a) Extracto:

I read the news today, oh boy
About a lucky man who made the grade
And though the news was rather sad
Well, I just had to laugh
I saw the photograph

He blew his mind out in a car
He didn't notice that the lights had change
A crowd of people stood and stare
They'd seen his face before
Nobody was really sure
If he was from the House of Lords

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (1967), que hoy cumple 40 arrolladores años.
• La canción responde, en parte, a una ambiciosa idea de Lennon: componer una canción en torno a los titulares del "Daily Mail". Así, la noticia del fatal accidente de tráfico que sufrió Tara Browne, heredero de la fortuna de Guiness y amigo de los Beatles, sirvió de comienzo para una composición en la que mezcló noticias estrambóticas (los 4.000 agujeros en Lancashire) y elementos autobiográficos (parece que la segunda estrofa va sobre el estreno de "How I Won the War"). La idea es, por supuesto, capturar la infinita, inabarcable complejidad de un día en la vida de cualquier persona.
• McCartney se encargó de la sección central, una dinámica narración de su rutina matinal adolescente que mezcla lo mundando con lo onírico.
• La alarma de reloh que se escucha hacia la mitad fue completamente accidental.
• George Martin se encargó, con ayuda de McCartney, de conducir la orquesta de 40 instrumentos que cambiaría para siempre la música popular. De todos modos, Lennon nunca estuvo del todo satisfecho: quería haber tenido a 90 músicos.
• La canción acaba con una única nota (tocada simultáneamente en tres pianos distintos) que se mantiene durante un minuto. Hay quien asegura que se puede escuchar el sonido del aire acondicionado de los estudios Abbey Road durante los últimos segundos.
• En total, los Beatles y Martin pasaron 34 horas de su vida grabando "A Day in the Life". El hecho de que su álbum de debut "Please Please Me" tardará un total de 10 horas en grabarse debería hablar por sí solo. Y decir muchas cosas.
• El mensaje oculto que viene inmediatamente después de "A Day in the Life" es, y siempre ha de ser, un misterio. Originalmente, estaba pensado para ser escuchado en un loop infinito, con la aguja del tocadiscos rebotando sin parar entre las secciones correspondientes a los últimos tres segundos. Por supuesto, se rumorea que contiene un mensaje oculto sobre la muerte de Paul, pero lo que en realidad se escucha es algo parecido a "We will fuck you like a Superman".
• Devo, David Bowie y Mae son solo algunos de los artistas que han incorporado frases de "A Day in the Life" en una de sus canciones.
• La letra de la canción, escrita a mano por Lennon, fue subastada en 1992 por 87.000 dólares.
• La persona que empieza a escuchar "A Day in the Life" por primera vez no es la misma que la que acaba de hacerlo. En esos 5 minutos y medio, hay algo que cambia para siempre.

c) Vídeos:

• A Day in the Life
• Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Yellow Submarine)
• Being fot the Benefit of Mr. Kite! (Dibujos antiguos)
• When I'm Sixty-Four (Yellow Submarine)
• Good Morning Good Morning (!?)

Haciendo gala del altruismo sin límites que siempre le ha caracterizado, "El Emperador de los Helados" te trae las novedades jugueteras más estimulantes (para que así no tengas que ir a buscarlas tú mismo).

El juguete del mes: Este junio tenemos fiebre peluchera, amigos y vecinos. ¿Recordáis cuando, hace unos años, el peluche de "Alien" nos parecía la cosa más ingeniosa que habíamos visto? Pues bien, ahora vivimos unos tiempos en los que los ositos han dejado definitivamente de ser cosa de niños: como ejemplo, os presento a Boob Job Swear Bear, el juguete que a nadie en su sano juicio se le ocurriría regalar (a no ser, claro, que sepas de antemano que a esa persona le puede gustar un peluche que diga "Chúpame los pezones"). Sin embargo, los padres que no quieran que su hijo que se haga amigo de una osita prostituta siguen teniendo garantías: ahí están los sensacionales peluches de "Fraggle Rock" (en la foto), que aún no tienen a la Montaña de la Basura pero traen DVDs con episodios de la serie. Por último, estos peluches de "Star Wars" acaban de salir del horno, y "El Emperador de los Helados" lo celebra organizando un blog colectivo con vuestros recuerdos de... Perdón. No volverá a pasar. 

Más:

• Michael Scofield de 12 pulgadas. Lo comprarás... Lo llevas en la sangre.
• Lord Crumwell's Oddfellows Revolutionaries Mini Figures Set. También disponible la colección de artistas, escritores y genios (Picasso y Shakespeare son los únicos que aparecen en más de una).
• Star Wars Darth Vader Golf Club Cover. Técnicamente, el 30 aniversario aún no ha acabado (aún es 2007), así que ya tienes una buena razón para jugar al glof al estilo sith.
• FunkoVision Scooby-Doo, Shaggy & Phantom. Dato curioso que probablemente no sabías: Scooby no solo tenía un sobrino, sino también un hermano medio cowboy llamado Yabba-Doo. Se trataba de un perro intrépido y valeroso que, en uno de los finales más extraños de la historia de la animación, era secuestrado en el último episodio de su spin-off. Nunca más se volvió a saber de él.
• Harry Potter Monster Book of Monsters Plush. La prueba de que, hoy en día, pueden hacer un peluche de cualquier cosa.
• Marvel Universe Civil War Captain America Bust. He aquí un tipo que no quiere ni oír hablar de actas de registro. También está disponible el tipo que a-d-o-r-a las actas de registro.

La semana pasada estuvo tan llena de viajes y examenes (no es exactamente la mejor de las combinaciones posibles) que prácticamente no tuve tiempo de actualizar. Y, como ya llevamos un retraso de dos semanas en las alertas DVDeras, creo que no vendría mal hacer un especial fuera del esquema. No os preocupéis: a partir de la semana que viene, esta minisección volverá a retomar su habitual periodicidad quincenal. Mientras tanto...

