Pues eso

Es un buen momento para ser amante de los zombis. Está bien, siempre lo es, pero estos próximos meses van a ser especiales. Para empezar, tenemos el lanzamiento del esperadísimo Dead Rising, un "Resident Evil" on speed del que John Tones me contó cosas que me hicieron: a) babear; b) desear comprarme la 360; y c) seguir babeando un poco más. De todos modos, hoy me he topado con otro videojuego que va a hacer que mandar zombis de vuelta al Infierno con un carrito de la compra pase pronto de moda: The Onechanbara 2, que une... en un sólo título... muertos vivientes... y... chicas semidesnudas... armadas... hasta los dientes (¡si hasta rima!), dos de las aportaciones más bonitas de la cultura pop. Los japoneses ya pueden disfrutar de la versión PS2 del juego, que tiene hasta cuatro wallpapers oficiales de esos que te roban el corazón (mi favorito, por supuesto, es el de la colegiala, aunque supongo que Aya será el personaje estrella).

Por si lo de arriba fuera poco, el maestro Romero ha anunciado que piensa continuar su saga zombi con Diary of the Dead (estreno previsto para finales de 2007), que puede ser la más entrega experimental y alocada. Al parecer, el director de "La mitad oscura" piensa dejar de lado la satírica política y preguntarse qué pasaría si unos estudiantes como los de "El proyecto de la bruja de Blair" se encontrasen con un grupo de zombis en medio de un bosque cualquiera. Es un gran concepto, aunque no suene ni la mitad de prometedor que lo de las colegialas con poca ropa matando zombis. De todos modos, pocas cosas suenan así de prometedoras.

Blockbusters '06: "La Joven del Agua"

 

Hay muchas razones por las que "La Joven del Agua" es, para mí, el blockbuster más importante, necesario y poderoso del verano, pero intentaré limitar este post a las tres principales. Por supuesto, pongamos desde ya la ¡¡¡ALETRA DE SPOILERS!!!, porque es imposible hablar de esta película sin arruinársela al que aún no se haya sumergido en ella.

a) Desafíos: M. Night Shyamalan se propuso este proyecto como un reto personal a todos los niveles, un auténtico desafío para un autor que hace ya mucho tiempo que renunció a tomar el camino fácil que se abrió ante sus ojos tras "El sexto sentido" (1999). Improvisar una narración sobre la naturaleza misma de la narración ya hubiera supuesto una proeza considerable, pero a uno le de la sensación de que el director parece estar poniéndoselo todo más difícil a cada plano: "La Joven del Agua" es la prueba de fuego de la que cualquier autor de ficción intentaría escapar como alma que lleva el Diablo, una ruta suicida (y alucinada) que no tiene marcha atrás. El espectador también deberá pasar por algo parecido: todo el que se atreva a seguir a Shyamalan hasta el final (hasta las últimas consecuencias) de esta conmovedora cinta habrá sumado un nuevo semi-dios a su galería de cineastas favoritos, pero es comprensible que muchos seguidores suyos le abandonen a mitad del trayecto.

b) Blockbusters de autor: "La Joven del Agua" es, ante todo, la prueba de que aún es posible concebir una película veraniega de autor entre tanta franquicia insustancial. Sería injusto quedarse sólo con que el último trabajo del director de "Señales" (2002) representa la cuota de rareza y heterodoxia de la cartelera estival, porque esto es mucho más: un blockbuster personalísimo, casi confesional, pero que es capaz de ofrecerle al espectador una forma inédita de espectáculo que nada tiene que ver con la repetición de fórmulas ya desgastadas. Los que se indignan ante el hecho de que Shyamalan interprete el personaje del escritor (y posible redentor del género humano) es que no han entendido nada en absoluto: como el Fellini que no paraba de diseccionarse ante la cámara, como el Charlie Kaufman que se escribió a sí mismo en el guión de "Adaptation." (2002), el Shyamalan de "La Joven del Agua" está interpretando su papel de contador de historias en una película llena de simbólos y juegos metalingüísticos. Es posible que al espectador medio de multisalas o al crítico pedante les parezca un acto de vanidad, pero es que "La Joven del Agua" no es una película para ninguno de los dos. "La Joven del Agua" es una película para soñadores.

c) Cuentos de hadas: Los críticos norteamericanos (más interesados, por alguna razón, en vapulear a Shyamalan que en profundizar en su película) han dicho que el principal problema de "La Joven del Agua" es su indecisión a la hora de encontrar su público: ¿es un cuento de hadas para niños o un cuento de hadas para adultos? Y yo me pregunto: ¿existe alguna diferencia? Esta debía haber sido la primera película de Shyamalan con el sello de Disney (y no de ninguna filial) en los créditos, pero los ejecutivos de la productora, más interesados en los balances de ventas que en los cuentos de hadas, no entendieron el guión (ahí tienes una metáfora más, Night). Como los más grandes clásicos del género, este es un cuento de hadas para niños que, al igual que la también sobresaliente "Monster House" (2006), no renuncia a incorporar ese terror cotidiano que forma parte fundamental de la infancia; y, también, es un cuento de hadas para adultos que quieran creer que aún puede quedar sitio para la magia (y para la esperanza) en este mundo de mierda.

¿QUÉ HAY DE BUENO?: Es el "8 1/2" de M. Night Shyamalan. Lo cual significa que es absolutamente esencial para los amantes de su cine, pero el resto de espectadores sólo encontrará aquí munición para fusilar a su autor.

VEREDICTO:      (5/5)

Boletín juguetero - Agosto 2006

Haciendo gala del altruismo sin límites que siempre le ha caracterizado, "El Emperador de los Helados" te trae las novedades jugueteras más estimulantes (para que así no tengas que ir a buscarlas tú mismo).

El juguete del mes: Creado en 1971 para seducir al consumidor infatil, McDonaldland, el país imaginario donde viven Ronald McDonald y sus amigos, era un universo psicodélico-corporativo que tenía tanto de "H.R. Pufnstuf" como del mal viaje que se podría haber pegado Morgan Spurlock si hubiese combinado los Big Macs con tripis. Con el tiempo, las campañas publicitarias fueron dejando a McDonaldland progresivamente en el olvido, pero un lugar en el que las hamburguesas crecían en los árboles no podía hacer otra cosa que pasar a formar parte de la cultura pop: como muestra de ello, Funko ha sacado una nueva línea de Bobble Heads inspirados en los habitantes más famosos de aquel lugar (o estado mental). Ronald, el alcade McCheese, Grimace, el oficial Big Mac y Hamburglar (en la foto) ya tienen su muñeco cabezón, pero no podemos dejar de preguntarnos dónde demonios están Birdie y esa especie de bola peluda que llevaba zapatillas deportivas.

