Música(s)

Minutos musicales

Me espera un final de semana infernal, cargado de trabajo. ¡Gah! ¡Estúpido trabajo! Lo mejor de dedicarse a esto de escribir letras es que uno puede hacerlo mientras escucha música. No creáis que tengo tiempo para postear mucho más que tres videoclips y sendos textos breves, pero espero que los disfrutéis tanto como yo. Ahora, vuelvo a ponerme el grillete.

a) The Joy Formidable - Whirring: "A Balloon Called Moaning" es mi disco preferido de lo que llevamos de 2009. Ocho canciones casi perfectas y un debut absolutamente acojonante, en el que sobresale esta miniatura épica y enérgica. El disco está disponible para descargar a cambio de nada y la cantante es la de ahí arriba. ¿Necesitas más razones?

b) Golden Silvers - True Romance (True No. 9 Blues): Ah, la televisión musical de los ochenta... ¿Qué fue de ella? Golden Silvers la recuperan por un momento, en un vídeo que puede resultar un tanto repelente, pero que a mí me parece una reconstrucción fascinante de toda una era del pop.

c) La Buena Vida - Viaje por países pequeños: Poco antes de petarlo con "Pagafantas", Borja Cobeaga rodó esta maravilla para acompañar a la (más bien sosa) versión de Poch que ha grabado el grupo de San Sebastián.

El último homenaje

De todos los homenajes a Michael Jackson que se han ido sucediendo estos últimos días, hay uno que me ha emocionado especialmente: el de los presos filipinos del Cebu Provincial Detention and Rehabilitation Center (CPDRC), que ya fueron objeto de un post (titulado Zombis presos bailarines) en julio de 2007. Es comprensible que, tras haber dedicado tanto tiempo y esfuerzo a montar la mejor adaptación de "Thriller" posible, los presos hayan recibido la noticia de la muerte de Jacko como un mazazo. Sin embargo, lejos de sumirse en la tristeza, se han puesto manos a la obra con una sesión triple ("Ben", "I’ll Be There" y "We Are the World") de antología. Nunca unos presos habían aprovechado mejor su tiempo de recreo.

All the people

Midlife: A Beginner’s Guide to Blur es el recopilatorio encargado de volver a despertar al fan, de ahí que se ponga a la venta unas semanas antes de los conciertos de reunión, el 2 y el 3 de julio en Hyde Park (no os molestéis, las entradas se agotaron en cuestión de minutos). Al leer la lista de canciones, uno piensa: a) que parece una selección más elaborada que la de "Blur: The Best Of"; y b) que la presencia de temas como "Blue Jeans" o "Trimm Trabb" sólo puede significar que los miembros de la banda tuvieron la última palabra sobre cuáles entraban y cuáles no. Por supuesto, es más una carta de presentación que una selección definitiva, pero no me puedo resistir a completar la lista con algunas canciones que considero esenciales para el recién llegado. O, sencillamente, con las que echo en falta en "Midlife". Podéis estar de acuerdo o no, pero allá va:

- "End of a Century": Nada que objetar a las canciones escogidas de "Leisure" (1991) y "Modern Life Is Rubbish" (1993), pero son tantas que dejan fuera a algunos cortes fundamentales de "Parklife" (1994). Como por ejemplo este, que capturó a la perfección la tensión pre-fin de siglo y demostró la capacidad de Damon Albarn para retratar la soledad de la vida en su presente. De todos modos, es posible que el hecho de que fuera elegida como single en detrimento de "This Is a Low" contribuyera a que el grupo le cogiera manía...

- "To The End": Otra injusticia inexplicable. ¡Una de las mejores canciones de amor de Blur! ¡Un videoclip sensacional y marienbadiano! ¡Una versión con Françoise Hardy! Todo eso se ha quedado fuera. ¡Gah!

- "Yuko and Hiro": La mayoría de las canciones de "The Great Escape" (1995) estaban escritas en tercera persona, algo que muchos interpretaron como una incapacidad de Albarn para contactar con sus sentimientos en plena cresta de la ola britpopera. En realidad, esa teoría es basura: este es el disco más personal de Albarn dentro de Blur. Por ejemplo, "Dan Abnormal" es un anagrama de su nombre, aunque la mayor prueba estaba en el último corte, en el cantante utilizaba a dos personajes japoneses para hablar de su relación a distancia con Justine Frischmann. El resultado es sencillamente conmovedor.

- "You’re So Great": La carrera en solitario de Graham Coxon ya había empezado cuando grabó esta canción, que no desentonaría en uno de esos primeros discos grabados en su dormitorio. Es posible que sea demasiado Coxon para un recopilatorio de Blur, pero "Good Song" parece una canción de Gorillaz y ha entrado.