1) DiG!: Una de las mejores cosas del DVD es que nos ofrece la oportunidad de ver películas recientes que, por una u otra razón, han sido sistemáticamente desdeñadas por nuestras distribuidoras para su estreno en salas comerciales. Ese es el caso de "DiG!", vibrante y soberbio rockumental que, como todos los clásicos del género, acabó convirtiéndose (gracias a una coyuntura completamente imprevisible) en mucho más de lo que su director Ondi Timoner tenía pensado en un principio. Así, lo que empieza siendo un mero testimonio gráfico de la primera gira conjunta de The Brian Jonestown Massacre y The Dandy Warhols (las dos grandes promesas del indie rock norteamericano de finales de los 90) acaba convirtiéndose en una brutal y aguda parábola sobre todo un estado de cosas. "DiG!" es la cruda confirmación de que, hoy por hoy, integridad artística equivale a suicidio artístico, mientras que vender tu alma puede ser la única manera de seguir en el (irónicamente llamado) panorama independiente. Un DVD incómodo, ruidoso e imprescindible. A la venta el 13 de junio

2) Ghost Rider: El Motorista Fantasma - Edición Extendida: Al igual que "Daredevil", la segunda película marvelita de Mark Steven Johnson parece destinada a superar en el terreno del DVD sus nada desdeñables cifras de recaudación en cines. Y es que, por mucho que sus espectaculares set pieces se aprecien mejor en pantalla grande, "Ghost Rider" es una película para ver en casa, la opción perfecta para darle un refrescante toque macarra a una aburrida tarde de sábado (o para terminar por todo lo alto un maratón nocturno de cine de motoristas). Además de la edición básica, los caballeros de Marvel y Columbia han tenido a bien sacar un doble DVD para los que realmente amamos este placer no tan culpable: dos audiocomentarios (por desgracia, ninguno de ellos con Nicolas Cage), trailers, documentales y retrospectivas del personaje son, junto con esos apetecibles 15 minutos extra de metraje, razón más que suficiente para vender tu alma al Diablo. A la venta el 3 de julio

3) Dean Martin & Jerry Lewis Collection - Vol. 2: Cualquier pack que contenga "Artistas y modelos" (1955) debería ser una compra obligada para cualquier lector de este blog, independientemente del resto de las películas. ¿Qué más se puede decir? Pues muy poco: Lewis y Martin merecen estar en la DVDteca de todo amante de la comedia con un mínimo de buen gusto. De hecho, solo un alma corrompida y más allá de toda redención podría plantarse ante esta caja de películas y permanecer impasible. A la venta el 5 de junio

4) Ichi the Killer: Blood Pack: Ya se ha convertidop en todo un clásico del cine extremo, y no ha perdido ni un ápice de su capacidad para epatar y/o repugnar al personal más pusilánime. Seis años después de que se abriera paso (a cuchillazos) entre los festivales respetables y poco respetables de todo el mundo, "Ichi" es homenajeada con una edición de coleccionista que incluye dos discos y otras tantas horas de material extra, entre las que destaca una (oportuna desde el punto de vista del márketing, pero no por ello menos bienvenida) featurette con Eli Roth. Además, es un DVD con gimmick: ¡incluye un bolsa con sangre! Brutal y sin concesiones, la película-revelación de Miike, con sus baños de aceite hirviendo y sus caras cortadas deslizándose por el suelo, sigue siendo el plato fuerte de todo maratón cinéfago. Ya a la venta

"Estamos viviendo en un mundo post-Stop Peter, Bjorn & John muy loco. ¿Tienes un problema con un rockero indie? ¡Abre un blog sobre el tema!". Así resumen los chicos de Stereogum la polémica que se ha montado en torno a Arcade Fire Stole My Basketball, la sensación blogosférica del 5 de junio de 2007 (que hoy, 6 de junio, ya ha dejado de funcionar...). La cosa ocurrió de la siguiente manera: un muchacho de Berkley afirma que Win Butler, líder de Arcade Fire, le robó su pelota tras perder una disputa por ver quién se quedaba con la cancha. Furioso y un tanto confuso por la situación, el chico decide abrir un blog en el que le cuenta al mundo, con pelos y señales, lo mala persona que es la estrella de la música independiente: una forma deliciosamente nerd de venganza que, al parecer, que dio sus frutos, porque el hermano de Butler se apresuró a abrir un blog titulado Arcade Fire Didn't Steal a Guy's Basketball. El hecho de que este contra-blog también haya caído parece indicar que el conflicto absurdo ha acabado con un entendimiento entre las dos partes. Eso, o algo peor...

De todos modos, no quería hablaros del conflictivo de la pelota en sí, sino de los comentarios que ha generado el post de Stereogum: sin duda, estamos ante la segunda mejor colección de comments de la Red (la primera, por supuesto, pertenece a la metacrítica de "Demons" que hizo Alvy Singer). A continuación, cinco de las joyas que se pueden leer:

1. The Decemberists trained a falcon to crap on my head at my wedding
2. Super Furry Animals ate my homework
3. Marilyn Manson robbe my cradle (se refiere a esto y, en consecuencia, a esto)
4. Modest Mouse stole my cheese
5. Meg White stole my heart

Para terminar, y sin relación aparente con todo lo demás, YouTube ya tiene el videoclip de Working Class Hero, la versión del clásico de John Lennon que Green Day ha grabado para "Instant Karma: The Campaign To Save Darfur". Jamás me escucharéis criticar algo de estos tres caballeros (menos aún si va destinado a una buena causa), pero, entre nosotros, el mejor videoclip que se puede ver ahora mismo en el tubo sigue siendo Umbrella.

1) The Brothers Solomon: Es curioso que las dos comedias candidatas a sleeper del año, "The Brothers Solomon" y "Knocked Up", versen sobre el tema de la paternidad como motor de carcajadas. Procrear ya ha dejado de ser algo serio, y mucho más cuando los individuos que están a punto de hacerlo son Will Arnett y Will Forte, dos cómicos brillantes que parecían destinados a formar pareja en una película como esta. Dirigida por Bob Odenkirk, responsable de la aún inédita en nuestro país "Let's Go to Prison", "Solomon" cuenta con un trailer lleno de momentos realmente prometedores: esa petición de mano en el restaurante y ese encuentro con el coche de policía dejan bastante claro el talento de la pareja protagonista, algo que cualquier espectador de "Arrested Development" y "Saturday Night Life" ya sabe de sobra. Escrita por Forte y co-protagonizada por su compañera en el "SNL" Kristen Wiig, "The Brothers Solomon" es solo una de las muchas comedias que prometen alegrarnos la vida durante la segunda mitad de 2007. Y es que la primera ha sido taaaan poco divertida...

2) Surf's Up: ¡Pingüinos en animación 3-D! ¡Con voces de actores famosos! Espera un momento... ¿No hemos visto esto antes? De hecho, sí, lo hemos visto, pero puede que esta vez sea distinto. Me explico: a diferencia de "Happy Feet", "Surf's Up" no es un musical bienintencionado con animales tan realistas que asustan un poco, sino una parodia chorra de los documentales surferos estilo "The Endless Summer" que, a tenor de lo que vemos en el trailer, no se conforma con recrearse ad nauseam en la idea sobre la que se articula (¡pingüinos haciendo surf!). Además, la segunda película de Sony Imageworks promete superar la absoluta falta de imaginación que exhibía "Colegas en el bosque" con dos directores de la talla de Chris Buck, responsable del "Tarzán" de Disney; y Ash Brannon, alumno de Pixar y co-director de la memorable "Toy Story 2". Con un reparto de voces que combina presencias de culto (Zooey Deschanel, Jon Heder) con nuevos talentos (Shia LaBeouf), todo parece indicar que "Surf's Up" será una experiencia mucho más gratificante que el último trabajo de George Miller: aquí, al menos, no tendremos que aguantar a Brittany Murphy cantando éxitos de Queen.

