de agobiado, que se usa para expresar los múltiples sinsabores de la vida moderna).

…y tantas otras, es un no parar.

¡Y ese número musical! Así se empieza una película.

La tres, ya era más mayor. La fui a ver con mis primos a un cine de Horta, tristemente desaparecido. Recuerdo que fue la primera de mi pequeño complemento (mi hermana) y que se hizo caquita cuando el General Veers sufre su súbito, a la vez que merecido, ataque de Alzheimer. De la tres me gustaban mucho los nazis, la chica y Henry Jones Sr. Y el hecho de que luego sacaran la adaptación en aventura gráfica; yo como sujeto en pleno proceso de obsesión paranoide con el género.

No puedo esperar a esta noche…

- Lao Che

Recuerdo con todo lujo de detalles sentarme en aquella butaca de los Cines Bretón de Salamanca, con seis o siete años, acostumbrado desde hacía tiempo a la oscuridad y al silencio de una sala de cine. Cuando aquella tarde sonaron las primera notas de fanfarria de John Williams supe que aquello tenía que tener un sentido especial. La magia como introducción iniciática al mundo del Séptimo Arte tenía la efigie del primer héroe infantil de la época. Con su fedora de copa alta de Herbert Johnson, su cazadora de cuero y ¡un látigo! recuerdo aquella sesión como una asombrosa experiencia en la que todo era aventura y acción, cristalina, accesible y pura, hasta para un niño de seis años que alucinaba con un espectáculo nunca hasta entonces visto. Los 80 empezaban de una forma arrolladora, marcando una pauta en el cine comercial, malacostumbrando a una generación que ha echado de menos que aquello se acabara tan pronto. Pocas veces después se ha podido apreciar en una sala de cine esa amplificación del estilo apenas invisible del que siempre ha hecho gala Steven Spielberg, sorprendiendo una y otra vez al espectador con una necesidad recíproca y participativa dentro de la aventura, con un incandescente ritmo que parece no acabar nunca y sin perder el ánimo de profanación de los clásicos. Eso fue el comienzo de "Indiana Jones", del mito, de la esencia vital por el cine y el entretenimiento. Desde aquel instante, por supuesto, quise estudiar arqueología. Todos y cada uno de los días que precedieron hasta llegar a mi adolescencia. Pero descubrí que esta materia se nutría en su totalidad de aburrida antropología y de una tupa de Historia de la cultura. Nada de aventuras y sí mucho de Letras Mixtas, un concepto académico que incluía en ella los odiados números a los que soy alérgico. Fue cuando decidí olvidarme del sueño infantil y, en parte, de traicionar a Indy. Con esta felonía a mi héroe llegó un universo mucho más real; el de las responsabilidades, los estudios, otra forma insana de diversión, las chicas, los vicios, el mundo adulto… Por eso, el retorno de Indiana Jones a la gran pantalla, es una oportunidad única para recobrar aquellos tiempos, despertando la nostalgia y resucitando al mito de toda una generación que espera, como yo, este filme con la esperanza de reconquistar la ilusión que despierta el eterno personaje interpretado por Harrison Ford.

- REFO

V

Abajo las tostadas, arriba el pan tumaca

La frase más terrible que se ha dicho jamás en el cine es "Parece que yo pisa pan tostado". En seis palabras, la sensación de pisar un bicho elevada a la enésima potencia.  Espanto. Pánico. Ascazo. Pavor.

Allí estaba yo de pequeña, en el cine, totalmente sobrecogida por la sensación, sin querer verlo pero sin poder dejar de mirar. Y allí estaba yo hace un par de meses, viendo la peli en el sofá de casapadres, descompuesta y con las palmas de las manos venga a sudar.

No importa que no sea mi peli de Indy favorita, ni que la haya visto mil veces, según oigo la metáfora de Tapón (¡un poeta!) me dan escalofríos y pienso: "¡Menos mal que llevan zapatos!". Y a ese pensamiento siempre le sigue la imagen del bicharraco asqueroso gigante trepando por el zapato de Indi para meterse por la pernera… ¡y, al poco, miles de bichos recorriendo a la rubia por encima y por debajo del pijama!

Así fue como descubrí que yo nunca podría ser una arqueóloga aventurera, no aguantaría cuerda ni media peli. No tengo problemas con la cocina exótica, pero me pasa lo del pan tostado y el ataque de nervios no se me quita hasta la tercera parte. Para rubia ñoña sí que valdría, pero quién quiere ser una rubia ñoña.

¿Tendrá "El Templo Maldito" la culpa de lo mío con las cucarachas? ¿Será un poni cinematográfico? ¿Seré la única para la que esa escena no ha envejecido pero nada? (Lo de las serpientes, en cambio, me da más igual).

V

- Be

“Seguidme, conozco el camino”. No sé ni la de veces que lo he dicho. “Se perdió en su propio museo.” No sé ni la de veces que lo han dicho de mí. Indy es el héroe de acción definitivo, ese que une el Pulp con la Alta Cultura, el que es capaz de unir la religión con los acertijos de búsqueda y, además, el tipo que tocó techo en una de las mayores aventuras gráficas de la historia. “Vendo chaquetas de cuero como esta.” Esos diálogos: “Tiene los ojos de su padre” “Y la nariz de mi madre, el resto es todo suyo”; “¿Cómo sabías que era Nazi” “Habla en sueños”, “No eres le hombre que conocí hace años” “No son los años, nena, es el kilometraje”.Y, desde luego, la discusión que resume toda la tercera película: “¡Junior!” “¡No me llames Junior! Mi nombre es Indiana” “Indiana era el nombre de nuestro perro.” “Ja, ¿te llamas como un perro?” Además, sus conocidos como Marion, Tapón o Mola Ram –por favor, ¿cómo puede ser malo realmente alguien llamado Mola Ram- y, desde luego, banquetes como el de la nunca suficientemente reivindicada segunda película. (¡Snake Surprise! –siempre Serpientes- ¡Chilled Money Brains!) que llevan a la famosa frase apócrifa “¿Qué puede fallar en una sopa?” [Pensad en lo reivindicable que es esta película teniendo en cuenta que al final la chica se la queda… el director] Y así es como se hacen en realidad los sueños, con recuerdos distorsionados y apropiaciones. Y aún quiero decir un par de cosas más: “Sólo el penitente pasará”. Vaya, lamento haber terminado en el desparrame, debe ser la influencia del magnetismo sobre la lógica, aunque ahora sí puedo terminar el texto, a la austriaca, porque “Prefiero cómo se despiden los Austriacos”.

- Jónatan Sark

Mi historia con Indiana Jones comenzó incluso antes de que supiera que existía alguien llamado Indiana Jones. Sólo sabía que cada vez que aparecía en la televisión un hombre con sombrero corriendo a toda leche para que no le aplastara una enorme piedra, no podía evitar quedarme embobado mirándolo. Ni siquiera sé con seguridad a qué edad vi esa imagen por primera vez, pero calculo que no tendría más de cuatro o cinco años. Un día me dio por preguntar a mis hermanos, que son bastante más mayores que yo, qué eran esas imágenes. Ellos me contestaron, "Indiana Jones", y ya no pude sacarme ese nombre de la cabeza. Cada vez que daban alguna noticia suya por televisión, salía corriendo de la habitación donde estuviera para ir directo al salón de mi casa.
 
Durante mucho tiempo, la única película de la trilogía que había visto fue "Indiana Jones y el templo maldito". Por aquel entonces, mediados los ochenta, era la única que echaban por televisión, y bastante a menudo por cierto, pero a mi no me importaba verla una y otra vez, por mucho que Indiana se arrastrara por pasadizos aplastados de asquerosos insectos o saliera gente comiendo sesos de mono (o quizás me gustara precisamente por eso). Un día, hojeando el periódico, leí la gran noticia que había esperado durante mucho tiempo: echaban "En busca del arca perdida". Lo recuerdo perfectamente, fue una de las primeras emisiones de Telecinco. Fui corriendo a decírselo a mi padre todo emocionado. ¡Por fin iba a ver mi película más deseada! Lo último que me imaginaba era que su respuesta iba a ser "aquí todavía no se coge Telecinco". Me puse a gritar pidiendo un poco de justicia, intenté sintonizar el canal con todo mi ímpetu, os aseguro que tuve esperanza de que ocurriera el milagro hasta la misma hora en que empezaba la película pero no, no pasó. No pasó ni aquél día ni al día siguiente. En mi pueblo o, mejor dicho, en mi casa no se llegó a ver Telecinco hasta unos años después.
 
Quizás os estéis preguntando que si tantas ganas tenía de ver "En busca del arca perdida", por qué no la alquilaba en el video-club. Pues bien, en mi casa no teníamos video. Y no porque mis padres no quisieran, sino porque cuando lo tuvimos (yo apenas sabía andar por entonces) me dedicaba a grabar capítulos de los mosqueperros encima de cintas de reuniones familiares hasta que mi padre se hartó y decidió llevarse el video.
 
No pude ver "En busca del arca perdida" hasta que tenía 12 ó 13 años. Imagináos la emoción que sentí. Por mucho que me hubieran gustado las otras dos partes, la primera (aunque para mí fuera la última) fue una experiencia completamente diferente. Se podría decir que con ella descubrí por primera vez que el cine podía hacer disfrutar a niveles que hasta entonces nunca había imaginado. Entre otras muchas cosas, descubrí que se podía viajar al Amazonas estando sentado en el sofá, que se podía sudar con el calor del desierto egipcio aunque en tu casa hubiera aire acondicionado o que hasta un aventurero tan intrépido como Indiana Jones tiene miedo de algunas cosas como, por ejemplo, las serpientes.
 
Como no estoy dispuesto a esperar tanto para esta última entrega como lo hice para la primera, ya tengo comprada la entrada y el sábado saldaré mi cuenta pendiente con Indy: disfrutar de sus aventuras en pantalla grande, como debe ser.

- Eugenio

Cada generación engendra un mito que nace con el único fin de transmitir un mensaje fundamental a sus niños: lo divertida y necesaria que es una buena merienda de sesos dans son crâne. A mí me tocó Indy, jodeos los de Hannibal.

- Andrés HH

No se cuestiona a las montañas:

Las montañas están ahí, ¿no? O sea, vas al campo y las ves. No se opina sobre ellas. No se sabe nada de ellas. No hay lugar a la discusión. Nadie dice: "Tal montaña me gusta más que tal otra". En los últimos días iba pensando en escribir algo sobre Indiana Jones y no sabía qué y hoy, cuando han pasado en Cannes la cuarta película y los críticos han empezado a hablar de ella lo he descubierto. Yo nunca leí críticas de las anteriores películas de Indiana Jones. La sola idea de que alguien hable o escriba de esas películas me resulta fuera de la realidad.

Ni siquiera recuerdo cuando o cómo las vi por primera vez, como no recuerdo la primera vez que vi una montaña. Es como… Digámoslo claro, como "si siempre hubieran estado ahí", ¿no? Son películas geológicas. No se habla de ellas, por Dios. Últimamente incluso he encontrado gente que no es que no las haya visto, es que no las conoce. Esa sensación es aún más rara. ¿Qué no las conoces? ¿A las montañas? Ni siquiera me enfado, simplemente no lo entiendo. 

Tampoco sé qué las hace tan maravillosas. Intuyo que tiene algo que ver con la ironía del personaje, la acción, o quizás sea eso de empezar al final de una historia y enganchar con el principio de la siguiente, o la pelea del final del segundo acto: avión en la primera, mina en la segunda y tanque en la tercera. O porque existen personajes como Sallah, Tapón, Lao Che o Marion Ravenwood. Dios, Marion, que tumba a los hombres bebiendo. Marion, la hija de Abner, el mítico e invisible Abner.

Pero probablemente sea la sensación de vivir un mundo en el que aún es posible encontrar elementos desconocidos. Un mundo explorable. Quizás sea eso lo maravilloso de la trilogía de Indiana Jones, que habla de un mundo que podemos descubrir y por tanto, que nos permite fascinarnos con la posibilidad de que aún existen cosas desconocidas y que por tanto, la vida puede ser una aventura.

En cuanto a la cuarta… En serio, de las montañas no se opina. Las montañas están para andar por ellas, tumbarse y gozar, punto.

Pd.- Las montañas, por cierto, se pueden pisar, al contrario que, por ejemplo, los soles o las galaxias. Quizás eso distingue también a la trilogía de Indiana Jones de la trilogía espacial. Con Indy uno sigue teniendo la sensación de que pisa un terreno familiar y cercano.

- Guillermo Zapata

Yo siempre he sido de los que he entendido, o he disfrutado el viaje como aventura, o incluso como catarsis. En cierto modo, Indiana Jones lo es. Me gustaría apuntar lo mejor de las aventuras por excelencia que son la saga Indiana Jones:

3.1 Mi momento favorito Jones es,  ya por obligación, un prólogo, exactamente, el de" Indiana Jones y la última cruzada". Aquella genial pelea que nos introduce a un flashback explicativo, perfecto y acorde con la sensibilidad y la espectacularidad de toda la saga (y del momento que está viviendo el propio Jones. Ese elemento, si se fijan, es el mismo de "Lost"): Un joven Indiana demuestra todas sus jóvenes virtudes pasando por multitud de riesgos mortales. Es un prólogo brutal, fuera ya por el sentido del ritmo, y por ser, precisamente, el nacimiento del héroe, su primera gran aventura en un entorno común, una especie de preview a su futuro hiperbólico lleno de aventuras (y una introducción a la relación paternofilial). Se nos cuenta la formación de héroe a través de la figura familiar y la vestimenta, su icono reconocible.

3. Otro momento digno de Realidad Alternativa  es ese guiño a la historia real de la humanidad. Esa escena tan divertida para el espectador que es el saludo entre Hitler e Indiana Jones (sin saber el propio Hitler que es uno de sus enemigos). Un momento de  cómic superheroico, una especie del what if de los tebeos pero en el cine. Uno de los mejores momentos de la saga Jones que más desapercibido ha pasado.¿Que no es precioso unir a dos icónicos personajes del siglo tan distintos, uno real y el otro ficticio? Y es que siempre he adorado aquello de utilizar las teorías de la conspiración al servicio de la aventura cinematográfica.

2. Mi favorita siempre fue "Indiana Jones y el templo maldito". Quizás por tener una sensibilidad siempre cercana a lo fantástico, y porque fue la primera que vi y la más oscura y cafre de todas. Yo creo que el clímax de "El Templo Maldito" con el corazón y el vudú a Indiana Jones es insuperable por terrorífico. Fíjense, introduce el gore en las juveniles mentes humanas. El primer paso ha sido dado. Se sigue diciendo de ella la peor, pero cada uno tiene una historia con su película favorita de Indiana Jones. Esta es la mía, y sigo estando muy orgulloso de ella. Por mucho que diga el propio Spilberg. Crueldad, divino tesoro.  Es una precuela, por lo tanto, es a partir de ahí donde, suponemos, Indiana Jones tiene su primer contacto —cronológico—con lo sobrenatural.

1. El prólogo de "Indiana Jones y el arca perdida" es, sencillamente, insuperable en la propia película. El ritmo que lleva no vuelve en ninguna set-piece o clímax final del film. Y el primer prólogo es guiñado por el tercero: “Esto debería de estar en un museo”.

Dedicado a Alvy Singer.

- Salanova

Allá por el 89, cuando se estrenó "La Última Cruzada", servidor contaba con 5 años, así que a día de hoy, aún no he podido disfrutar de la maravillosa experiencia que auguro será vivir el estreno en pantalla grande de una nueva aventura del doctor Jones.

Ahora, pasados casi 20 largos años, veo como faltan escasos días para cumplir uno de mis sueños, y si ya de por sí estoy ensimismado contando las horas que faltan, más emocionante es aún, si cabe, ver como mis dos hermanos, el de 18 años, que cada día se encamina más hacia el apasionante mundo del descubrimiento de nuestra historia, y la pequeña de tan solo 11 años (aunque devota confesa del famoso arqueólogo), tienen la misma ilusión que yo por ver en el cine al que, como bien definió la pitufina, "descubre ciudades perdidas".

- kei

Recuerdo cuando fui a ver "En busca del arca perdida". Tenía unos diez años y cada sábado por la noche iba a un cine al aire libre a ver una sesión triple en sillas de plástico al lado de la playa en Denia. Aquel día ponían una de la profecía, al final de la escalera y en busca del arca perdida. La primera fue la de Indy. Imaginad el impacto que me causó que las dos siguientes no me produjeran ni frío ni calor cuando eran excelentes películas.

Las películas de Indiana Jones son la esencia del espectáculo, son las películas que crean expectativas y después las cumplen. Son ritmo trepidante, humor, acción a raudales, malos muy malos, buenos muy buenos y desenlaces apoteósicos. A mi juicio la mas divertida saga de la historia del cine. Las persecuciones, el punto sobrenatural, las chicas que gritan para ser rescatadas, los saltos por los pelos, las trampas ingeniosas, los nazis, los países exóticos, los precipicios, los chistes, los tesoros, podría seguir un buen rato enumerando los motivos para ver estas películas.

El resto de las vacaciones me lo pasé intentando hacer chasquear una cuerda cinturón o similares, siempre con el mismo resultado, ninguno. A lo sumo un viaje en la cara.

Si queréis ver la repercusión de esta saga en la gente, id a Eurodisney, tienen un puente colgante como el de la segunda parte. Quedaos observando y escuchareis indis, veréis gente liándose los brazos con las barandillas de cuerda y otros simulando cortar el puente con un machete imaginario, todos con una sonrisa en la cara.

 A día de hoy con treinta y cinco años, tener un sombrero y un látigo en un desierto infinito sigue siendo una de las cosas que desearía hacer una vez en la vida, aunque al paso que vamos, lo conseguiré cuando tenga que usar una silla de ruedas cuatro por cuatro.

- Ismael Roca

v

— Mira que te dije que con ese calzado lo ibas a pasar mal.

— Ay, ya lo se, ay, pero todo iba bien hasta entonces. No parecía que aquella piedra estuviera suelta.

— Es que menudo resbalón… —y se interrumpe de pronto.

— ¿Qué pasa? —pregunta él mientras ella se tapa la boca, intentando no reírse.

— No te enfades, pero es que te ha quedado muy cómico. El culazo, el chapuzón…

No puede contenerse más y estalla en carcajadas.