- "No Distance Left to Run": La mayor ausencia del recopilatorio. Es posible que tenga que ver con el hecho de que Albarn ha declarado en varias ocasiones que es incapaz de escucharla sin recordar el momento de su vida en que la compuso y, por lo tanto, echarse a llorar. Una de las canciones de ruptura más demoledoras de la historia.

- "Crazy Beat": Por elegir una cuarta de "Think Tank" (2003), aunque realmente "Out of Time", "Good Song" y "Battery in Your Leg" (la única en la que colaboró Coxon) son lo más representativo. A mí, esta en particular me encanta por ser una copia descarada del esquema "Song 2" y por este vídeo alternativo.

Cancionzacas (Especial tercer aniversario): "Birdhouse in Your Soul", de They Might Be Giants

a) Extracto:

Blue canary in the outlet by the light switch
Who watches over you
Make a little birdhouse in your soul
Not to put too fine a point on it
Say I’m the only bee in your bonnet
Make a little birdhouse in your soul

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Flood" (1990), el tercer disco de They Might Be Giants.
• Es, probablemente, la única canción de la historia que refleja el punto de vista de una lamparilla (concretamente, de una con forma de canario azul, situada en el cuarto de un niño con miedo a la oscuridad).
• La mención a Jasón y los argonautas es obvia: la lamparilla observa el faro pintado del cuadro que tiene frente a ella y, aparte de considerarlo su ancestro primitivo, confiesa que la hubiesen despedido si su trabajo fuera guiar a los héroes griegos hasta la costa.
• Hay otra referencia algo más oscura: al sello discográfico Longines Symphonette Society, famoso por editar incontables recopilaciones de música clásica, en formatos de ocho pistas que se rebobinaban a sí mismos al terminar (de ahí que la luz se considere también "inifinita" y diga que "nunca descansa").
• John Linnell considera que es una de las canciones más Gilbert-y-Sullivanescas de TMBG, en el sentido de que muchas de las estrofas deben su sinsentido a que fueron terminadas con palabras al azar que rimaban con el final de la anterior.
• La mención a los ángeles de la guardia hizo que muchos pensaran que se trataba de una canción religiosa, pero sus autores no paran de insistir en que es simplemente una canción sobre una lucecilla con forma de canario.
• La serie "Pushing Daises" montó un número musical en torno a "Birdhouse in Your Soul" en su episodio "Pigeon". Lo podéis ver aquí. En cambio, aquí tenéis su videoclip literal.
• They Might Be Giants son el único grupo que ha aparecido dos veces en esta sección. ¿A qué se debe ese honor? A que fueron los encargados de abrirla en 2006, con la también espectacular Ana Ng.
   

c) Vídeos:

• Birdhouse in Your Soul
• Doctor Worm
• I’m Impressed
• I Palindrome I (directo)

Juntos a través de la vida

El éxito de crítica y público cosechado por "Modern Times" (2006) llevó a muchos a pronosticar una nueva etapa creativa en la obra de Bob Dylan: la Etapa del Regreso, esa que ahora mismo están disfrutando (y salvemos todas las distancias que sean precisas) Take That. Por supuesto, Dylan no iba a encasillarse tan fácilmente, mucho menos si uno tiene en cuenta que una de las pocas constantes en su discografía ha sido la voluntad de sorprender, la firme convicción de que un artista no debería hacer jamás lo que se espera de él. Así, Together Through Life cambia los grandes temas de su anterior disco por una vuelta a las raíces que, como muchos críticos han señalado, puede tener su origen en Theme Time Radio Hour. De hecho, casi parece que Dylan ha grabado un acompañamiento a su programa radiofónico de culto: canciones como "My Wife’s Home Town", que van creciendo cada vez que uno escucha esa voz quebrada y ese acordeón recién sacado de Los Lobos, suponen la inmersión más directa y lúdica que el autor de "Blonde on Blonde" (1966) ha tenido nunca en el blues desgarrado con el que creció. Es un disco bastante insatisfactorio para todos los que nos quedamos maravillados con "Modern Times" (de hecho, a veces parece que la mejor manera de describirlo sería con el epíteto ’Mundo Viejuno’), pero buena suerte si vas a reprocharle algo así a un artista irreprochable.

Antes de zanjar el tema, growabrain nos descubre una versión acústica y austera de "Visions of Johanna", mi favorita de todos los tiempos. Creo que esta canción me seguiría poniendo los pelos de punta aunque la versionara un triunfito.

Cosas que no están bien del todo

Esto es "New in Town", el primer videoclip de Little Boots, joven promesa del electropop británico. Ver a vagabundos realizando coreografías modernas es una de esas cosas que no acaban de estar bien del todo, en el sentido moral del término. Pero qué demonios.