3) American Gangster: Si debemos hacer caso al hype, este va a ser el "Heat" de los 00s, un nuevo choque de titanes que le hará bajar puntos en el coolómetro a cualquier otro thriller estrenado durante los últimos cinco años. Pues bien, una vez visto el trailer... Lo cierto es que aún no sabemos qué pensar: está claro que Denzel Washington, Russell Crowe y Ridley Scott son una de las mayores combinaciones ganadoras con las que uno puede soñar, pero puede que sea excesivo esperar una obra maestra. Basada en la historia real de Frank Lucas (Washington), el mayor traficante de heroína del Nueva York de los años 70, "American Gangster" promete ser un espectacular partido de tenis entre dos actores superdotados y un virtuoso de la imagen, pero uno no deja de pensar que el resultado final va a estar muy lejos de la profundidad de "Heat" o la amoralidad de "Uno de los nuestros". De todos modos, espero tener que tragarme mis palabras en diciembre. Mis palabras y el DVD de "Virtuosity".

En octubre de 2006, Terry Gilliam se enteró por su hija de que Tideland, su última película, iba a ser estrenada en un par de cines de Nueva York, sin una marquesina publicitaria ni un mísero anuncio en el periódico. La única idea que se le ocurrió para que los neoyorquinos se enterasen de su llegada a las pantallas fue tan kamikaze como la propia película: Gilliam salió a las calles una mañana de otoño, se colocó frente a la cola del plató donde se rueda "The Daily Show", mostró un cartel en el que se podía leer "Cineasta sin estudio dirigirá por comida" y le contó a todo el que allí se acercara que su cinta, un trabajo de amor que sacó adelante prácticamente él mismo, moriría si nadie iba a verla durante su primer fin de semana en taquilla. Al final, la estrategia dio resultado, y "Tideland" salvó el fracaso económico y se mantuvo hasta cuatro semanas en cartel. No es la primera vez que el director toma las calles para armarla (recordemos cuando quemó su carnet de la WGA delante de los fotógrafos), pero parece ser que se está convirtiendo en un nuevo rito por el que tienen que pasar los cada vez más escasos autores del cine norteamericano: David Lynch, sin ir más lejos, también tuvo que salir a las calles (esta vez de Los Angeles) para que alguien se fijase en la interpretación de Laura Dern en "Inland Empire". De modo que así es como trata Hollywood a sus artistas.

En España, con "Ocean's 13" en boca de todos, parece que "Tideland" se enfrenta a un primer fin de semana bastante parecido (aunque las visitas de Gilliam a Madrid y Barcelona le han dado a la peli un poco más de visibilidad). Como esta es una de las pocas películas por las que un servidor estaría dispuesto a salir a la calle con una pancarta, he aquí el mensaje que este blog desea lanzar este fin de semana a sus lectores: ¡¡HAY QUE IR A VER "TIDELAND"!! Por supuesto, no es una película para todos los gustos, contiene bastantes elementos incómodos para según que tipo de espectadores (esa insitencia en la sexualidad de su protagonista, como señaló mi excpecional compañero de proyección Alvy Singer) y apuesta por lo extremo sin mirar caras de nadie. No obstante, todo el que quiera ver a un artista desatado, libre y en estado de gracia, que no lo dude ni un microsegundo. 

Puede que a la inmensa mayoría de sus seguidores les cueste aceptarlo, pero el cine de Steven Soderbergh no es que sea el triunfo de la forma sobre el fondo: es, sencillamente, La Forma. El problema es que, muchas veces, esa Forma, intachable y virtuosa, se pone al servicio de pretextos fútiles y se cree dotada de un fondo trascendente: ahí tenemos, por ejemplo, la repugnante "Traffic" (2000), la suicida "Full Frontal" (2002), la plomiza "Solaris" (2002), la manierista "El Buen Alemán" (2006)... Quizá por eso me guste tanto la trilogía de Danny Ocean, que ya en la segunda parte puso las cartas sobre la mesa de manera espectacular y nos demostró que a ella, como a las dos primeras películas de McG, conceptos como la verosimilitud narrativa o los árboles que no dejan ver el bosque le son completamente indiferentes. "Ocean's 13", la entrega más reciente de la única saga cinematográfica que establece lo que se va a considerar cool durante los próximos años, no es tan radical y descreída como la anterior, pero tampoco supone un paso atrás: los que odiaron "Ocean's Twelve" (2004) son recompensados con el escenario original y una completa ausencia de personajes haciéndose pasar por los actores que los interpretan (al menos, no de forma explícita), pero la estructura de flashbacks dentro de flashbacks con la que Soderbergh ameniza la entrada de Eddie Izzard en el juego o los tres minutos musicales que puntúan el clímax siguen acreditando a la saga como una modalidad sorprendetemente experimental de mainstream.

En un verano lleno de tricuelas (es la palabra clave de la temporada) que aspiran a poner el broche de oro a una saga excesivamente ambiciosa, es un alivio ver cómo "Ocean's 13" simplemente utiliza su condición de tercera parte para ahorrarse las presentaciones de unos personajes a los que ya conocemos a la perfección. Además, al estilo de "A Hard Day's Night" (1964), todos y cada uno de los miembros del grupo tienen su momento de gloria, aunque George Clooney se encargue de dejar muy claro por qué la película lleva su nombre en un antológico cara a cara final con Al Pacino (esa referencia a Sinatra...). Al encenderse las luces, uno se da cuenta de que acaba de ver algo muy parecido, ética y estéticamente, a los fuegos de artificio que (casi) cierran la película, pero es que precisamente esa era la intención: "Ocean's 13" es diversión veraniega adulta y con clase, pero diversión veraniega al fin y al cabo. Quien quiera más, ahí tiene el resto de la filmografía de su director... Que le aproveche, pero: a) tampoco va a encontrar nada muy diferente (si acaso, algo más pedante y camuflado de lo que no es); y b) yo me quedo con sus fuegos artificiales.

VEREDICTO: Refrescante y estilosa, esta tricuela cumple las expectativas y se confirma como el primer gran blockbuster de la temporada.