— Casi me rompo la espalda y encima te mondas de la risa, te parecerá bonito, anda, ayúdame, ay, a quitarme los pantalones, ay, están empapados, ay, y yo solo no puedo quitármelos, uf.

— Venga, quejica, levanta el culo un poco —y le empuja levemente para que ruede de lado sobre la cama.

— ¡Aaay! ¡No me toques ahí, que es donde más me duele!

— Perdona, perdona... De todos modos, te lo mereces por loco. Venga, estira las piernas que sino no podré sacártelos.

— ¡Aargh! ¡La rodilla! ¡Que también la tengo hecha polvo!

— Ay, lo siento, es que no se te puede tocar. ¿Pero hay algún sitio que no te duela?

— Uf, me duelen huesos que ni sabía ni que tenía…

La pregunta aún en el aire le deja pensativo, mirando por la ventana.

— Por ejemplo no me duele aquí- responde finalmente sin girarse hacia ella y señalándose el hombro izquierdo.

Ella le busca con la mirada. Él sonríe.

— Me podías dar un besito de esos tuyos.

Ella se sienta a su lado en la cama y le besa tenuemente el hombro.

— Aquí tampoco me duele —y se señala la mejilla.

Sin dejar de sonreír, ella niega con la cabeza en traviesa aprobación.

— No me digas más, ya me imagino dónde más no te duele.

Se besan. Y mientras él la abraza y la recuesta despacio sobre la colcha ajena y comienza a desvestirla y se le olvidan los dolores, ella, casi mordiéndole, le susurra al oído.

— Peliculero…

- Dr. Zito

Soy arqueólogo.

:)

Creo que es bastante para "Indy y yo".

- Roberto Bustamante (El Morsa)

Me domina el pánico al pensar en una nueva entrega de Indiana Jones. Las tres que hemos disfrutado hasta el día de hoy son tan redondas que el paso atrás es prácticamente seguro. Sólo espero que Spielberg no haga un destrozo como el que hizo George Lucas con la saga de "Star Wars"...

- Tapón

Recuerdo...

... tener pesadillas con El Templo Maldito siendo muy pequeño.
... ver "La Última Cruzada" en el cine, con apenas 9 años, con un amigo del colegio y mi madre, en la segunda fila a la izquierda del todo, los tres últimos asientos, y la tortícolis que me duró el resto de la semana.
... tardar unos cuantos años en asimilar cual era exactamente la primera y cual la segunda película. La primera escena de "El Arca Perdida" me hizo pensar durante unos años que se trataba de "El Templo Maldito".
... el momento en el que se homenajeaba a Indy en el "Sam'n'Max".
... recitar, sin venir a cuento, el "Kali Ma! Kali Ma Shakti De!" de "El Templo Maldito".
... verlas en Laser Disc (esos CDs tamaño campo de fútbol) en casa de mi tía en francia. Eran 2 discos cada película.
... cuando me regalaron el pack con los 3+1 deuvedés.
... emocionarme y quedarme enganchado a la tele cada vez que un sábao o domingo por la tarde me encontraba con que estaban echando alguna de las 3 en TV3. Indy en catalán no suena nada mal, al contrario que otros muchos actores.
... picar C:Indy3Indy3.bat en mi primer PC.
... ser un vendedor de tapicería.
... un beso en la escotilla de un submarino.

- EKI

Mi primer recuerdo de semejante personaje era una cinta Beta, con una carátula fotocopiada en blanco y negro de "En busca del arca perdida" que se había quedado pegada al plastiquete infame de las cajas de mediados de los ochenta.

Recuerdo que lo flipé cuando al final de la peli ese malvado se vuelve cera derretida y todos los fantasmas sobrevuelan a los personajes mientras Indy gritaba, a mi también, que mantuviese los ojos cerrados. También lo flipo ahora al recordar aquel reproductor pequeñito y la cinta tan deforme... ¿Cómo algo tan feo podía contener dentro semejante magia?

- Libertino

El héroe anda suelto

Supongo que la mejor historia de aventuras no es capaz de hacerse película. La historia es "La isla del tesoro" y demuestra que la mejor aventura siempre pasa por la decepción. Fue cuando tenía cinco años que la televisión estrenó "Indiana Jones y la última cruzada", la peor entrega de la saga con el prólogo más inteligente. Con una pirueta de acento circense, el joven Indy recita sus principios al mismo tiempo que en una forja superheroica que hubiera encantado a Jim Steranko, con ese tren que resume y prueba al precoz aventurero como ilusionista, domador y escapista a la vez. En esta perfecta metáfora circense de su sentido de la aventura Spielberg vino a traicionarse de la forma más personal posible volviendo a la historia de reencuentro paternofilial y redescubrimiento mesiánico, más cerca de sus peripecias alienígenas que de las entregas anteriores. El final sigue pareciéndome estupendo: cerradas las desaveniencias lo único posible es seguir cabalgando, de nuevo como un superhéroe más. Sin embargo a los once redescubro ese prólogo como una versión secreta y minimalista de la obra maestra de Stevenson: Indy hereda  su sombrero de un arqueólogo, que, sorpresa, trabaja para los malos. Igual que Jim Hawkins aprende sus hábitos morales de un tipo ambiguo, igual que Indy. La prueba es el sombrero.

Hay también en la citada secuencia del tren circense algo que Spielberg representó con la magnífica canción "Anything Goes" de Cole Porter, que propone una lectura acelerada y descaradamente pop de un país, su historia y su devenir. O como dijo Jordi Costa, refiriéndose a la insuperable "Faster, Pussycat! Kill! Kill!" de Russ Meyer en su prólogo a la primera edición española de "Como guante de seda forjado en hierro", "Anything Goes" es una canción sobre los grandes temas del siglo XX: sexo, velocidad y muerte. Los tres están presentes en "El templo maldito" y en ese prólogo en el que también queda patente esa lectura pulp e incluso exploit que forjaron el inicio de un héroe como Indy, definido así por sus creadores: un Bond de los treinta. Y la película, en su sofisticado club de Shangai, presenta a todos los implicados en una conversación que terminará en huida in extremis, en el club ¿adivinan? Obi-Wan, otro guiño a otra saga surgido de los hijos bastardos de la serie Bé que durante un tiempo parecieron coronar Hollywood y llevarse a los amigos. No todo es grande en "El templo maldito", ahí están ese niño y ese tipo de planificación aventurera que luego derivarían en la sobrevalorada "The Goonies" (una especie de Indiana Jones adaptado a pequeñísima escala, heredando al niño japonés de la segunda entrega, otra de las reivindicaciones de la comunidad pequeña y unida que hizo Spielberg como productor, y sino véase "Cocoon" o "Batteries Included"). De "En busca del arca perdida" ya es imposible añadir algo: perversa, llena de humor negro y de un contacto casi letal con lo divino, es la cinta de Spielberg en la que decidió revolucionar para siempre el tempo cinematográfico y el cine de aventuras, mezclando la emoción de los seriales de los años 40 (Red Barry, et al) con las espectaculares y muy circenses aventuras de los primeros superhéroes que fueron Tyrone Power (en especial su "The Mark of the Zorro") o Errol Flynn. Solo en su segunda entrega llevaría a cabo su momento más visualmente estridente y delicioso (el citado cliffhanger en Shangai que termina como un triste especial de fin de año de la televisión pública española), además de suponer el primer y más limpio contacto con el gore: esas sopas de ojos acusan un gusto por la EC que Spielberg había disimulado sólo lateralmente en su primera entrega, en la que todo ambicioso respecto a lo desconocido (el arca de la alianza) termina muerto, digno de Johnny Craig y Wally Wood. Y eso tiene mucho de educación sentimental. La suya y la nuestra.

- Alvy Singer

Siempre he dicho que Lucas me la suda y que "Star Wars" me da por el culo, pero un tipo que, además de haberse convertido en un ingeniero audiovisual extraordinario, soñó con llevar a la pantalla grande las heroicidades imposibles de un arqueólogo simpaticón casi en plan Superman, utilizando como base para su creación los vetustos seriales televisivos con los que creció y bla bla bla, merece, al menos, el reconocimiento de ser el artífice, junto a Spielberg, de la saga de aventuras exóticas más mítica, dinámica y bien hecha de la historia del cine.

A la espera de la muy prometedora cuarta entrega del héroe fardón del látigo y el sombrero, coincidiré con otros muchos fans de la serie mencionando que "En busca del Arca perdida" es mi favorita. Una obra maestra que caló hondo en los delirantes 80 y creó escuela, que hacía de la acción, la ironía y la violencia de tebeo su principal espectáculo, y sin disimulos. Más que la obsesión nazi y projudía de Spielberg, lo que en su primera secuela, "En el templo maldito", relucía era la violencia ahora llevada a los límites del gore y el recochineo con lo macabro y escabroso, con todos esos rituales de sangre, esqueletos y manjares de animales y bichos. Si "En el templo maldito" ha pasado a los anales, es porque todos recordamos, para bien o para mal, al brutal villano tuggie calvo y su gusto por arrancar corazones en vivo (genial idea y geniales secuencias). Lamentablemente, el guión perdía fuelle y los chistes ya repelían y poca gracia hacía el niño chino de "Los Goonies" que acompaña al héroe; un desacierto imperdonable, pero una película, en su conjunto, de absoluto culto y mayormente brillante.

Bastante más para todos los gustos era "La última cruzada", con Indy acompañado de su papá y un prólogo estupendo que retrocede hasta la adolescencia del héroe. Su argumento chorra dejaba mucho que desear e imposibilitaba que el interés nuestro depositado en la acción, fuese fiel lo justo y necesario. Sería la menos buena de todas; la agresividad de las texturas, los colores y la acción, disminuyó aquí considerablemente, aunque el humor (más blando) se intensificó.

Nada más tengo que añadir a una saga imprescindible que igual jolgorio causa en los niños y en los adultos. Adorar a Indy es saber estimar y tener en cuenta a un cine comercial de puta madre.

- Toby Dammit

Ha sido una larga espera, plagada de rumores descorazonadores y amenazada por una posibilidad cada vez más real de que nunca se llegase a hacer. Pero ahora, el hombre del sombrero ha vuelto. 19 años y casi 7.000 días después de que Indiana Jones, su padre, Sallah y Marcus se alejasen cabalgando hacia el atardecer. Tres años después de que Steven Spielberg rodase "Munich", su película más agria, y decidiera premiar a sus seguidores con un dulce postre por haberle seguido hasta allí. 65 años después de que la señora Dorothy Ford diera a luz en un hospital de Chicago. Y 19 días después de que este blog pidiese a sus lectores que colaborasen en un evento especial, una celebración del legado de Indy que durará todo el día y que esconde textos de algunos de los más insignes pesos pesados de la blogosfera. A partir de aquí, comienza "Indy y yo".

A modo de fin de fiesta, la crítica de "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal" será publicada en un momento indeterminado del fin de semana. Hasta entonces, tendremos tiempo para preguntarnos si será o no merecedora de los cinco Indies, es decir, el máximo galardón de la sección "Blockbusters veraniegos", nombrado así en honor de un personaje que, sencillamente, ES el placer cinematográfico.

Mañana va a ser un día muy especial en "El Emperador de los Helados". Si alguien tiene un recuerdo de última hora que compartir para "Indy y yo", aún puede enviarlo (a noelceballos2@hotmail.com) hasta más o menos las 08.00 AM del jueves, hora en la que empezará el cotarro, la jarana y el jolgorio. Es lo que se conoce como una oportunidad de última hora, así que no la dejéis pasar. A los que ya han colaborado, muchísimas gracias. Y hasta mañana.

1) The Tracey Fragments: Bruce McDonald, cineasta canadiense más raro que un perro verde (en su carrera conviven ensayos punk como "Hard Core Logo" con trabajos alimenticios para series como "Queer as Folk"), presenta un arriesgado proyecto que, al parecer, concibe la pantalla como un cuadro de Mondrian, aunque el trailer hace que nos vengan a la cabeza los experimentos fallidos de Mike Figgis. Presentada en la sección Panorama del pasado Festival de Berlín, "The Tracey Fragments" ha sido una de las principales beneficiarias del huracán "Juno", pero ni siquiera el tirón de Ellen Page ha conseguido evitar un estreno casi inadvertido en Estados Unidos (el pasado 9 de mayo) y unas posibilidades de exportación más bien nulas. Es una lástima, porque lo que ha hecho McDonald con una novela compuesta de breves viñetas parece interesante, por no hablar de la ocasión de ver el trabajo más arriesgado de una actriz que ya ha dejado de ser una promesa para convertirse, directamente, en una deslumbrante realidad. Por si nunca llegamos a verla, "The Tracey Fragments" nos ofrece dos regalos interesantes en su web oficial: un cómic para descargar en pdf y una recopilación de lo mejor del proyecto Tracey Re:fragmented, que permitió a los internautas remontar algunas escenas de la película. Fecha de estreno por confirmar

2) Tropa de Elite: ¿La pobreza engendra necesariamente violencia? La pregunta que se hace el director José Padilha es también la que se hizo en su momento "Ciudad de Dios" y la que da sentido a "Gomorra", la sensación del presente festival de Cannes. De este modo, "Tropa de Elite" se inscribe en una novísima corriente de cine político de corte combativo, salvaje y directo: en realidad, es la segunda parte de una futura trilogía, iniciada con el documental "Bus 174" y que acabará con "Corruptology", una comedia ácida que se centrará en las altas esferas de la política brasileña. Pero antes, es necesario que bajemos hasta las favelas y experimentemos (todas las críticas hacen hincapié en que "Tropa de Elite" no se ve, sino que se vive) las consecuencias de enfrentar a unas fuerzas policiales corruptas contra unos jóvenes airados y peligrosos. No es una propuesta para todos los gustos, como demostró aquel periodista de "Variety" destacado en Berlín que la tildó de cinta de reclutamiento parafascista (es necesario comprender la situación del BOPE antes de sacar conclusiones precipitadas). Algo así como "The Wire" ambientada en Río de Janeiro, "Trope de Elite" es un Oso de Oro que realmente apetece ver. Estreno 11 de julio

3) Australia: En contra de lo que nos cuentan, hacer cine épico es más fácil de lo que parece. Basta con escoger un trauma nacional, situarlo al fondo de una historia de amor fatal y esperar que la taquilla te trate mejor que a "Pearl Harbor". De hecho, "Australia" está ambientada en los bombardeos de Darwin, que los historiadores consideran como el Pearl Harbor de las antípodas, pero sin un actor protagonista que entró en rehabilitación nada más terminar el rodaje (al menos, no que nosotros sepamos). Si decidimos ser magnánimos, tendremos que recordar que es la primera película de Baz Luhrmann desde "Moulin Rouge" y que, por tanto, se merece la máxima expectación. También hay que reconocer un poderío visual enmudecedor en el 80% de los planos que componen este trailer, en el que Nicole Kidman y Hugh Jackman son casi tan protagonistas como los asombrosos paisajes naturales. El problema es que Luhrmann parece haber pasado todos estos años estudiando el cine de David Lean y pensando: "¡Ey, yo también puedo hacer eso!". Que igual sí, pero no es precisamente lo que me interesa. Estreno en diciembre 2008

Queda menos de una semana para que se publiquen vuestros textos de "Indy y yo" (y para que se estrene la nueva película, pero eso es secundario). Los que he recibido hasta ahora son muy, muy buenos, e incluso hay un par que me atrevería a calificar de magistrales. Sabréis de qué hablo en cuanto los leáis. De todos modos, considero que aún no es suficiente y que se necesitan más textos para tener un homenaje en condiciones. Si aún no has hecho tu parte, recuerda que la casilla de correo electrónico es noelceballos2@hotmail.com.

A continuación, y solo porque me aburro, un concurso de adivinar la tonada. El tema es, por supuesto, canciones inspiradas de alguna manera en el Hombre del Sombrero: puntúa todo el que sea capaz de advinar el título de la canción, el nombre del grupo que la tocó primero y el nombre del grupo que la versionó (si lo hubiera). ¿El premio? Fortuna y gloria, chico. Fortuna y gloria.

En serio, no hay ningún premio.

Es inútil que sigas mintiendo
A mí no me puedes engañar
Sé que me pones los cuernos
Con el batería de Siniestro Total

Baby, I am missing you
I want you by my side
And I hope you’ll miss me too
Come back and stay
I think about you every day
I really want you too
You swept my feet right off the ground, you’re the love I found

Yi wang si-i wa ye jan dao
Xin li bian yao la jing bao jin tian zhi Dao!

Wonder why the stars at night and the things that you say
They never go away
And I wonder if you wonder why I never come around at night
I wonder if you wonder why I never come around at night

"I want to be your hero"
Says the guy to the camera
Moving stage right
His eyes are the only things alive
and I know who he looks like

Al igual que Santiago Segura y Uwe Boll, Wall•E no necesita a nadie más para promocionar su película. Este asombroso animatronic de la estrella pixariana se paseó ayer por las calles de Los Angeles, aunque su destino natural van a ser los parques de atracciones Disney, por los que irá rotando durante todo el verano para saludar a los visitantes y, de paso, animarles a que vayan a ver una de las películas más esperadas de 2008. Huelga decir que quiero uno para mí, sea cual sea el precio. ¿Ofrecer a la vida de mi primogénito a The Walt Disney Company para uno de sus arcanos ritos antropófagos? Vale, trato hecho.

Desde que nos despedimos de Fox Mulder allá por 2002, las cosas han cambiado un poco: sus amados Knicks han tenido escándalos de todo tipo (pero no han ganado ni un solo título), los demócratas por fin han encontrado un candidato que realmente merezca su voto y la serie "Californication" ha devuelto a la vida al actor que lo interpreta. Hay, no obstante, dos cosas que (suponemos) siguen siendo exactamente iguales: su afición a las pipas de girasol y su despacho subterráneo, que tuvo que ser trasladado de las oficinas centrales del FBI al sótano de una casa en medio de Ninguna Parte después de que se convirtiese en un fugitivo de la justicia. De todos modos, podemos apostar a que el póster seguirá ocupando el mismo espacio que ocupaba durante los viejos tiempos. El póster. Sí, ese póster.