Cancionzacas: "Planet Claire", de the B-52's

a) Extracto:

She came from Planet Claire
I knew she came from there
She drove a Plymouth Satellite
Faster than the speed of light

Planet Claire has pink air
All the trees are red
No one ever dies there
No one has a head

b) Datos:

• Apareció por primera vez en el álbum homónimo de los B-52’s (1979), un debut sonadísimo que también incluía cancionzacas como "Rock Lobster" o "52 Girls".
• Si "Rock Lobster" era la idea que tenía la banda de una fiesta en la playa, "Planet Claire" es su romance de ciencia-ficción cincuentera. Para recrear el ambiente adecuado, el guitarrista Ricky Wilson tocó hasta una alarma de incendios, aunque era Fred Schneider quien se encargaba de ella en los directos. No obstante, algunos de los sonidos de la canción aún no han sido identificados: Keith Strickland aparece la carpeta del disco como autor de "los sonidos de "Planet Claire" ". 
• Los primeros segundos de "Planet Claire" se parecen mucho al tema de "Peter Gunn", clásica serie de detectives creada por Blake Edwards. La lista de grupos y cantantes que han hecho versiones de la canción de "Peter Gunn" antes y después de "Planet Claire" es impresionante: Elvis, Quincy Jones, They Might Be Giants, Art of Noise, Pulp, The Cramps, Aerosmith, Dick Dale... Es posible que los B-52’s se basaran en la de Devo, que no sólo es anterior, sino que es la más parecida. La más famosa, por supuesto, es la de los Blues Brothers.
• La película "Monstruos contra Alienígenas" (2009), aún en nuestras pantallas, propone una buena manera de cerrar el círculo: la versión que suena en los momentos previos al primer contacto del presidente (Stephen Colbert) está interpretada por Les Deux Love Orchestra, que contrató para la ocasión a músicos que colaboraron en su momento con Henry Mancini para la canción de "Peter Gunn". De hecho, los créditos de la cinta marcan la primera ocasión en la que Mancini es acreditado como co-compositor de "Planet Claire".
• "Planet Claire" también ha sido versionada: por Foo Fighters (con el propio Schneider como cantante) y por Aviador Dro, con una letra convenientemente traducida y adaptada: "Ella es del Planeta Claire / No te lo vas a creer".
  c 

c) Vídeos:

• Planet Claire (Directo)
• Rock Lobster (Directo)
• Private Idaho (Directo)
• Dance This Mess Around (Directo)

"The Hazards of Love": Canciones para el fuego

Es extraño, pero da la sensación de que el último trabajo de The Decemberists se puede definir de forma más ajustada a través de referentes literarios que musicales: como un "Sueño de una noche de verano" narrado por William Faulkner, The Hazards of Love es un ambicioso disco conceptual que, en origen, debería haber sido un musical para la escena, algo así como la versión indie folk del universo de Meredith Willson. Finalmente, Colin Meloy (líder y letrista de la banda) no se sintió lo suficientemente preparado para organizar un montaje teatral, pero no importa: "The Hazards of Love" tiene la suficiente fuerza volcánica como para que cada oyente imagine la puesta en escena en su cabeza. O quizá la esencia del disco esté más cerca de los viejos contadores de historias, como apunta Will Hermes en su crítica para "Rolling Stone". En otras palabras, "The Hazards of Love" es un disco perfecto para escuchar en una noche junto al fuego, rodeado de las sombras de ese bosque mágico y misterioso que describen sus canciones.

No debería sorprendernos que The Decemberists hayan decidido, en plena era de Spotify y las descargas digitales, lanzar algo tan anacrónico como un álbum conceptual. Desde sus orígenes, la banda siempre ha estado profundamente enraizada en el pasado, en el folk de Woody Guthrie y los pioneros. Su gusto por lo anacrónico les ha llevado a inspirarse en el género picaresco, a componer canciones sobre eventos o personajes históricos ("The Infanta", "Shankill Butchers") o a grabar todo un disco en el interior de una vieja iglesia. Tal vez por eso, The Decemberists se han convertido en el epítome de lo cool en el panorama del rock alternativo norteamericano, amén de en una presencia obligada en festivales como Lollapalooza o programas como "The Colbert Report" (en el que protagonizaron un memorable reto sobre pantalla verde con su presentador). "The Hazards of Love" está basado en un EP homónimo de la cantante de folk británica Anne Briggs, lo cual podría interpretarse como una señal de que los tiempos de The Decemberists como fenómeno exclusivamente local están a punto de acabar. Las sensaciones que transmite esta monumental —y muy exigente con el oyente medio— ópera folk son universales, con su historia de amor condenado, su torturado realismo mágico y su asombroso elenco de villanos (el principal, narrador en "The Rake’s Song", es especialmente memorable). Si tienes la paciencia necesaria para dejar que se te meta bajo la piel, este disco te dejará marca.