TERMÓMETRO:     (4/5)

Joss Whedon ha decidido continuar contando la historia de su chica favorita a través de 22 cómics que funcionan como la octava temporada de la serie, y el resultado (por ahora) está siendo espectacular. Para celebrar la resurrección de un icono, "El Emperador de los Helados" ofrecerá un post dedicado a analizar cada uno de los arcos argumentales que vayamos leyendo. El primero, "The Long Way Home" (con dibujos de Georges Jeanty y guión del propio Joss), acaba de terminar, así que ya es hora de decidir si ha merecido la pena volver a ver a Buffy, Willow, Xander y Giles. Por supuesto, si no quieres conocer detalles muy reveladores de los cuatro primeros números, te recomiendo que pases directamente a otro post (justo debajo hay uno de Nicola Tesla con fotos de electricidad loca, échale un vistazo).

Si normalmente se dice que un piloto televisivo se la juega durante los primeros cinco minutos, la octava temporada de "Buffy" lo hace durante las cinco primeras páginas. En ellas, Whedon sabía que tenía que salir indemne de varios y muy considerables retos: simplificando mucho las cosas, esas cinco páginas debían explicarnos por qué Buffy ha vuelto, qué tiene de nuevo, por qué no es una estrategia de Dark Horse y por qué debería importarnos. Al abrir con una doble página enmudecedora (definitivamente, eso no se podría hacer en televisión) y continuar con una voz en off que combina la exposición con un par de referencias geniales a la mitología (concretamente, a uno de los mejores episodios de "Angel"), Whedon supera el reto con creces: su nueva temporada no sólo tiene algo que merece la pena contar, sino que lo va a hacer de un modo fresco y que nunca antes habíamos visto. Si no hubiera tenido experiencia previa en los cómics (no hablo solo de "Astonishing X-Men", sino de su condición de fanboy), es posible que "Buffy 8" hubiera fracasado, pero no hay por qué temer: Whedon conoce su medio y, sobre todo, conoce a sus personajes. Cinco páginas para convencernos, sin lugar a dudas, de que estamos en buenas manos.

"The Long Way Home" es uno de los mejores season openers de una serie que, reconozcámoslo, nunca se ha caracterizado por la fuerza de sus season openers. Muchos han criticado el regreso sorpresa de hasta tres caras conocidas, pero no es tanto una maniobra para convencer al fan de que compre el tebeo todos los meses como una declaración de intenciones: estamos en un medio nuevo, y tenemos que acostumbrarnos desde el principio a que, ahora que la censura y el límite de presupuesto han pasado a la historia, puede pasar de todo. Por ejemplo, podemos tener una secuencia onírica con Ethan Raynes (atención a la página 8 del tercer número, un auténtico regalo para el fan), un villano sin piel (bueno, no uno cualquiera) desfigurando a Willow, un ejército de zombis escoceses y una fugaz visita a otro plano de la realidad. Ah, sí: y una hermana gigante. Además, quien no diera saltos de alegría al ver que volvían Amy y Warren es que no tiene sangre en las venas, o no es fan de "Buffy". Así de sencillo.

Brillantemente escrito, plagado de acción y puntuado por viñetas realmente memorables, "The Long Way Home" es tan divertido y disfrutable que consigue que casi nos olvidemos de algo fundamental: si Whedon ha resucitado a estos personajes, debe ser porque tiene algo nuevo que contar. Sin embargo, el autor no se ha olvidado, y las últimas dos páginas del cuarto número son la confirmación de que esto no es una estrategia de Dark Horse, sino el siguiente paso en la mitología de la serie. Es posible que muchos fans se queden a cuadros cuando descubran quién es el nuevo Big Bad (o, para ser más exacto, que ellos, que nosotros somos el nuevo Big Bad), pero nadie le puede reprochar a Whedon que no sea algo por lo que merezca la pena resucitar una serie. Antes era Buffy contra el Mal. Ahora es Buffy contra nosotros. La mejor serie de la historia se ha vuelto más compleja. No puedo esperar al próximo número.

Siete cosas que realmente han cambiado mi vida este mes:

1. El fenómeno de las Air Bands, que básicamente consiste en fingir que tocas la canción que está sonando cuando, en realidad, solo mueves la boca y las manos. Es algo que todos hemos hecho alguna vez cuando nadie nos miraba, pero que ahora se ha convertido en una sensación de YouTube: aquí tenéis un buen ejemplo de ello, aunque no sé yo si lo que hacen las chicas del cuarto vídeo se puede calificar como airbandear (a mí me parece un numerito de animadoras de toda la vida). El grupo de mentira a superar parece ser este: nunca nadie consiguió tales cotas de emoción haciendo algo tan absurdo.

2. The Legend of Zelda and The Lampshade of No Real Significance (en la foto), absolutamente no oficial, pero no por ello menos disfrutable. ¿Alguna vez te has preguntado qué pasaría si Link tuviese que entrar a un McDonald's? ¿Y si en ese McDonald's se hubieran quedado sin hamburguesas? Yo tampoco me lo había preguntado nunca, pero eso no significa que el juego no sea fabuloso. Antención a los cameos.

3. Speed Racer. A finales de mayo estuve en Berlín cubriendo la presentación del rodaje, y puedo afirmar que (si los animatics y el arte conceptual son de fiar), los Wachowski nos tienen preparado algo muy grande para el verano de 2008. Nada que ver con la animación candorosa de la serie, aunque Joel Silver insistió mucho en que será una película para toda la familia. En serio: puede ser la película más importante del verano que viene. En otro orden de cosas, Matthew Fox me llamó mate cuando chocamos el uno con el otro, en el caos que se formó al finalizar la rueda de prensa. Los rumores que afirman que me quedé quieto un momento para chocarme con él intencionadamente sin que se diera cuenta son infundados.

4. Hablando de Matthew (colega OFICIAL de este blog), el final de la tercera temporada de "Lost". He oído las críticas y las comprendo, pero sigo pensando que es un acierto de proporciones mayúsculas, una ventana a nuevos territorios aún mayor que la que se abría al finalizar la primera temporada. Eso sí, maldita la gracia que me hace tener que esperar hasta febrero de 2008 para ver si cumplen las expectativas que han creado hace menos de un mes... Más series: "Enteprise" le hace una visita al Universo Espejo en un doble episodio que bien merecía un spin-off, "The Tudors" no ha conseguido engancharme, "Blood Ties" ha resultado ser una mierda y acepto a regañadientes que "Studio 60" ha perdido parte de su mojo inicial, aunque sigue siendo sensacional (¿qué otra serie se puede permitir el lujo de hacer un buen episodio sin sus tres protagonistas?).

5. Hablando de series, el final de "Los Soprano" merece un apartado para él solo. Confieso que no he seguido la serie con regularidad (episodios sueltos de una y otra temporada), pero pienso verla entera ahora que ha terminado. Y cómo ha terminado... Amantes de lo anticlimático, no temáis al spoiler y sed testigos de los últimos minutos de la serie aquí. No me cansaría de verlo (y analizarlo) nunca.