Más:

• El Batmóvil de la década de los 40. O un recuerdo nostálgico de los primeros días del tuning.
• La familia de Chucky. Dato curioso que probablemente no sabías: La única condición que exigió John Waters para salir en "La semilla de Chucky" fue que su personaje tuviera una muerte horrible.
• Figuras de acción de Halo 2. Por desgracia, no se han lucido con los accesorios...
• Set de póquer de Bettie Page. Dato curioso que probablemente no sabías: Bettie rechazó una proposición del mismísimo Howard Hughes. Y eso que el hombre le mandó una carta pidiéndoselo educadamente...
• Maqueta del Elvis de "Blue Hawaii". Su mejor película, su mejor maqueta (hasta la fecha).

Humor soviético

Todo chiste es una pequeña revolución (...) Es divertido siempre que sirva para tirar a los poderosos de sus asientos (preferiblemente con batacazo) y destruir su dignidad. Y cuanto más grande sea la caída, más gracioso es el chiste. Estas palabras que George Orwell escribió en 1945 sirven perfectamente para resumir la esencia de este interesantísimo ensayo de Ben Lewis sobre el humor político en la Unión Soviética: en un estado totalitario, el chiste subversivo es más revolucionario que en cualquier otro contexto, ya que adquiere casi carácter de blasfemia. Lewis cuenta cómo, a diferencia de la Alemania nazi, nadie fue condenado a muerte en la URSS por un chiste sobre el partido, pero el número de encarcelados al año por contar anekdots en la intimidad era realmente considerable. Quizá ese riesgo a perder la libertad era lo mejor de los chistes soviéticos, lo que los convertía en una catarsis secreta, en una revolución insignificante, pero llena de sentido para el bromista en cuestión.

No obstante, en la Rusia soviética se dio un fenómeno prácticamente impensable en otras dictaduras: los chistes políticos no sólo eran disfrutados por el pueblo, sino que los líderes de la nación también los conocían, los utilizaban como mecanismos de control e incluso los originaban. Lewis cuenta como Stalin, en un ejercicio de cinismo sin precedentes, gustaba de contar un chiste que se tomaba a broma su escasa piedad a la hora de torturar incluso a sus colegas. A medida que el bloque soviético se fue desmoronando, gobernantes y gobernados se fueron aferrando cada vez más al humor como única arma para sobrevivir al complicado presente, aunque había diferentes matices según el país (Rumanía, por ejemplo, se especializaba en la sátira contra el poder, mientras que en Alemania del este eran más dados a la autocrítica). Hay una frase fundamental en este ensayo que explica la importancia de la sátira en cualquier sistema político. Cuando Lewis le pregunta al humorista alemán Ernst Röhl por qué estos chistes tan poco graciosos eran algo tan especial en la época, este responde lo siguiente: Lo raro es que siempre te preguntabas de dónde venían. Nunca lo sabías. El autor era colectivo: el pueblo.

Como en una revolución.

Más preguntas y respuestas de las que tu pobre corazón podrá soportar

Otro cuestionario idiota, aunque no puedo recordar de dónde lo saqué. De todos modos, ahí va. La foto de arriba es de la invasión gótica que ha sufrido Disneyland recientemente: hay más aquí.

• ¿A quién te gustaría estar atado durante 24 horas?: Leonor Watling.
• Describe con un color el humor con el que te has levantado hoy: Magenta.
• ¿Alguna vez has visto un hombre muerto?: No.
• ¿Qué deberíamos hacer con la gente estúpida?: Prohibirles redactar/rellenar cuestionarios como este.
• Si pudieras elegir a dos estrellas de Hollywood como padres, ¿quiénes serían?: Orson Welles y Carrie Fisher.
• ¿Cuál es tu mayor temor?: Putas serpientes en un puto avión. Me refiero a la película: no quiero que me decepcione.
• ¿Cuál es tu personaje de dibujos favorito?: Fry de "Futurama" y el Pato Lucas.
• ¿Has vivido un accidente de coche?: Estuve a punto. Cuatro veces. En la misma noche.
• Si tu vida fuera una película, ¿cómo se llamaría?: "Caddyshack".
• ¿Alguna vez has hecho una broma telefónica?: Querida, estas hablando con el David Foster Wallace de las bromas telefónicas.
• ¿Qué deporte te gusta más practicar?: "Dead or Alive Xtreme Beach Volleyball".
• ¿Qué canción quieres que suene en tu funeral?: "SexyBack", de Justin Timberlake.
• ¿Alguna vez has tenido cibersexo?: ¿Te refieres a con el consentimiento de la otra persona?
• ¿Eres feliz con la vida que llevas?: Claro que no. ¿Qué tontería de pregunta es esa?

Top 10 Leyendas urbanas musicales

Desde que los primeros biógrafos de Mozart afirmaron que su muerte se debió a un veneno suministrado por Antonio Salieri, el mundo de la música ha sido caldo de cultivo para todo tipo rumores, conjeturas, habladurías y, en suma, leyendas urbanas. Este Top 10 pretende repasar algunas de las más significativas de los últimos años: si notas que me he dejado alguna fundamental, no dudes en dejar constancia en los comentarios. Ahora, sin más dilación, ¿habéis oído aquella que...?

10. Debbie Harry estuvo a punto de morir a manos de Ted Bundy: En 1989, la líder de Blondie le contó a un periódico estadounidense que creía haber dado un paseo en coche con el archiconocido serial killer Ted Bundy cuando ella tenía 15 años. Su historia, llena de detalles que concuerdan perfectamente con el modus operandi de Bundy, tiene algo que no encaja: la cronología. La cantante dice que un desconocido al que más tarde identificó como Bundy se ofreció a llevarla a casa en el Village neoyorquino de principios de los 70, pero: a) el bueno de Ted nunca estuvo en Nueva York; y b) el bueno de Ted no empezó a matar hasta 1974 (en Utah). No tenemos razones para no creer que la autora de "X-Offender" estuviera a punto de ser secuestrada por un maníaco sexual, pero parece muy poco probable que fuera por el maníaco sexual más famoso de todos los tiempos.

9. Alejandro Sanz fue ingresado de urgencia por eso-que-estáis-pensando: El rumor musical estrella en mi colegio durante la temporada 1997-98. Todos conocíamos a alguien que tenía un amigo cuyo padre trabajaba en la clínica a la que acudió el famoso cantante una madrugada, acompañado de (según las fuentes) Miguel Bosé, Antonio Canales o Pep Guardiola. Las versiones más imaginativas afirmaban que su incidente con la botella ocurrió en los lavabos de una discoteca (sí, lo sé), mientras que las más extendidas hablaban de una fiesta que acabó en tragedia. Si me pedís mi opinión, diré que la leyenda es una variación del escándalo de "Fatty" Arbuckle, sólo que se sustituyó aspirante a actriz por artista consagrado para estimular así miles de chistes zafios sobre su éxito "Corazón partío".