Sábado

El Fincher que me gusta

El Fincher que me gusta no es el de "El curioso caso de Benjamin Button". O sí. O no. Mirad: tengo serios problemas con esa película, que me parece capaz de lo más sublime (la historia del relojero) y de lo más irritante (¡¡el colibrí!! ¡¡El epílogo!!). Eso es algo que, por supuesto, no me pasa con el Fincher que de verdad me gusta: el de "El Club de la Lucha", el de "Zodiac", el de "The Game". Precisamente ese angustioso ejercicio de estilo hitchcokiano (y kafkiano) ha inspirado el último videoclip de Depeche Mode, Wrong, dirigido por Patrick Daughters y ambientado en esa misma ciudad deshumanizada, metálica y posindustrial que contemplaba la crisis de identidad de Nicholas Van Orton (paradigmático hombre urbanita de finales del siglo pasado) en la película de 1997.

Por cierto, Daughters también es el responsable de filigranas como el 1234 de Feist o el The Bucket de Kings of Leon. Un realizador a tener en cuenta, vamos.

Cancionzacas: "Daft Punk Is Playing at My House", de LCD Soundsystem

a) Extracto:

Well, Daft Punk is playing at my house, my house
I’ll show you the ropes kid, show you the ropes 
I got a bus and a trailer at my house, my house 
I’ll show you the ropes kid, show you the ropes 
I bought fifteen cases for my house, my house 
All the furniture is in the garage 

Well, Daft Punk is playing at my house, my house 
You’ve got to set them up kid, set them up 
You’ve got to set ’em up, ooh-ooh yeah!
You’ve got to set ’em up, ooh-ooh yeah!
You’ve got to set ’em up, set ’em up 

b) Datos:

• Apareció por primera vez en el doble disco homónimo de LCD Soundsystem, editado en 2005.
  
• LCD es el proyecto personal de James Murphy, músico y productor (a través de DFA Reccords) de grupos como Soulwax y Hot Chip. Murphy comenzó a publicar canciones en formato single en verano de 2002, con la fundamental "Losing My Edge". Su primer disco contenía nueve temas inéditos, más siete de sus lanzamientos previos.
• "Daft Punk Is Playing at My House" fue la carta de presentación del disco. Llegó al primer puesto en la British Dance Chart y fue nominada al Grammy a la mejor canción dance en 2006.
• El videoclip, por supuesto, es un homenaje a dos de los vídeos más representativos del dúo electrónico francés Daft Punk: Da Funk, dirigido por Spike Jonze; y Around the World, de Spike Jonze.
• El siguiente vídeo de LCD Soundsystem,"Tribulations", volvió a inspirarse en Gondry (concretamente, en su clásico Lucas with the Lid Off), aunque la cita no fuera explícita en esta ocasión.
• "Daft Punk Is Playing at My House" es una presencia recurrente en las bandas sonoras de videojuegos deportivos: "FIFA 06", "Burnout Revenge", "Forza Motorsport 2", "SSX On Tour"...
• Todo el mundo está haciendo cola en mi casa, mi casa. Todos los muebles están en el garaje. Tengo los amplificadores de todos en mi casa, mi casa. Todos los robots se bajan del autobús. Y nunca, nunca dejaré que se vayan. No, nunca, nunca, nunca dejaré que se vayan.
   

c) Vídeos:

• Daft Punk Is Playing at My House
• Tribulations
• Losing My Edge
• Movement

Tengo el espíritu pero he perdido el sentimiento, Dave

Siempre he sido un fan de los videoclips no oficiales de YouTube, sobre todo cuando combinan dos discursos que, en principio, jamás hubiésemos sospechado que podrían ser complementarios. Arriba, un ejemplo de cómo una de las mejores canciones de la historia puede servir de perfecto fondo sonoro a la odisea trascendental del Dr. David Bowman.

IncrediGOOD

Uno de los mayores temores que este bloguero tenía con respecto a Incredibad, el primer disco del extraordinario trío cómico The Lonely Island, era que las canciones no fueran demasiado bueno. ¡Ey, no os vayáis: tiene sentido! Muchos de los temas presentes debutaron acompañados de un sketch (o, más concretamente, un Digital Short) para el "Saturday Night Live". Así, uno podía albergar la sospecha de que el poder cómico de Dick in a Box iba a perder varios enteros al no ir acompañado de la visión de un über-hortera Justin Timberlake sujetando una caja sin manos. Pues bien, no había razones para tener miedo: escuchar las canciones sin el apoyo visual incluso pone de manifiesto la calidad de sus rimas y su sentido del ritmo. Es decir, que no sólo son increíblemente graciosas, sino que también son condenadamente buenas. Los miembros de The Lonely Island se consideran a sí mismos MCs falsos, pero es posible que sean los mejores MCs falsos del planeta.