"I Want to Belive" no llegará a los cines hasta el 25 de julio, pero hoy ya tenemos a nuestra disposición el primer trailer (que lleva semanas dando vueltas por YouTube en gloriosa calidad bootleg), toda una pieza de orfebrería en el arte de no revelar absolutamente nada, pero no por ello dejar de ser interesante o espectacular. Como los detalles aún siguen estando bajo una protección mayor que la agenda telefónica de El Fumador, intentaremos deducir algo a partir de lo que vemos en el trailer, dejando sin decodificar los detalles que aún no han sido confirmados. Allá vamos:

Por lo que podemos descifrar, la película girará en torno a la desaparición (y posible reaparición en extrañas circunstancias) de una chica en un pueblo que, como los equísfilos sabrán, se parece sospechosamente a Vancouver. El FBI está implicado, con los agentes especiales Dakota Whitney (Amanda Peet) y Þ∏Φ±QŒ (el rapero Xzibit) apareciendo brevemente en el trailer. Billy Connolly, actor británico al que solemos ver en registros más amables, interpreta a un ∞ÿWØ↑ñZε que parece saber algo más de lo que cuenta. Scully, que ha vuelto a ejercer la medicina, decide acompañar a su antiguo colega (y, posiblemente, actual pareja sentimental) en un nuevo caso que pondrá a prueba la fe de él en lo paranormal. También habrá mucha nieve, un tipo que se araña la cara, un autobús que por poco atropella a Mulder y escenas a cámara lenta mientras suena ESA canción. En cuanto al final, sabemos que habrá una escena en la que x≈A¥ΦΨθsWΔï¬√. En suma, "I Want to Belive" tiene toda la pinta de convertirse en un blockbuster veraniego de lo más inusual: un thriller invernal y nada conspiranoico (Chris Carter promete reservar eso para una posible secuela en 2012, coincidiendo con la invasión alienígena que se anunció al final de la serie). Esperemos que la resurrección de estos personajes merezca la pena y que el resultado final esté a la altura de β◊þXXΦπœ, el blockbuster de 2008 por el que el autor de este blog ha apostado dinero a que va a arrasar en todos los ámbitos.

Dato comprobable: los Oscar se parecen cada vez más a los MTV Movie Awards. Lo cual, por supuesto, es bueno para los Oscar, pero aún les queda mucho camino por recorrer: la gala que se va a celebrar en la Universal City de California el próximo 1 de junio va a seguir siendo el acontecimiento cinematográfico más espectacular, divertido y honesto del año. En el escenario, Mike Myers toma el relevo de Sarah Silverman, lo cual significa menos chistes racistas y puyas a Paris Hilton, pero más gritos y voces graciosas. No está nada mál, mucho menos si tenemos en cuenta que el actor estará promocionando su esperada "The Love Guru" y que, por tanto, es muy probable que aparezca caracterizado como el personaje en algún momento. Ahora, sin más, pasemos a las nominaciones:

Mejor película del verano hasta ahora

• Las Crónicas de Narnia: El príncipe Caspian
• Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal
• Iron Man
• Sexo en Nueva York
• Speed Racer

El año pasado se llamaba "Mejor película del verano que aún no hemos visto", pero este año lo han cambiado a mejor blockbuster estrenado en Estados Unidos antes de que se celebre la gala. Da más o menos igual, porque los votantes aún no hemos visto ni la mitad de las nominadas: yo, por ejemplo, sólo vi "Iron Man" (tres veces) y "Speed Racer", pero voto a Indiana Jones por una cuestión de principios.

Mejor pelea

• Alien contra Depredador - Alien vs. Predator 2
• Hayden Christensen contra Jamie Bell - Jumper
• Matt Damon contra Joey Anash - El Ultimátum de Bourne
• Sean Faris contra Cam Gigandet - Rompiendo las reglas
• Tobey Maguire contra James Franco - Spider-Man 3
• Chris Tucker y Jackie Chan contra Sun Ming Ming - Hora Punta 3

Mi categoría favorita, junto con la de Mejor Beso. No he visto "Jumper" ni "Rompiendo las reglas", pero dudo que sus peleas sean mejores o más intensas que la de Bourne, tras la que acabas físicamente exhausto. Por lo demás, sólo alguien que no haya visto "Alien vs. Predator 2" puede votar por su enfrentamiento final, rodado con los pies y tan corto que, cuando te das cuenta, ya se ha acab...

Mejor villano

• Javier Bardem - No es país para viejos
• Johnny Depp - Sweeney Todd
• Topher Grace - Spider-Man 3
• Angelina Jolie - Beowulf
• Denzel Washington - American Gangster

Una categoría dura: salvo Topher Grace, el resto de nominados se lo merecen de verdad. Sweeney Todd es el único que es, también, héroe, así que mi voto es para él. Además, canta, algo que desde luego no hace Chigurh.

Mejor beso

• Amy Adams y Patrick Dempsey - Encantada
• Briana Evigan y Robert Hoffman - Step Up 2 the Streets
• Shia LaBeouf y Sarah Roemer - Disturbia
• Ellen Page y Michael Cera - Juno
• Daniel Radcliffe y Katie Leung - Harry Potter y la Orden del Fénix

No hay muchas dudas, ¿verdad? Se suponía que el de Potter tenía que haber sido El Beso, pero he tenido que ver el vídeo para recordarlo, así que...

Mejor interpretación de comedia

• Amy Adams - Encantada
• Johnny Depp - Piratas del Caribe: En el fin del mundo
• Jonah Hill - Supersalidos
• Seth Rogen - Lío embarazoso
• Adam Sandler - Yo os declaro marido y marido

Resulta increíblemente extraño que se hayan olvidado de Andy Samberg y su "Hot Rod", la verdadera mejor interpretación de comedia de la temporada 2007-2008. No obstante, intentemos contener la furia y votemos a Jonah Hill, que tampoco lo hizo nada mal en "Supersalidos" (de hecho, mejor que el propio Seth en "Lío embarazoso"). Lo de nominar a Adam Sandler por una de sus peores películas es incomprensible.

Mejor intérprete revelación

• Nikki Blonsky - Hairspray
• Chris Brown - This Christmas
• Michael Cera - Supersalidos
• Zac Efron - Hairspray
• Megan Fox - Transformers
• Jonah Hill - Supersalidos
• Chrsitopher Mintz-Plasse - Supersalidos
• Seth Rogen - Lío embarazoso

¿Qué queríais que hiciera? Para vuestra información, estuve dudando entre él y Megan Fox, pero al final me pudo el hecho de que, el pasado mes de octubre, estreché la mano de McLovin (y la de Jonah, y la de Michael). ¡Si la hubiera votado a ella, no hubiese tenido la oportunidad de contarlo otra vez!

Mejor actriz

• Amy Adams - Encantada
• Jessica Biel - Yo os declaro marido y marido
• Katherine Heigl - Lío embarazoso
• Keira Knightley - Piratas del Caribe: En el fin del mundo
• Ellen Page - Juno

Ya le robaron el Oscar, así que intentemos compensarla en la medida de lo posible con unas palomitas doradas. ¿Y qué es esta manía de nominar a Amy Adams por "Encantada"? Si hubiera estado por "La guerra de Charlie Wilson", a lo mejor podría haber tenido una oportunidad.

Mejor actor

• Michael Cera - Juno
• Matt Damon - El Ultimátum de Bourne
• Shia LaBeouf - Transformers
• Will Smith - Soy Leyenda
• Denzel Washington - American Gangster

Hay una letra pequeña en todos los contratos que firma Will Smith, en la que se especifica que debe estar nominado a los MTV Movie Awards sin importar la calidad de la película que saque ese año (pasa lo mismo con Johnny Depp). En otro orden de cosas, ha sido una dura pugna entre Shia LaBeouf y Michael Cera, pero aludo a la misma razón de desempate que utilicé en la categoría de Mejor intérprete revelación.

Mejor película

• Soy Leyenda
• Juno
• La Búsqueda: El diario secreto
• Piratas del Caribe: En el fin del mundo
• Supersalidos
• Transformers

"Transformers" ya ganó un previo de anticipación el año pasado, he votado a los dos protagonistas de "Juno", "Piratas 3" es demasiado vieja como para ganar un premio a estas alturas y las otras dos son una mierda, así que está claro: "Supersalidos". ¿Y vosotros, qué? Como siempre, tenéis los comentarios para manifestaros a favor o en contra, pero una advertencia: todo el que vote a "Sexo en Nueva York" en la primera categoría será baneado de por vida en este blog.

"Me es casi imposible creer que esté celebrando el 25 aniversario del estreno de "Risky Business", mi primer papel protagonista en una película". Así empieza el mensaje que la estrella cinematográfica más grande de nuestros tiempos (en sentido figurado, al menos) dedica a todos sus fans en su recién inaugurado sitio oficial, TomCruise.com, lo más importante que le ha sucedido a la Red desde YouTube y el único destino que tienes que recordar a partir de ahora cuando quieras recibir información fiable sobre el Cruiseverso. La buena noticia es que esta web oficial no es más que una parte de su celebración: la otra es su titánico programa especial de dos horas en "The Oprah Winfrey Show", en el que The Cruiser abre su corazón y (según su página) comparte absolutamente todo lo que significa ser él con la popular presentadora (espero, sinceramente y por su propio bien, que eso no incluya saltar sobre un sofá y farfullar algo sobre estar enamorado entre risas maníacas).

Solamente una cosa más acerca de la W.O.C. (Web Oficial Cruise): ¿alguien se acuerda de la pelirroja que salía con él en "Días de trueno", "Un horizonte muy lejano" y "Eyes Wide Shut"? Por alguna ridícula casualidad, ha desaparecido prácticamente por completo de las fotografías que figuran en la sección "Filmography". Pero, ¡ey!, ¿quién quiere ver a una australiana sobreactuada cuando tenemos toneladas y toneladas de material de The Cruiser? La mera idea me parece ridícula.

El hombre del sombrero ha vuelto: el próximo jueves 22, "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal" hará realidad ese sueño colectivo de una cuarta entrega, y este blog pretende celebrarlo a lo grande. Es decir, con la inestimable y esencial ayuda de sus lectores (de verdad, os quiero).

Primero fue el 30 aniversario de "La guerra de las galaxias" con Helados Galácticos. Después vino Halloween y nuestros psicópatas preferidos. Ahora, "El Emperador de los Helados" te necesita para hacer posible Indy y yo, un viaje sentimental por las aventuras del héroe. La forma de participar es extremadamente sencilla: no tienes más que escribir un breve texto sobre tu experiencia con Indiana Jones, que puede ser una crónica de tu primera vez, una recreación de tu escena preferida de la saga, un ensayo sobre la influencia que tuvo "En busca del arca perdida" en tu vida, un recuerdo de la época en la que intentabas emular a Harrison Ford en el patio de tu colegio, tus impresiones acerca de "Indy IV"... ¡Lo que quieras! Por supuesto, no hay límite de extensión (puedes escribir una frase o una página) ni censura de ningún tipo (puedes poner verde a Spielberg). Simplemente, envía tu texto a noelceballos2@hotmail.com y entrarás automáticamente a formar parte de esta celebración histórica: tienes de tiempo hasta el mismo jueves 22, cuando todos los recuerdos serán publicados y el cheque de Lucasfilm será convenienemente enviado a mi buzón. Ahora, todos juntos: ¡Tan-ta-tan-tan / Tan-ta-taaaaaaan!

Eres un adolescente estadounidense y estás en un slasher, lo que no es precisamente el mejor de los escenarios posibles para hacer planes a medio/largo plazo. Con la excelente Las Ruinas (en la foto) recién aterrizada en nuestras pantallas, debemos añadir México a la guía turística de lugares con encanto y repasar algunas de las claves básicas para no perder la cabeza en una peli de terror juvenil:

a) En casa:

◊ Si atropellas a alguien por accidente, no intentes ocultarlo y continuar con tu vida como si nada, pues tendrías un 75% de posibilidades de que tu carrera posterior se asemejase a la de Freddie Prince Jr. Si a él no le funcionó, a ti tampoco.

◊ "¡Bobby y Mary Jane subieron a la Colina de los Enamorados anoche y aún no han regresado!": mala señal.

◊ "’¡Hemos ido a la hemeroteca y alguien ha arrancado las páginas de los periódicos de hace exactamente diez años!": muy mala señal.

◊ "¡Es Halloween, los padres de Sarah se van de viaje y tenemos carnets falsos y condones!": extremadamente mala señal.

◊ El director del instituto no querrá cancelar la ceremonia de graduación basándose simplemente en esos ridículos rumores, pero "El Emperador de los Helados" recomienda no asistir.

◊ Si estás en un remake, desconfía cuando veas aparecer a una ligeramente atractiva mujer de mediana edad para pronunciar un discurso enigmático o morir en la secuencia pre-créditos: lo más seguro es que sea la estrella del original haciendo un cameo.

◊ Si eres la heroína y bajas al sótano a investigar, asegúrate de ir en ropa interior. Además, lleva pilas de repuesto: es muy probable que la linterna te deje tirada en el peor momento.

◊ Si la chica que te gusta sale con un completo capullo (que, normalmente, también es capitán del equipo de fútbol), no te preocupes demasiado: él morirá muy pronto (especialmente si antes te ha pegado o humillado, pese a que ella le rogaba que parase), dejándote vía libre para rescatarla y, bueno, ser un héroe.

◊ El sheriff nunca os ha dejado en paz a ti y a tus maneras de delincuente juvenil, pero se dará cuenta de que tienes buen fondo cuando las cosas se empiecen a poner realmente feas. En ese caso, un sheriff medio tarda aproximadamente unos cinco minutos en morir después de pedirte perdón y confiarte un arma.

◊ Por lo que más quieras, no te des una ducha.

◊ Siempre hay un 57% de posibilidades de que lo que te está pasando a ti ya le pasara hace un par de años a una chica japonesa o coreana.

◊ Aún si eres adulto, no te confíes demasiado: los policías incrédulos, los sacerdotes pusilánimes, los profesores estrictos o los científicos sabelotodo tienen serias posibilidades de morir cuando la mayoría de las víctimas adolescentes hayan sido ya descuartizadas.

b) De viaje:

◊ "¡Vamos a visitar un lugar que no sale en los mapas!" equivale a decir "¡Vamos a un lugar que sacará lo peor de nosotros y nos hará descubrir algunas verdades horribles sobre la naturaleza humana antes de que nos demos cuenta de que, maldita sea, si no lo pusieron en los mapas fue por una jodida buena razón!".

◊ No te preocupes por cargar el móvil antes de la excursión: no habrá cobertura. Nunca, NUNCA hay cobertura.

◊ Desconfía de los lugareños de aspecto grotesco, salvo si estás en Europa central: allí, un lugareño grotesco te puede salvar la vida, mientras que un lugareño atractivo te conducirá voluntariamente a tu peor pesadilla.

◊ Pese a lo que puedas pensar a priori, está comprobado que los jóvenes americanos SÍ desaparecen sin más.

◊ La promiscuidad es aún más peligrosa que dentro de las fronteras de tu país, así que piénsatelo dos veces. Tampoco deberías tomar drogas o emborracharte.

◊ Ya sé lo que estás pensando: la promiscuidad, las drogas y el alcohol son las razones por las que has hecho este viaje. ¡Ey, "El Emperador de los Helados" está intentando salvar unas cuantas vidas hoy aquí! Dale un respiro, ¿vale? 

◊ El apuesto estudiante extranjero de aspecto encantadoramente no global que tú y tus amigos conocéis en el hotel, en el tren o en la playa sólo traerá problemas.

◊ Compórtate de modo ligeramente racista y, a todos los efectos, estarás firmando tu sentencia de muerte.

◊ Si estás en el espacio exterior, no trates de resucitar a un psicópata icónico: el resultado serán muchos muertos y unas cuantas bromas posmodernas, y lo único que obtendrás a cambio es una reseña entusiasta en "El Emperador de los Helados".

◊ De acuerdo con tu filmografía precedente, tus posibilidades de sobrevivir son (spoilers, pasa el cursor por encima para leer): 25% si has salido en "Buffy" ("Black Christmas", "Scream 2", "Toolbox Murders", "Sé lo que hicisteis el último verano"), 50% si has salido en "Veronica Mars" ("Pulse", "Death Proof"), 100% si has salido en "Lost" ("Las colinas tienen ojos", "Pulse", "La Niebla"), 100% si has salido en "Donnie Darko" ("Las Ruinas").

... aparte, por supuesto, de Rebobine, por favor, el estreno más importante de la temporada. De hecho, muchos de los pilares fundamentales de esta obra maestra, como la presencia de Mos Def o la recreación de la leyenda de Fats Waller, no se pueden entender sin la existencia de Dave Chappelle’s Block Party, documental que el realizador galo estrenó en salas comerciales de Estados Unidos e Inglaterra en la primavera de 2006. A primera vista, podríamos considerarlo como un trabajo menor —el nombre del popular cómico aparece incluso en el título, por lo que no hay duda de quién es la verdadera estrella—, pero lo cierto es que este proyecto terminó de afianzar el interés de Gondry por la cultura afroamericana de Nueva York y alrededores, algo que (a la vista de su última película) ha incorporado de forma decisiva a su discurso creativo. Básicamente, "Block Party" se inspira en el "Wattstax" de Mel Stuart y se articula en torno al macroconcierto callejero que Chappelle organizó, allá por septiembre de 2004, en la esquina de Brooklyn que le vio crecer. No obstante, cuando la cámara de Gondry sigue al sensacional cómico mientras promociona (él solito) su evento, uno tiene la sensación de que la película va de mucho más que eso: no es habitual que una superestrella de la televisión como era en ese momento Chappelle recorra barrios deprimidos de todo el país para invitar (e incluso pagar el desplazamiento) a su gente a un concierto gratuito en el que actúan Kanye West, Mos Def o Lauryn Hill. "Block Party" supone la celebración de una cultura de la integración, que se tuvo que forjar a la fuerza precisamente porque la cultura blanca era demasiado segregadora (el propio Gondry reconoce que lo que más le fascina de la cultura musical afroamericana es que tuvieron que construirla desde cero y sin ayuda de nadie, ya que no les era permitida la entrada a las discotecas para blancos). Es posible que se eche de menos la inventiva visual marca de la casa, pero este documental es un trabajo demasiado notable como para que los fanáticos de Gondry lo pasen de largo: si conoces y amas esta música, tienes tickets de primera para una fiesta inolvidable; si no comulgas con el hip hop, es un retrato fascinante de toda una subcultura y de una manera de entender la vida.