8. Marilyn Manson era el geek de "Aquellos maravillosos años": En los tiempos pre-IMBd, no había manera de saber a ciencia cierta si la nueva sensación gótico-rockera tenía un algo vergonzoso pasado como actor televisivo. Si bien es cierto que el Milhouse de aquella olvidable serie podría pasar por una suerte de versión pre-adolescente de Brian Warner, no hay por dónde coger la teoría de que ambos son la misma persona, aunque en su momento había gente que afirmaba tener pruebas concluyentes. Mucho más divertidas (y estimulantes) eran las otras leyendas que rodeaban al excéntrico Manson, como la de las costillas, la del ojo de su novia y la del concierto en Italia.

7. La esposa de David Bowie le pilló en la cama con Mick Jagger: Lo cual no implica nada sexual, tal y como se apresuró a matizar Angela Bowie cuando el líder de los Rolling Stones amenazó con denunciarla por haber contado tal cosa en el programa de Howard Stern. Según la versión suave, ambos astros se quedaron dormidos en la misma cama después de una fiesta de esas que sólo se hacían en los años 70, pero no pasó nada más. Según la versión que Angela contó en el programa, ambos estaban completamente desnudos. En la película "Velvet Goldmine" tenéis una recreación bastante acertada del incidente, y en la canción "Angie" tenéis materia prima de sobra para especular.

6. La canción "In the Air Tonight" esconde un trasfondo horrible: Hay muchísimas versiones de esta leyenda, pero todas tienen que ver con un hombre que se está ahogando y un hombre que no hace nada al respecto. Mi versión preferida es aquella que afirma que Phil Collins vio a alguien ahogándose en un lago pero no estaba demasiado lejos para ayudarle, mientras que otro tipo estaba al lado y decidió no hacer nada. Años después, Collins identificó al tipo, compuso esta canción pensando en él, le invitó a uno de sus conciertos y se la cantó sin dejar de mirarle a los ojos. Algunos dicen que el cantante pidió que arrestaran al tío después del concierto, algunos dicen que el tío no pudo soportarlo y se suicidó poco después. Sea como fuere, Collins ha afirmado que "In the Air Tonight" es la única canción suya que no va sobre nada en concreto, aunque quizá por eso se convirtió en carne de leyenda urbana.

5. La Oreja de Van Gogh en el programa de Pedro Ruiz: Es el efecto Ricky Martin en "Sorpresa, sorpresa", tan de moda en aquellos años: se coge un programa de televisión que nadie ve, se coge a un grupo insufrible pero aparentemente inofensivo, se mezcla con algo de contenido incendiario y se agita. La idea de que la banda más popular del País Vasco destinara parte de su dinero a financiar empresas estrechamente vinculadas con el terrorismo encajaba perfectamente en la mentalidad paranoica de la sociedad española, y lo cierto es que a The Cranberries les pasó algo muy parecido en su país de origen. Por cierto, lo de Ricky Martin ya se dio en varios países europeos antes de llegar a España, así que no sirvió para nada más que para dar ideas a muchas adolescentes perversas.

4. "Hotel California" hace apología del satanismo: En una época en la que todo el mundo parecía deseoso de encontrar referencias satánicas en la música rock, una letra tan críptica y sugerente como la de este éxito de los Eagles se prestaba especialmente para ello. Existen miles de interpretaciones apócrifas del significado de "Hotel California", pero la más común es la que afirma que se trata de una alegoría de la Iglesia de Satán (se llegó a decir que la figura ensombrecida que aparece en una de las fotos de la carpeta es nada menos que Anton La Vey). Lo cierto es que la teoría satánica encaja a la perfección con la letra del tema, pero el tono general es más crítico que apologético. En realidad, los Eagles concibieron su canción más importante como una metáfora sobre la vida de lujo y decadencia que llevaban los ricos y famosos de la ciudad de Los Angeles. La verdad, como siempre, es mucho más aburrida que la leyenda.

3. Fiona Apple (o Elton John) necesitó una limpieza de estómago... con hilarantes consecuencias: ¿Por qué siempre nos ha gustado tanto escuchar rumores grotescos sobre estrellas de la música de apariencia inocente? La historia de que alguien famoso (hombre o mujer) tuvo que ser hospitalizado tras una fiesta y los médicos encontraron más de un galón de semen en su estómago se ha ido manteniendo desde los años setenta, con supuestos protagonistas tan ilustres como Rod Stewart, Li'l Kim. Bon Jovi, Britney Spears o los Bay City Rollers (en serio: los Bay City Rollers). Para que conste en acta, un galón son 3.785 litros. Sólo para que conste en acta.

2. Los últimos días de Elvis Presley: En "Guía del usuario para el nuevo milenio", Ballard le escribe una carta de amor al Elvis terminal que está llena de jugosos detalles sobre cómo pasó el rey del rock sus últimos días. Más allá de la leyenda sobre su no-muerte, los meses anteriores a que Elvis abandonara definitivamente el edificio son una catarata de excesos, politoxicomanías y caídas en picado que se han ganado a pulso la categoría de leyendas: Elvis fingiendo que dirige el tráfico en una de las calles más concurridas de Las Vegas, Elvis cayendo inconsciente en plena actuación, Elvis delirando desnudo en mitad de la noche, Elvis tragándose conscientemente un número inimaginable de pastillas para evitar unos meses de lucha contra el cáncer, Elvis agonizando sobre la tapa del váter, el cuerpo de Elvis haciendo cosas realmente asquerosas durante el rigor mortis... La razón por las que todas las estrellas de rock deberían morir jóvenes.

1. Paul está muerto: O el hoax más importante de la historia de la música. Nadie sabe muy bien de dónde surgió la teoría de que Paul McCartney murió en un accidente de coche mientras los Beatles grababan el "Sgt. Pepper" y fue sustituido casi de inmediato por un doble prácticamente idéntico, pero lo cierto es que se convirtió en un auténtico fenómeno subterráneo, con cientos de conspiranoicos buscando pistas en las letras de las canciones y las portadas de los álbumes. El propio McCartney ha explicado en varias entrevistas que el grupo era perfectamente consciente de la historia y que contribuyó a alimentarla, por lo que las referencias en la portada de (por ejemplo) "Abbey Road" no son más que una elaborada broma por parte de cuatro músicos que estaban disfrutando de la frase "Paul Is Dead" tanto como los demás. Años más tarde, John Lennon cantaría Those freaks were right when they said you were dead y los Rutles harían que nos partiéramos con su "Dick Is Deaf", aunque, a tenor de la carrera de McCartney tras la separación de los Beatles, mucha gente parece sentirse más cómoda con la idea de que se trata de un doble.