La presencia de Jack Black en "Sax Man" puede ser causa del puesto de Samberg, Schaffer y Taccone en el "SNL" (suelen trabajar con los anfitriones y las estrellas invitadas en sus Digital Shorts), pero es muy relevante: al fin y al cabo, The Lonely Island es al rap lo que Tenacious D es al rock. Canciones como "Boombox", "We Like Sportz" o la gloriosa "Incredibad" son puros temazos, tanto que uno se da cuenta de hasta qué punto el sketch suele servir de apoyo a la canción, y no al revés. Esta máxima no funciona siempre ("Ras Trent" no es tan eficaz sin Andy Samberg vestido de rastafari), pero explica por qué "The New York Times" incluyó el disco en sus recomendaciones críticas de la semana pasada. Es posible que no sea la mejor manera de acceder al universo de The Lonely Island, pero es claramente maná para el converso.

Cancionzacas: "What's the Frequency, Kenneth?", de R.E.M.

a) Extracto:

"What’s the frequency, Kenneth?" is your Benzedrine, oh-oh
I was brain-dead, locked out, numb, not up to speed
I thought I’d pegged you an idiot’s dream
Tunnel vision from the outsider’s screen
I never understood the frequency, oh-oh
You wore our expectations like an armored suit, oh-oh
 

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Monster" (1994), el noveno álbum de R.E.M.
   
• Una tarde de octubre de 1986, el periodista norteamericano Dan Rather se encontraba paseando por Park Avenue cuando dos hombres sin identificar lo asaltaron. Mientras le golpeaban, uno de ellos no paraba de hacerle la misma pregunta: "Kenneth, ¿cuál es la frencuencia?". Rather pensó que le habían confundido con otro, pero pronto se dio cuenta de que esa no era la respuesta que buscaban. Durante muchos años, el asalto quedó sin resolver, convirtiéndose en lo que Michael Stipe bautizaría más tarde como "el crimen artístico del siglo".
   
• Antes de R.E.M., el incidente ya había servido de inspiración para otro grupo de rock, Game Theory, que editó en 1987 una canción titulada "Kenneth, what’s the Frequency?". También aparece en "Como guante de seda forjado en hierro", la esquiva novela gráfica de Daniel Clowes, tal como recoge Eloy Fernández Porta en su "Afterpop" (Berenice, 2007).
   
• El guitarrista Peter Buck explica en las notas de "In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003" (2003) que su obsesión con el incidente les llevó a escoger esa frase como título de la canción. A partir de entonces, la expresión entró a formar parte del slang norteamericano como sinónimo de estar en la parra, que es básicamente de lo que trata la letra de la canción (un hombre mayor se obsesiona por entender a las jóvenes generaciones).
   
• Lejos de sentarle mal, a Dan Rather le encantó que el grupo usara su experiencia real como base de una de sus canciones más exitosas. De hecho, llegó a acompañar a Michael Stripe en las voces durante una prueba de sonido, que tuvo lugar antes de un concierto multitudinario del Madison Square Garden. La noche siguiente, 23 de junio de 1995, David Letterman mostró las imágenes en su programa.
   
• Dentro del canon de R.E.M., esta canción es algo parecido a una rareza: sus guitarras eléctricas y su tono lúdico la alejaban del camino melancólico que estaba tomando la banda hasta ese momento. De hecho, "What’s the Frequency, Kenneth?" fue interpretada como una vuelta a los orígenes de la banda.
   
• Hacia el final, la canción se vuelve un poco más lenta en lo que al bajo se refiere. Eso tiene que ver con que Mike Mills empezó a sentirse considerablemente mal mientras la graban en el estudio, pero no hizo nada por detener la sesión. Al acabar la jornada, Mills fue llevado al hospital... y operado de apendicitis.
   
• Pero, ¿cómo acabó el incidente de Dan Rather? En 1994, un tal William Tager mató a un directivo de la NBC a la salida del plató de "The Today Show". Una investigación policial descubrió, en 1997, que Tager fue uno de los dos tipos que atacó a Rather once años atrás. El periodista confirmó la identificación, asegurando que no le cabía la menor duda de que ese hombre fue el que le preguntó aquella cosa absurda mientras le golpeaba. En su defensa, Tager alegó que las cadenas de televisión le vigilaban y mandaban señales microondas a su cerebro. Típico.
   