Película colectiva más parecida a una enchilada sofisticada que a la nouvelle cousine, "Paris, je t'aime" poseía unas arritmias tan pronunciadas que la convertían en una montaña rusa: detrás de un loop tan excitante como el fragmento de los Coen, uno se podía encontrar con remansos tan aburridos como la "Bastilla" de Isabel Coixet o la "Place des Victories" del japonés Nobuhiro Suwa. Sin embargo, su sorprendente éxito en las salas pequeñas de Europa y Estados Unidos, además del innegable atractivo de su cóctel de estrellas/autores, han estimulado a varios productores norteamericanos a colaborar en un nuevo proyecto, titulado New York, I Love You y ambientado en (nunca lo adivinaríais) la Gran Manzana. Con una estructura similar a la de su homóloga parisina (pequeñas historias de amor ambientadas en diferentes localizaciones de la ciudad), esta versión promete un 30% más de presencias estelares y un 90% menos de acentos franceses.

Hoy se ha anunciado la incorporación de cuatro nombres a un rodaje que se prevee complejo y muy fragmentado (como lo fue el de París). Así, Hayden Christiensen, Orlando Bloom, Ethan Hawke y Olivia Thirlby se unen a un elenco que redefine el concepto de portmanteau actoral: Rachel Blisson, Kevin Bacon, Chris Cooper, Maggie Q, James Caan, Drea DeMatteo, Robin Wright-Penn, Blake Lively (Serena en "Gossip Girl"), Eli Wallach e incluso el bailarín cubano Carlos Acosta se enamorarán en lugares tan mágicos como Central Park, el Rockefeller Center, Broadway o la pizzería en la que mataron a aquel rapero en el Bronx (bueno, es posible que dejen fuera este último enclave romántico). No obstante, es el apartado de directores invitados el que realmente se antoja interesante, con Natalie Portman y Scarlett Johansson abandonando sus incómodos vestidos de hermanas Bolena y realizando su debut en la dirección, cada una con su propio fragmento: de hecho, la protagonista de "Diario de una niñera" ya ha empezado a rodar el suyo, justo un mes antes de que su primer disco como vocalista llegue a las tiendas (es un buen año para ser fan de Scarlett Johansson, mujer del Renacimiento). Ah, y ese rumor que apuntaba a que Woody Allen se haría cargo de un fragmento parece infundado: al fin y al cabo, él ya estuvo en un filme colectivo ambientado en Nueva York. Además, ¿quién va a echar de menos a Allen cuando tiene a Brett Ratner? Nadie, esa es la respuesta.

Se espera que el rodaje continúe durante las próximas dos semanas y, aunque aún no se ha confirmado ninguna distribuidora nacional o internacional, es fácil asumir que los Weinstein nos la traerán a nuestras pantallas antes de que acabe el año. Si tiene éxito, podemos prepararnos para una avalancha de cartas de amor a diferentes ciudades del mundo: en caso de que se confirme un "Madrid, te quiero", me reservo el fragmento del barrio de Chamberí. No tendría más que reescribir un poco mi proyecto de guión "Madrid Dangerous" y empezar a mandar mails a Antonio Resines y Leonor Watling...

Tras haber sobrevivido a dos antiutopías, una pandemia, la ira del faraón Ramsés II, un terremoto, un avión descontrolado y a Michael Moore, el icónico actor estadounidense murió anoche en su residencia de California, acompañado por su mujer Lydia. Heston llevaba sufriendo un caso muy avanzado de Alzheimer desde el año 2002, que comenzó a deteriorar seriamente sus funciones vitales en abril de 2006, según informó entonces su familia. Que el actor haya luchado durante dos largos años más es una muestra de la valentía de un tipo que, huelga decirlo, nunca se caracterizó por aguantar bromitas a nadie.

Es posible que el protagonista de "El Cid" pase a la historia como el fanático ultraconservador que, rifle en mano, retaba a los liberales a que se lo arrebataran si podían, pero eso es quedarse sólo con una parte de la historia: en los años 60, Heston fue uno de los máximos defensores de la lucha por los derechos civiles en Hollywood, un claro opositor del McCarthismo y un abanderado de las manifestaciones contra el racismo que se celebraron en Oklahoma y Washington entre 1961 y 1963. Sin embargo, lo que de verdad quedará cuando todo lo demás pase son sus películas: además de protagonizar una de mis escenas favoritas de toda la historia del cine (el beso que acompaña a este post), Charlton Heston se enfrentó a zombis-vampiros con gafas de sol en "The Omega Man", le plantó cara a un gigantesco (en todos los sentidos posibles) Orson Welles en "Sed de mal" y fue un perfecto Nick Furia en "Mentiras arriesgadas". Entre otras muchas cosas.

Para terminar, un extracto de la nota que su familia ha publicado tras su fallecimiento:

No one could ask for a fuller life than his. No man could have given more to his family, to his profession, and to his country. In his own words, "I have lived such a wonderful life! I've lived enough for two people."

Es posible que el concepto "Meteoro" dibuje sonrisas irónicas en las caras de los telespectadores españoles con edad suficiente para recordar de qué iba todo: un coche fantástico, un adolescente loco por la velocidad y las pañoletas rojas, unos padres que eran la quintaesencia del buen rollo, un chimpancé gracioso, un piloto de naturaleza no-tan-misteriosa y muchas líneas de movimiento. Demasiadas líneas de movimiento, acompañando a personajes que siempre hablaban como si estuvieran llegando tarde a un sitio (diablos, si hasta "Family Guy" hizo un chiste sobre ello). Por suerte, los días de pensar en "Meteoro" —o "Speed Racer", para los puristas— como en un candoroso anime del pasado están a punto de acabarse: el próximo nueve de mayo, la adaptación al cine de los hermanos Wachowski podría suponer el primer contacto de este bloguero con el síndrome de Stendhal. El segundo, si contamos "Los Ángeles de Charlie".

Ayer, la prensa española pudo ver el clip de cuatro minutos que el superproductor Joel Silver presentó en el ShoWest, acompañado de unas impactantes imágenes previas de... el superproductor Joel Silver presentando el clip en el ShoWest. Básicamente, se trata de un trailer extralargo, pero eso no significa que nuestros ojos no se transformaran en dos agujeros negros ante el derroche de virtuosismo visual que teníamos delante. Por mucho que nos hayamos familiarizado ya con los trailers y las imágenes previas, ver "Speed Racer" (aunque sean cuatro minutos) en una pantalla grande es la última palabra en placer sensorial: esos infinitos focos de luces multicolor en cada plano, esos gadgets del March 5 en un perfeccionado bullet time, esas líneas de movimiento que no resultan chocantes... El pasado mes de junio, cuando fui a Berlín para cubrir la rueda de prensa previa al rodaje, nos enseñaron unos animatics verdaderamente deslumbrantes, pero nunca nos hubiéramos imaginado que los directores iban a rodarlos tal cual: es muy posible que "Speed Racer" haya pasado de las cabezas de sus creadores al celuloide sin que se haya perdido nada por el camino. Sin embargo, no todo fueron fuegos artificiales: el clip también incluía un breve diálogo entre dos protagonistas, que demuestra hasta qué punto se han escogido a los actores perfectos para dar vida a estos arquetipos animados.

Con "Iron Man" prácticamente a la vuelta de la esquina e "Indy IV" dejando cada día de ser un espejismo, el verano cinematográfico no podía tener un comienzo más deslumbrante. Esperemos que "Speed Racer" confirme sus promesas y sea lo que todos anhelamos que sea: como si alguien echase ácido en nuestros cereales.

Lo peor es que no han pasado ni cinco meses de la muerte de Fernán Gómez.

Lo mejor es que alguien como él nunca se va a ir del todo. Alguien que ha escrito "El pisito", "La escopeta nacional", "La vaquilla" o "Ana y los lobos". Alguien que ha adaptado "La lengua de las mariposas". Y, sobre todo, alguien que estuvo detrás de "Plácido" y "El verdugo". Alguien así no se va nunca.

1) Boarding Gate: Olivier Assayas, siempre tan interesante como tan rematadamente difícil de localizar. De hecho, su único trabajo que hemos podido ver en unas condiciones aceptables (es decir, sin retrasos exagerados ni estrenos directamente en DVD) fue su fragmento para "Paris, je t'aime", lo que dice bastante acerca de la proverbial ceguera de nuestras distribuidoras. Su última película tiene un argumento que, a buen seguro, complecerá a muchos lectores de "El Emperador de los Helados": Asia Argento interpreta a una ex-prostituta.... Muchos lectores de "El Emperador de los Helados" ya están sobradamente complacidos, pero sigamos: Asia Argento interpreta a una ex-prostituta que se ve immersa en un extraño juego de manipulaciones y falsas apariencias tras volar a Hong Kong en busca de una nueva vida. Si a eso le sumamos una historia de venganza, escenas de sexo S&M y a Michael Madsen, "Boarding Gate" se perfila como una película que no estaría de más tener en nuestra cartelera. Estreno por confirmar

2) The Ruins: Publicado en verano de 2006, el segundo libro de Scott Smith (autor de "Un plan sencillo", que Sam Raimi llevó al cine en 1998) ha sido alabado por autores como Stephen King, quien considera que es la mejor novela de terror del presente siglo. Otro miembro destacado de su nutrido club de fans es Ben Stiller (sí, ese Ben Stiller), que ejerce de productor ejecutivo en la adaptación cinematográfica que Dreamworks ha programado para alegrarnos esta primavera. Jena Malone, Jonathan Tucker, Laura Ramsey y otros intérpretes menos famosos (y, por tanto, más proclives a morir antes) deciden hacer una visita a unas ruinas mayas situadas en medio de una jungla inhóspita, con las terribles consecuencias sobre las que cualquier guía turística para jóvenes norteamericanos debería advertir en grandes caracteres. Los bichos CGI que penetran en la epidermis son una excusa como otra cualquiera para verle OTRA VEZ ese tatuaje a Laura Ramsey, pero no estaría de más que la experiencia fuera algo más terrorífica que "La Alianza del Mal". Estreno 18 de abril

3) El último gran mago: Tras el duelo de magos que vivimos la pasada temporada, una película sobre Harry Houdini era poco menos que inevitable. Lo extraño es que ni "El ilusionista" ni "El Prestigio" fueron grandes éxitos (aunque la primera tuvo bastante fortuna en las taquillas españolas), pero eso no impidió que los Wenstein quisiesen tener su propia película abracadabresca: escrita por Tony Grisioni, guionista de confianza de Terry Gilliam, "El último gran mago" no tiene un trailer demasiado prometedor, pero todos sabemos que no hay quien se resista a la tentación de ver a Houdini en la gran pantalla, aunque esté interpretado por el anodino Guy Pearce. Además, parece que el eje central de la cinta es la obsesión por el ocultismo que el escapista comenzó a desarrollar tras la muerte de su madre, que le llevó a ofrecer una cuantiosa recompensa al primer espiritista que le demostrase que contactar con el más allá no era ningún timo. En la ficción, esa espiritista es Catherine Zeta Jones, con el romance estilo años 20 que eso conlleva. En suma, un thriller romántico con elementos sobrenaturales y gente desabrochando camisas de fuerza. Bocabajo. En un tanque de agua. Estreno 4 de abril

Con Wrong Turn 2: Dead End aún fresca en la memoria del aficionado, la noticia de que Sam Raimi planea producir un concurso de telerrealidad basado en el cine de terror resulta especialmente interesante. Se trata de una decisión de última hora por parte de la cadena norteamericana The CW, que quiere un reality diferente de cara al verano: bajo el título provisional de "13", el programa encerrará a (lo has adivinado) trece concursantes en escenarios inspirados en películas de terror, para después retarlos con pruebas horribles y humillantes hasta que sólo quede el más valiente. Las opciones que están barajando los productores son tan previsibles como, a estas alturas, poco terroríficas: un pequeño pueblo malvado, una cabaña abandonada en el bosque (¿se acuerda de ella, Mr. Raimi?), un campamento junto al lago... Puede que la idea sea explotar los lugares comunes para deleite del fan fatal, pero ahí van unas cuantas sugerencias que podrían hacer de "13" una auténtica experiencia para no dormir:

¡El horripilante piso en el centro de una comedia española para veinteañeros!: Horror más allá de tu imaginación en un entorno confeccionado íntegramente con muebles recién sacados del catálogo Ikea. Los terribles habitantes también te pondrán los pelos de punta con sus diálogos ingeniosos, sus enredos sexuales y su aspecto de cliché con patas (¡El Ligón! ¡El Amigo Friki! ¡La Modelo Tonta!). Además, existe la espeluznante posibilidad de que uno de cada tres provengan de una teleserie de máxima audiencia... ¡¡y se pongan a cantar éxitos de los 80 en un karaoke sin fin!!

¡El pavoroso drama de época! (¡En Keira-Visión!): Regresa a lo que Hollywood considera que debió ser el pasado con estos escenarios de pesadilla, plagados de extras con vestidos ceñidos, directores de fotografía en éxitasis creativo y la ocasional aparición de la aterradora Actriz Joven con Hambre de Oscar y Dicción Infernal. Los que resistan todas las pruebas (que incluyen desafíos tan enormes como "La cámara de la sobreactuación de Ana Bolena"), deberán prepararse para lo peor: una visita a Versalles de la mano de Sofia Coppola, Princesa de las Tinieblas.

¡El Tren del Terror Comprometido de Ken Loach!: Una experiencia que pondrá al límite tu cordura. ¡El Conde Capitalismo! ¡El Monstruo de Tatcherstein! ¡El Hombre Multinacional! Todos los monstruos que alimentan tus pesadillas estarán allí para darte un viaje que nunca olvidarás. Los afortunados concursantes que sobrevivan tendrán que pasar por una turbadora traca final: ¡escuchar el discurso humanitario de Clooney-Jolie-Robbins, la hidra de tres cabezas!

Es posible que ha muchos espectadores casuales les sorprenda que The Incredible Hulk no sea una secuela directa del blockbuster más insólito de 2003, pero el marvelita no debería arquear la ceja: cuando una colección no funciona, lo normal es cambiar al equipo creativo y tomar una nueva dirección. La cinta de Ang Lee era una historia de orígenes que prefería quedarse con Bruce Banner y sus problemas edípicos que acompañar a Hulk en uno de sus paseos altamente destructivos. Con todo, el director de "Deseo, peligro" supo coreografiar al menos una gran secuencia de acción (¡tanques volando por el desierto!) y una clímatica, intensa conversación bajo los focos entre padre e hijo. Cinco años después, el director Louis Letterier y el actor y co-guionista Edward Norton presentan un teaser que promete haber tomado nota de los aciertos de su predecesor... y también de sus errores: Letterier ha anunciado que Banner se transformará por primera vez a los tres minutos de película, mientras que Norton parece mucho más convincente que Eric Bana en la piel de un frágil cinetífico que lucha por contener a la bestia que lleva dentro. Los primeros compases de este avance recuerdan algo a la serie de televisión, con Banner huyendo de sí mismo a través de varios países (Brasil y una montaña nevada, por lo que vemos) y un primer plano de unos ojos verdes que volverá locos a los nostálgicos de Lou Ferrigno. Por el contrario, desde el momento en que el científico salta del helicóptero tras despedirse de Betty (Liv Tyler), las referencias que nos vienen a la cabeza son más contemporáneas: concretamente, el primer volumen de "Los Ultimates", cuya potencia puede haber sido trasladada a ese combate entre Hulk y Abominación (Tim Roth) que, al parecer, ocupará toda la última media hora del metraje (con las fatales consecuencias que, imagino, se derivan para los peatones y el mobiliario urbano de Nueva York).

La presencia de Ty Burrell como el psiquiatra Leonard Samson, ausente en la anterior adaptación, también parece una buena noticia, pero el temor a que el nuevo Hulk cinematográfico vuelva a cargar las tintas en los lamentos del héroe a su pesar no ha desaparecido del todo: ¿le habrá sucedido al director de "Transporter 2" lo mismo que a Sam Raimi? ¿Primarán las frases del estilo "Mi poder es mi condena" y los primeros planos de personajes llorando, o Hulk tendrá libertad para sembrar el caos y la destrucción como sólo él sabe? ¿Y qué hay de un retorno inesperado de los perros gamma de la peli de Ang Lee? ¿Nadie quiere un retorno inesperado de esos perros? Tendremos todas las respuestas en junio, cuando La Masa aplaste otra vez las pantallas del multicines.

Hay una manera de estudiar la evolución de los Rolling Stones que podría complementar a una sesión intensiva de sus discos en orden cronológico: revisar (o, en algunos casos, descubrir) su peculiar filmografía, que acaba de sumar una nueva entrada con Shine a Light, impresionante jam session entre la banda y Martin Scorsese que llegará próximamente a nuestras pantallas. Lejos de la furia del "Gimme Shelter" de los hermanos Maysles o el "Sympathy for the Devil" de Godard, el último documental de los Stones es una pieza más reflexiva, donde las tormentas de energía que desatan en el Beacon Theater de Nueva York se ven complementadas por viajes al pasado (en forma de un material de archivo gloriosamente seleccionado) que funcionan casi como flashbacks en un cómic de superhéroes crepusculares. En ese sentido, los Stones han llegado a un lugar al que el cine beatle nunca pudo llegar, pero eso no signfica que "Shine a Light" sea un documental mustio y deprimente. Nada más absolutamente lejos de la verdad: es la crónica de cuatro músicos que no pueden (ni deben) parar, que siguen manteniendo la misma energía escénica que cuando eran unos jóvenes impresionados por haber durado dos años en el negocio. Sobre el escenario, Jagger, Richards, Watts y Wood son cuatro titanes que siguen hacia delante, llevando con una naturalidad sin precedentes el peso de su leyenda.

Durante sus extraordinarios primeros quince minutos, "Shine a Light" no sólo demuestra que también es una película de Scorsese, sino que incluso podría interpretarse como una película sobre Scorsese. ¿Qué ocurre cuando un control freak se enfrenta a un grupo fundamentalmente anárquico, incapaz de proporcionarle la lista de las canciones que van a tocar hasta segundos antes del concierto? El autor de "Taxi Driver" sabe colocarse discretamente tras las cortinas cuando comienza la actuación, hasta el punto de hacerse casi invisible para el espectador poco atento. No obstante, Scorsese está ahí, sincronizando su sentido de la intensidad con el de Mick Jagger, mimando convenientemente a las estrellas invitadas y logrando que nos sintamos como si realmente estuviésemos en el escenario. El resultado final es una experiencia fundamentalmente satisfactoria, dotada de un arrebatador halo cool —es el mundo de Keith Richards, nosotros sólo vivimos en él— y un puñado de canciones excelentes. Sobre todo, "Shine a Light" me ha servido para derribar algunos prejuicios sobre la etapa más reciente de las carreras de los Stones y Scorsese: con una media de edad de 64 años, estos cinco tíos siguen saliendo ahí fuera para enseñarnos a todos cómo se hace.