Tres cosas (3)

Una recomendación: El último extra de verano del Abismo es algo que los seguidores de la página llevábamos tiempo esperando: el spot que Mr. REFO rodó para el Escorto '06, que él mismo define como una cariñosa broma hiperbólica de "El Límite", y que yo defino como una auténtica bomba. Lo mejor del post es que no sólo nos enlaza al anuncio en cuestión, sino que además nos descubre a Psycho Loosers, mi nuevo grupo de música preferido. Por dejarme ver su fantástico spot y por haberme guiado hacia la canción "Avril Lavigne me hizo un beso negro", yo digo muchas gracias, Mr. REFO. Y los demás deberíais hacer lo mismo.

Otra recomendación: Nacho Vigalondo es un hombre generoso: además de ir regalándonos esporádicamente capítulos de "El chico del año", el tío nos coloca en su imprescindible blog las dos partes del corto La Gran Revelación (de Santiago de Lucas), una experiencia catártica para todo conocedor de "La Hora Chanante" en la que el propio Vigalondo interpreta a una suerte de cruce entre el doctor Mierzwiak y Philip K. Dick. ¿Alguna vez os habéis preguntado qué pasaría si Vicentín hubiese protagonizado "Matrix Reloaded"? Pues, seguramente, algo muy parecido a esto.

Una lista: James Gunn, guionista y director de "Slither" (13 de septiembre en DVD: compradla u os arrepentiréis durante el resto de vuestras patéticas vidas), elaboró el pasado día 15 una lista de sus 25 personajes televisivos preferidos, una solución genial para esos días en los que, simplemente, no se te ocurre nada que postear. Días después, Joss Whedon respondió con su propia lista en Whedonesque, lo cual me lleva a imitar a mis dos ídolos y colocar aquí mi propia lista. Siguiendo las reglas de Gunn, nada de personajes animados, ni miniseries, ni telerrealidad (lo siento, Jonathan de Gran Hermano 6).

1. Malcolm Reynolds (Nathan Fillion), FIREFLY

2. David Brent (Ricky Gervais), THE OFFICE

3. Willow Rosenberg (Alyson Hannigan), BUFFY

4. Chris Peterson (Chris Elliott), BÚSCATE LA VIDA

5. Veronica Mars (Kristen Bell), VERONICA MARS

6. Abuelo Munster (Al Lewis), LOS MUNSTERS

7. John Locke (Terry O'Quinn), PERDIDOS

8. Número Seis (Tricia Helfer), GALÁCTICA: ESTRELLA DE COMBATE

9. John "Hannibal" Smith (George Peppard), EL EQUIPO A

10. Jack Bauer (Kiefer Sutherland), 24

11. El fumador (William B. Davis), EXPEDIENTE X

12. Daisy Duke (Catherine Bach), EL SHERIFF CHIFLADO

13. Dale Cooper (Kyle MacLachlan), TWIN PEAKS

14. Jerry Seinfeld (Jerry Seinfeld), SEINFELD

15. Thelma Bates (Jemima Rooper), HEX

16. Gregory House (Hugh Laurie), HOUSE

17. Benjamin Franklin "Hawkeye" Pierce (Alan Alda), M*A*S*H

18. Lorne (Andy Hallett), ANGEL

19. Basil Fawlty (John Cleese), FAWLTY TOWERS

20. Sophia Petrillo (Stelle Getty), LAS CHICAS DE ORO

21. Vic Mackey (Michael Chiklis), THE SHIELD

22. Rupert Giles (Anthony Stewart Head), BUFFY

23. Georgia Lass (Ellen Muth), TAN MUERTOS COMO YO

24. Tim Canterbury (Martin Freeman), THE OFFICE

25. River Tam (Summer Glau), FIREFLY 

Blockbusters 06: "Super Nacho" y "Pasado de vueltas"

Regla número uno de la comedia moderna: en la era del Frat Pack, el director rara vez es la estrella. Con Billy Wilder cada vez más lejos en la memoria y Woody Allen cada vez más cómodo en el drama ("Match Point" vs. "Un final made in Hollywood"), los autores de la comedia del siglo XXI no son los directores, sino los cómicos. En unos tiempos en los que el nombre de Ben Stiller (o de Will Ferrell) basta para elevar una película de bajo presupuesto a lo más alto de la taquilla norteamericana, el director se tiene que convertir en el mejor cómplice del protagonista, en un ayudante cuyo papel en la producción debe ser fundamental, pero invisible.

El problema es que no todos los directores se encuentran cómodos en ese papel. Tomemos como ejemplo a Jared Hess, la última revelación de la anti-comedia independiente: con "Napoleon Dynamite" (2004) consiguió una obra de culto que le convirtió en la nueva estrella de la pandilla (post) indie estadounidense, además de asegurarle un futuro relativamente estable en la industria. Su siguiente paso fue el más lógico, pero también es más arriesgado: pasarse al mainstream de la mano de Jack Black significa renunciar a parte de tu personalidad si quieres que las cosas funcionen, y Hess no parecía muy dispuesto a hacerlo. El resultado es "Nacho Libre", una película en la que las intenciones del director y las de la estrella van absolutamente desincronizadas. Hess le quiere imprimir a esta historia de luchadores y frailes un estilo visual tremendamente elaborado que no suma, sino resta, sobre todo cuando de lo que se trata de es poder apreciar la comicidad física, rudimentaria de un Jack Black en estado de gracia. En otras palabras: el creador de "Napoleon" cree estar rodando arte y ensayo, cuando en realidad debería haber rodado un homenaje puro y honesto a la serie B mexicana. De todas formas, las ansias de lucimiento estético de Hess no ahogan del todo el torrente cómico de Black: "Nacho Libre" tiene momentos realmente antológicos (el éxodo en la montaña, las canciones, el último combate), así que sería insensato que un fan del actor se la perdiera. "Nacho" es una película razonablemente divertida, pero da verdadera pena imaginar lo que hubiera sido de este guión y este reparto en manos de, por ejemplo, Richard Linklater, un director que sabe que los virtuosismos son inútiles cuando se trata de JB.