• La historia tiene un epílogo que la inscribe directamente en el libro de oro de la conspiranoia. El número de diciembre de 2001 de la revista "Harper’s Magazine" contenía un asombroso artículo, en el que se afirmaba que el escritor y profesor universitario Donald Barthelme (fallecido en 1989) fue el verdadero autor de la agresión a Rather. Su tesis era que uno podía rastrear algunas señales desconcertantes en los escritos de Barthelme, incluyendo la frase literal "What’s the frequency?" y un personaje protagonista llamado Kenneth. ¿Es posible que una novela impulsara a alguien a atacar a una personalidad de la televisión estadounidense? ¿Fue William Tager ese alguien? El artículo de "Harper’s" lo duda, argumentando que Rather estaba predispuesto a identificarlo como su atacante para dejar atrás el incidente de una vez por todas. Entonces, ¿fue el propio Donald Barthelme? ¿O tendrá razón Daniel Clowes?

c) Vídeos:

• What’s the Frequency, Kenneth? (Directo)
• Man on the Moon
• Furry Happy Monsters (con los Muppets)
• The Great Beyond (Directo)

Se lo hicieron encima

Marquemos el 10 de febrero en nuestros calendarios: Incredibad es, al mismo tiempo, el primer álbum oficial de The Lonely Island y una excelente recopilación en DVD de sus mejores Digital Shorts musicales. Andy, Jorma y Akiva llevaban tiempo grabando temas de hip-hop chuminero en un Power Mac G5 y colgándolos en la Red bajo el nombre de Incredibad, pero ahora han decidido dar el gran paso y lanzarlas junto a sus grandes éxitos en el "Saturday Night Live". Así, "Incredibad" (el disco) contendrá clásicos tan inapelables como el fundacional "Lazy Sunday" y "Dick in a Box", pasando por el rap de Natalie Portman o Space Olympics. Como primer single, los chicos han lanzado una versión sin risas enlatadas de "Jizz in My Pants", su último bombazo en forma de Digital Short, que fue concebido como carta de presentación del disco. Imprescindible, en una palabra.

Cancionzacas: "Golden Skans", de Klaxons

a) Extracto:

Light touch my hand in a dream of golden skans
From now on
You can forget our future plans

Night touch my hand with the turning golden skans
From the night and the light
All plans are golden in your hands

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Myths of the Near Future" (2007), el primer álbum de los londinenses Klaxons.
• El Golden Scan 4 es un foco utilizado para conciertos y actuaciones. Al parecer, es lo último en iluminación digital, razón por la que el grupo lo utilzó como inspiración primordial para un tema decididamente psicodélico.
• El semanario musical británico NME se volvió literalmente loco con la canción: no sólo la incluyó en su lista de los 50 himnos indie más importantes de todos los tiempos (a los pocos meses de que "Myths..." fuese publicado), sino que también la nombró single del año 2007.
• Por lo demás, a "Golden Skans" no le fue demasiado mal en las listas de ventas: llegó al puesto número siete del Top 40.
• El videoclip es una parodia-barra-homenaje (¿quién sabe?) al clásico camp "Can You Feel It", de los Jackson 5, aunque en aquel momento ya eran conocidos como The Jacksons.
• Kaiser Chiefs grabaron una versión para BBC Radio. Buena suerte si quieres rastrearla por los cauces habituales.
• "Golden Skans" figuraba en la banda sonora del aparatoso simulador de conducción Gran Turismo 5 Prologue.
• El título del disco de debut de los Klaxons está sacado, por supuesto, de "Mitos del futuro próximo" (1982), influyente colección de relatos firmada por J.G. Ballard. En sus letras también se pueden encontrar referencias a William S. Burroughs, Thomas Pynchon o Aleister Crowley.

c) Vídeos:

• Golden Skans
• Magick
• Atlantis to Interzone
• Gravity’s Rainbow

Las canciones del año

2008, el año de Obama, la crisis loca y Rick Astley. Cuando quedan tan sólo unas horas para que acabe el año, "El Emperador de los Helados" es fiel a la tradición y publica su playlist con sus mejores canciones. Las del año, claro, acompañadas de una foto de la maravillosa Adele Bethel (Sons and Daughters). Este 2008 ha sido especialmente intenso, relevante y dulce para mí, así que concibo este doble recopilatorio como un paseo nostálgico (si es que se puede tener nostalgia ya) por sus mejores momentos. Por supuesto, estoy casi completamente seguro de que me habré dejado alguna canción importantísima, o de que se han publicado cosas en este año que me he perdido y no descubriré hasta dentro de unos meses, pero nadie es perfecto. Pero este playlist está muy cerca de serlo, eso sí.