6. Narrativa completa de Lovecraft / Volumen I, cuidadosamente editada por Juan Antonio Molina Foix para Valdemar. Es material de primera necesidad para los entusiastas del autor de Providence, al que aquí podemos ver dando sus primeros pasos (esos relatos adolescentes, cartas de amor a Poe), presentándonos a Raldoph Carter, abriéndonos la puerta a sus pesadillas ("La ciudad sin nombre") y, ya casi al final, respondiendo a la llamada de Cthulhu. Por si estas más de 820 páginas no fueran suficiente distracción para la época de exámenes, Sark confirma mis sospechas de que El traje del muerto mola. ¿Podré esperar a julio para leerla? ¡No!

7. Hostel 2, posiblemente la película más divertida de la temporada (diversión enferma, pero diversión al fin y al cabo). Eli Roth ha hecho una secuela pura, que solo repite los esquemas de la primera parte para profundizar en ellos o para pervertirlos: justo cuando crees que su propuesta se ha vuelto previsible, algo te salpica (literalmente) en la cara, haciendo que te replantees las cosas. Además, si la primera parte contenía homenajes explícitos al terror oriental, esta es una carta de amor al giallo y al gótico europeo, que esconde una aparición estelar de Ruggero Deodato y contiene una secuencia algo jessfranquiana que habría aplaudido la mismísima condesa Bathory. En suma, una pequeña (gran) joya que ningún lector de este blog debería dejar de ver.

En Wonderland siempre están al tanto de lo último en moda videojueguera, especialmente si tiene algo de pixelada. No es de extrañar que hayan alcanzado el nirvana con este collar de perlas digitales que veis en la imagen, obra de Mike and Maaike: no sabemos cuánto costará la broma, pero no hay duda de que mola Y es sexy (aunque sea de un modo harto extraño y solo para una parte muy concreta de la población). En la web de los diseñadores también podréis encontrar otros diseños pixelados para destacar entre la multitud.

La otra gran maravilla que ha descubierto Wonderland en los últimos días es este ventilador animado. Dinámico al tiempo que increíblemente triste, por alguna razón que no alcanzo a comprender. O igual soy yo. Sí, seguramente sea yo.

Amigos y vecinos, perdón por la escasez de actualizaciones que ha caracterizado a estos últimos días: exámenes, exámenes, exámenes. La buena noticia es que, ¡ey!, ya he acabado. La mala noticia es que estoy demasiado cansado para escribir un post coherente. No temáis: mañana las cosas volverán a la normalidad, o a algo tan parecido a ella que nadie se dará cuenta de que es otra cosa. Mientras tanto, y sin venir a cuento, dos reflexiones sobre la venganza en el arte popular. Sobre por qué nos mola tanto.

a) Todo el que esté siguiendo "Civil War" y esté interesado únicamente en la historia troncal está cometiendo un grave error. Al menos, en lo que al cruce con Lobezno respecta: el guionista Marc Guggenheim y el dibujante Humberto Ramos saben con qué clase de personaje están tratando, y eso se nota desde la espectacular primera viñeta. Esto no va de parábolas sociopolíticas ni ecos de tragedia griega: el "Civil War" de Lobezno va, pura y llanamente, de venganza. Así, los momentos en los que Scott, Emma y Johnny Cage tratan de convencer a nuestro héroe de que cazar a Nitro no devolverá a esos niños a la vida son esa clase de cliché que uno espera que un tipo como Logan mande a la mierda. Al fin y al cabo, estamos tratando con un mutante cabreado que necesita cargarse a un asesino para que su vida vuelva a tener sentido. Y con eso no se juega.

b) La prohibición del "Manhunt 2" en Reino Unido e Irlanda parece uno de los temas de conversación favoritos del día. Hace menos de un mes pude jugar a la versión de Wii en Rockstar London (¡ja!), y os aseguro que la cosa no es para tanto: de hecho, me dio la impresión de que no llega a los niveles de extrema sordidez del primero (aunque hay una pantalla-homenaje a "Hostel" que...). El personaje de Daniel Lamb, como Lobezno, es un tío con una misión: vengarse, de la manera más espectacular posible, de los tipos que le robaron seis años de su vida. En ese sentido, "Manhunt 2" recuerda a otra gran obra sobre vendettas: "Oldboy", que también contaba con un protagonista capaz de encontrarle nuevas utilidades (homicidas) a cualquier herramienta. ¿Qué tiene la venganza en el arte popular que tanto nos fascina? Y, sobre todo, ¿qué tiene la venganza en el arte popular que tanto atemoriza a los guardianes de la moral? Quizá sea mejor que deje la pregunta en el aire, que anoche no dormí y hoy tengo juerga hasta el amanecer. Así que haced como yo e id a consultarlo con la almohada.

Es sencillo: canciones para salir de viaje por el sol, en una nueva dimensión. He intentado no ser muy obvio (excepto en las que es completamente imposible no serlo) y dedicarle una canción a cada sustancia. Vosotros diréis si lo he logrado.

10. ÉXTASIS: "E Talking", de Soulwax. El único corte memorable de "Any Minute Now" (2004), espectacularmente malo tercer álbum de los casi siempre intachables artífices de 2 Many DJ's, era este collage de fragmentos del tipo de conversaciones que uno podría oír en cualquier rave de la alta sociedad. Letras como "As you weep things work the same / But I can't recall your name" acreditan al éxtasis como la droga de moda entre la juventud con tendencia a la poesía tóxica, al menos en ciertas zonas de Estados Unidos e Inglaterra. El videoclip fue un pequeño éxito blogosférico en su momento, pero el tiempo ha revelado que, en realidad, es menos ingenioso de lo que se cree.

Otras "Hooligans on E", de Babyshambles; "Starry Eyed Surprise", de Paul Oakenfold; "Carolina Hardcore Ecstasy", de Frank Zappa; "Sorted For E's and Whizz", de Pulp; "Take Ecstasy With Me", de The Magnetic Fields.

9. KETAMINA: "Special K", de Placebo. Brian Molko sabe que hablar de drogas puede ser una manera tan válida como cualquier otra para hablar de amor, y "Special K" es el mejor ejemplo de ello. Si esta canción está dedicada a una persona en concreto, debería sentirse bastante alabada: que te comparen con los efectos de la ketamina no es elogio pequeño, por mucho que la letra también contenga referencias a la autodestrucción y al mal final que le espera a todo drogadicto/enamorado que se pasa de la raya. El resultado es una de las canciones más redondas de Placebo, además de una favorita de los directos.