Poesía previa:

• Portada de "Hack/Slash: Death By Sequel".
• Costello y los Beastie Boys tocan "Radio, Radio" en el "Saturday Night Live".
• Helena Bonham Carter es Bellatrix Lestrange
• Guitarra Dreamcast
• Método para preservar a los muertos
• Spoon toca "You Got Yr. Cherry Bomb" en el "Saturday Night Live" .
• Póster grindhouse de "Herbie. A tope"
• El hundimiento del HD-DVD

Qué locura de gala, amigos y vecinos. ¡Pero en el buen sentido! De acuerdo, alguien subió el product placement hasta el 11, los montajes nostálgicos se hicieron un poco pesados y las canciones de "Encantada" y de "August Rush" estuvieron a punto de ser más de lo que un hombre cuerdo podría soportar, pero la labor de Jon Stewart y el triunfo de los Coen fueron sólo dos de los muchos alicientes que nos mantuvieron despiertos todo el tiempo. Si viste la gala, échale un vistazo a Helados y Oscars para recordar algunos de los mejores momentos y leer algunos chistes realmente terribles. Quiero dar las gracias a todos los que estuvieron allí durante toda la madrugada, interactuando o simplemente leyendo: juntos, conseguimos hacer frente al sueño, reímos con Seth Rogen, lloramos (de emoción) cuando ganó "Once", vibramos con Javier Bardem, descubrimos que visitar el foro de Canal + era como mirarse en un espejo y nos enamoramos de Helen Mirren (al menos, yo lo hice). De nuevo, gracias a todos por una velada fantástica. Maldita sea, puede que hasta haya recuperado la fe en esto de los Oscar, así que ahí va... ¡Hasta el año que viene!

La madrugada del domingo, a eso de las 2.00 de la mañana, un servidor empezará su primera incursión en el mundo del live blogging con Helados y Oscars, una cuenta de Twitter creada exclusivamente para hacer un seguimiento al minuto de la gala de (lo habéis adiviniado) los Oscar. Se trata de la única ceremonia en años con nominados interesantes, así que la idea de dar un testimonio exhaustivo de ella me parece irresistible a la vez que insensata. Por supuesto, estáis invitados a seguir el evento conmigo e interactuar desde vuestra cuenta de Twitter, aunque lo más probable es que prefiráis revisarlo al día siguiente, después de haber dormido vuestras horas. No os culpo: yo, con una fiesta loca preparada para esta noche y el live blogging para la siguiente, estoy en guerra contra el sueño, pero no hay necesidad de que vosotros también lo estéis.

En suma, Helados y Oscars es una buena opción si no tienes Canal + (prometo chistes sobre los presentadores, casi más que sobre Daniel Day-Lewis) y, bueno, no quieres escuchar la radio. ¿Se beberá el batido del Oscar a Mejor Actor quien-nosotros-sabemos? ¿Tiene "Michael Clayton" más posibilidades de las que parece a simple vista? ¿Alguien duda de que "Ratatouille" se irá a casa con la estatuilla de Mejor Película de Animación? ¿Ganará una actriz secundaria que interpreta a un hombre? Y, lo más importante: ¿será esta la noche de "Norbit" (nominada a Mejor Maquillaje)? Todo esto y mucho más, el domingo a partir de las dos de la madrugada. There will be Red Bull.

Sinceramente, los Oscar nunca me han estimulado demasiado: más allá del glamour de la alfombra roja y los chistes del presentador, ¿qué nos queda? Un puñado de ejecutivos de Hollywood viendo cómo sus producciones, increíblemente aburridas en su mayoría, reciben toneladas de premios. Quizá mi principal problema con las últimas ediciones ha sido, sencillamente, que no me gustaban las películas nominadas. ¿"Chicago"? ¿"Una mente maravillosa"? ¿"Million Dollar Baby"? ¿"Crash"? Ni siquiera "Infiltrados" me estimulaba lo más mínimo a quedarme toda la noche despierto... Salvo el año de "7:35 de la mañana" y Charlie Kaufman por "Eternal Sunshine", nunca he encontrado razones para estar entusiasmado.

Por supuesto, todo eso ha cambiado este año. Mirad la imagen de arriba, con cinco pantallas como cinco solares mañaneros anunciando las nominadas a Mejor Película. Excepto "Michael Calyton", que no pude ver en su día, se trata de un plantel de películas con las que realmente he disfrutado, en lugar de con dramones protagonizados por estrellas comprometidas o musicales para abuelas. ¿Qué ha pasado? No lo sé, pero tampoco me interesa demasiado: quiero vivir el sueño, ya que soy consciente de que algo así sólo me va a pasar una vez cada 20 años (cálculo aproximado). Por tanto, este blog ha pensado en algo especial para la noche del 24 de febrero: una cobertura en directo de la gala a través de Twitter. Lo sé, es una locura, pero así es como empiezan todas las cosas que merecen la pena en la blogosfera, así que he decidido darle una oportunidad. Además, prometo más chistes sobre Daniel Day-Lewis y más puyas a los presentadores de Canal + que la competencia (si la hubiera).

A través de Helados y Oscars, una cuenta creada para la ocasión, iré desgranando las claves de la gala en comentarios de no más de 140 caracteres. El Twitter empezará a postear actualizaciones alrededor de las 2.00 AM de la madrugada del domingo 24 al lunes 25, y hay dos maneras de seguirlo:

• En directo, en tiempo real, incluso interactuando con él a través de tu propia cuenta.
• A posteriori, a modo de testimonio preciso y exhaustivo de gala (la razón por la que no hago esto en mi propio Twitter es que no quiero saturar a mis followers... Twitter... Followers... Twitter... Followers...).

Por supuesto, la primera opción es más divertida, toda una experiencia y convierte al que la siga en un valiente (leerlo al día siguiente, tras haber dormido tus horas, no tiene demasiado mérito). Ya iba siendo hora de que tuviéramos una buena razón para vivir una gala en directo, y Helados y Oscars va a ser mi manera de dejar escrito que hubo un año en que los Oscars molaron. ¡"El Emperados de los Helados" + Twitter + Hollywood! ¿Qué puede salir mal?

... pero nadie lo notaría ni en un millón de años. El primer trailer de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal es la prueba, radiante y despampanante, de que Indy sigue completamente fresco: las dudas, si es que las había, se disipan con esa entrada en sombras, puro Spielberg y (pronostico) un momento clásico en su filmografía desde hoy mismo. Una visita a la actual residencia del Arca de la Alianza, una pista sobre la conexión extraterrestre, unos nativos, un reencuentro con un viejo amor, una villana poderosa (en la foto) y muchas acrobacias con el látigo. Acabo de terminar los parciales de febrero, pero no me importaría que mañana mismo fuese ya mayo. Concretamente, el jueves 22 de mayo.

¿Qué? ¿Diseccionamos el trailer en los comentarios?

1) Son of Rambow: Cualquiera que haya visto los cortos primerizos que M. Night Shyamalan esconde entre los extras de sus DVDs sabrá lo candorosos que pueden llegar a ser los primeros esfuerzos de un cineasta precoz (casi embrionario) por estar a la altura de sus ídolos. Puede que la cima de este subgénero de blockbusters caseros sea ese remake casi plano a plano de "En busca del arca perdida" que se rodó hace algunos años bajo el mecenazgo de Harry Knowles, pero sus artífices ya estaban creciditos y, por tanto, no cuenta. "Son of Rambow" es la crónica (ficticia) de la home movie más ambiciosa jamás rodada: una secuela de "Acorralado" rodada por dos muchachos de la campiña británica en los años 80. El colectivo Hammer & Tongs (es decir, el director Garth Jennings y el productor Nick Goldsmith) cuentan con un presupuesto casi tan ínfimo como el de sus protagonistas, pero su cákida agocida en Sundance 2007 parece indicar que "Son of Rambow" no tiene nada que envidiar a su modélica adaptación de "La guía del autoestopista galáctico". Si tan sólo pudiéramos ignorar ese fantasma de "Billy Elliot" que parece planear a lo largo y ancho del trailer...  Estreno primavera-verano

2) Doomsday: Resulta extremadamente difícil no amar a Neil Marshall: puede que tuviera unos inicios algo titubeantes con "Dog Soldiers", pero logró facturar una de las películas de terror más dignas de la presente década con "The Descent", aquella pesadilla espeleóloga que comenzaba con un accidente escalofriante y terminaba con un velado homenaje a "Carrie". Para su próximo proyecto, Marshall parece haber decidido echar el resto: una aventura post-apocalíptica que, por lo que se ve en el trailer, parece aunar la sensibilidad punk de "Mad Max II" con la ciencia-ficción británica surgida a raíz de "28 días después". Por si fuera poco, Marshall amplía el abanico referencial: el personaje de Rhona Mitra es una versión femenina de Serpiente Plissken, mientras que Malcolm McDowell ha interpretado a un Coronel Kurtz con la convicción de un Rey Lear. Sumémosle planos gratuitos del culo de la protagonista HASTA EN EL TRAILER, y concluyamos que "Doomsday" es, sin lugar a dudas, la película de ciencia-ficción más esperada de la temporada. Estreno por confirmar

3) 21: Lo que pasa en Las Vegas debería quedarse en Las Vegas, pero lo cierto es que no paran de surgir películas que nos lo cuentan, partiendo de la hipotética base de que nos interesa. Por supuesto, hay excepciones ("Fear and Loathing in Las Vegas", el primer y el tercer "Ocean's"), botes salvavidas en medio de un océano de películas de timos y luces de neon que parecen cortadas por el mismo patrón. "21" no va a ser una excepción: uno podría escribir un borrador del guión con tan sólo ver los primeros compases del trailer, más o menos hasta que aparece Lawrence Fishburne y quedan muy claros los derroteros que va a tomar este thriller con Kevin Spacey interpretando a un personaje de moralidad ambigüa (todos sabemos hacia dónde lleva eso). Además, incorporar la canción de Spoon "My Mathematical Mind" para darle un uso tan literal es, bueno, increíblemente pueril. Definitivamente, Jim Sturgess tendrá que esforzarse más para hacernos olvidar "Across the Universe". Estreno 11 de abril

OBJETIVOS DE LA PRUEBA: Medir el nivel de conocimientos del alumno ante el estreno en salas de "No Country for Old Men". Para ello, se utilizará el método patentado por el profesor G. H. Dorr (Phd), consistente en 15 preguntas de dificultad moderada. El alumno deberá responder un mínimo de 9 para aprobar la asignatura, teniendo en cuenta que las respuestas erróneas restan puntos y las parcialmente correctas se consideran automáticamente erróneas.

1) El montador Roderick Jaynes puede ser considerado como el perfecto hombre de confianza para dos directores que sólo se fían de sí mismos. Indique: a) la verdadera naturaleza de Jaynes; b) el número total de películas en las que ha trabajado; y c) el nombre de la gran dama de la política que, según el testimonio de Joel y Ethan Coen, posó desnuda para él en su época como fotógrafo.

2) Señale el número exacto de personajes que vomitan en toda la filmografía de los Coen (incluyendo "No Country for Old Men"), indicando asimismo el título de cada película, el nombre del personaje y el del actor/actriz que lo interpreta.

3) Ethan Coen colaboró en el guión de una película ambientada en el mundo de la lucha libre. ¿Cuál era su título?

4) Explique brevemente en qué consistía la solución que Joel Coen ingenió para sustituir al travelling durante el rodaje de "Poesión infernal" (1981). Señale también cómo aparece acreditado en dicha película.

5) Nombre al menos un título alternativo que se barajase durante el proceso de escritura de "Barton Fink" (1991).

6) Folklore y leyendas urbanas: según algunas fuentes poco fiables, ¿qué famoso artista de la música pop realiza un cameo no acreditado en "Fargo" (1996)?

7) ¿Cómo se llamaba el grupo techno pop de efímero éxito al que pertenecieron los nihilistas de "El Gran Lebowski" (1998)? ¿A qué músicos reales parodia la cubierta de su disco?

8) Indique el título y la fecha de publicación de la novela de Elmore Leonard que los hermanos Coen intentaron adaptar a la gran pantalla.

9) Identifique al actor/actriz y personaje autor de cada una de las siguientes citas:

• "I guess something inside of me died when I realised that you'd hired a goon to kill me".
• "The old man's still an artist whit a Thompson".
• "Fact is... he's anal, Ray".
• "The only good thing you ever did to the gals was get hit by that train!".
• "Well, ma'am, I don't know much, but I know human beings".
• "The call it the 'Uncertainty Principle'. Sure, it sounds screwy, but even Einstein said the guy's onto something".

10) En la introducción al guión de "Arizona Baby" (1987), editado por Faber & Faber en 1988, los hermanos mantienen una tensa conversación (seguramente ficticia) con otro cineasta, su productor y su actor fectiche: indique el nombre de cada uno de los interlocutores.

11) Establezca un máximo de seis grados de separación entre cada una de las siguientes parejas, teniendo en cuenta que ha de pasar al menos una vez por una película de los hermanos Coen:

• Sting y George Clooney
• Robert Redford y David Hasselhoff (1 punto extra)
• Scarlett Johansson y Jennifer Lopez

12) Cite el popular videoclip, dirigido por Jonathan Glazer, que homenajeaba explícitamente una de las secuencias clave de "Sangre fácil" (1984), así como el grupo británico al que pertenece.

13) Cuando visitó España para promocionar "El hombre que nunca estuvo allí" (2001), Joel Coen declinó la oferta de asistir como invitado a un programa de televisión tras escuchar los consejos de su amigo John Turturro, que no guardaba un buen recuerdo del trato que recibió allí años antes (ni, desde luego, de su presentador). ¿De qué programa estamos hablando?

14) Cada uno de los siguientes fragmentos de fotograma pertenecen a una cinta de los Coen. Indique, en cada caso, de cuál se trata:

a)   b)   c)   d)

15) Pregunta de desarrollo: ¿cuál es el contenido de la caja al final de "Barton Fink"? Relaciónelo con el significado simbólico del sombrero de "Muerte entre las flores", la alfombra de "El Gran Lebowski" y el platillo volante de "El hombre que nunca estuvo allí".

FIRMA DEL ALUMNO

Resulta intrigante que dos ejemplos de anti-western tan poderosos como No Country for Old Men y There Will Be Blood hayan coincidido en las carteleras de todo el mundo: quizá los hermanos Coen y Paul Thomas Anderson hayan capturado el zeitgeist casi sin proponérselo, a través de dos perversiones de la Gran Historia Americana que tienen en común bastante más de lo que puede parecer a simple vista. La etiqueta de anti-western no es gratuita: ambas están protagonizadas por unos personajes que podrían considerarse la contrafigura del cowboy modelo Wayne o Cooper. No es que el foco se sitúe sobre el antihéroe crepuscular, como podría ser el caso del "Sin perdón" de Eastwood, sino que ahora es el villano el que cabalga al atardecer por unos paisajes que ya no tienen nada de míticos y una poética de la frontera que, sin embargo, no han perdido ni un ápice de su capacidad metafórica.

Daniel Plainview (la fuerza motriz de "There Will Be Blood") y Anton Chigurh (el asesino insondable de "No Country...") son dos nuevos modelos de anti-cowboy, metonimias de un nuevo tipo de cine del Oeste que aún sigue conservando su capacidad para hablarnos de Norteamérica actual (y, en cierto sentido, eterna) en un código secreto. Quizá la de Anderson sea la más radicalmente pesimista de las dos: relata el nacimiento de una nación en clave antiépica, a través del cruel enfrentamiento entre las dos fuerzas elementales que aún hoy siguen moviendo unos hilos manchados de sangre (y petróleo). Encarnando a ese Capitalismo despiadado está Plainview, un Daniel Day-Lewis que somatiza el proceso de deshumanización de su personaje de una manera estremecedora y casi hipnótica; encarnando a la Religión está Eli, un Paul Dano de mirada inquietante. Anderson toma una postura rabiosamente experimental (su prólogo silente, su dilatación de los momentos anticlimáticos, su insólito clímax final) que, no obstante, da como resultado su mejor trabajo hasta la fecha... aunque sea tan agotador que, al salir del cine, uno sienta como si llevara todo el día perforando en una tierra baldía.

"No Country...", por el contrario, es una de esas películas que dejan al espectador temblando en la butaca durante todos los créditos finales. Los Coen logran facturar otra obra maestra sin aparente esfuerzo, con una depuración de su estilo que podría remitir a "Fargo", pero que realmente está en consonancia con el lirismo seco y la dura épica de Cormac McCarthy. Al contrario que la notable (pero agotadora) "There Will Be Blood", este anti-western tiene un trío de personajes protagonistas que nos provocan algo más que temor e inquietud (aquí, eso es patrimonio exclusivo de Chigurh, un Bardem que camina al lado de la Muerte en cada plano): el Llewelyn de Josh Brolin y, muy especialmente, el sheriff Bell de Tommy Lee Jones hacen que detectemos en el cine de los Coen una humanidad en carne viva que, hasta ahora, no había logrado emerger con tanta fuerza. No hay nada en "No Country..." que sobre ni que falte, no hay un sólo plano o diálogo que admita grandes objeciones: es imperativo ver esta película en cuanto se estrene y, a ser posible, planear un programa doble con "There Will Be Blood". La tentación de quitarnos nuestro polvoriento sombrero de (anti)cowboy será irresistible. 