Adam McKay, en cambio, no tiene ese afán de protagonismo que lastra la propuesta de Hess: sus años en la escudería del "Saturday Night Live" le han enseñado a mimar a sus actores con la cámara, sobre todo si se llaman Will Ferrell. La complicidad entre ambos es auténtica e inquebrantable, como se puede apreciar en la soberbia "Anchorman" (2004), su primer largometraje juntos. "Pasado de vueltas", concebida como una secuela espiritual de aquella (ambas forman parte de una aún inconclusa trilogía sobre idiotas americanos), nos devuelve al equipo en plena forma, pero esto no es el one-man show que algunos listillos se esperaban: Ferrell es lo suficientemente generoso como para dejar que sus compañeros de reparto tengan sus momentos de lucimiento, especialmente un Sacha Baron Cohen que ya casi le ha arrebatado a Ricky Gervais el título de mejor cómico británico del momento. Al final, "Pasado de vueltas" no es una comedia tan inspirada como "Anchorman", pero es que "Anchorman" solo va a haber una en toda la historia. Más vale que nos vayamos haciendo a la idea, y más vale que disfrutemos de una película tan poco ambiciosa como efectiva. El momento I'm on fire, la última carrera, el padre de Ricky Bobby, la comida familiar que acaba en polvo sobre la mesa, el piloto francés conduciendo mientras lee "El extraño", el partido de baloncesto entre paralíticos, el puma, Walker y T.R. Bobby, Me ofrecieron posar para "Playgirl", las referencias a "Los inmortales", Molly Shannon, la canción "We Belong"... Sobran las razones: "Pasado de vueltas" es la comedia del verano, y Ferrell y McKay son el futuro del género. Pese a quien pese.

¿QUÉ HAY DE BUENO?: Dos comedias deportivas esenciales para echarse unas risas veraniegas. No esperéis otro "Dodgeball" (ni otro "Anchorman"), aunque Rick Bobby tiene más posibilidades de dejar huella que Nacho.

VEREDICTO NACHO LIBRE:    (3/5)

VEREDICTO PASADO DE VUELTAS:      (4/5)

El videoclip del año

She Wants Revenge - These Things

Es una pena que Blogia no me deje colgar tubos directamente aquí, porque nada me haría más ilusión que tener a Shirley Manson pegándole patadas en la espalda a un pianista en mi propia bitácora. She Wants Revenge es el grupo que me ha hecho replantearme mi postura oficial con respecto al gótico independiente postindustrial (o así): a los más veteranos les recordará a Joy Division, a los más jóvenes les sonará a Interpol, pero de lo que no hay duda es de que SWR ha sacado un primer disco realmente notable. Y "These Things", su segundo single, es una bomba: ¿hay algo más inherentemente sexy que Shirley Manson en plan sado y con zapatos de tacón rojos? La respuesta, amigos y vecinos, es que no. Al menos, a mí ahora mismo no se me ocurre nada.

Si este vídeo no os ha puesto lo bastante calientes, aquí tenéis el teaser poster de "Black Snake Moan", recién sacado de Movie Poster Awards. Sam Jackson encuentra a Christina Ricci tirada en una cuneta, apaleada y con la cara mordida. Ella es una ninfómana y él un paleto temeroso de Dios, así que la secuestrará y dedicará su vida a conducirla hacia el buen camino. Dirige Craig "Hustle & Flow" Brewer y el póster lo dice todo (aunque Christina no salga con la cara mordida). ¡El sexo chungo está de vuelta! ¡Viva!

Trío de trailers

1) The Host: La premisa es sencilla: un monstruo marino gigante se despierta e inicia una escalada de furia y destrucción en mitad de Seúl. No obstante, con Bong Joon-ho como director y co-guionista, el espectador sagaz sabe que esta no va a ser la típica creature movie: Existen muchos prejuicios sobre las películas de monstruos, dice el director de "Memories of Murder". Esos prejuicios me intrigaron y me empujaron a hacer la película. Para mí, fue como un desafío. El trailer demuestra que Joon-ho no ha perdido ni un ápice del sentido de la intensidad que le caracteriza: se trata de una colección de momentos climáticos pensada para ponernos los dientes muy largos a los aficionados al fantástico. Además, el ataque del monstruo que aparece al principio de este avance acredita a "The Host" como una de las películas más esperadas de este otoño.

2) The Marine: El luchador profesional John Cena presenta así su debut en el cine: Es una clásica peli de acción como las de los 80, adrenalítica, cruda y áspera, admite el hombre conocido como "El Prototipo" entre los aficionados a la WWE. La película nos devuelve a los días del cine con cojones. Todo parece indicar que "The Marine" va a ser otra de las razones por las que nunca podremos agradecerle lo suficiente a la productora WWE Films la labor que está realizando en los últimos años: después de las sensacionales "Tesoro del Amazonas" y "Pisando fuerte", los caballeros nos presentan otro festival de hostias protagonizado por uno de sus luchadores más carismáticos. Con Robert Patrick haciendo de malo y Cena librándose por los pelos de tres explosiones solamente en el trailer, necesitamos que "The Marine" se estrene por aquí lo antes posible. Sí, es una NECESIDAD.

3) Borat: Cuando el director Larry Charles hizo un pase privado de esta película para su amigo Larry David, este tuvo una única queja: era demasiado divertida. Y si "Borat" es demasiado divertida para el creador de "Crub Your Enthusiasm", entonces más te vale ir haciendo cola ya mismo en el multicines más cercano. De hecho, los dos minutos que dura el trailer de este cuasi-documental contienen más risas que los 90 de, por ejemplo, "Scary Movie 4": la escena en la que Borat asegura en una reunión de feministas que el cerebro de la mujer es más pequeño que el del hombre ya es un clásico, y la película aún no se ha estrenado. Además, su protagonista nos asegura que ya ha sido un éxito en Kazakhstan : Se estrenó simultáneamente en las siete salas de nuestro país y le arrebató el primer puesto en taquilla a "King Kong", que ha sido la película de más éxito en Kazakhstan desde su estreno en 1933.

B.S.O. (Especial verano)

Vuelve la sección preferida del bloguero perezoso que hay en mí, pero no os acostumbréis a ella: es un especial de verano. Lo cual no quiere decir que no vaya a haber otros especiales en un futuro, pero eso aún está por ver. Vamos a lo que importa: estas son las doce canciones que más están marcando mi verano, así que os las coloco aquí ordenadas como si de un recopilatorio se tratase. Algo así como "The Emperor of Ice-Cream Sessions: Summer 2006". Una cosa más: los enlaces os llevarán a vídeos insospechados, así que pinchad sin miedo.

1. Reel Big Fish - Good Thing
2. Cobra Starship - Snakes on a Plane (Bring It)
3. The Raconteurs - Hands
4. The Essex Green - Cardinal Points
5. Panic! at the Disco - The Only Difference Between Martyrdom and Suicide Is Press Coverage
6. Nouvelle Vague - Just Can't Get Enough
7. Jad Fair & Teenage Fanclub - My Life Is Starting Over Again
8. The Caesars - It's Not the Fall That Hurts
9. blink-182 - Apple Shampoo
10.  Even As We Speak - Bizarre Love Triangle
11.  Say Hi To Your Mom - Angels And Darlas
12.  The Cardigans - Choke

El Capi está viejuno

Con "La Dinastía de M", el gran avento marvelita del año pasado (que ahora mismo está terminando de editar Panini), está ocurriendo algo curioso, pero hasta cierto punto predecible: sus momentos más memorables no se encuentran en la miniserie oficial de Brian Michael Bendis y Olivier Coipiel (tan grandilocuente y, a la vez, tan simplona), sino en los números especiales de las series regulares de cada personaje. La idea de un universo paralelo en el que los deseos de cada superhéroe se han hecho realidad necesita más un tono introspectivo que el tono épico que Bendis intenta por todos los medios insuflarle a sus ocho números (ojo, hablo sin haber leído los dos últimos, así que puede que acabe tragándome mis palabras el mes que viene...). El mejor ejemplo lo tenemos en el número 10 del Capitán América de Brubaker y Weeks, una inspirada miniatura que narra los eventos de "La Dinastía de M" desde la pequeña atalaya de un Capi crepuscular.