Otras "Space Travel Is Boring", de Modest Mouse; "Pretty Mary K", de Elliott Smith; "Lost in the K-Hole", de The Chemical Brothers.

8. ABSENTA: "The Perfect Drug", de Nine Ich Nails. Si "Special K" arrasa en directo, "The Perfect Drug" es todo lo contrario: la complejidad de sus percusiones impiden que un batería humano la toque de una sola vez sin perder para siempre los brazos, Trent Rezor no está especialmente orgulloso de ella y existe un nutrido sector de fans a los que tampoco les chifla. No obstante, no son pocos los que se iniciaron en NIN a raíz de esta canción, que fue compuesta para formar parte de la asfixiante banda sonora de "Carretera perdida" (1997) y contó con un delicioso videoclip de inspiración netamente gótica, dirigido por un lanzadísimo Mark Romanek. De hecho, el vídeo es el culpable de que la droga perfecta de la que habla Renzor sea la absenta, porque la letra de la canción no hace referencia en ningún momento al, eh, interesante brebaje.

Otras "Absinthe: La Folie Verte", de Blood Axis y Les Joyaux de la Princesse, es un disco conceptual sobre la absenta; "Absinthe with Faust", de Cradle of Filth; "The Golden Age of Grotesque", de Marilyn Manson. 

7. METANFETAMINA: "Semi-Charmed Life", de Third Eye Blind. Himno generacional e icono de tiempos mejores para muchos miembros de la Generación Y, esta es una de esas raras canciones que conbierten algo horrible en algo aparentemente alegre: así, un descenso a los infiernos del cristal adulterado y el sexo chungo también puede hacerte mover el esqueleto con sus ritmos hiphoperos y su pegadizo estribillo. "Semi-Charmed Life" es una semi-obra maestra que no sólo resume a la perfección una corriente musical muy concreta, sino que también demuestra que uno se la puede colar a la MTV... siempre que sepa tener ritmo.

Otras "Geek Stink Breath", de Green Day; "Voodoo Doll", de Fergie; "The Speed of Pain", de Marilyn Manson; "Shoot Speed, Kill Light", de Primal Scream.

6. POPPER: "Animal Nitrate", de Suede. Ah, los abanderados del Britpop sí que sabían cómo causar un buen escándalo... Primero, tienes que componer un himno indie sobre una hija que se da cuenta demasiado tarde de que la gustaba que su padre abusara de ella, luego comparas la sensación a la que obtienes cuando inhalas popper y lo rematas todo con un videoclip en el que aparezcan dos hombres besándose (algo que, a principios de los 90, la censura británica no perdonaba). Por supuesto, "Animal Nitrate" fue un escándalo, pero también fue una gran canción que catapultó al grupo a la fama.

Otras "Lacqerhead", de Primus; "NO2", de Phish; "New Kind of Kick", de The Cramps; "Teenage Gluesniffer", de The Queers.

5. BARBITÚRICOS: "Sunset Strip", de Courtney Love. Casi una secuela del "Celebrity Skin" de Hole, el cuarto tema del fallido disco en solitario de la Señora es una balada ruidosa sobre el proceso de captación/corrupción/destrucción de jóvenes promesas en Hollywood. Los dos últimos minutos son una explosión de intensidad en la que la ingesta de barbitúricos se combina con referencias a canciones pasadas ("It's not punk, it's not cool / It's not even boring"), a lo que todos sabemos, a la fijación que tiene la Señora con la masturbación e incluso a Eminem. En lo que a grandes damas que cantan sobre sus adicciones pasadas se refiere, mejor Courtney Love que Fergie: grita más, pero nos ahorramos cosas como "How everytime you come around / My London Bridge wanna go down? / Like londy-londy-londy...".

Otras "I've Had Enough", de The Who; "The Old Man Drag", de The Pogues; "Lousiana Rain", de Tom Petty.

4. COCAÍNA: "Never Let Me Down Again", de Depeche Mode. Una de las canciones más transparentes sobre el tema que hoy nos ocupa no está dedicada a drogas tan musicales como las tres que encabezan el Top, sino a una que siempre se ha relacionado más con el mundo de los trajes de corbata y las altas esferas. Martin Gore consiguió crear una canción atmosférica que ha resistido muy bien el paso del tiempo, que ha sobrevivido a varias versiones (incluso alguna acústica, como la de los Smashing Pumpkins) y que aún sigue haciendo que las masas agiten los brazos en directo. En cuanto a la letra, pues es bastante diáfana: "We're flying high / Watching the world pass us by / Never want to come down / Never want to put my feet back down on the ground".

Otras "White Line", de Neil Young; "Spent on Rainy Days", de Bright Eyes y Britt Daniel; "China Girl", de David Bowie; "Narcotic", de Liquido; "Morning Glory", de Oasis; "Masters of Puppets", de Metallica; "Accuracy", de The Cure; "Todo por la napia", de Siniestro Total; "Ponme una raya y llámame tonto", de Minipierna Extra.

3. LSD: "She Said She Said", de The Beatles. Es probable que sea la primera canción sobre alucinógenos de la música pop, incluida en un disco pensado para abrir ventanas en la mente de todo el que lo escuchase. "She Said..." es, además, una de esas canciones con historia: los Beatles estaban en plena experiencia psicodélica, acompañados por el motero tranquilo Peter Fonda, cuando Harrison comenzo a experimentar un mal viaje. Ante su insistencia de que estaba a las puertas de la muerte, Fonda respondió: "Yo sé lo que es estar muerto", en referencia a un accidente que tuvo de niño. Al parecer, el resto de la intensa velada estuvo puntuado por frases como "Me haces sentir como si nunca hubiese nacido". Lennon añadió una estrofa sobre sus recuerdos infantiles (parte de una composición que dejó inacabada), y el prototipo perfecto de carrusel psicodélico ya estaba listo. No es la única pieza del cancionero beatle sobre esta droga, pero sí es una de las más (injustamente) desconocidas.

Otras "Inciense and Peppermints", de Sytrawberry Alarm Clock; "White Rabbit", de Jefferson Airplane; "Mr. Tambourine Man", de Bob Dylan; "Stairway to Heaven", de Led Zeppelin; "Eric's Trip", de Sonic Youth.

2. HEROÍNA: "I'm Waiting for the Man", de The Velvet Underground. "Todo lo que dice la canción es cierto", recordó Lou Reed en una entrevista para "Rolling Stone", "excepto el precio". Fueran o no 26 dólares lo que te cobraban en la esquina de Lenxington con la 125 por un poco de caballo allá por 1967, lo cierto es que "I'm Waiting for the Man" esa descripción detallada y naturalista de una actividad que, hasta entonces, no había aparecido en la música popular: todos hablaban de tomar drogas, pero hasta ahora nadie había hablado de comprarlas. Musicalmente, es una maravilla compleja e inimitable, tal y como "Mucky Fingers", esa medianía que compuso Noel Gallagher para el último disco de Oasis, se encarga de demostrar.