Otra tradición en este blog es la de tomarse un pequeño descanso al empezar el nuevo año. Así, no habrá actualizaciones hasta el martes 6 de enero, día de Reyes. Más tiempo para disfrutar del playlist heladero para vosotros, más tiempo para imaginar un año lleno de excelencia blogosférica para mí. Con esto, me despido: ¡feliz entrada y salida de año a todos, amigos y vecinos! Y aseguráos de descubrir los bonus tracks...

DISCO 1

1. WEEZER - Troublemaker
2. LOS PUNSETES - Dos policías
3. WE ARE SCIENTISTS - After Hours
4. THE FRATELLIS - Mistress Mable
5. THE TING TINGS - That’s Not My Name
6. ELECTRIC SIX - Your Heat Is Rising
7. ENVELOPES - Freejazz
8. THE LAST SHADOW PUPPETS - Standing Next to Me
9. THE SUBWAYS - Alright
10.  RUSSIAN RED - They Don’t Belive
11.  THE KILLS - Last Day of Magic
12.  OASIS - The Boy with the Blues

BONUS TRACK: Katy Perry - I Kissed a Girl

DISCO 2

1. ELI "PAPERBOY" REED - Stake Your Claim
2. LOS CAMPESINOS! - Death to Los Campesinos!
3. ELECTROVAMP - Drinks Taste Better When They’re Free
4. FOXBORO HOT TUBS - Mother Mary
5. SHE & HIM - Why Do You Let Me Stay Here?
6. GLASVEGAS - Go Square Go
7. THE ALL-AMERICAN REJETS - Gives You Hell
8. KANYE WEST - Heartless
9. THE PIDGEON DETECTIVES - Everybody Wants Me Now
10.  JOE CREPÚSCULO - El día de las medusas
11.  GIRL TALK - Here’s the Thing
12.  SONS AND DAUGHTERS - Darling

BONUS TRACK: NOBUNNY - Chuck Berry Holiday

Arqueología de lo subterráneo

En Historia del rock: El sonido de la ciudad (Man Non Tropo), impresionante ensayo sobre los orígenes y ramificaciones del ritmo loco, Charles Gillett explica la indisoluble conexión entre la nueva cultura adolescente, surgida a raíz del fin de la Segunda Guerra Mundial; y el rhythm and blues primigenio, que estaba a punto de mutar hacia esa entelequia conocida como rock and roll. Cantantes melódicos como Johnnie Ray, uno de los primeros en introducir algo de heterodoxia en los férreos códigos del mainstream, supusieron el primer paso hacia una brecha generacional y cultural: los padres no entendían, e incluso consideraban aberrante, que sus hijos escucharan a un histrión que se deshacía en lágrimas mientras cantaba. Muy pronto, esos airados jóvenes blancos encontraron una corriente que definía mejor su deseo de rebeldía: la música negra, cuyos cantantes ignoraban por completo las leyes del decoro y el buen gusto que dominaban los catálogos de los grandes sellos.

En 1950, el sociólogo David Riesman publicó un artículo titulado "Listening to Popular Music", que Gillett entiende como fundamental para entender la eclosión del rock en la sociedad norteamericana de los años cincuenta. Riesman consideró que se podían distinguir dos grupos en el panorama musical de su tiempo: el publico mayoritario, que aceptaba lo que le ofrecía el mainstream y no sentía la necesidad de buscar más allá; y el público minoritario. Su descripción de este último no sólo resulta increíblemente lúcida para la época, sino que traza las líneas generales que han definido a la cultura alternativa (o diferente, o subterránea) desde mediados del siglo XX hasta nuestros días:

La rebeldía de este grupo minoritario podría reflejarse en algunos de los comportamientos siguientes hacia la música popular: una insistencia en normas rigurosas de juicio y gusto en medio de una cultura relativista; una preferencia por las pequeñas orquestas no promocionadas antes que por las orquestas de renombre; el desarrollo de un lenguaje privado que se abandona cuando es adoptado por el grupo mayoritario (y lo mismo pasa con otros aspectos del estilo privado); y un profundo resentimiento contra la comercialización de la radio y de los músicos (...) Un aprecio por la idiosincrasia de una actuación va pareja con un desdén por los intérpretes "estrella" y una insistencia en que la improvisación sea un fenómeno generado por el grupo.

(David Riesman, "Listening to Popular Music", 1950, traducción de Joan Sardá). 

Para Gillett, "el hecho de que, a pesar de lo que la mayoría elija, habrá una minoría que escogerá algo diferente explica cómo la música popular sigue cambiando, sin importar lo buenos —o malos— que sean los tipos de música dominante durante un periodo concreto". Por tanto, la revolución del rock en la Norteamérica de Eisenhower marcó la primera vez en que la cultura minoritaria desafió y se impuso a la oficial, un fenómeno que se viene repitiendo cíclicamente desde entonces. La piedra de toque de la cultura popular. El Origen de Todas las Cosas, en resumen.