Brubaker sabe que la historia del Centinela de la Libertad es también la historia (reciente) de los Estados Unidos, por lo que su repaso tiene tanto de política-ficción (ese senador McCarthy persiguiendo mutantes) como de estudio del personaje, mezclando lo íntimo y lo épico con una eficacia asombrosa. Lo mejor de este número aisaldo es que su guionista utiliza el gran evento Marvel para explorar un territorio que los fans del Capitán América siempre han querido conocer: ¿qué sería del héroe si envejeciera, si se convirtiera en un hombre normal y corriente? Las última páginas, en las que un anciano Steve Rogers vuelve a casa en metro después de asistir a un triste homenaje a su carrera, valen por todo el tebeo: nunca nos habíamos sentido tan cerca del superhéroe, nunca habíamos pensado que veríamos al Capi transmitiendo tanta melancolía. A pesar de no ser una historieta perfecta (el idealismo político del Capitán parece demasiado impostado en muchas ocasiones), "Capitán América: Dinastía de M" contiene, al menos, una viñeta inmortal: aquella en la que el viejo Rogers mira a las estrellas mientras recuerda su paseo por la Luna.

Kiss me here, touch me there, hanky panky

Tres asombrosas historias protagonizadas por muñecas:

1) Adventures in Plastic es el blog personal de Barbie, una chica de Malibú que se define como una consagrada modelo, actriz, artista, astronauta, piloto de combate, dentista, canguro, médico, bailarina, bombero, guardacostas, enfermera, oficial de policía, cowgirl, veterinaria y asistente de ventas. Su perfil en Blogger esconde alguna que otra joya, como que su grupo preferido es Barbie and The Rockers y que las Bratz Rock Angelz son unas sucias zorras que pueden arder en el Infierno. Su blog no es la repanocha ni tampoco es nada que Todd Haynes no haya hecho ya, pero contiene algunas fotos que hay que verlas para creerlas. Chicas, ¿alguna vez os habéis preguntado qué hacían vuestros hermanos con vuestras Barbies? No, no era una recreación de la boda de Action Man: era algo muy parecido a esto.

2) Una asociación de padres impide la fabricación de una línea de muñecas basada en las Pussycat Dolls. Dos cosas: a) tampoco hace falta visitar "Adventures in Plastic" o ver "Robot Chicken" para darse cuenta de que las muñecas se prestan a todo tipo de perversiones; y b) esto me recuerda que, hace mucho tiempo, prometí escribir un post sobre las similitudes (cada vez más acentuadas) entre popstars y pornstars. Con suerte, lo podréis leer en noviembre de 2007 (como muy pronto).

3) Os presento a Fulla, la Barbie de Oriente Medio. Sus creadores dicen que la muñeca está para enseñar a las niñas árabes cómo deben vestir y comportarse (me gustaría leer el blog de Fulla). Se rumorea que el Ken árabe viene con bote de ácido opcional.

Hammer Summer: La Momia visita Londres

Bizácoras quiere conmemorar un par de fechas que deberían significar mucho para todos vosotros: el estreno de la última película de la Hammer (hace treinta años) y el final de su serie televisiva (hace veinte). Por eso, este agosto celebramos el HAMMER SUMMER, dedicado a repasar los logros de uno de los mejores estudios cinematográficos que en el mundo han sido: "El Emperador de los Helados" se encarga, como podéis ver, del ciclo de la Momia. Estad atentos a las novedades en la lista de Bizácoras, y deleitaos con la iniciativa de Harmony House (el primer blog que ha empezado a hammerizarse): "Hammerettes", o un recorrido sentimental por las chicas que gritaron al son de las partituras de James Bernard.

Cuando, allá por 1932, la Universal planeó incorporar a la Momia a su incipiente catálogo de monstruos cinematográficos, se enfrentó a un importante dilema: a diferencia de Drácula o el monstruo de Frankenstein, este personaje no tenía una base literaria o teatral como respaldo, por lo que nadie sabía cómo iba a reaccionar el público ante este nuevo monstruo. Por ello, el estudio no quiso arriesgar prácticamente nada con la producción de "La momia" (1932): la película de Karl Freund canibaliza sin pudor los hallazgos del "Drácula" de Browning, hasta el extremo de contar con los mismos actores interpretando a personajes similares o con escenas prácticamente calcadas de su anterior éxito. Más importante aún, la Momia nacía con una mitología de segunda mano: sus temas rectores (el amor inmortal, el miedo a lo ancestral, la vida después y más allá de la muerte) eran los mismos de la novela de Bram Stoker. Cuando el estudio británico Hammer decidió reformular algunos de los clásicos del terror de la Universal, las similitudes entre la Momia y el conde se acentuaron aún más: la acción se trasladaba al Londres del siglo XIX, Peter Cushing repetía el papel de cazamonstruos que ya bordara en el "Drácula" de Terence Fisher y, sobre todo, Christopher Lee volvía a encarnar al personaje del título. Es decir, que la Hammer cambió la capa negra por las vendas roídas.

De todos modos, resultaría algo injusto descalificar a La momia (1959) como un sucedáneo de "Drácula": Fisher supo imprimirle la suficiente personalidad como para que resultara una película bastante notable, uno de los clásicos refinados y atmosféricos que nos regaló la productora en sus años dorados. Es importante señalar que el punto de partida no fue la película de Karl Freund, sino dos de sus secuelas de bajo presupuesto: "The Mummy's Hand" (1940) y "The Mummy's Tomb" (1942), de las que el guionista Jimmy Sangster tomó prestado al personaje principal (Kharis, y no Him-Hotep). El argumento de la Momia hammeriana es muy parecido al de sus dos fuentes de inspiración: un grupo de arqueólogos británicos pretende descubrir el sarcófago de la princesa egipcia Ananka, sin conocer las graves consecuencias que conlleva profanar el sueño de los muertos (sobre todo de aquellos que descansan a orillas del Nilo). Al ser abierta la tumba de su protegida (y amada) princesa, el sacerdote Kharis vuelve de la tumba para vengarse de los arrogantes ingleses, pero sus planes se tuercen cuando descubre que la hija del jefe de expedición se parece sospechosamente a su Ananka (de hecho, ambos personajes fueron interpretados por la misma actriz, Yvonne Furneaux). Maestro en la dirección de actores y dotado de un gusto por el detalle realmente excepcional, Fisher consiguió sacar oro puro de los irreales decorados —ese pantano nebuloso...— y nos regaló una historia de amor fou con esa intensidad que sólo puede conseguir la serie B.