Otras "Needle in the Hay", de Elliot Smith; "Santos que yo te pinté", de Los Planetas; "Brown Sugar", de los Rolling Stones; "God Smack", de Alice in Chains; "Habit", de Pearl Jam; "Not If You Were the Last Yunkie on Earth", de The Dandy Warhols; "Under the Bridge", de Red Hot Chili Peppers; "Like a Rolling Stone", de Bob Dylan; "Aneurysm", de Nirvana.

1. MARIHUANA: "Green Day", de Green Day. Billie Joel Amstrong estaba en una banda llamada Sweet Children, formada exclusivamente por él y su amigo Mike Dirnt. Su método para componer canciones era sencillo: tumbarse en la cama, fumar marihuana y escribitr los pensamientos extraños que se le iban ocurriendo. Billie Joel llamaba a esos días green days, que en el slang californiano equivale a pasar un día perdido, sin hacer otra cosa que colocarte y contemplar las pequeñas cosas de la vida. "Green Day", la canción, es una de las mejores piezas que salieron de aquellas, eh, sesiones de Sweet Children, tanto que Amstrong y Dirnt decidieron rebautizar al grupo en su honor. El resto, como se suele decir, es historia. Nuestro número 1 es una de las canciones que mejor se ajusta al tema del Top 10 (es una canción sobre drogas y con drogas), además de una crónica de la apatía adolescente compuesta gracias a la principal fuerza motriz de la música popular de los últimos cincuenta años. Mirad la lista que viene a continuación por si tenéis dudas.

Otras "Puff, the Magic Dragon", de Peter, Paul and Mary; "Hash Pipe", de Weezer; "Flying High Again", de Ozzy Osbourne; "Because I Got High", de Afroman; "Legalización", de Ska-P; "High All the Time", de 50 Cent; "Mary Jane", de The Vines; "I Smoke Weed", de Eminem; "Cervezas y porros", de Sociedad Alkoholika; "Let's Get Blow", de Snoop Dog; "Pot Smokers Song", de Neil Diamond; "Aquí no podemos hacerlo", de Los Rodríguez; "Purple Haze", de Jimi Hendrix; "Lift Your Head Up High (And Blow Your Brains Out)", de The Bloodhound Gang; "Easy Skankin", de Bob Marley; "Mary Jane's Last Dance", de Tom Petty and The Heartbreakers; "Stoned", de Smash Mouth; y un largo etcétera.

No es buena señal que el máximo valedor de una cinta de animación no sea su equipo de dirección, ni siquiera su elenco de voces, sino su "ejecutivo al cargo de la producción" (es literal: mirad IMDb), Jeffrey Katzenberg. Resulta difícil no pensar que un tipo así concibe su franquicia en términos de mercado: su objetivo no parece ser crear una saga de animación destinada a perdurar, sino maximizar el beneficio obtenido con la primera entrega. Por tanto, "Shrek Tercero" no es más que otra aplicación de una fórmula estética y narrativa de probada solvencia, una secuela que vuelve sobre el material de partida (el cuento de William Steig) para investigar cuánto más se puede tensar hasta que acabe por romperse del todo. A estas alturas, ya nos deberíamos saber de memoria el esquema narrativo sobre el que se apoya cada entrega: Shrek realiza una búsqueda, le acompañan sus secundarios cómicos habituales, conoce a uno nuevo, tiene un momento emotivo a la luz de una hoguera, vuelve a casa para arregar las cosas, moraleja y número musical. Así las cosas, lo único que salva a "Shrek Tercero" de llevarse un único Indy son las pequeñas variaciones que aporta a la pauta, ya sea en forma de voces invitadas (Ian McShane como Garfio, Justin Timberlake como Arturo, John Krasinski como Lancelot y, sobre todo, las chicas del "SNL" como las princesas peleonas) o de ideas estimulantes, más esbozadas que plenamente desarrolladas (la visita al instituto, ese Merlín con voz de Eric Idle y pinta de gurú new age, la pythonesca muerte del rey rana...). A este ogro no le vendría nada mal una reformulación radical de cara a próximas entregas, pero tampoco merece la pena perder el tiempo en sutilezas cuando su público potencial parece interesado exclusivamente en los bailes de Asno o las caras del Gato con Botas. Y, para una saga que siempre ha presumido de tratar igual de bien a su público adulto que al infantil, eso debería ser motivo de vergüenza.

VEREDICTO: No se atreve a potenciar el humor posmoderno y la referencia chorra sobre la moraleja infantil que pretende criticar, y eso vuelve a ser (por tercera vez) lo que convierte a Shrek en un producto que se olvida a la media hora de abandonar la sala.

TERMÓMETRO:   (2/5)

Últimamente estoy (re)leyendo mucho a Alan Moore, especialmente su etapa en America's Best Comics, una de las más efervescentes que ha tenido jamás el maestro. Hay un personaje de ABC que me fascina especialmente: Jack B. Quick, el niño inventor que apareció en los primeros números de "Tomorrow Stories". El secreto de esas cuatro historietas irrepetibles era que Moore manejaba conceptos científicos increíblemente avanzados (fotones, universos paralelos, agujeros negros) con un sentido del humor que hacía parecer sencillo algo que no lo era en absoluto. En su última aparición, titulada "Una breve geografía del tiempo", el pequeño genio de Queerwater Creek inventaba, inspirándose en una lectura entre líneas de Stephen Hawking, unos zapatos que le permitían viajar a la vez en el espacio y en el tiempo. En su aventura, Jack contribuye de manera retroactiva a la evolución de la raza humana, visita viñetas de sus tres historietas anteriores y, por culpa de un traspiés, acaba sumido en el vacío que precede a la salida del primer número de "Tomorrow Stories", donde (supuestamente) aún permanece. Abandonar a un personaje en la nada precreacional no es una idea que se le pueda ocurrir a cualquiera, pero eso no significa que no sea divertida: de hecho, Jack comenta que puede ver a lo lejos a Herbie y a los Thunderbirds, lo que demuestra que, en la ciencia-ficción, no hay material lo suficientemente complejo como para no admitir un chiste.