Cuando se trata de apostar por la película de superhéroes del año, este blog anima a sus lectores a que se posicionen en el bando ganador, es decir, en el bando de Iron Man. A pesar de lo prometedora que resulta la segunda aventura en la gran pantalla de Hellboy (y a falta de ver un avance del reboot de La Masa), Jon Favreau y Robert Downey Jr. son las personas a las que el cinéfago debería confiar su dinero: el anuncio que presentaron ayer durante la Super Bowl (bueno, técnicamente, durante una pausa de la Super Bowl) nos hizo revivir las buenas vibraciones que sentimos cuando apareció el primer teaser trailer, allá por octubre del año pasado. Quizá el secreto sea que Marvel y Paramount no han reciclado demasiadas imágenes de aquel, optando por cargar las tintas en la acción desenfrenada y comprimida al máximo. Así, lo que perdemos en humor (Downey Jr. sólo tiene un one-liner esta vez) lo ganamos en planos enmudecedores y muchas cosas que vuelan/explotan/disparan/vuelan mientras explotan y disparan. Tan brillante como la armadura del Viejo Cabeza de Lata: "El Emperador de los Helados" desea que mañana mismo sea ya 30 de abril.

El resto de anuncios de blockbusters estivales también tienen un nivel excelente, sobre todo teniendo en cuenta lo sucedido el año pasado (el de "300" fue el único gran avance de aquella horrible, horrible noche). Wall•E nos vuelve locos al sumar el factor nostálgia al aparentemente ilimitado arsenal de trucos que tiene su protagonista para robarnos el corazón, la segunda parte de Narnia se ha ganado algo ligeramente parecido al beneficio de la duda (bueno, quizás) y Wanted da todavía más muestras de ese nivel de delirio audiovisual que los fans le exigimos a su director. Lo que hace Angelina Jolie para meterse dentro del túnel casi es tan cool como lo que hace Iron Man con ese tanque. Casi.

Con "Gracias por fumar", el debutante Jason Reitman logró la proeza de firmar una comedia corrosiva sobre un tema extremadamente controvertido... ¡sin ofender a nadie! La Norteamérica liberal alabó su despiadado retrato de una maquinaria industrial que crece exponencialmente sobre los cadáveres de sus usuarios, mientras que los conservadores suscribieron su reflexión sobre si no será el individuo quien, en última instancia, decide canjear su salud a cambio de unos cuantos palitos de cáncer. "Juno" confirma al hijo del director de "Los cazafantasmas" como el anti-Todd Solondz (o el anti-Parker & Stone), es decir, como el cineasta que pone todo su empeño en no dañar ninguna sensibilidad: su conato con la posibilidad del aborto está milimétricamente calculada para que ambos bandos puedan sentirse satisfechos. Sin embargo, quien decida negarle el pan y la sal a esta notable película basándose sólo en su escasa voluntad de transgresión es que no ha entendido lo que en el fondo nos quiere contar. "Juno" es, por encima de todo, la comedia romántica adolescente más singular de los últimos años, una inteligente subversión de los códigos narrativos de la ficción sobre el embarazo teen (normalmente, carne de telefilm lacrimógeno y tremendista) que cuenta a su favor con una serie de elementos sencillamente irresistibles.

El primero de ellos es, faltaría más, Ellen Page. La portentosa actiz hace suyos los ingeniosos diálogos escritos por Diablo Cody (dotados, además, de una idiosincrasia y una agilidad que los acerca al universo "Seinfeld"), construyendo un personaje tremendamente original y sencillamente inolvidable. Predigo disturbios en Los Angeles si no se lleva el Oscar. Su chispeante sentido de la ironía y su arrolladora perspicacia encuentran su complemento perfecto en Michael Cera, casi una declinación teenager del modelo keatoniano, que sigue practicando la comedia de la sutileza (con él, menos es siempre más) que demostró dominar en "Superbad" y la serie "Arrested Development". La química desborda la pantalla cada vez que ambos comparten plano, pero no son los únicos puntos de apoyo de la cinta: la relación de Juno con el futuro padre adoptivo de su bebé (Jason Bateman) también está llena de momentos gloriosos y una cantidad de referencias pop inusual en este tipo de producciones, aunque una revelación final esté a punto de echarlo todo por tierra (Jennifer Garner, a la que le toca el personaje más difícil y más desaprovechado de la función, es quien evita el desastre). Menos pretenciosa que "Lost in Translation" y más divertida que "Pequeña Miss Sunshine", "Juno" puede ser la sorpresa indie de la temporada: bien sabe Dios que podría haber sido la comedia destroyer que reformulara el subgénero adolescente y se limpiara los dientes con sus huesos, pero me gustaría saber quién es capaz de permanecer impasible ante su precioso plano final.

1) Zoo: El 2 de julio de 2005, Kenneth Pinyan, un ingeniero aeronáutico de 45 años, murió de peritonitis en un hospital de Washington. Cuando sus vecinos se enteraron de lo que realmente le perforó el colon, no tardaron en circular frases como "tenían una relación ESTABLO" por una de los 17 estados de Norteamérica en los que la zoofilia está explicitamente prohibida por la ley. El director Robinson Devor y el periodista Charles Mudede se interesaron por una historia que, en primer lugar, les llevó a analizar con qué facilidad pueden quedar diluidos todos los logros de una persona cuando esta es hallada muerta en una situación delicada e incomprensible para el resto, en una faceta de su personalidad que no quería que nadie conociese. "Zoo" es un documental de corte experimental, que ha sido comparado con el cine de Werner Herzog y que, lejos de adoptar una mirada sensacionalista, trata de comprender uno de los tabúes más arraigados de la sociedad occidental. La película intenta que reflexionemos antes de escandalizarnos y condenar algo, pero eso no significa que no podamos ir preparando nuestro mejor chiste/juego de palabras con "El hombre que susurraba a los caballos" de cara a su estreno. Estreno por confirmar

2) Leatherheads: No es una secuela bufa de "La matanza de Texas" (esa se llama "Meet the Leatherfaces" y la estoy escribiendo yo), sino la nueva película como director de George Clooney. Tras la borrachera de solemnidad que supuso "Buenas noches, y buena suerte", resulta agradable ver cómo el hombre de la sonrisa de oro vuelve a un terreno más cercano a "Confesiones de una mente peligrosa", aunque el trailer también indica que no sería descabellado pensar en una comedia similar a la inolvidable "O Brother!" de los Coen. Clooney narra la profesionalización del fútbol americano en la década de los 20 como si se tratase de una screwball comedy, en la que John Krasinski interpreta a la joven promesa del deporte que se interpone en el ping-pong dialéctico/amoroso de Renée Zellweger y nuestro Cary Grant en lugar de Cary Grant. Con un guión en el que ha colaborado hasta Steven Soderbergh y un delicioso estilo visual, "Leatherheads" tiene uno de esos trailers refrescantes que se podrían ver hasta tres veces seguidas: insisto en que, tras su plomizo último trabajo tras las cámaras, esto es una bendición. Estreno 6 de junio

3) Kung Fu Panda: Un teaser tan compacto como este no debería acabar con ese gag tan malo (todos sabemos que el panda de metira va a acabar devolviéndole el golpe gracias a la inercia), pero no desesperemos: "Kung Fu Panda" transmite un sutil mensaje de esperanza para los fans de Jack Black, que no tendrán problemas para reconocer a su ídolo en la piel (y el bañador) de su álter ego animado. Dreamworks Animation parece estar haciendo progresos en lo que a diseño de personajes se refiere: tras los logros en ese campo de la estimable "Madagascar", aquí tenemos un mono con las capacidades acrobáticas de Jackie Chan, un sabio maestro que habla con la voz de Dustin Hoffman, una víbora con trezas para Lucy Liu (¡homenaje geek!) y una tigresa sexy con un aire a Angelina Jolie. Esperemos que todo acabe mejor que con "El espantatiburones", la otra producción Dreamworks en la que coincidían Black y la protagonista de "Sr. y Sra. Smith", en la que unos peces con los rasgos de Christina Aguilera y Missy Elliot acababan cantando una canción. Digamos que, en ese aspecto, "Kung Fu Panda" no va a suponer ningún avance: Timbaland y Hans Zimmer (el Luis Cobos del Hollywood actual) se encargan de la banda sonora. Estreno 11 de julio

Como el matón de instituto que le hace la vida imposible al chico con asma hasta que este se acaba suicidando, los premios Razzie han dejado de tener gracia para convertirse en algo atroz. Uno lee las nominaciones a la edición de este año y no puede evitar pensar que tanta mala uva debería haber sido dirigida contra unas dianas más (in)dignas, en lugar de contra subproductos que no sólo tuvieron una fortuna comercial más bien escasa, sino que además cargan con una retahíla de críticas negativas más que considerable. En otras palabras: los Razzies son menos transgresores y más inofensivos que un comentario sarcástico del Dependiente de la Tienda de Cómics. ¿De verdad necesitábamos que alguien nos recalcara que "Bratz" es una mala película? ¿No deberían dedicarse estos señores a derribar castillos en lugar de a hacer leña del árbol caído?

Quizá el problema fundamental sea que los Razzies se han convertido en el vestigio de una época pre-blogs, en la que no existían medios consagrados a poner verdes a películas como "I Know Who Killed Me" desde el mismo fin de semana de su estreno. Así, tras haber leído todo tipo de puyas sobre el ero-thriller desnortado de Lindsay Lohan, su colección de nominaciones a estos antipremios suena como un chiste que ya dejó hace meses de tener gracia. Los Razzies no han sabido evolucionar, sino todo lo contrario: llevan ya cinco años de profunda involución que, mucho me temo, va a acabar por provocar su desaparición en un futuro no muy lejano. Hay quien dice que la broma dejó de tener sentido en el momento en que Tom Green se personó en la ceremonia para recoger todos y cada uno de los marrones dorados que le cayeron por la profundamente incomprendida "Freddy Got Fingered", hazaña que repitió unos años después Halle Berry como parte de algún tipo de acto de contrición por "Catwoman" (sin gracia ninguna, por supuesto). No es del todo descartable que, este año, Rob Schneider o Cuba Gooding Jr. quieran asistir también: los Razzies ya ni siquiera asustan a quienes pretenden asustar.

Poesía previa:

• Portada de "Hack/Slash: Death By Sequel".
• Costello y los Beastie Boys tocan "Radio, Radio" en el "Saturday Night Live".
• Helena Bonham Carter es Bellatrix Lestrange
• Guitarra Dreamcast
• Método para preservar a los muertos
• Spoon toca "You Got Yr. Cherry Bomb" en el "Saturday Night Live" .
• Póster grindhouse de "Herbie. A tope" .

Volver a la rutina tras las vacaciones de navidad es una de las cosas menos divertidas de la historia, así que evadámonos con el epítome de la evasión pura: James Bond. Precisamente hoy, Barbara Brocolli y Eon Productions han anunciado oficialmente el comienzo del rodaje de "Bond 22" (es tan nueva que aún no tiene título) en los estudios Pinewood, santuario cinematográfico del personaje y auténtica fortaleza inexpugnable para los fotógrafos a partir de esta misma mañana. La primera aventura de 007 tras el reloaded existencial que supuso "Casino Royale" será una secuela pura (se rumorea que la secuencia pre-créditos transcurre minutos después del epílogo de la anterior), que se centrará en los esfuerzos de nuestro hombre para acabar con la organización criminal que le metió en problemas con Le Chiffre y, peor aún, corrompió a la mujer que amaba. Lo que se traduce en un Daniel Craig increíblemente cabreado e impecablemente vestido buscando venganza.

Por ahora, Eon no ha hecho realidad nuestros sueños de que una versión ultimate de Blofeld esté esperando a Bond en algún sofá giratorio, pero ha confirmado que Mathieu Amalric ("Munich") interpretará a uno de los cerebros criminales de esa Superestructura del Mal que se intuía en "Casino", y que alguien lo va a pagar muy caro si al final resulta no ser SPECTRA. Eso en cuanto al departamento de Bang Bang. En el departamento de Kiss Kiss, también tenemos muy buenas noticias: ayer se confirmaba que la joven actriz británica Gemma Arterton, estrella de la nueva versión de "St. Trinians" (el "Casino Royale" de las películas de escuelas para jovencitas inglesas), interpretará a un interés romántico pasajero de 007, algo así como la Chica Bond de calentamiento. Hoy ya sabemos quién será la atracción principal: Olga Kurylenko (en la foto), protagonista femenina del accidente ferroviario conocido como "Hitman". Su personaje, Camille (¿alguien se imagina el apellido con doble sentido que acompañará a este nombre?), es una chica misteriosa que desafía a nuestro agente y le ayuda a sobrellevar las consecuencias emocionales de la traición de Vesper. En otras palabras: "Oh, James".

1) Los crímenes de Oxford: La última vez que Álex de la Iglesia rodó fuera, el resultado fue la película más extrema e incomprendida de su carrera. En cambio, no parece que "Los crímenes de Oxford" esté destinada al mismo panteón de las obras de culto que ocupa "Perdita Durango", sino todo lo contrario: puede ser ese gran éxito internacional que el director bilbaíno llevaba tiempo persiguiendo. Basada en la novela "Crímenes imperceptibles" (rebautizada en nuestro país con el título de la película), del escritor y matemático argentino Guillermo Martínez, la octava película de De la Iglesia posee un trailer que mezcla la espectacularidad de los nuevos thrillers con coartada histórico-intelectual (en este caso, una serie de asesinatos relacionados con fórmulas lógicas) con la excéntrica energía visual de su director, que cuenta con Elijah Wood (y su eterna expresión de perplejidad) como gran baza comercial, con John Hurt como garantía de elegancia, con Leonor Watling y Julie Cox como intrigantes presencias femeninas y con Domique Pinon como seguro robaplanos (maldita sea, sólo necesita abrir la boca para convertirse en la imagen más memorable del trailer). ¡Ah, y Alex Cox! Al final, puede que sí tenga algo que ver con "Perdita Durango"... Estreno 18 de enero

2) 10.000: La Casa Blanca volando por los aires, Nueva York bajo el terror del monstruo (y, eh, de sus crías), la Estatua de la Libertad hundida bajo numerosas capas de nieve... El director Ronald Emmerich, algo así como la alternativa descerebrada a Steven Spielberg, siempre ha sido un especialista en lo que la jerga de Tinseltown denomina money shots, es decir, esos planos estratégicamente colocados al final de un trailer que consiguen disparar las espectativas y hacernos pasar por taquilla el mismo día del estreno. Con "10.000", no hay ninguna duda: ¡mamuts! ¡Cientos de mamuts! ¡En estampida! Emmerich es lo suficientemente astuto para saber qué es exactamente lo que el público le va a pedir a una película de aventuras prehistóricas, razón por la que tenía a dos factorías diferentes de efectos especiales diseñando a las criaturas desde 18 meses antes de rodar la primera toma. El trailer parace mostrar a las claras que tamaño derroche digital valió la pena, además de suponer una suerte de nirvana del money shot : sigue paso a paso el esquema "Héroe popular de tiempos remotos" que parece formar parte del zeigest contemporáneo, pero con un aroma a pulp de bárbaros y a serie B de gran presupuesto. Tigres con dientes de sable que rugen al ver a Camilla Belle. Estreno 14 de marzo

3) The Machine Girl: Hay conceptos que le obligan a uno a pararse, golpearse la frente y pensar: "¿Por qué no se me ocurrió a mí antes?". YouTube es uno de ellos. "The Machine Girl" es otro. Nada tan sencillo como organizar una tormenta de ideas tras ver "Evil Dead II" y "Kill Bill" en un programa doble y llegar a la conclusión más lógica, pero las ideas más sencillas suelen ser también las que sólo se encuentran al alcance de mentes privilegiadas. Es cierto que un halo de heterodoxia impostada (o de lo que unos orientales astutos piensan que puede ser la idea que tenemos los occidentales de heterodoxia oriental, gracias por no haberte perdido a mitad de la frase) sobrevuela el conjunto, pero conviene recordar que ese es precisamente el espíritu de la explotación post-Tarantino, que no es lo mismo que la explotación de Tarantino (la de mediados/finales de los 90) y, desde luego, está más allá de la explotación pre-Tarantino. "The Machine Girl" habla en un lenguaje sólo apto para aquellos iniciados que ya hayan superado ese lenguaje, pero que están encantados de volver a él. Que lo están deseando, de hecho. Estreno por confirmar

Resulta algo frustrante que, por culpa de la proverbial ceguera de nuestras distribuidoras, vayamos a descubrir a uno de los cineastas británicos más interesantes del momento justo por el final. This Is England (estreno el próximo 4 de enero) es la última pieza de su corpus creativo, una brutal depuración de estilo que prescinde casi por completo de artificios y nos ofrece a un Shane Meadows en carne viva: para apreciar del todo su sentido, es conveniente que uno se haya familiarizado de antemano con un cine que trata, fundamentalmente, de la ira, de la rabia que provoca la sensación palpable de haber perdido algo por el camino. En cierto sentido, "This Is England" supone el fin de un largo periodo de búsqueda, a través del cual Meadows ha acabado por encontrar su propia voz y atreverse a cantar con ella, a pleno pulmón y sin miedo a desafinar.

Nadie lo hubiera pronosticado a tenor de sus primerizos cortometrajes, "Where's The Money, Ronnie?" (1996) y "Small Time" (1996), humoradas sobre criminales de poca monta que parecía inspiradas en tiras británicas del estilo "Bash Street Kids" y que, con el paso del tiempo, casi se pueden considerar como antecedentes del cool noir de Guy Ritchie. No fue hasta TwentyFourSeven (1997), su primer largometraje, cuando el cineasta comenzó a definir las claves temáticas y estéticas que regirían el resto de su filmografía (especialmente, un inmenso sentido de la camaradería masculina y una voluntad de convertirse en cronista oficial de sus Midlands natales). A Room for Romeo Brass (1999), Dead Man's Shoes (2004) y "This Is England" forman una concisa Trilogía de la Ira, interrumpida sólo por el neo-western romántico Once Upon a Time in the Midlands (2002). Si las viésemos seguidas, no dudaríamos en aceptar que el mote que se le suelen adjudicar a Meadows, Midlands Scorsese, es más que justificado: el fantasma de Travis Bickle sobrevuela este devastador tríptico sobre el dolor de la nostalgia, el lado (muy) oscuro de la infancia y la insoslayable figura del padre ausente. Thomas Turgoose, el portentoso niño protagonista de "England", podría ser la perfecta metáfora del cine de Meadows, enérgico y sombrío como pocos. Parece mentira que por aquí hayamos tardado tanto en enterarnos.