Las Hammer tardó algún tiempo en rentabilizar este éxito comercial y artístico: hasta 1964 tendríamos que esperar para ver su primera secuela, la competente La maldición de la momia. Dirigida por el simpar Michael Carreras, esta segunda parte contiene al menos una idea interesante (¡la Momia como atracción de feria!) y una hammerette para el recuerdo (la futura chica Bond Jeanne Roland), aunque ya quisiera esta momia tener la mitad del pathos que Lee le imprimió a la suya. El sudario de la momia (1967) ya cae directamente en la mediocridad con encanto: el director John Gilling, autor de la superior (y muy psciotrónica) "La plaga de los zombis" (1966), se limita a filmar al doble de Christopher Lee (Eddie Powell, fans fatales de la Gran H) cubierto de vendas y vengándose por enésima vez de sus agresores. Ni siquiera el irrepetible Michael Ripper podía evitar el evidente desgaste que estaba sufriendo el ciclo, razón por la cual Sangre sobre la tumba de la momia (1971) no fue otra repetición del mismo esquema, sino un arriesgado cambio de rumbo. Impregnada del erotismo sofisticado que caracteriza a las producciones Hammer de principios de los 70, "Sangre..." abandona la idea del vengador con vendas para convertirse en un cuento onírico (y muy femenino) sobre la reencarnación que cuenta con la hipnótica mirada de Valerie Leon como sugerente punto de partida.

Para terminar, un último apunte: "Sangre sobre la tumba de la momia" estaba basada en "La joya de las siete estrellas" (1903), una de las novelas menos conocidas de Bram Stoker. Con estos datos, uno podría pensar que el escritor británico fue decisivo a la hora de forjar no solo uno, sino dos de los monstruos más importantes de la cultura popular.

The Hoff & The Shat

Internet se puede reír de ti, pero, si eres lo suficientemente inteligente, tú también te puedes reír de internet. Es lo que se conoce como el efecto Batman-de-Adam-West: miles de personas se cachondean de una serie que, en realidad, se está cachondeando de ellos. No hay nadie que sepa mejor de qué narices estamos hablando que David Hasselhoff, un icono trash que descubrió hace algún tiempo el poder de la autoparodia: en lugar de cabrearse y demandar a todas esas páginas que se reían de su pelo y ponían su cara en el póster de "Matrix", The Hoff decidió sumarse a la broma y explotar su imagen de héroe ochentero al que nadie (ni siquiera él mismo) puede tomarse en serio. El resultado de todos estos años de chorradas sobre el protagonista de "El coche fantástico" lo tenemos aquí: los 50 mejores vídeos de David Hasselhoff, una asombrosa selección que, por desgracia, no contiene su cameo en "Dodgeball" (que fue lo que abrió la caja de los truenos). Aún no sé si DH es mejor cuando hace comedia involuntaria o cuando se ríe de sí mismo, pero una cosa es segura: no os podéis perder ni uno solo de estos cincuenta vídeos. Un consejo: empezad con "Hoffy Holidays" y acabad con "Secret Agent Man" o "Jump in my Car", auténtica summa hasselhoffiana.

Otro que también sabe que la autoparodia es sana (y lucrativa) es William Shatner, aunque este sí nos hacía más gracia cuando creía que estaba haciendo algo sublime en lugar de algo ridículo (¿alguien ha dicho "Mr. Tambourine Man"?). Este domingo, el canal Comedy Central emitirá un especial titulado "Roast of William Shatner", en el que numerosos famosos, amigos y conocidos de The Shat le rendirán un homenaje-parodia que promete risas a cascoporro (ya si cantara otra vez Rocket Man sería, directamente, glorioso). ¿Y qué me decís de estos pósters inspirados en "Star Trek"? El primero es magistral, pero el de Khaaaaaaaaaaaan! es desopilante.

Brecht

- ¿En qué trabaja usted? —preguntaron al señor K.

El señor K. respondió: -Me está costando una fatiga enorme preparar mi próximo error.

 Historias del señor Keuner: Las fatigas de los mejores (1949) 

Blockbusters '06: "Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto"

El primer "Piratas del Caribe" consiguió, seguramente sin proponérselo, una proeza: crear una suerte de mitología de síntesis a partir de los más dispares elementos (la atracción de Disneyworld en la que se basaba, el cine de piratas, el fantastique, la trilogía galáctica) sin que el resultado fuera un aberrante monstruo de Frankenstein, sino un todo coherente, excéntrico e irresistiblemente divertido. El capitán Jack Sparrow era la perfecta metonimia de la película: descreído y excesivo, pero, por alguna razón, también adorable. Para la Disney, una secuela de este superéxito era el paso más lógico, pero la magia posmoderna de "Piratas" parecía más fruto del azar que de la calculada primera entrega de una trilogía. En otras palabras: Gore Verbinski tuvo la suerte de sacar algo inolvidable de tan arriesgado material una vez, pero no parecía probable que aquello se volviera a repetir.

La primera media hora de "El cofre del hombre muerto" parece confirmar nuestros mayores temores: el arranque de esta secuela es tan desangelado que el espectador no puede hacer otra cosa que temerse lo peor. Nada le hubiera beneficiado más a Jack y los suyos que un cambio de guionistas, ya que la trama ideada por Ted Elliot y Terry Rossio era uno de los indudables puntos débiles de la primera parte. No obstante, los productores no han querido arriesgar nada y han vuelto a contratar a la pareja, que parece trabajar sobre la base de que todo el mundo conoce el original como la palma de su mano y, por tanto, se permiten el lujo de rescatar personajes anodinos que ya habíamos olvidado y juegan la carta de la autorreferencialidad hasta desgastarla. Además, resulta curioso que una película que no para de mirarse en el espejo de "El Imperio contraataca" (hasta el extremo de incorporar samplers durante buena parte del tercer acto) haya descuidado uno de los aspectos que hicieron único al film de Irvin Kershner: la sensación de unidad que transmitían todos los personajes, que incluso lleva al protagonista a abandonar su destino para ayudar a sus amigos. Aquí, en cambio, cada uno parece ir por su lado, por lo que la reunión de los viejos amigos (ya muy avanzado el metraje) resulta forzada y algo anticlimática. El sentido de la maravilla de "La maldición de la Perla Negra" ha dejado paso a la rutina y los anodinos trucos de guión.