Jueves por la tarde

Tiempo de listas. Sí, ya es esa época del año. Las principales webs culturales de todo el mundo empiezan a hacer sus listas de lo mejor y lo peor del año, algo que, en el mejor de los casos, sirve para descubrir cosas que probablemente se nos habían pasado. En el peor, es un acto de onanismo que celebra lo más visto y comentado, que no necesariamente lo mejor. Este blog no está libre de pecado y, por tanto, publicará su doble recopilatorio con las mejores tonadas de 2008, pero ahí ya estamos hablando de una excepción. ¿Algún problema? La lista de las veinte peores portadas discográficas del año que ha publicado hoy Pitchfork es otra excepción: no tiene miedo de arremeter contra vacas sagradas (Death Cab for Cutie, Beck) y acompaña los horrores visuales con algunos comentarios realmente ingeniosos (¡James Taylor!). Eso sí, la inclusión de la cuasi-lynchana y fascinante portada del EP de Spoon "Don’t You Evah" es un gran error.

"Ellos lo reparan todo". Durante la promoción de "The Wrestler", el director Darren Aronofsky ha hablado de sus planes para el remake de "RoboCop", también conocido como la idea más insensata que circula por Hollywood en estos momentos (esperemos que, dentro de unos meses, esa idea insensata sea mi segundo borrador de "Zombies en Disneyland"). Al parecer, Aronofsky planea una aproximación Hard Sci-Fi a la soberbia película de Paul Verhoeven: la idea se le ocurrió... antes de hacerse una resonancia magnética. En Micro Fantastic Bizarre Fest, el flamante episodio de "Qué vida más triste" con cameo de Vigalounge, Borja recuerda una ocasión en la que un encolerizado Joseba devolvió "RoboCop" al videoclub, argumentando que la frase promocional de "Mitad hombre, mitad robot, todo policía" estaba equivocado: el protagonista no era mitad humano, porque de humano sólo tenía la boca. Al final, parece que no hay demasiada diferencia entre Joseba y un prestigioso autor cinematográfico.

Con condón yo floto pronto. El (a falta de una palabra mejor) asombroso anuncio de la última campaña pro-preservativo ya está causando furor en nuestra sociedad "Física o Química". La razón por las que unas cabezas pensantes imaginaron que la juventud española se identificaría con dos personas que hablan como en "La naranja mecánica" continúa siendo un misterio. 

Cancionzacas: "The Good Life", de Weezer

a) Extracto:

And I don’t wanna be an old man anymore
It’s been a year or two since I was out on the floor
Shakin’ booty, makin’ sweet love all the night
It’s time I got back to the good life
It’s time I got back, it’s time I got back
And I don’t even know how I got off the track
I wanna go back, yeah!

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Pinkerton" (1996), el segundo álbum de Weezer.
• Todo el que piense que Rivers Cuomo es un quejica tiene en la letra razones para mantenerlo: el músico habla de la tragedia de hacerse mayor, pero no tenía más que 25 años cuando grabó la canción.
• Fue lanzada como segundo single muy poco tiempo después del primero ("El Scorcho"), ya que se trataba de una táctica desesperada para salvar un disco tan complejo como "Pinkerton" de las malas ventas.
• El videoclip fue dirgido por Jonathan Dayton y Valerie Faris, prestigioso duo creativo (y matrimonio) que en 2006 dio el salto al largometraje con "Pequeña Miss Sunshine". Antes dirigieron vídeos tan aclamados como "By the Way", de Red Hot Chilli Peppers; o "All Around the World", de Oasis.
• Sí, la protagonista es Mary Lynn Rajskub, la Chloe O’Brian de "24".
• La técnica empleada en el vídeo fue reutilizada y amplificada más tarde por Joseph Kahn para el vídeo de "Always", de blink-182.
• Las caras del single, "Waiting on You" y "I Just Threw Out the Love of My Dreams", formaban parte de "Songs from the Black Hole", un ambicioso musical rock que Weezer planeaba lanzar después de su debut, el disco azul (1994). Finalmente, el grupo deshechó la idea de un disco conceptual, aunque algunas de sus ideas y melodías sobrevivieron a través de "Pinkerton". A lo largo de los años, las demos de muchos de los temas se han podido conseguir a través de bootlegs, así como en "Alone: The Home Recordings of Rivers Cuomo" (2007).

c) Vídeos:

• The Good Life
• El Scorcho
• Pink Triangle
• Hash Pipe