No, aún no he empezado con Rant, la última novela de Chuck Palahniuk, pero supongo que escribiré un post cuando la acabe y que, de algún modo, seréis los primeros en saberlo. De lo que quería hablaros es de las futuras adaptaciones al cine de dos de sus obras, algo que no ocurría desde 1999 (y, teniendo en cuenta el status de filme de culto que rodeó a "El Club de la Lucha" desde poco después de su estreno, resulta harto inexplicable que no hayamos hablado de esto antes). La primera de ellas es "Asfixia", que parece haber estado rodándose en secreto a lo largo de los últimos meses y que, atención, se presentará oficialmente en el próximo Festival de Sundance (donde, por cierto, también estará "Los cronocrímenes": ¡enhorabuena!). ¿Las malas noticias? Lo más reseñable del currículum de su director es que está casado con Jennifer Grey y el presupuesto fue, según las fuentes, realmente mínimo. ¿Las buenas noticias? Sam Rockwell interpreta al protagonista, Victor Mancini, y Anjelica Huston a su madre. Para el que no la haya leído, "Asfixia" es una de las novelas más recomendables para regalar durante la inminente temporada navideña, una aparente comedia negra sobre la adicción sexual que va desvelando progresivamente nuevas y sorprendentes capas de significado. En Twitch tienen más información acerca del proyecto, además de una foto en mayor resolución que la que acompaña a este post.

La segunda posible adaptación palahniukiana es para echarse a temblar: Francis Lawrence está escribiendo un borrador basado en "Superviviente", posiblemente la mejor obra del autor. No me malinterpretéis: no soy uno de esos blogueros que odia a Lawrence porque sí. De hecho, reconozco los aciertos estéticos de la (con todo) mediocre "Constantine" y espero con gran impaciencia su versión de "Soy leyenda", pero no creo que sea el más indicado para llevar al cine esta novela en concreto. Al fin y al cabo, estamos hablando del responsable último de la suavización de carácter a la que fue sometido el personaje de John Constantine, por lo que el peligro que corre un texto tan incendiario de ser endulzado es considerable (recordemos que el 11-S congeló un intento previo de convertir "Superviviente" en película). De todas maneras, aún es pronto para llevarse las manos a la cabeza: cruzaremos el puente de la mala adaptación palahnukiana cuando lleguemos a él. Mientras tanto, tenemos más que suficiente con "Hitman", capaz de provocar que los fans de la saga monten un Proyecto Estragos únicamente para torturar a sus responsables.

"Harold & Kumar Go to White Castle", una de las mejores comedias de 2004, tiene ya una secuela lista para ser lanzada: Harold & Kumar 2, que puede o no acabar titulándose "Harold & Kumar Escape from Guantanamo Bay", pone a nuestros héroes en la difícil situación de coger un avión para ir a Amsterdam y descubrir, antes de que se ponga en marcha, que el fantasma del 11-S sigue vivo. Pero no os preocupéis: es una comedia, con el gran Rob Corddry y el reincidente David Krumholtz como secundarios confirmados. Por supuesto, el espectacular, insuperable teaser poster anuncia el retorno (casi una segunda venida) de NPH, demiurgo de las vidas de Harold y Kumar, presencia mágica que les acompañará en el (es de suponer) extremadamente accidentado viaje a su Arcadia particular (Harold encontrará allí a su amada María, mientras que Kumar... bueno, lo cierto es que Kumar también. Gracias, estaré aquí toda la semana).

Aprovecho también para anunciar que mañana, a las 10:00 en punto (el Eliterreloj no bromea), aparecerá publicado mi segundo análisis futuramero en EliteVisión: he pulido algunas cosas y he incorporado otras muchas (entre ellas, el mensaje y el cartoon que abren cada episodio), porque esto es un work in progress y vosotros me ayudáis a mejorar. Para cuando llegue al último post, allá por 2027, calculo que el análisis de la serie habrá alcanzado la más pura perfección. Mientras tanto, os recuerdo que hay que visitar EliTV a diario: a mí, personalmente, me está sirviendo para descubrir series nuevas, comenzar a apreciar algunas con las que no conecto (por ejemplo, "The IT Crowd") y, en suma, ver la tele con otros ojos.

1) Juno: La segunda película de Jason Reitman ganó el gran premio de la Festa Internazionale de Roma y se estrena este mes en un número reducido de salas de su país. Con estos dos datos, uno se puede hacer una idea de que "Juno" es la clase de comedia filo-independiente norteamericana que parece pensada para conquistar al público europeo (no en vano, también arrasó en el Festival de Toronto, otro signo inequívoco de su naturaleza). Su trailer, que preludia un tono equidistante ente "Gracias por fumar" y "Thumbsucker", no sólo confirma ese teoría, sino que también promete convertir a su protagonista Ellen Page en toda una actriz: su papel de adolescente (accidentalmente) embarazada que intenta descubrir dónde encaja con grandes dosis de cinismo es uno de esos regalos por los que toda joven promesa sería capaz de matar. La acompaña (además de una calculada banda sonora indie rock) un reparto aún más estimulante que el de la primera cinta de su director: Michael Cera, Jason Bateman, Rainn Wilson, Jennifer Garner, Allison Janney y J.K. Simmons. El guión está firmado por Diablo Cody, seudónimo de una escritora y bloguera estadounidense que ha declarado en varias ocasiones que la diferencia entre "Knocked Up" y "Juno" es que, en la segunda, el embarazo de la protagonista sólo es una excusa para hablar de algo mucho más interesante. Estreno 22 de febrero

2) Chrysalis: La cirugía plástica del futuro podría hacer mucho más que transformar nuestra apariencia física: también sería capaz de reconfigurar nuestra identidad. Este es el estimulante punto de partida de "Chrysalis", inminente cinta de ciencia-ficción gala que pone un diseño de producción muy post-"Minority Report" al servicio de una trama detectivesca enmarcada en la tradición del polar. Su trailer destaca, además de la belleza de Mélanie Thierry, la transformación de Albert Dupontel en inusual héroe de acción: si contásemos los planos se le ve dando o recibiendo buenos golpes, tendríamos que deducir que estamos ante una cinta de acción/SF al más puro estilo Arnie. No obstante, imágenes tan elegantes y evocadoras como la de los brazos interactivos nos traen a la memoria "Cypher" y su loable intención de hermanar el gran espectáculo con un modelo de ciencia-ficción avanzado y eminentemente cerebral. Estreno 14 de diciembre

3) Jumper: Doug Liman ha llegado a la conclusión de que el héroe no tiene por qué ser el protagonista de sus películas, sobre todo cuando uno puede elegir centrar toda su atención en un arquetipo tan fascinante como el del antihéroe. De esa reflexión nace "Jumper", uno de los estrenos más estimulantes de 2008: no sólo puede suponer la inauguración de una nueva franquicia, sino que preludia un tono fresco e innovador que ya dábamos por perdido en las grandes superproducciones norteamericanas. Hayden Christiensen y Jamie Bell son los dos adolescentes con poderes que encabezan esta adaptación de las novelas de Steven Gould, en las que el teletransporte no sólo sirve para perder el mínimo tiempo posible en levantarse del sofá a coger un refresco, sino también para orquestar peleas que se desarrollen en varios continentes de manera casi simultánea (el Coliseo romano y las pirámides egipcias son algunos de los escenarios escogidos por Liman para dejarnos con la boca abierta). Si a eso le sumamos un Samuel L. Jackson con pinta de villano pulp (¡su trabajo consiste en matar a los jumpers que se han vuelto demasiado poderosos!), el resultado es, sin duda, un caballo ganador en todas las apuestas.  Estreno por confirmar

Los falsos carteles grindhouse llevan meses dando vueltas por toda la blogosfera, pero estos (desarrollados por MGM y The Groove Guide) son algo desconocidos y, probablemente, los mejores. Este Herbie torvo ("infierno de lesbianismo y drogas") es sencillamente perfecto, pero no debemos pasar por alto la versión Russ Meyer de "Amelie", el "Apocalypto" que Mel Gibson realmente tendría que haber dirigido y la blaxplotation chunga de "Top Gun". Para perder el sentido.

Inaugurar una nueva sección (en este caso, aperiódica e inusual) siempre da algo de vértigo, pero mucho más si se hace con material tan altamente controvertido como el que estoy manejando hoy aquí. El primer programa doble insospechado que propone este blog está integrado por dos cintas de ciencia-ficción que comparten una voluntad de incomodar a través de un mensaje que rehúsa la obviedad, una anómala capacidad para hacer que nos sintamos útiles como espectadores, un estreno marcado por la incomprensión general y a Nicole Kidman. Tanto la vitriólica Las mujeres perfectas (Frank Oz, 2004) como la áspera Invasión (Oliver Hirschbiegel, 2007) son dos reflexiones sobre la identidad en la era del simulacro que pagaron muy caro el precio de salirse de los límites marcados por su condición (producto para llenar multisalas con espectadores sin ningún ánimo de hacerse preguntas) y han acabado en el limbo de los fiascos inmerecidos.

Quizá el denominador común que mejor enlaza las dos partes de nuestro programa doble es su condición de remakes rebeldes: "Las mujeres perfectas" transforma el thriller conspiranoico de Ira Levin y Bryan Forbes en comedia satírica, mientras que "Invasión" escapa de la previsible (y, a estas alturas, incluso inocua) alegoría política para proponer una metáfora de largo alcance e intenciones aún más perturbadoras. Al final, la jugada le sale mejor a la primera, que tiene el privilegio de contar con Paul Rudnick, guionista astuto y perverso donde los haya, capaz de colarnos a través de la comedia un mensaje desesperanzador: básicamente, que nadie puede parar a Stepford, y que el proceso de clonación, despersonalización y envasado al vacío del entorno social ya se ha puesto en marcha en la vida real. Las esposas-robots del filme de Frank Oz riman con los urbanitas-ultracuerpos de "Invasión", en la que Nicole Kidman vuelve a testar los límites de permisividad hacia el individualismo que tiene una sociedad (la nuestra) cada vez más tendente a la homogeneización y a una forma ferozmente silenciosa de profilaxis. Pero esta nueva versión de la inagotable novela de John Finney no se detiene ahí, sino que se plantea algo más ambicioso que la mera referencia coyuntural al contexto socio-político (lo que, admitámoslo, hubiera sido el camino fácil): a través de la conversación con el diplomático ruso y el posterior enfrentamiento con el Daniel Craig ultracuerpo, "Invasión" pone de manifiesto una muy incómoda voluntad de preguntarse qué es lo que realmente nos hace humanos. El aparente final feliz no podría ser más significativo, ni más valiente: por primera vez, una versión de "La invasión de los ultracuerpos" deja en el aire la pregunta de si no hubiera sido mejor convertirnos en vainas, además de la posibilidad de que el virus seamos nosotros. Un mensaje controvertido, que incluso puede ser interpretado como una fábula reaccionaria (la violencia, la guerra es lo que de verdad nos hace humanos, para bien o para mal), pero que genera debate y plantea dilemas morales, en lugar de predicar para el converso con una manida (y, a estas alturas, casi políticamente correcta) parábola anti-Bush.

Por supuesto, ninguna de las dos películas son completamente brillantes: esos problemas durante el rodaje que parecen acompañar a su actriz protagonista se notan en el resultado final. Quizá "Invasión" fuera la que salió peor parada, con Joel Silver preocupado por el denso montaje que le entregó su director original y James McTeigue (nuevo hombre de confianza del productor) volviendo a rodar en la sombra demasiado material como para no figurar en los créditos. Es la película más imperfecta del programa doble y no aguanta una comparación con las versiones de Don Siegel y Philip Kaufman, pero no deja de ser un resfrescante ejemplo de ciencia-ficción intrépida y heterodoxa, que resulta ideal para ser aplicado después de haber disfrutado con "Las mujeres perfectas" y su desopilante defensa del feminismo (posmoderno) como una opción nada repelente y muy defendible, tal como están las cosas. Cine apocalíptico en el seno de Hollywood. Benditas rarezas.

La WGA podrá ponerse como quiera, porque Hollywood siempre tiene guardados algunos ases en la manga. En caso de que ocurra lo peor y la huelga se prolongue durante meses, estos son los proyectos estrella de los grandes estudios de cara a finales de 2008/principios de 2009, así como los finales alternativos (o, si lo prefieres, rodados a toda prisa) de tus series de televisión favoritas:

◊ Star Wars: The Ordinary Edition
George Lucas siempre tiene preparado un plan de emergencia cuando se trata de ganar dinero: ¡experimenta la trilogía original, tal y como estaba antes de que las ediciones especiales trastearan las cosas! De nuevo, Han dispara primero, el holograma del Emperador parece un chimpacé y las criaturas conservan su atractivo rudimentario. ¡Además, ni rastro del fantasma de Hayden Christiensen al final del "Jedi"! Hace mucho, mucho tiempo, las cosas se hacían sin CGI: considera "Star Wars: The Ordinary Edition" como un viaje a esa galaxia lejana.

◊ Saw V: European Jigsaw
¡Si ruedas en otro contiente, los sindicatos no pueden tocarte! Horrorízate con el salvaje viaje a Amsterdam que Jigsaw (Jean Reno) realizó años antes de la primera película. Con un equipo y un reparto completamente europeos, "Saw V" ignora alegremente (¡aún más que la cuarta entrega!) el concepto de continuidad para ofrecernos las primeras trampas realizadas por nuestro moralista sangriento preferido. (NOTA: dependiendo del estado del Euro, este proyecto podría pasar a titularse "Saw V: Oriental Jigsaw" o "Saw V: Australian Jigsaw". Sea como sea, Jean Reno se mantiene a bordo).

◊ Lost: Alternative Ending
Después de todo, puede que el purgatorio no fuera tan mala idea...

◊ Security-Cam: The Movie
Dos horas de verdadero drama en estado puro, sin directores, actores ni guionistas: sólo gente real, teniendo problemas reales mientras es espiada por cámaras de vigilancia reales. Algunos highlights incluyen: "Viejecita agarrada a su bolso mientras un motero se lo intenta arrebatar", "Político conservador pagando por sexo en un aparcamiento" y el clásico intermporal "Agresión racista en las calles de un barrio marginal" (así como su emocionante secuela, "Agresión racista en el metro").

◊ Heroes: Alternative Ending
En un sorprendente giro argumental, descubrimos que la mente maestra detrás de todo no es otro que... eh... Bigotitos, el perro de los Bennet, en estrecha colaboración con... los franceses, por ejemplo. Y algún país de Oriente Medio. Y el cambio climático.

◊ Totally Paris
Las cámaras siguen día y noche a la encantadora Paris Hilton durante sus quehaceres diarios. Deberá someterse a varios remontajes para poder obtener la calificación "R", pero creemos que valdrá la pena.

◊ The Fountain: The Studio Head's Cut
¿Alguién entendió algo? En serio, ¿de qué iba todo aquello? Ahora que los directores pedantes por fin se quitan de en medio, los estudios pueden estrenar sus versiones: 85 minutos de violencia y palabrotas (añadidas), con un 57% más de Hugh Jackman sin camiseta y las disertaciones teológico/existencialistas sustituidas por escenas de coches chocándose.

◊ The Chevy Chase Show Redux
Con Colbert, Conan, Letterman y Leno fuera de juego, sólo hay un hombre que pueda tomar las riendas de las noches televisivas. Sin los principios suficientes como para ser considerado un esquirol, Chase retoma su programa donde lo dejó: hora y media diaria de improvisaciones, cien por cien sin guión. Sólo él, un pastel gigante, una canasta de baloncesto y un sentido del humor que hará que el espectador experimente una redefinición del concepto "incomodidad".

Enganchado como estoy a la música de Blind Lemon Jefferson, decidí darle una segunda oportunidad (en forma de camino hasta el videoclub) a una película que, en su momento, estuvo a punto de hacerme perder la fe. Sobre el papel, "Black Snake Moan" tenía que haber sido la película del año: tras debutar por todo lo alto con la sorprendentemente sólida "Hustle & Flow", el director Craig Brewer se arriesgaba con un segundo proyecto aún más ambicioso, ambientado en el Sur Profundo de Estados Unidos y cimentado sobre un electrizante enfrentamiento entre el Pecado (Christina Ricci) y la Fe (Samuel L. Jackson). Tanto el trailer como los insuperables pósters prometían una película capaz de hacernos sudar, de meter el dedo en la llaga, de dinamitar algún tabú y de llegar hasta el final. Contra todo pronóstico, "Black Snake Moan" acabó convirtiéndose en lo que el crítico británico Damon Wise definió como "un cuento de hadas conservador", tanto que uno no sabía muy bien si estaba contemplando una apología de la adicción sexual o todo lo contrario. O ambas cosas a la vez. O nada de lo anterior.

Para mí, el principal problema está en que Brewer no se atreve a llevar hasta sus últimas consecuencias la poderosísima química que existe sus dos intérpretes principales: "Black Snake Moan" debería haberse centrado en el cautiverio al que un viejo cantante de blues con el corazón más que roto somete a una joven white trash con un desaforado apetito sexual. El resto de los personajes tendrían qye haberse mantenido en segundo plano, en lugar de interferir constantemente en la relación entre dos polos opuestos que deberían haber gozado de mucho más tiempo en pantalla para ellos solos. Así, la prisionera y el guardián (o, si lo preferís, la esclava y el amo) no pueden desarrollar satisfactoriamente su juego psicológico de atracción/repulsión, por lo que la conexión final entre ambos parece forzada y bastante poco creíble. Al final, "Black Snake Moan", que debería haber sido una pieza para dos intérpretes, se convierte en un catálogo de sureños pintorescos, desde el pastor temeroso de Dios hasta el joven cabezahueca que se alista en el ejército sin saber muy bien si tendrá estómago para soportarlo, pasando (lamentablemente) por el padre-que-abusa y la madre-que-consiente, rescursos que todo guionista cobarde tiene a mano cuando desarrolla un personaje como el de Christina Ricci. No es de extrañar que, con tantas interferencias en forma de clichés con demasiado tiempo en pantalla, el mensaje acabe resultando confuso e incluso algo desconcertante. Es una pena que Brewer sabotee de esta manera su propia película, en lugar de dejar que sus dos protagonistas laman sus heridas a ritmo de blues: mientras Jackson toca su guitarra y Ricci escucha la música, "Black Snake Moan" parece la película del año.