Una de las razones por las que admiro a Nacho Vigalondo es esa capacidad que tiene para convertir la hard sci-fi en algo sencillo y chispeante, a la vez que divertido: lo consigue en Los Cronocrímenes (soy uno de los privilegiados que ya la ha visto, y os puedo asegurar que el hype está más que justificado), y lo ha vuelto a conseguir en Cambiar el mundo, su cortometraje para N_ature movies: en él, Carlos Areces entra de cabeza en el multiverso para enfrentarse a una decisión que, posiblemente, cambiará el rumbo de la historia. Dicho así, podría parecer que estamos ante una superproducción de superhéroes, pero no es verdad. Bueno, lo de los superhéroes sí, pero no el resto: en realidad, se trata de un corto rodado con un móvil, un único actor y menos de cinco minutos de duración. "Cambiar el mundo" revela, al menos, tres cosas: a) que el talento de este hombre no conoce límites (impuestos o autoimpuestos); b) que la ciencia avanzada es, aunque no lo parezca, intrínsecamente divertida; y c) que si hay alguien capaz de sacar a Jack B. Quick del vacío precreacional en el que lo abandonó Moore, ese es Vigalondo.

La máscara de gas es un icono tan poderoso que es casi imposible no sentirse atraído por él: que levante la mano quien sea capaz de mirar esta foto y no experimentar un ligero e inexplicable escalofrío. Desde la 1ª Guerra Mundial hasta las más contemporáneas guerras biológicas, pasando por el casco de Darth Vader, la máscara de gas nos ha mirado (el un decir) a los ojos y nos ha dicho cosas en lenguaje subliminal. Más o menos eso es lo que hace un grupo como Underground Posthuman Wastes, integrado por tres adolescentes rusos y sus respectivas máscaras de gas: su videoclip Violent Dehumanization es la clase de material capaz de espolear comentarios en YouTube como "Dejad de hacer ese ruido: suena como si fuerais retrasados".

UPW es una de las cosas que se pueden encontrar en Gas-Mask Community, el lugar favorito de los fetichistas de esta distinguida prenda de combate. Hay dibujos, chicas en bikini, chicas desnudas, homenajes a villanos de "Hellboy", gente vestida de conejito blanco, entrañables escenas familiares, cuadros románticos, carteles propagandísticos, arte moderno, portadas de discos y hasta caballos. La ilustración que acompaña a este post, por cierto, la he sacado del blog Infraser, de Borja Crespo, que con "Snuff 2000" nos descubrió a muchos las infinitas posibilidades de una máscara de gas.

Vale, no está bien reírse de las personas mayores, pero... ¿qué pasa cuando las personas mayores son increíblemente graciosas? En Unibrow, la única web más adicta a los Top 10s que la que estáis leyendo, han elaborado una recopilación de los diez mejores tubos de humor geriátrico: ficción, realidad y fakes que realmente no han oído hablar del respeto a los mayores. Por supuesto, en la colección no puede faltar el Herbet de "Padre de familia" (sin duda, uno de los pedófilos más graciosos de la televisión), el anciano que sueña con vivir en el universo paralelo de "Te quiero, Lucy" con Chris Griffin y que interpretará a Ben Kenobi en Blue Harvest, el esperado homenaje a "Star Wars" con el que Seth MacFarlane piensa abrir la próxima temporada. No obstante, los mejores momentos del top se los llevan los abuelitos reales: ahí tenemos, por ejemplo, al número 10, un pobre jubilado que jamás se perdonará a sí mismo haber salido a bailar con unas copas de más (aunque, más bien, no se lo tendría que perdonar a la persona que le vendió el vídeo a la MTV); la número 7, estrella del show de Jay Leno y familiar real de Truman Capote; el post-Club de la Lucha que tiene lugar en el número 4... Si todo eso os parece demasiado, esperad a ver los dos primeros puestos: se trata del tipo de material que te garantiza un puesto en el Infierno si lo encuentras gracioso. En serio. En el Infierno.

Si os preguntáis por qué he puesto la foto de una adolescente en un post sobre ancianitos, he aquí la respuesta: Unibrow tiene más tops a los que merece la pena echárseles un vistazo, como el de los mejores momentos de los Coreys, el de las vecinas de al lado (aunque Jessica Alba no responda a tal concepto y Mischa Barton sea un androide), el de los grandes éxitos de Bob Saget o el de gente metiéndose el dedo en la nariz. Sí, de ahí viene la foto.

1) Cry Wolf: Los coleccionistas de slashers en DVD tiene otro título que añadir a sus estanterías. "Cry Wolf" no es, ni mucho menos, la revolución del género, pero garantiza una tarde agradable viendo cómo un grupo de estudiantes decide jugar a inventarse un asesino en serie perfecto... ¡que resulta ser real! Una vez más, no es nada que no hayamos visto otras veces, pero goza de un ritmo endiablado, presencias de culto como Lindy Booth o Jon Bon Jovi (el profesor que todo el mundo querría tener en caso de sufrir un episodio psicótico con una navaja) y un final que no por previsible da menos risa. A la venta el 11 de julio

2) Déjà Vu: En comparación con el derroche de energía que supuso "Dominio", "Déjà Vu" puede parecer un título menor en la filmografía de Tony Scott, pero un segundo visionado demuestra que no es así: a medio camino entre el relato de amor fou al estilo de "Laura" (1944) y el tecno-thriller high concept, esta historia de cronocrímenes y ventanas temporales es un entretenimiento sólido y muy eficiente. Además, tiene al menos una secuencia para el recuerdo: una persecución de coches que transcurre en dos líneas temporales diferentes. Vale, es cierto que, en comparación con el derroche de energía que supuso "Domino", "Déjà Vu" puede parecer un título menor en la filmografía... Espera un maldito momento... Ya a la venta

3) Hamlet - Edición Especial: No es la mejor adaptación que Kenneth Branagh ha hecho de una obra de Shakespeare (su meticulosa fidelidad no deja espacio para la exploración de nuevos terrenos), pero estos dos discos siguen siendo palabras mayores para todo el que esté interesado en las relaciones entre cine y teatro. Sin duda, la gran baza de este "Hamlet" es su espectacular reparto, aunque la razón por la que muchos nos vamos a comprar el DVD es ese audiocomentario de Branagh y un profesor de la universidad de Birmingham: es la clase de material que nos hace sentir que estamos cumpliendo con nuestros deberes intelectuales. De todos modos, su generosísimo metraje casi nos obliga a administrarlo en varias dosis... A la venta el 11 de agosto

4) Perdición - Edición Especial: La quintaesencia del cine negro norteamericano recibe, por fin, el tratamiento (de lujo) que se merece. Es inútil empezar a glosar las virtudes de "Perdición", así que centrémonos en los extras: audiocomentarios de historiadores, un documental de 38 minutos sobre la producción y relevancia de la película, una galería de carteles y las clásicas biofilmografías. No obstante, lo bueno viene con el segundo disco: se trata, nada menos, que de un remake para televisión rodado en 1973, una nota a pie de página en todas las biografías de Billy Wilder que ahora ya podremos ver con nuestros propios ojos. Ya a la venta