Y justo cuando pensabas que este navío se iba a hundir, aquí llega Jack. El capitán ha perdido definitivamente su capacidad para sorprender, pero ha ganado algo muy valioso: el reconocimiento, esa agradable sensación que nos lleva a vibrar cuando salen en la pantalla personajes como James Bond o Darth Vader. Sparrow ya pertenece a esa categoría, y "El cofre del hombre muerto" sirve para enriquecer su poder icónico: desde un par de secuencias de acción en las que homenajea al mismo tiempo a Buster Keaton y al Coyote, Johnny Depp consigue que volvamos a enamorarnos de su antihéroe. No es el único acierto en una película donde las partes suman más que el irregular todo: el barco de Davy Jones (asombroso Bill Nighy) es una de las cumbres del barroquismo digital, el personaje de Naomie Harris es una delicia para todos los fans de la saga "Monkey Island", Stellan Skarsgård consigue que nos creamos el patetismo de Bill Turner y los últimos veinte minutos son un encadenado de momentos climáticos que recupera (¡por fin!) el espíritu del original. "El cofre del muerto" acaba tan alto que casi nos hace olvidar los defectos de un guión exageradamente largo y farragoso, amén de dejarnos en la retina un plano final que eleva sobremanera nuestras expectativas de cara a la tercera entrega. Aunque sepamos de antemano que, seguramente, volveremos a chocar contra el arrecife del desengaño cuando tengamos oportunidad de verla.

¿QUÉ HAY DE BUENO?: En sus mejores momentos es sensacional, pero a cada acierto le sigue un error de igual embergadura. Es de esperar que la tercera parte consiga llevar esta trilogía zozobrante a buen puerto... o, por el contraio, la hunda definitivamente.

VEREDICTO:    (3/5)

Olvídate de "Silent Hill"

Cinco razones por las que DOA: Dead or Alive tiene muy serias posibilidades de convertirse en "Al final de la escapada" para las adaptaciones de videojuegos.

1) La trama: Cinco supernenas de diferentes países se apuntan a un torneo de artes marciales y descubren que algo huele a podrido en la organización (no está basada en Dostoievski: está basada en un beat 'em up). Mientras hacen algo al respecto, también encuentran tiempo para jugar un torneo de voleibol en bikini, organizar peleas en la lluvia que acaban convirtiéndose en un concurso de camisetas mojadas y, en general, tener serios problemas para conservar su ropa.

2) Las protagonistas: "DOA" es una película esencialmente femenina, pero no en el sentido en que lo era "Volver". Aquí, en lugar de Carmen Maura o Blanca Portillo, tenemos a actrices como Jaime Pressly ("No es otra estúpida película americana", "Torque"), Devon Aoki ("D.E.B.S.", "Sin City"), Natassia Malthe ("40 días y 40 noches", "Elektra"), Sarah Carter ("Destino final 2", "Smallville") y la versátil Holly Valance (el videclip Kiss, Kiss, ninguna otra cosa digna de mención). Todo un quién es quién de las actrices-barra-loquesea.

3) El director: Corey Yuen, co-director del primer "Transporter" y uno de los mayores expertos en cine de artes marciales en activo. Es de esperar que Yuen se conozca a la perfección las dos entregas de "Los Ángeles de Charlie", auténticas estrellas que, a buen seguro, guiaron sus pasos durante el rodaje.

4) El trailer: Pinchad aquí. Hay tantas clases de belleza contenidas en él que la primera vez que lo vi pensé que iba a llorar. Lo mismo me pasó con el póster.

5) Esta secuencia: Pinchad aquí. Holly Valance les pega una paliza a unos tíos mientras se pone el sujetador. No tiene sentido y, por lo tanto, también es genial.

Página oficial (en alemán) y colección de fotos.

Cancionzacas: "Tribute", de Tenacious D

a) Extracto:

This is not the greatest gong in the world, no
This is just a tribute
Couldn't remember the greatest song in the world, no, no
This is a tribute, oh, to the greatest song in the world
All right! It was the greatest song in the world
All right! It was the best mutherfuckin' song, the greatest song in the world

b) Datos:

• Apareció por primera vez en el álbum homónimo de Tenacious D (2001).
• En la misma onda de canciones como "The Devil Went Down to Georgia", JB narra en primera persona el encontronazo con el Diablo que tuvieron él y KG en un cruce de caminos. Cuando la bestia les exige que toquen la mejor canción del mundo si quieren conservar sus almas, los dos tocan lo primero que se les viene a la cabeza... y da la casualidad de que, efectivamente, es la mejor canción del mundo.
• No obstante, la letra deja muy claro que "Tribute" no es la mejor canción del mundo, sino un mero tributo a la que tocaron aquella noche y que ahora no pueden recordar.
• Dave Grohl, líder de los Foo Fighters, interpreta a Satán en este vídeo (papel que ha repetido en la inminente película de La D), mientras que Ben Stiller tiene el cameo más fugaz de su carrera.
• Muchos fans piensan que la mejor canción del mundo era "Stairway to Heaven". ¿Pruebas? En los conciertos, JB siempre acaba "Tribute" cantando la frase And we played the greatest song in the world en un tono muy parecido al del tema de Led Zeppelin.

c) Vídeos:

• YouTube
• Pantalla completa
• Directo (con Dave Grohl)

Vergüenza en el escenario

Gloriosas, absolutamente gloriosas son las listas de lo peor que la revista Blender publica en su página web. La más reciente enumera los mayores desastres en directo de los que se tiene constancia: desde aquella vez que Fiona Apple lloró sobre el escenario porque no se oía nada hasta el momento "Spinal Tap" que sufrieron U2 dentro de un limón gigante, esta lista puede servir como demostración de que las estrellas también hacen el ridículo. A veces. Mención aparte merece Fred Durst, ese coágulo que le salió a la música occidental con el cambio de milenio, que también vivió en primera persona las desastrosas consecuencias que puede traer un limón sobre el escenario (cuando ocurren cosas como esa, a uno le da por pensar que es posible que exista justicia en el universo).

Lo mejor de todo es que la cosa no acaba ahí: "Blender" aún tiene otras tres listas más, tan cargadas de mala leche como esta. Para empezar, tenemos las 50 mayores extravagancias de las estrellas, que despacha rápido a blancos fáciles como Britney Spears para cebarse con vacas sagradas como Bono, Elvis o John Lennon. Por suerte, la misma estrategia se repite en las 50 peores canciones de la historia, que no duda en colocar temas de los Beatles, los Beach Boys y los Doors al lado de mierdas tan incontestables como "My Heart Will Go On" o "Rollin' ". Como traca final, los 50 artistas que están mejor muertos (o, mejor dicho, que venden más estando muertos), aunque para conocer a los veinte primeros tendremos que comprarnos la revista. ¡Buuuuuuuh!