Inspirada en el cómic de Mark Millar y J.G. Jones, Wanted es la película de la semana en la Red: no hay más que contar la cantidad de blogs y webs de cine que se han hecho eco de la aparición de su trailer y sus primeras fotos, aunque (justo es decirlo) la mayoría lo hayan hecho porque se trata de la nueva película de Angelina Jolie. Un servidor espera que sea algo más, no sólo porque le encanta la miniserie original, sino porque forma parte del club de fans español de "Guardianes de la Noche / Guardianes del Día". Mejor dicho, formaría parte de ese club de fans en el caso de que existiera. Maldita sea, hasta estaría dispuesto a fundarlo personalmente.

Por lo que parece, el director Timur Bekmambetov ha desembarcado en Hollywood con sus ganas de armarla intactas: el trailer de "Wanted" está repleto de imágenes que parecen ignorar festivamente las leyes de la Física, como ese plano cerradísimo de un tipo atravesando un cristal a cámara lenta o el tráveling digital que acompaña a la Jolie mientras desciende por la parte superior de un tren. Por si fuera poco, esta historia de asesinos enfrentados entre sí se antoja como el campo de pruebas perfecto para que Bekmambetov siga profundizando en esa corriente de coolización de las armas de fuego que ha iniciado este año la portentosa Shoot 'Em Up. Los integristas de la viñeta lamentarán que los personajes del "Wanted" cinematográfico no sean supervillanos con disfraces y un impresionante tejido referencial, pero es que la obra de Millar y Jones no admitiría una adaptación literal que no estuviera condenada al fracaso. En marzo de 2008 veremos si la promesa de "Guardianes del Día" (todo lo que "X-Men 2" siempre quiso haber sido) se cumple, porque Bermambetov es uno de los directores en activo más capacitados para llevar un cómic a la pantalla. Aunque parezca que está haciendo otra cosa.

"It", de la película basada en la novela de Stephen King, es el psicópata más aterrador que puede haber para... un niño. Imagínese, un niño de cuatro años que adora los payasos, se encuentra con una película en la que (la escena principal la tenía grabada en mi mente), en un momento dado, el payaso (Pennywise) le arranca la mano de un mordisco y se lo come, todo por un maldito globito. Daba la casualidad de que al niño el que le arranca la mano se llama Giorgi, que, digamos, es como a veces me llamaban mis padres. Es decir, me sentía identificado y pensaba: "¿No seré yo su próxima víctima?". Lo que más me llama la atención es que se me ha quedado clavado en el subconsciente, que el 90% de las pesadillas que sigo teniendo son con él, con ese maldito psicópata de payaso que me aterra. Nunca he podido terminar de ver la película: ese es el motivo por el cual es mi psicópata favorito, alguien capaz de permanecer en tus pesadillas tanto tiempo, en mi subconsciente. "¿Quieres un globito, Giorgi?": a partir de esa frase, me plantée reír o llorar con los payasos; creo, que hasta hace unos años, elegñi llorar. Cada vez que veo la portada del DVD en Fnac, me cago.

- Por Salanova, el hermano de Damien Thorn
(Por cierto, el payaso acaba resultando ser un monstruo extraterrestre).

Llevamos una semana celebrando la gloria de algunos de los más grandes asesinos psicópatas de ficción, pero... ¿qué hay de sus víctimas? Un monstruo asesino no tendría sentido sin su scream queen, ambos son un binomio armónico que ha ido propulsando el género de terror prácticamente desde el principio. Sirva este Top 10 de homenaje a las víctimas (y a las que acabaron erigiéndose final girls), a las actrices que sólo necesitaron gritar para convertirse en iconos inmortales.

10 Sarah Michelle Gellar. He aquí una chica con dos personalidades bien definidas: mientras que, en su etapa televisiva, se caracterizó por poner a raya todas las semanas a vampiros y demonios; en su carrera cinematográfica se ha dejado asustar por ellos con mucho gusto. De hecho, SMG comenzó a encarnar a Buffy Summers en 1997, el mismo año en que se estrenaron "Sé lo que hicisteis el último verano" y "Scream 2", sus incursiones en el universo del guionista de moda (por aquel entonces) Kevin Williamson. Después de eso, Sarah ha seguido sufriendo ante el acoso de lo sobrenatural en "El Grito" (2004) y su secuela, en la que tenía el buen gusto de desaparecer durante los primeros compases. Su último papel de scream queen ha sido en "El Regreso" (2006), tedioso thriller psicológico que volvía a utilizar la esquizofrenia como giro final. Si no fuera por "Scooby-Doo" (2002) y la inminente "Southland Tales" (2007), casi sería legítimo hablar de encasillamiento...

9 Fay Wray. La abuela espiritual de Mary Elizabeth Winstead (por nombrar a una heredera ilustre). Pese a haber protagonizado tantas películas que da vértigo mirar su ficha en IMDb y haber conocido a más de un monstruo a lo largo de su vida (por ejemplo, a Eric von Stroheim), Fay siempre estará ligada a una película y a un monstruo concretos: "King Kong" (1933). Su icónica imagen desvalida en las gigantescas manos del gorila, unida a sus alaridos de pavor, marcó el comienzo del reinado del grito en Hollywood: la damisela en peligro funciona siempre, sea cual sea el contexto histórico. Naomi Watts tomó el relevo en el remake de 2005, pero Fay murió poco antes de poder entregárselo en persona (Peter Jackson ya había planeado un cameo para ella).

8 Soledad Miranda. No tanto una scream queen como una auténtica vampiresa, Soledad pasó a la historia como a actriz que, de no haber existido, posiblemente hubiera sido inventada por Jesús Franco. Por si su papel en "Vampyros Lesbos" (1970) no fuera suficiente para convertirla en icono pop, la muchacha también tuvo una breve carrera como cantante ("Lo que hace a las chicas llorar" es un éxito subterráneo) y una muerte trágica que ya se ha convertido en leyenda: poco después de rodar una película con el tío Jess y de firmar un contrato estelar con una productora alemana, Soledad sufrió un fatal accidente de tráfico en Lisboa. Lo que significa que murió joven, pero que, en cierto sentido, se hizo inmortal.

7 Jennifer Love Hewitt. No es necesario que una scream queen se haya pasado media vida rodando películas de terror para ser merecedora de su corona: en este caso, sólo fueron necesarias las dos primeras partes de una saga que, desde entonces, ha seguido perpetuándose a través del DVD. "Sé lo que hicisteis el último verano" (1997) y "Aún sé lo que hicisteis el último verano" (1998) llegaron en una época perfecta para convertir a su protagonista en una auténtica reina del grito, papel para el que parecía haber nacido. Desde entonces, se siente mucho más cómoda con las presencias de mal rollo, hasta el punto de actuar como su confidente en la popular serie "Entre fantasmas", el bote salvavidas de su carrera. De todos modos, el título provisional de su próximo proyecto cinematográfico sí que da miedo: "She Had Brains, a Body, and the Ability to Make Men Love Her".

6 Dee Wallace-Stone. Uno de los muchos cuasi-cameos de culto que puntúan el "Halloween" de Rob Zombie corre a cargo de esta dama del cine de terror, que interpreta a la madre adoptiva de Laurie Strode. El director sabía muy bien lo que se hacía al ficharla: aunque siempre será más recordada por su papel de madre divorciada en "E.T., el extraterrestre" (1982), Dee ha protagonizado clásicos del terror como "Las colinas tienen ojos" (1977), "Aullidos" (1981) o "Cujo" (1983). Su marido, Christopher Stone, murió de un ataque al corazón mientras ella rodaba "Agárrame esos fantasmas" (1996) en Nueva Zelanada, lo que no deja de tener su halo inquietante...

5 Marilyn Burns. Aunque nació en Pennsylvania, Mary Lynn Ann Burns vivió en Texas durante toda su infancia y adolescencia. ¿Quién mejor que ella para recorrer los bosques de tan emblemático estado, con un psicópata y su sierra mecánica a tan sólo unos pasos por detrás? "La matanza de Texas" (1974) la convirtió para siempre en Sally Hardesty, de cuya sombra no ha logrado desprenderse jamás. Como demuestra su pequeño papel en "Eaten Alive" (1977), la siguiente película de Tobe Hooper, Marilyn siguió orbitando en torno al cine de terror: hasta conseguió el papel de Linda Kasabian en "Helter-Skelter" (1976), película para la televisión inspirada en los asesinatos del 10050 de Cielo Drive. ¿Leatherface y Charles Manson? ¡No está nada mal! Marilyn tuvo un cameo testimonial en "La matanza de Texas: La nueva generación" (1994), pero aún no sabemos qué opina de la interpretación de Jessica Biel en el remake de 2003.

4 Elsa Lanchester. ¡Ninguna lista de scream queens podría estar completa sin la novia de Frankenstein! Su reacción al contemplar el monstruo con el que dos científicos locos la quieren emparejar la convirtió, casi de inmediato, en una figura inmortal del terror cinematográfico: no hay más que ver la popularidad que tiene su peculiar peinado (uno de los iconos de la Universal) cada vez que se acerca Halloween, por no hablar de los cientos de homenajes que ha tenido desde que ella lo lució como nadie en 1935. Lo curioso es que Elsa, que también interpretaba a Mary Shelley en la película de James Whale, siempre se consideró antes como una actriz de comedia que de terror, algo que demostró con creces en "Un cadáver a los postres" (1975), que prácticamente fue su retiro por la puerta grande.

3 Ingrid Pitt. Si tuviéramos que ponerle cara a la manera de entender el terror de la Hammer, ¿con cuál nos quedaríamos? ¿La aristocracia de Peter Cushing? ¿La elegancia amenazadora de Christopher Lee? ¿O la sensualidad de Ingrid Pitt? Para muchos, no hay color: ella fue la que puso el eros al tanathos de los monstruos hammerianos, o la que fusionó ambos conceptos en cintas como "The Vampire Lovers" (1970) o "Countess Dracula" (1971). Por si eso no fuera poco, también apareció en otro clásico emblemático del terror británico, "El hombre de mimbre" (1973). Actualmente, Ingrid es una venerable anciana que publica (con bastante éxito) libros autobiográficos, escribe una columna semanal en Den of Geek y contempla orgullosa su cinturón negro de karate.

2 Janet Leigh. Cualquier persona gritaría si, mientras toma una ducha en un motel de carretera, contempla cómo un maníaco vestido de señora mayor abre la cortina con un cuchillo. Lo importante es que nadie, n-a-d-i-e gritaría como lo hizo Janet Leigh es "Psicosis" (1960), mucho menos si se llama Anne Heche (la pulla oblugatoria al remake de Gus Van Sant). Norman no fue el único psicópata con el que Janet se encontró a lo largo de su carrera (antes estuvo en "Sed de mal", 1958), pero sí es el más memorable y el que hizo que entrase a formar parte del inconsciente colectivo. Aquellos gritos bajo la ducha sólo podían ser superados por alguien que los llevara en los genes...

1 Jamie Lee Curtis. Con que en los genes, ¿eh? Nuestra reina de reinas no podía ser otra que la Laurie Strode original, de la que el crítico Roger Ebert llegó a decir que fue el equivalente setentero de Boris Karloff y Christopher Lee (aunque él lo dijo en tono despectivo). Tras debutar con John Carpenter y Michael Myers en "La noche de Halloween" (1978), Jamie encandenó una serie de películas de terror que hicieron que el calificativo de scream queen se le quedara hasta corto: "La niebla" (1980), en la que compartió cartel con su madre y Adrianne Barbeau (la número 11 de la lista); "Prom Night" (1980), la respuesta canadiense a "Halloween"; "El tren del terror" (1980), una historia de venganza y disfraces letales en la que David Copperfield interpretaba a (sorpresa) un mago; y "Halloween II" (1981), en la que se descubre que Laurie y Michael son hermanos. ¿Quién puede superar eso? Años más tarde, y tras haberse establecido como una actriz de varios registros (y como Mrs. Christopher Priest), Jamie se reencontró con el psicópata que la vio nacer como actriz en "Halloween: H20" (1998) y "Halloween: Resurrection" (2002). Este año, el remake de Rob Zombie ha contado con Scout Taylor-Compton, quien parece dispuesta a seguir los pasos de su maestra: en su futuro cercano se divisan dos películas más de terror, incluyendo un remake de "Inocentada sangrienta" (1986) que la actriz define como una versión terrorífica de "Chicas malas"(2004). Jamie, ¿es hora ya de nombrar heredera?

Ya lo han dicho buena parte de los participantes en esta nueva (¡y magnífica!) idea de Noel: nunca es fácil elegir un psicópata. De hecho, aunque muchos no nos hayamos dado cuenta de ello, siempre han estado ahí (y no, no va por los senderos de "mi padre era un psicópata", que también), por lo que escoger uno de tantos y tan entrañables lunáticos es un duro, durísimo dilema. Krugger era una de mis primeras opciones, Chucky también, Zodiac (aunque Vigalondo ya ha hablado mucho y muy bien de Scorpio), y hasta T-Bag, el héroe por excelencia de "Prison Break". Sin embargo, servidor siempre ha preferido a los fanatistas religiosos, por lo que, aunque ya había barajado la disparatada opción de Silas, finalmente he decidido tirar por John Doe (no confundir con el de la inconclusa serie con Purcell), el asesino de "Se7en". Pese a que muchos de ustedes, por no decir todos, han visto la película y podrían hablar mucho mejor que yo de Doe, no podía evitar destacarle entre psycho-killers reconvertidos en iconos culturales. Doe, más que matar por gusto, lo hace utilizando como referencia los siete pecados capitales: lujuria, gula, avaricia, pereza, ira, envidia y soberbia. Él se autodefine como un enviado de Dios, encargando de llevar a cabo un, llamámoslo así, plan de redención. Sus asesinatos consisten en llevar al extremo cada uno de los siete pecados hasta que sus víctimas muriesen por ello, no sin cierta originalidad: cualquiera que haya visto el film recordará esa escena en la que uno de sus "escogidos" es obligado a llevar a cabo prácticas sexuales con una prostituta usando un chismecito provisto de un cuchillo con el que la penetra. No olvidemos ese extraordinario desenlace, en el cual, con su muerte, trata de completar el plan divino, pretendiendo que el detective Mills lo mate tras haber asesinado a su mujer por envidia.

"Wanting people to listen, you can't just tap them on the shoulder anymore. You have to hit them with a sledgehammer, and then you'll notice you've got their strict attention".

- Por Mean Mad Jaime Lorite

Vale, elegir un psicópata es como elegir a un hijo. Debería estar prohibido hacerte escoger a tu enfermo mental favorito pero así son las reglas. Pasemos de Grandes Espadas, dejemos a un lado los de más merecida relevancia; los pequeños hitos como el seminal Billy o el brillante Asesino de Rosemary, y vamos a por las mujeres. Aumentemos la representación femenina. ¿Qué no hay? Pues claro que sí, en grandes cantidades. Así de memoria pensemos en la Dulce Alicia, en la insuperable Audra, en la sorprendente Ángela, en la reina Mary Lou o en la “Cumpleañera”, no entremos en Terreno De Palma. De entre las mujeres más fatales voy a reivindicar a Buffy.

Buffy St.John es la mente asesina de "April’s Fool Day", aquí conocida como "Inocentada Sangrienta" y una representante del Slasher de pura cepa. El que cada cuál ponga sus Pruebas de Pureza para el género no ayuda demasiado, pero si señalamos que su identidad es “sorprendente”, que no duda en sacar un divertido arsenal de muertes - incluido el imprescindible doble empalamiento – y uno de esos momentos finales que parten en dos a los amantes del género difícilmente podrán discutírnosla. Aunque Buffy es algo más que un mecanismo fílmico pues junto con las sospechas, las pistas falsas o la isla de la que nadie puede salir –y a la que nadie puede entrar-, Buffy es una prueba de talento para su intérprete, Deborah Foreman, que tuvo que aprender a alienarse y desdoblarse sin dejar de interpretar a la Gemela Buena, Muffy St.John. Porque –y si no has visto la película mejor déjalo aquí, te la bajas, la visionas con palomitas y luego retomas desde este punto- lo mejor de la gigantesca Inocentada que se anuncia desde el título es que Muffy St.John no sólo se crea a una gemela de la nada sino que logra interpretar a una gemela maligna que la ha suplantado ofreciendo pequeñas diferencias para que sus amigos sospechen, tal era la sutileza de su creación.

Así es nuestra Buffy, tan mala como una mujer puede imaginar que llegaría a ser.

- Por Jónatan Sark, Señor de las Tinieblas

Lo mejor y lo peor de "Camino a la Perdición" (Sam Mendes, 2002) es Harlen Maguire. Es imposible darse por satisfecho con las pocas apariciones -esa gloriosa presentación- de este auténtico fotógrafo del pánico, encarnado por un Jude Law que pone su androginia al servicio de la ambigüedad viscosa de este psicópata sicario de Al Capone. Porque Harlen disfruta de su trabajo (el de fotógrafo de escenas de crímenes y EL OTRO), y no hay nada mejor que vivir de lo que a uno le gusta; por eso la empatía culpable se dispara cuando nos identificamos con esta versión en carne y hueso de las comadrejas de "¿Quién engañó a Roger Rabbit?", que no duda en metérsela por detrás a sus víctimas cuando están desprevenidas.

- Por Suda "Bodycount" Sánchez

Rescato a un fulano que no puede faltar en esta galería de amantes de la sangre ajena: el Dr. Philip K. Decker. No tan célebre como el resto de sus colegas, pero no por ello menos importante, Decker jamás tuvo problemas para compaginar su ocupación profesional diurna de psiquiatra con el pasatiempo nocturno de serial killer. Por supuesto que los protagonistas de "Razas de Noche" eran otros, pero Decker, el auténtico freak de la película, se convirtió sin mucho esfuerzo en el robaplanos sorpresa de la función. Con su colección de cuchillos telescópicos y aquella máscara malrollera con botones por ojos, Decker sobrevive en el revuerdo cinéfilo como uno de los sujetos más hijoputas que poblaron el fantastique de finales de la década de los 80. Clive Barker, director de l evento, dejó sabiamente el papel de loquero tarado en manos de todo un pope del género: David Cronenberg. Y, claro, el tipo lo bordó.

- Por La-Ruina-de-la-Familia , experto en reanimación de cadáveres

Ante la propuesta de Noel, me he dado cuenta de que soy un gran fan de los psicópatas de celuloide. No sabía cuál elegir. El Rutger Hauer de "Carretera al infierno", el Andy de "Deathdream"... Finalmente me he decidido por uno más clásico, más realista, más terrible, más desconocido: