Me compro el número de octubre de la revista Q por una razón que, en mi sistema de valores, resulta bastante convincente: cincuenta páginas de Oasis. El motivo, por supuesto, es la publicación de su nuevo disco, "Dig Out Your Soul", que aún no he escuchado, pero que bien merece un viaje a la Fnac antes de que acabe la semana. Además de dos entrevistas extra-largas con cada uno de los hermanos (Liam confiesa su amor por Bob Esponja y su obsesión con la telerrealidad; Noel explica por qué nunca utiliza el correo electrónico), el especial incluye una lista de las veinte mejores canciones de Oasis, según algunos de sus más famosos seguidores. Las elecciones van de lo obvio (Irvine Welsh se queda con "Don't Look Back in Anger" porque le trae recuerdos dulces) a lo absurdo (Paul Weller elige "Flashbax", una cara C que incluso Noel Gallagher ha debido olvidar ya), hasta el punto de que me empiezo a preguntar si nadie va a elegir La Canción de Oasis. Mi Canción de Oasis, al menos. "Cast No Shadow", "D'Yer Wanna Be a Spaceman?", "Lyla"... ¿Están hablando en serio? ¿Es que nadie...?

Sí, menos mal. En el puesto 18, seleccionada por Lars Ulrich. Dios lo bendiga: ha tenido que ser él quien se acuerde de un tema que, sencillamente, me puso el mundo patas arriba. Estoy hablando de "Supersonic", la razón por la que me enamoré de Oasis. No estoy seguro de que fuese la primera canción suya que escuché: probablemente fuera "Wonderwall", no lo recuerdo. Pero sí recuerdo el momento exacto en que vi este vídeo y pensé que nunca había escuchado nada igual. No es mi canción preferida, pero es posible que sea la única canción que me ha hecho sentir de ese modo. "Supersonic" son cinco tíos mal afeitados con camisas de mercadillo, subidos en una azotea y tocando la mejor música del mundo. Es algo muy difícil de explicar, pero aún siento una descarga eléctrica en la columna vertebral cada vez que la escucho. No me importa lo que viniera después: para mí, estos siempre serán los tíos que hicieron "Supersonic". Un especial de cincuenta páginas me parece poco.

a) Extracto:

Kids are different today
I hear every mother say
Mother needs something today to calm her down
And though she's not really ill
There's a little yellow pill
She goes running for the shelter
Of a mother's little helper

And it helps her on her way
Gets her through her busy day

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Aftermath" (1966), el cuarto disco de los Rolling Stones, pero solo en la versión británica: en Estados Unidos fue lanzado directamente como single.
• Es posible que sea la primera canción sobre el uso de tranquilizantes y drogas con receta de la historia. La chispa que encendió la creatividad de Jagger y Richards fue la moda de usar barbitúricos a modo de placebo, muy extendida por entonces en el panorama musical británico.
• La canción no está ambientada en Inglaterra, sino en los barrios residenciales de Norteamerica: de hecho, es sobre el consumo de tranquilizantes por parte de las amas de casa estadounidenses. De hecho, como todo "Aftermath", se grabó en California.
• "Mother's Little Helper" no ha sido versionada con tanta frecuencia como otras composiciones de los Stones, pero en los últimos años ha habido dos casos llamativos: el de Sum 41, que abrió con ella su sesión en vivo para AOL; y el de Liz Phair, que la incluyó en la banda sonora de la serie "Mujeres desesperadas".
• Hay un episodio de "Los Simpson" titulado "Brother's Little Helper" (temporada 11): no sólo es una referencia stoniana, sino que también recuerda al perro de la familia. La adicción de Bart a un sucedáneo del Ritalin nos indica cómo cambió la cosa química en la familia nuclear de 1966 a 1999.
• Al parecer, ese riff que suena NO es de sitar.

c) Vídeos:

• Mother's Little Helper
• Under My Thumb
• Stupid Girl
• Lady Jane

Otoño en "El Emperador de los Helados".

Por fin, puedes tener todo el cencerro que necesites en cualquier canción que puedas imaginar: MoreCowbell.dj nos permite subir nuestras canciones en formato mp3 y, eh, arreglarlas al estilo de Bruce Dickinson (sí, THE Bruce Dickinson) y Gene Frenkle. No sólo eso, sino que también podemos añadir el porcentaje de Christopher Walken que creamos conveniente*. Lo que significa que uno puede mejorar incluso su canción favorita con un cien por cien de cencerro y otro cien por cien de Walken, pero sólo en el caso de que realmente quiera explorar el espacio del estudio de grabación.

A continuación, algunos de mis remixes cencerriles:

1. Transmission, de Joy Division (57% cencerro, 41% Walken).
   
2. Loves Me Not, de t.A.T.u. (21% cencerro, 79% Walken).
3. They Say, de Scars on Broadway (81% cencerro, 33% Walken).
4. Happy Together, de The Turtles (83% cencerro, 88% Walken).
5. I Kissed a Girl, de Katy Perry (100% cencerro, 100% Walken).

En "Walk Hard: The Dewey Cox Story" (2007), el protagonista (un trasunto de Johnny Cash que va pasando por todas las etapas/lugares comunes de la evolución de la música pop) decide hacer un viaje espiritual a la India para conocer al Maharishi Mahesh Yogi. Allí, como no podía ser de otra manera, se encuentra con los Beatles, en pleno curso de meditación trascendental que, al menos el teoría, debía servir como válvula de escape, como una oportunidad de huír de todo y hallar la paz interior. En lugar de eso, Paul McCartney (Jack Black) le echa en cara a John Lennon (Paul Rudd) que sus canciones más personales no harán otra cosa más que aburrirle cuando tenga 64 años, George Harrison (Justin Long) se queja de que los dos compositores oficiales no dejan que su guitarra llore gentilmente y Ring Starr (Jason Schwartzman) sólo quiere escribir canciones sobre pulpos y jardines. Más allá del chiste beatlemaníaco, esta secuencia supone un testimonio bastante certero de lo que pasó en Rishikesh: los Beatles fueron allí para olvidarse de su vida como superestrellas de la música, pero Lennon confesó más tarde que él y McCartney comenzaron a reunirse clandestinamente en la habitación del otro para escribir gran parte de lo que luego fue el "White Album". En otras palabras, el viaje a la India de los Fab Four no dista mucho del que propone Wes Anderson en "The Darjeling Limited" (2007), en la que otros jóvenes occidentales inmersos en sí mismos pretenden conectar con la espiritualidad que les rodea, pero acaban sin enterarse de nada. Hoy, cuando están a punto de cumplirse treinta años de la publicación del "White Album", proponemos una nueva clave para interpretarlo: es, probablemente, el único disco insoslayable en la historia de la música que se articula en torno a malentendidos, algunos premeditados, otros accidentales y otros insospechados.

"Flew in from Miami Beach BOAC": Back in the U.S.S.R., uno de los temas de apertura más enérgicos de la historia del rock, funciona como un excelente ejemplo de malentendido deliberado: McCartney propone una relocalización del soleado universo Beach Boys que, a su vez, incluía una puya al lema de campaña del primer ministro Harold Wilson ("’I’m backing Britain"). El resultado es una obra maestra —es probable que en el "White Album" esté contenido el mejor McCartney— que rechazaba la obviedad y, por tanto, se prestaba a ser malinterpretada por los dos sectores enfrentados de la sociedad de su tiempo: así, los hippies vieron en ella una festiva celebración del comunismo, mientras que los conservadores ingleses la señalaron con el dedo y gritaron "¡Ajá!". En realidad, ninguno de los dos entendió el verdadero sentido de una humorada que homenajeaba, de manera harto inteligente, a genios como Chuck Berry y Hoagy Carmichael.

"Won’t you come out to play?": Resulta significativo que "Back in the U.S.S.R." se diluya lentamente para dejar paso a Dear Prudence, porque representa la otra cara de la moneda: aquí los Beatles no juegan el despiste, sino que directamente se despistan. La canción está dedicada a Prudence Farrow, hermana de la actriz Mia Farrow, que se encontraba con el Maharishi cuando el cuarteto fue a visitarlo. A Lennon le preocupaba que la chica se encerrase durante horas en una habitación mal iluminada, en lugar de salir fuera y disfrutar del sol en Rishikesh, por lo que escribió una canción para animarla y ayudar a que saliera de lo que él consideraba una verdadera depresión. En realidad, Prudence declaró más tarde que estaba siguiendo las enseñanzas del Maharishi, es decir, meditando, que era por lo que se suponía que todos estaban allí. En otras palabras, los Beatles no se enteraron de casi nada en su viaje a la India y, en consecuencia, se sintieron tremendamente satisfechos de componerle una canción vitalista a una chica que lo único que quería era que la dejaran en paz.

"To help with good Rocky’s revival": Es lógico considerar al "White Album" como el disco más político de los Beatles, pero suele ser por las razones equivocadas. Por ejemplo, The Continuing Story of Bungalow Bill ha sido interpretada como una parábola sobre Vietnam, pero Lennon siempre sostuvo que no había nada de eso (en realidad, la canción se inspiró en una anécdota ocurrida durante su estancia en la India). Rocky Raccoon puede parecer una canción protesta en la onda de Dylan, pero McCartney estaba más interesado en la forma que en el fondo. Revolution 1 habla exactamente de lo que dice en el título, pero técnicamente no es una canción original del "White Album", sino una versión de la cara B del single de "Hey Jude". Es posible que la canción más política del disco sea la menos sospechosa de ello: hablo, por supuesto, de Ob-La-Di, Ob-La-Da, otro ejemplo paradigmático de malentendido beatle. Se trata de una de las canciones más odiadas del álbum (principalmente, por Lennon y Harrison, que en un principio vetaron la posibilidad de ser lanzada con single), normalmente tachada como una melodía idiota sobre una pareja de enamorados que acaban formando una familia. Lo que no todo el mundo conoce es que Desmond era un nombre muy común entre los inmigrantes jamaicanos, además de una referencia al maestro del reagge (y amigo personal de Paul) Desmond Dekker. "Ob-La-Di, Ob-La-Da" apareció en pleno debate sobre la inmigración en Gran Bretaña, con los tories opiniéndose explícita y enérgicamente al mestizaje, por lo que es imposible no pensar en ella como una canción medularmente política, en la que su autor se posicionaba dentro del debate más candente del país. Todos juntos: "And if you want some fun, take ob-la-di-bla-da".

"When I get to the bottom I go back to the top of the slide": Para terminar, el malentendido más infame que provocó el "White Album". Su interpretación más aberrante. Su traducción más desencaminada. El 8 de agosto de 1969, alguien escribió "political piggies" en las paredes del 10050 de Cielo Drive. Con sangre. Era el acta de defunción de la contracultura de los sesenta, su reverso tenebroso, y una mala interpretación de dos canciones del "White Album" (Helter Skelter y, lógicamente, Piggies) jugó un papel importante. La primera debería haber pasado a la historia como primera piedra del heavy metal, la segunda, como broma orwelliana. En lugar de eso, inspiraron a Charles Manson y su Familia a perpetrar los asesinatos en masa más fascinantes de la cultura popular. El fiscal Vincent Bugliosi llegó a utilizar "Revolution 1" como prueba en los juicios, un estímulo al que Manson respondió extasiado (al parecer, creyó escuchar a John Lennon dirigirse personalmente a él por debajo de la música, animándole a que plantara cara a los cerdos ricos de California). Que alguien entendiese "Helter Skelter" como un mensaje codificado sobre una inminente guerra racial en Estados Unidos fue motivo más que suficiente para disparar toda aquella paranoia sobre mensajes satánicos ocultos en el reverso de los discos de vinilo, algo que los Beatles siempre se tomaron como una broma para volver locos a los creyentes en el hoax de la muerte de Paul.

A estas alturas, es probable que haya quedado lo suficientemente claro que no existe sólo un "White Album", sino que hay tantos como oyentes. De repente, la idea de incluír un número de serie en la primera edición deja de ser algo irónico para convertirse en algo muy relevante: esa copia del disco es única, porque no hay dos interpretaciones iguales de un trabajo basado en las interpretaciones erróneas, equívocas o contradictorias. Tampoco debería sorprendernos el números de homenajes, parodias y mash ups a los que ha sido sometido: iniciativas como "The Grey Album", en la que Danger Mouse encontró simetrías pavorosas entre los Fab Four y Jay-Z, demuestran que los Beatles no sólo lograron capturar a la perfección el zeitgeist de su tiempo (1968, no lo olvidemos), sino que también crearon una obra accidentalmente polisémica. Por eso continúa viva treinta años después.

a) Extracto:

Caught by the fuzz
Well, I was, still on a buzz
In the back of the van
With my head in my hands
Just like a bad dream
I was only fifteen

If only my brother could be here now
Hed get me out hed sort me out alright
I knew I should have stayed at home tonight

b) Datos:

• Apareció por primera vez en agosto de 1994, como single de presentación de Supergrass. Más tarde fue incluído en el primer disco de la banda, "I Should Coco" (1995).
• Todo adolescente que haya sido sorprendido por la policía mientras hacía algo que teóricamente no debía podrá dar fe de que Gazz Coombes, vocalista y líder del grupo, se inspiró en un hecho real a la hora de escribir esta canción (de hecho, es casi una crónica de su detención, a las quince años, por posesión de cannabis).
• A la hora de lanzar el single en Estados Unidos, la idea era cambiar el dibujo del clásico policía británico malencarado por la foto policial de Hugh Grant, tras haber sido pillado con Divine Brown en Los Angeles. Los abogados del grupo se negaron a ello.
• De todos modos, Supergrass acabó saliéndose con la suya cuando el bajista Mick Quinn apareció en "Top of the Pops" con una camiseta en la que se había impreso la foto del actor.
• El vídeo sigue una curiosa tendencia del Britpop, la de grabar a las bandas en Super-8 mientras se dedican a pasear por ahí. Probablemente, Oasis y su "Rock and Roll Star" tienen la culpa.
• "In It for the Money" (1997), el siguiente disco de Supergrass, contenía una versión acústica de la canción, que puedes escuchar aquí.
• De gira por Europa con los Foo Fighters, el grupo le pidió a Taylor Hawkins que tocará la batería en "Caught by the Fuzz", con el consiguiente derroche de intensidad que ello conlleva.
• Últimamente, la canción se ha podido escuchar en los créditos finales de la magistral "Hot Fuzz" (2006), película con la que comparte mucho más de lo que puede parecer a simple vista.

c) Vídeos:

• Caught by the Fuzz
• Lenny
• Sun Hits the Sky
• Mansize Rooster

Por fin, un top 10 con los mejores bigotes de la historia del hard rock. Parece que Ozzie nunca se dejó uno, pero sus compañeros de banda lo compensaban. Con creces.

Para mí es nuevo, pero sólo puedo confiar en que también lo sea para la mayoría de vosotros. Vamos allá con la información: el videoclip se llama "Robot High School" y es el primer single de My Robot Friend, misterioso DJ neoyorquino que ha trabajado con, entre otros, Le Tigre y Matmos. La idea del vídeo es arrebatadoramente buena, pero alguien debería hacer una versión en la que todo (hasta la música) pasara al revés. Entonces sí que se nos saldrían los ojos de las órbitas.

Las promos de los MTV Video Music Awards de 2008 lo dejan bastante claro: Britney Spears está casi alegre, prácticamente saludable y razonablemente de vuelta. Russell Brand no necesita nada más que eso (y un elefante) para asegurarse de que todo el mundo vea la primera gala que presenta, aunque existen rumores muy persistentes de que Britney no se va a limitar a aparecer en los anuncios y a dejarse caer por la ceremonia, sino que tiene pensado actuar. De ser cierto, sería una jugada arriesgada (recordemos que en los VMA del año pasado ejecutó algo muy parecido a un seppuku coreografiado) que marcaría una suerte de renacimiento o, al menos, el fin de la mala racha. Además, sería una manera de escapar al destino que Trey Parker y Matt Stone le pronosticaron en Britney’s New Look, brillante y desternillante homenaje a "La lotería", de Shirley Jackson: verlo es casi una orden para todo lector de este blog que aún no lo haya hecho.

a) Extracto:

Knew you’d be here tonight
So I put my best dress on
Boy, I was so right

Our eyes connected
Now nothing’s how it used to be
No second guesses

Track in on this feeling
Pull focus close up you and me
Nobody’s leaving

Got me affected
Spun me 180 degrees
It’s so electric

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Body Language" (2003), noveno disco de Kylie Minogue.
• Durante los meses de noviembre y enero, "Slow" fue número uno en las listas de Reino Unido, Australia, España, Italia, Nueva Zelanda y Dinamarca. También tuvo un éxito singular en Estados Unidos (se puso en cabeza de la lista "Billboard", sección Dance) y Canadá.
• El videoclip se rodó en las piscinas Bernat Picornell de Barcelona, aprovechando sus impresionantes vistas de la ciudad (la azotea está en Montjuïc).
• Kylie lleva un vestido de Balenciaga algo recatado, lo que no impide que sea su vídeo más caliente. De hecho, "Slow", con sus picados imposibles y sus coreografías de cuerpos retorciéndose en toallas, podría muy bien ser la materialización del deseo.
• El remix de Chemical Brothers quizá sea el más popular, pero también existe un notable mash-up con el "Smack My Bitch Up" de Prodigy (titulado Slow My Bitch Up).
• La cantante interpretó el tema en directo en los MTV Europe Music Awards de 2003, presentados por Christina Aguilera.

c) Vídeos:

• Slow
• Red Blooded Woman
• Secret (Directo)
• Chocolate

Quizá sea el mejor YouTube que he visto en toda la semana: The Residents son entrevistados (bueno, ya sabéis) en "La edad de oro". Últimamente me he vuelto a enganchar, sobre todo a sus primeros años: "Meet the Residents", "Eskimo", "The Commercial Album"... También me he hecho con el DVD de "Demons Dance Alone", así que comprenderéis el estado mental en el que me encuentro. El 1 de septiembre sale The Bunny Boy, su nuevo trabajo, con el que dejan de lado la extenuante (al menos para mí) etapa de cuentacuentos. Mientras esperamos, nada mejor que verlos en Televisión Española.

El blog de la actriz April Winchell (voz de decenas de dibujos animados, tanto en televisión como en cine) es una más que refrescante sorpresa para todos los coleccionistas de canciones increíblemente extrañas que hay ahí fuera. Aquí tenéis la sección de audio, un universo entero para sumergirnos, seleccionar y descargar algunos de los MP3s más insólitos que el ser humano pueda imaginar. Concretamente, hay tres secciones que parecen pensadas para volvernos completamente locos:

a) "Famosos que insisten en cantar". Esto nunca suele fallar, mucho menos cuando tenemos a Sylvester Stallone, Joe Pesci, Edward Furlong y George Takei agarrando el micrófono. Hay algunos más conocidos, como Crispin Glover haciendo suya "These Boots Were Made for Walkin’" o Jerry Springer intentando superar lo que hizo William Shatner con "Mr. Tambourine Man". Sin duda, la Winchell ha dejado lo mejor para el final: John Travolta, "Famosos que no pueden cantar, por lo que hablan con música de fondo" y el disco perdido de Kim Bassinger.

b) Versiones de los Beatles, como no podía ser de otra manera. Me encanta que Peter Sellers convierta "Can’t Buy Me Love" en un diálogo matrimonial alucinado (él es el marido y la mujer), no me gusta tanto que Björk se encargue de "The Fool on the Hill". Hay clásicos, como Jim Carrey cantando "I Am the Walrus" (goo goo g’joob) o el "Hey Jude" de Bing Crosby, pero es imposible que esta colección incluya todas las covers extrañas de los Beatles que circulan por ahí: sin ir más lejos, aquí tenéis una muy especial.

c) Se llama Fabio y está muy interesado en lo que hace que el romance funcione. April Winchell pone a nuestra disposición algo que no necesita presentación alguna. Y eso no es todo, porque la selección de sonidos asombrosos de la actriz también incluye versiones de ABBA en hindú, canciones sobre la locura, música cristiana, cintas para empleados de KFC o al imitador de Elvis más famoso de Suecia (en la foto que acompaña a esta post). La única pega es que resulta tan inabarcable que se hace un poco frustrante.

Feist, autora y protagonista del mejor videoclip de 2007, ha convertido su aparición en "Barrio Sésamo" en... ¡¡el mejor videoclip de 2008!! De lo que llevamos de 2008, al menos. Sé que técnicamente no es un videoclip (entraría más bien dentro de la categoría de sketch), pero es la parodia/referencia a "1,2,3,4" más irresistible que se ha hecho hasta ahora. Y se han hecho unas cuantas.

El único problema, como ya han observado varios internautas y fans de la cantante, es que no aparece el Conde. Y un vídeo de "Barrio Sésamo" en el que aparezca alguien contando y NO sea el Conde me hace sentir un poco incómodo.

La Ukelele Orchestra of Great Britain publicó un DVD, "Anarchy in the Ukelele", que contiene números tan buenos como este. También versionó Life on Mars?, Teenage Kicks, Orange Blossom Special o Satellite of Love. No os la perdáis tocando Ruby con los Kaiser Chiefs.

Poesía previa:

- U18 o Under Eighteen: según su web oficial, "es un sello en el cual se engloban todo tipo de acciones musicales (...) pensado para ofrecer un espacio juvenil, dinámico y musical, en recintos y con grupos". La puesta de largo del concepto tuvo lugar ayer, en el Palacio de los Deportes de Madrid: Simple Plan y Panic at the Disco como reclamos internacionales, Pignoise como anzuelo, Motel como toque mexicano, Despistaos y NoWayOut como secundarios, Falling Kids como sustituto de última hora de uno de los secundarios (uno de los miembros de NoWayOut estaba en el hospital). Más que un sello, parece un paquete en el que meter a grupos y estilos intercambiables, indistinguibles entre sí. Salvo para sus fans, suponemos.

- Lo primero que uno piensa al ver las colas que se forman ante la puerta del recinto es que esos memes internáuticos que promueven la caza del emo se tendrían que haber enterado de esto. El U18 empieza a las cinco de la tarde, por lo que los adolescentes tienen que esperar horas enteras bajo el sol de julio. Lo segundo que uno piensa es que lo emo (ropa negra, camisetas de manga larga, incluso guantes y sombrero) y el calor no son en absoluto compatibles.

- No me preguntéis cómo lo sé, pero las primeras chicas de la cola llevan dos días enteros allí. Club de fans oficial español de Simple Plan, al parecer.

- De la página web: "En los días del evento estará prohibida la venta de bebidas alcohólicas y de tabaco. Cualquier tipo de referencia publicitaria a estos productos se eliminará de la sala". Diversión controlada para menores de edad, algo lógico teniendo en cuenta los patrocinadores: Coca-Cola, Sony Ericson, Orange, 40 Principales y la revista Loka. Si los grupos que tocan representan, desde cierto punto de vista, la comercialización de un estilo de música que nació con una feroz médula antisistema, el U18 como concepto podría ser la rebeldía adolescente convertida en parque temático, limpia de todo lo que podría asustar a un padre, como unos grandes almacenes anunciando su nueva Colección Punk.

 - Las acreditaciones del U18 funcionan terriblemente mal. El problema es que me doy cuenta cuando ya es demasiado tarde: concretamente, cuando estoy sentado en un palco del Palacio de los Deportes, media hora antes de que empiece el concierto. Es entonces cuando comienzo a sospechar que mi misión de entrevistar a los grupos va a ser un poco más complicada de lo que pensaba: ahora mismo, estoy a años luz de la zona del photocall, pero muy cerca de la pantalla gigante que hay sobre el escenario. Y que repite sin parar el nuevo anuncio de Coca-Cola, destinado a la generación inmediatamente anterior a la mía (y que, por tanto, le suena completamente a chino a la generación que ya empieza a llenar el estadio).

- Durante los cuarenta minutos que estuve por allí, vi al menos tres tipos distintos de pases de prensa falsificados. Adolescentes que se mueren por ver a sus ídolos y están dispuestos a intentar cualquier cosa. Y ese fue el único acto de rebeldía que pude presenciar.

a) Extracto:

Got me a movie
I want you to know
Slicing up eyeballs
I want you to know
Girlie so groovy
I want you to know
Don’t know about you
But I am un chien andalusia
I am un chien andalusia
I am un chien andalusia
I am un chien andalusia

Wanna grow up to be, be a debaser

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Doolittle" (1989), el segundo disco de los Pixies, pero no fue lanzada como single hasta 1997 (para promocionar el recopilatorio "Death to the Pixies").
• La leyenda va más o menos así: Frank Black se sienta a ver "Un perro andaluz" (1928). Acaba de verla. La ve otra vez. Desea que Buñuel siga vivo. Decide componerle un homenaje naïf en clave de rock vanguardista. Así nace "Debaser".
• La letra hace referencia a "rebanar globos oculares", tal y como ocurre en la secuencia inicial de la obra maestra de Buñuel y Dalí.
• Literalmente, "debase" quiere decir degradar, envilecer. Según Black, un artista capaz de hacer "Un perro andaluz" era un degradador nato, alguien capaz de hacer tambalear los cimientos de la moral y del propio arte. En suma, un modelo de conducta.
• Por cierto, no existe la palabra "andalusia", en ningún idioma: Black simplemente pensó que sonaba bien.
• Kurt Cobain confensó en varias ocasiones que "Smells Like Teen Spirit" fue su intento de componer una canción de los Pixies. Normalmente, citaba "Debaser" como uno de los ejemplos a los que aspiraba.
• El grupo de rock californiano Rouge Wave grabó una versión de "Debaser" para la serie "The O.C.". Siendo generosos, podríamos decir que el resultado fue, eh, inferior al original.

c) Vídeos:

• Debaser
• Here Comes Your Man
• Monkey Gone to Heaven (Directo en la BBC)
• Gigantic (Directo)

a) Extracto:

All I want is a room with a view
A sight worth seeing, a vision of you
All I want is a room with a view, oh-oh

All I want is a photo in my wallet
A small remembrance of something more solid
All I want is a pictutre of you

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Parallel Lines" (1978), el tercer disco de Blondie.
• Nunca salió como single en Estados Unidos, aunque fue la carta de presentación del disco en Reino Unido, donde llegó al duodécimo puesto del Top 20.
• Escrita por el principal trío de compositores de la banda (Chris Stein, Debbie Harry y Jimmy Destri), "Picture This" es una de esas canciones pop con subtexto oscuro que sólo se hacían a finales de los setenta, principios de los 80.
• Es una de las canciones más conocidas del grupo y, hasta ahora, ha aparecido en todos sus recopilatorios, al igual que su cara B, "Fade Away and Radiate".
• También dio nombre a un libro de fotos, "Picture This: The Many Faces of Blondie", publicado en 2004 por el famoso artista Mick Rock.
• El próximo 1 de julio, se pondrá a la venta la edición 30 aniversario de "Parallel Lines", con una edición remasterizada de nuestra cancionzaca extra de junio y un DVD con su videoclip.
• Al parecer, "Picture This" también suena en cierta película española de ciencia-ficción. En una que se estrena este viernes. Suena. Un par de veces.

c) Vídeos:

• Picture This
• Union City Blue
• X-Offender
• Accidents Never Happen

a) Extracto:

Did you see the stylish kids in the riot?
We were shovelled up like muck
Set the night on fire
Wombles bleed truncheons and shields
You know I cherish you my love

But there’s a rumour spread nasty disease around town
You caught round the houses with your trousers down
A headrush in the bush
You know I cherish you my love
Oh, how I cherish you my love!

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Up the Bracket" (2002), el primer disco de The Libertines. Fue su tercer single, publicado en junio de 2003 (es decir, hace exactamente cinco años).
• El videoclip fue grabado durante su estancia en Madrid: al parecer, los Libertines se quedaron prendados del metro y de las aguas peligrosas que había antes en la Plaza de Colón.
• La letra hace referencia a los disturbios que tuvieron lugar en Londres durante el Día del Trabajo de 2001. Pete Doherty sufrió en sus carnes la brutalidad policial del 1 de mayo, algo que también tuvo reflejo tanto en la portada del single como en la del disco.
• La revista "NME" es una fanática absoluta de "Time for Heroes": no solo la ha nombrado segunda mejor canción de la presente década (por detrás del "Last Nite" de los Strokes, decisión harto discutible), sino que también la colocó como sexto himno indie más grande todos los tiempos.
• Babyshambles, la nueva banda de Pete, sigue tocando esta canción en los directos, normalmente hacia el final del espectáculo.
• Espectacular fue también la versión que Graham Coxon grabó para un programa de Radio 1, que actualmente circula por Soulseek: un hombre, una guitarra, toneladas de intensidad.
• "Time for Heroes" es la guinda de ese pastel (de bodas) que es la banda sonora de la tercera parte de "American Pie": bastante mejor que la película en sí.

c) Vídeos:

• Time for Heroes
• Up the Bracket
• Don’t Look Back Into the Sun
• What a Waster

El simple hecho de que Weezer saque un nuevo single ya sería garantía suficiente de un post en esta casa, pero "Pork and Beans" tiene dos razones extra para aparecer aquí en fin de semana: a) es una canción excelente; y b) tiene un videoclip muy, muy interesante. En el post Cómo ganar dinero en internet (y sus consecuencias), el caso del muchacho holandés que se hizo rico por mostrar al mundo cómo crecía su hierba vital nos llevaba a "Canada on Strike", ese reciente episodio de "South Park" en el que un supergrupo de astros de la memesfera protagonizaba una lucha a muerte. Parece que, tras haber pasado por el trance que toda celebridad realmente importante tiene que pasar (es decir, ser humillada por Trey Parker y Matt Stone), las llamadas estrellas de YouTube han tenido su primera oportunidad de autoafirmarse con el videoclip de "Pork and Beans": Chris Crocker se abraza con Rivers Cuomo, Kevin Federline produce a Tay Zonday, la aspirante a Miss Teen USA que dijo aquello cita al Star Wars Kid y las explosiones de Coca-Cola Light + Mentos acompañan al grupo mientras toca el estribillo. No es uno de los mejores vídeos de Weezer, pero tampoco es gratuito: su celebración de la bufonada internáutica no está hecha a expensas de sus artífices, sino con sus artífices, lo cual está totalmente acorde con el mensaje de la canción.

Por lo demás, el "Red Album" de Weezer sale a la venta el próximo 16 de junio (una semana antes en Estados Unidos). Como fan que aprecia bastante "Make Belive" (2005) no tengo problema, pero muchos ven este lanzamiento como la prueba de fuego para el grupo: o es el regreso triunfal a los tiempos de "In the Garage" o es un fiasco, sin término medio. Sea como sea, no hay duda de que se trata de uno de los lanzamientos del año.

Dos maneras distintas de disfrutar de mi canción preferida en lo que llevamos de año: en directo (arriba) y en acústico. We Are Scientists van al Summercase, por cierto, así que no hagáis planes para el 18 y 19 de julio. También están Sons & Daughters (autores de mi segunda canción favorita de 2008), Edwyn Collins, los Raveonettes y... bueno, y los Sex Pistols.

Como todo el que esté familiarizado con la carrera discográfica de William Shatner sabrá, los discos grabados por estrellas de la interpretación suelen acabar resultando fantasías ególatras de primer orden, más allá de la capacidad de fascinación que puedan ejercer sobre el oyente predispuesto. Cuando Scarlett Johansson anunció su intención de debutar como cantante con un disco compuesto casi íntegramente por versiones de Tom Waits, las reacciones fueron desde los inevitables gestos de estupefacción hasta las sonrisas malévolas de los que ya pronosticaban un fracaso. Sobre todo, hubo un montón de sonrisas malévolas que pronosticaban un fracaso. Finalmente, Anywhere I Lay My Head ha demostrado que la otra chica Bolena siempre cae de pie, sin importar la magnitud del desafío, y que sabe transformar un probable bluff en un debut apreciado por la crítica. Queda, no obstante, la duda de hasta qué punto estamos juzgando la idea del disco (musa de lo indie, ese concepto tan devaluado, interpreta algunos de los clásicos de una leyenda viva) en lugar de al disco en sí mismo.

No es necesario terminar la primera escucha para advertir que algo no funciona como debería en "Anywhere I Lay My Head". No se trata de los pequeños fallos que lastran algunas canciones, como "I Don't Wanna Grow Up" (¡esos sintetizadores!) o "Song for Jo" (¡y es la única original!), sino de algo más profundo y que afecta a todo el conjunto. Es muy probable que ese algo tenga nombre: Dave Sitek, guitarrista de TV on the Radio y productor/estrella invitada del disco. Como concepto, Scarlett versiona a Waits era lo suficientemente estable como para mantenerse por sí solo, quizá con un acercamiento más cercano a lo acústico, que dejase brillar a la única estrella que debería brillar en todo el disco. Por el contrario, Sitek opta por una producción grandilocuente, excesiva, ruidosa e irritantemente experimental: en lugar de ser el proyecto de vanidad de la señorita Johansson, "Anywhere I Lay My Head" se convierte en un duelo de divas en el que, mucho me temo, acaba saliéndose con la suya aquella a la que nadie había invitado. El tema que da título al disco es la prueba más diáfana: Scarlett Johansson ha querido rendir tributo a Tom Waits, pero el resultado ha acabado pareciéndose tremendamente a un disco de Enya.

A veces, lo mejor es estar en el sitio indicado a la hora idónea. Eso es exactamente lo que les pasó a The Vines a comienzos de esta década: tras las tormentas de intensidad que revitalizaron el rock en Detroit (The White Stripes), Nueva York (The Yeah Yeah Yeahs, The Strokes) y Londres (The Libertines), era el momento perfecto para que unos muchachos de las antípodas desembarcaran en las listas de éxitos alternativos con algo que a su líder, Craig Nicholls, le gustaba definir como una mezcla entre los Beatles y Nirvana, sus dos influencias rectoras. Seis años después de que las puertas del Olimpo se les abrieran de par en par con su notable debut, "Highly Evolved" (2002), aparece un disco de grandes éxitos que suena más como una coda a su carrera que como lo que, al parecer, es: una manera de refrescar la memoria a sus antiguos fans de cara a la salida de su próximo disco, "Brain Dead", a mediados de año (aparte, claro, de una iniciativa de Capitol Records para rentabilizar su catálogo). Ante esta tesitura, cabe preguntarse cuándo empezó todo a torcerse.

"Highly Evolved" era prácticamente la definición perfecta de "prometedor primer disco", una fabulosa demostración de energía adolescente que cubría su cuota de hits (Get Free, Outtathaway!) y aún tenía tiempo para homenajear a los clásicos setenteros ("Mary Jane") y hasta para regalarnos la poesía melancólica de Homesick. Quedaba, no obstante, la sensación de que su talento aún debía ser confirmado, algo que su segundo disco estuvo muy lejos de hacer. "Winning Days" (2004) fue la víctima preferida de una crítica dispuesta a asfixiar el hype hasta que dejase de moverse, amén de un considerable fracaso de ventas, pero las seis canciones incluídas en este "Best Of" nos empujan a ser más misericordes y darle una segunda oportunidad a un disco que contenía joyas como la propia Winning Days o trayazos como Ride. Sin embargo, la verdadera razón por la que The Vines fueron cayendo progresivamente en desgracia tiene que ver con razones extramusicales: durante la gira de "Winning Days", a Craig Nicholls se le diagnosticó el Síndrome de Asperger, una rara forma de autismo que los médicos recomiendan combatir con una vida sedentaria y despojada de emociones fuertes. En suma, la vida que un rockero joven NO debería llevar nunca. Con todo, el grupo grabó un tercer disco en 2006, "Vision Valley", que pasó bastante desapercibido, pero que ahora podemos descubrir gracias a algunos de sus highlights (Anysound, Spaceship) incluídos en este recopilatorio. Una ocasión perfecta para recapitular, reflexionar y descubrir si merece la pena esperar el cuarto álbum o si, por el contrario, estos australianos nos timaron desde el primer momento.

Como Marilyn Manson y Evan Rachel Wood, "Needle in the Hay" y el suicidio simplemente pegan. No es sólo que Elliott Smith acabara quitándose la vida en octubre de 2003 (aunque las circunstancias fueron algo confusas), sino que Wes Anderson hizo un uso magistral de la canción en una de las secuencias más memorables de "Los Tenenbaums", algo que no nos pudimos quitar de la cabeza cuando Owen Wilson intentó cortarse las venas el año pasado (aún siento escalofríos cuando pienso en ello). Este youtube es significativo por eso y por muchas cosas más: no es la primera vez que Sad Kermit versiona una canción deprimente, pero no hay duda de que nunca lo ha hecho mejor. Si os gusta su intenso "Needle in the Hay", no os perdáis otros éxitos de la rana suicida, como Creep ("But I am green / I’m a weirdo") o Hurt.

Poesía previa:

• Portada de "Hack/Slash: Death By Sequel".
• Costello y los Beastie Boys tocan "Radio, Radio" en el "Saturday Night Live".
• Helena Bonham Carter es Bellatrix Lestrange
• Guitarra Dreamcast
• Método para preservar a los muertos
• Spoon toca "You Got Yr. Cherry Bomb" en el "Saturday Night Live" .
• Póster grindhouse de "Herbie. A tope"
• El hundimiento del HD-DVD
• Saul Bass diseña los créditos de "La guerra de las galaxias"
• Portada del número 185 de "Xtreme"

a) Extracto:

Mongoloid, he was a mongoloid
Happier than you and me
Mongoloid, he was a mongoloid
And it determined what he could see
Mongoloid, he was a mongoloid
One chromosome too many
Mongoloid, he was a mongoloid
And it determined what he could see

b) Datos:

• Apareció por primera vez como single en 1977, como carta de presentación de los norteamericanos Devo. Un año más tarde, fue regrabada e incluída en su primer LP, "Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!" (1978). Ambas versiones tienen pequeñas diferencias: Bob Mothersbaugh canta con una voz mucho más nasal en la del 77, pero en la del disco hay mucho más sintetizador chiflado (más sobre eso en el tercer punto).
• La historia de individuo con Síndrome de Down que es capaz de vivir en sociedad sin que nadie se percate de su cromosoma de más es, en realidad, una sátira del nivel educativo de un país donde George W. Bush puede llegar a presidente (aunque eso Devo aún no lo sabía... ¿verdad?).
• El sintetizador chiflado que suena en determinados fragmentos de la canción es un Minimoog, el mismo que Kraftwerk utilizó de manera intensiva en la grabación de "Autobahn" (1974).
• El videoclip, como todos los de la época "Booji Boy", es una obra maestra que va más allá del mero acompañamiento visual a la canción. Dirigido por el cineasta experimental Bruce Conner, "Mongoloid" (el vídeo) es un collage de imágenes cincuenteras, que combina fragmentos de películas de serie B con documentales científicos, anuncios de televisión y experimentos con la abstracción blanquinegra. Sin duda, una pieza adelantada a su tiempo.
• La banda, conscientes de que el videoclip sintetizaba de manera singular la Experiencia Devo, lo describió en estos términos: "Una película documental que explora la forma en que un determinado hombre joven supera una deficiencia mental básica y se convierte en un miembro útil para la sociedad. Perspicaces técnicas de edición revelan los sueños, ideales y problemas a los que se enfrenta un amplio segmento de la población estadounidense. Educativo. Música de acompañamineto escrita e interpretada por la orquesta Devo".
• Devo aún grabó una tercera versión, incluída en su "E-Z Listening Disc" (1987), un desarmante coqueteo con el muzak que se solía utilizar como introducción para sus conciertos.
• También hay versiones de "Mongoloid" grabadas por otros grupos, como Nouvelle Vague, Sepultura, The Porkers o Demented Are Go.
• "Mongoloid" es una de las canciones de Devo que menos se han utilizado en series y películas: el autor de este blog sólo recuerda haberla escuchado en "Los Amos de Dogtown" (2005).

c) Vídeos:

• Mongoloid
• Jocko Homo 
• (I Can’t Get No) Satisfaction
• Uncontrollable Urge

VH1 sortea dos entradas para ver a Madonna el próximo 30 de abril, en el concierto casi privado que la diva piensa dar en Roseland Ballroom para promocionar su nuevo disco, "Hard Candy" (cuyo single, "4 Minutes", se debate entre lo terrible y lo excelente, al menos para un servidor). El truco está en que, para entrar en el concurso, uno debe escribir un poema de cuatro versos sobre ella. A continuación, algunos de los sub-haikus más cercanos a la vergüenza ajena que he podido encontrar a lo largo de 105 páginas de comentarios (los errores ortográficos y gramaticales se han conservado intactos):

For a material girl
Living in a material world
You do a damn good job
Giving back the the world

its obscene how late it is i should be fast asleep
but i’d hate 2 not take this chance
u got my heart my hearing my vision my voice my support
n that lump in my pants

To Dance like her
To sing with Donnie
We must stand
With the Faith for the queen

Madonna, you’re cool as f*ck
Madonna, you’re hot as f*ck
Madonna, you’re eloquent as f*ck
Madonna, you’re comedic as f*ck

te conoci, tu pasado me marco me enamore de tus canciones
me enamore de tus movimientos,
me enamore de tu sencilles,
me enamore de una persona que al seguirla al paso del tiempo me enceño
muchas cosas,llore en cada show …
me enamore de una persona especial…
me enamore de vos… madonna

Lo más curioso es que muchos de estos poemas de fans podrían ser, perfectamente, la letra de una de las últimas canciones de su ídolo...

a) Extracto:

And when she lets me slip away
She turns me on and all my violence's gone
Nothing is wrong
I just slip away and I am gone

Nothing is wrong
She turns me on
I just slip away and I am gone

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Blur" (1997), el quinto disco de la banda de Essex.
• Los cuatro miembros coincidieron en que debía ser lanzada como primer single, para demostrar que habían dejado atrás la etapa de autoindulgencia que supuso su anterior trabajo, "The Great Escape" (1995). Tenían razón: "Beetlebum" llegó a ser número uno del UK Singles Chart en pocos días.
• Musicalmente, Damon Albarn se inspiró en clásicos de los Beatles como "I'm So Tired" o "Hapiness Is a Warm Gun", con los que comparte una base instrumentral muy compleja al servicio de una sensación de intimidad emocional. También se rumorea que Guided By Voices fue una influencia decisiva.
• Temáticamente, Damon Albarn se inspiró en su novia por aquel entonces, Justine Frischmann, y en las turbulencias que la adicción (en el caso de ella, a la heroína) estaba creando en la pareja. Alex James se refirió a "Beetlebum" en estos términos: "Todas las buenas canciones pop tratan de amor o de drogas. Y todas canciones pop realmente buenas tratan de las dos cosas".
• Los samplers distorsionados que se escuchan al final pertenecen a un programa británico de bromas televisivas llamado "Beadlebum".
• El videoclip fue dirigido por Sophie Muller y grabado en Camden, hogar espiritual del grupo. La decisión de pixelar el cigarrillo de Alex James y el refresco de Dave Rowntree fue intencionada.
• Además de ser una de las favoritas del propio grupo, varias votaciones internáuticas la acreditan también como la favorita de los fans, en dura competencia con "This Is a Low". Incluso Noel Gallagher ha alabado sus virtudes en no pocas ocasiones.

c) Vídeos:

• Beetlebum
• On Your Own
• To The End
• This Is a Low

La historia de la prensa musical británica a través de la galería completa de portadas de la revista "Q". De 1986 hasta este mismo mes, una de las publicaciones más insoslayables de la cultura popular demuestra que lleva varias temporadas dando en el clavo (y, por supuesto, que también tuvo su pequeña cuota de errores garrafales). A continuación, algunas de mis preferidas:

Uno. Nació en Los Angeles (California) en 1980, con el cine ya en la sangre: su padre, Caleb Deschanel, es director de fotografía y miembro fundador de American Zoetrope; su madre, Mary Jo Deschanel, fue una de las actrices protagonistas de "Elegidos para la gloria", amén de la Eileen Hayward de la serie "Twin Peaks". Por no hablar de su hermana mayor, Emily, actual estrella de "Bones". A los amantes de J.D. Salinger les gustará saber que se llama Zooey en honor a uno de los miembros más memorables de la familia Glass.

Dos. Su debut oficial en la gran pantalla vino de la mano de Lawrence Kasdan, quien le dio el papel de Nessa en su coral "Mumford" (1999). Tras aparecer en el videoclip She's Got Issues, de The Offspring, Zooey comenzó a encadenar papeles con conciertos de su grupo de jazz If All the Stars Were Pretty Babies (integrado únicamente por ella y por la también actriz Samantha Shelton, hermana de Marley). Su primera gran interpretación no llegaría hasta 2002 con "The Good Girl", en la que compartía cartel con su compañero de instituto Jake Gyllenhaal. Cansada de interpretar siempre a la amiga de la actriz principal, consiguió su primer protagonista en "All the Real Girls" (2003), que le valió una nominación para los Spirit Awards.

Tres. Con "Elf" (2003), las puertas de Hollywood se abrieron para Zooey: no sólo tuvo ocasión de interpretar al interés romántico de Will Ferrell en esta notable comedia navideña, sino que además pudo cantar a capella "Baby, It's Cold Outside" en una escena concebida para su lucimiento. A partir de entonces, gran parte de sus personajes han cantado en pantalla, como sabrán los espectadores de "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford" (2007) o "Winter Passing" (2005), en la que volvió a coincidir con Ferrell. Otros papeles estelares de su corta pero intensa carrera son el de Trillian en la adaptación de "La Guía del Autoestopista Galáctico" (2005) o el de la profesora de música de "Puente hacia Terabithia" (2007). También ha tenido oportunidad de ejercer de presencia estelar en una serie de culto ("Weeds") e incluso de poner voz a un pingüino ("Surf's Up", 2007).

Cuatro. Tras ensayar con Jason Schwartzman en el disco de Coconut Records, Zooey ha hecho su debut oficial en la industria discográfica con She & Him, cuyo primer trabajo se titula, precisamente, "Volume One" (Merge, 2008): se trata de una minimalista colección de canciones escritas e interpretadas por ella, con ayuda del productor y guitarrista M. Ward. Además del delicado single "Why Do You Let Me Stay Here", el disco contiene sorpresas de alto calibre, como sus versiones de los Beatles o Smokey Robinson. La mala noticia es que, en línea con su sonido lo-fi, She & Him sólo tienen pensado actuar en pequeños locales de su país natal, así que ya podemos olvidarnos de verlos por aquí en plena temporada festivalera.

Cinco. Proyectos de lo más estimulantes se arremolinan en el futuro inmediato de Zooey Deschanel: con esa rareza de ladrillos amarillos que es "Tin Man" recién aterrizada en DVD, la actriz y cantante tiene pendiente de estreno la muy Sundance "The Go-Getter" (2007), comedia extraña en la que aparece con iconos del indie actual como Jena Malone o Lou Taylor Pucci. Por supuesto, sus dos grandes estrenos para 2008 son "Yes Man", la nueva de Jim Carrey; y "The Happening". Os contaría más sobre la pesadilla medioambiental de M. Night Shyamalan, pero, por desgracia, se nos han acabado los cinco minutos.

Teenage Dirtbag era una gran canción. El grupo neoyorquino Wheatus la lanzó comp primer single al tiempo que como gema destacada de la banda sonora de "Un perdedor con suerte" (2000), por lo que su videoclip contenía una buena ración de Jason Biggs y de Mena Suvari diciendo eso de "I've got two tickets to Iron Maiden, baby" (en realidad, lo decía el cantante en falsete, pero ya me entendéis). Es probable que parte de mi fanatismo por ella se deba a su condición de magdalena proustiana, porque es escucharla y viajar a tiempos muy dulces. Sea como sea, "Teenage Dirtbag" es una gran canción.

El grupo de chicas británico Girls Aloud lleva versionando esta canción desde su gira de 2005, pero yo me acabo de enterar justo antes de escribir este post. A continuación, el resultado:

Cualquier fan del original consideraría esto una abominación y una invitación a la ira, ¿verdad? Pues, por alguna razón, este fan del original no se ha sentido todo lo ofendido que cree que debería haberse sentido. Me pasó algo parecido con "Across the Universe", ese revolucionario musical con canciones de los Beatles: lo que veía en la pantalla era atroz, pero la fuerza de las canciones no se dejaba aplastar fácilmente por las capas de lava que les arrojaba el volcán Julie Taymor. Quizá haya que concluir que, si la canción es realmente buena, no importa el grado de masacre al que la someta el/las versionador/as: algo queda.

Por cierto, se me olvidó anunciar en el post anterior que esta será la semana de los intermedios de Benedicto XVI en este blog: espero que todos sepamos disfrutarla, porque de lo contrario...

Es muy posible que dos de cada tres modernos consideren que la democracia está sobrevalorada después de la noche del 8 de marzo: ver cómo su candidato para Eurovisión era derrotado por el siempre subestimado poder de una chorrada debió de suponer un gran trauma. No nos centraremos aquí en el ganador de ¡Salvemos Eurovisión! (eso ya lo han hecho alrededor de treinta columnas de opinión, desnortadas en su mayoría), sino en el gran perdedor de la gala, es decir, en Guille Milkyway. Los acontecimientos de este fin de semana podrían dar lugar a asociaciones mentales perversas, o cargar de razón a los que siempre sospecharon que el tontipop y las juventudes del PP están más íntimamente relacionados de lo que parece. ¿A nadie le pareció escuchar "La revolución sexual" en Génova cuando Mariano Rajoy salió a dar su (¿definitivo?) adiós?

Deberíamos plantearnos si el mayor error de la gafapastedad (o del modernismo, en las inmortales palabras de Uribarri) estuvo en pensar que MySpace es su coto privado dentro de la Red. Cuando, al principio de la gala del sábado, apareció Borja Prieto explicando qué era eso de la plataforma para salvar el festival, muchos pensaron que la suerte ya estaba echada: el ex-Meteosat y actual director de contenidos de MySpace España estaba allí, por lo que La Casa Azul tenía que ganar. No obstante, el grupo de Guille Milkyway ni siquiera consiguió quedar primero en las votaciones de la web, siendo superado (con bastante margen) por "Baila el ChikiChiki". Internet ha sido siempre el triunfo de La Chorrada con mayúsculas, mucho más cuando esa Chorrada es, además, televisiva. Con esto no quiero decir que lamente la derrota de La Casa Azul, sino todo lo contrario: yo soy de los que piensan que entre la letra de "La revolución sexual" y el ChikiChiki no hay demasiada diferencia (el falso grupo de ñoñipop también es una construcción llena de distancia irónica, aunque algo más refinada y, por tanto, más aborrecible). Será que la imagen del músico abrazado a su casco mientras veía cómo las cosas se torcían me inspira algo de ternura... El año que viene, proponemos de nuevo a Nacho Vegas, pero esta vez de verdad.

Crystal Castles es, según la revista "Loud & Quiet", el grupo más excintante y original que existe ahora mismo en el mundo. Y, cuando uno escucha su enmudecedor "Alice Practice", puede entender perfectamente por qué: como una descarga eléctrica dirigida directamente a la médula espinal, como el traumático primer contacto con un objeto encontrado extraterrestre, el single de presentación de este duo canadiense fue uno de esos afortunados accidentes (como su propio título indica, la cantante Alice Glass estaba practicando sobre una base de sonidos de su compañero Ethan Kath) que acaban convirtiéndose en aciertos colosales. Su letra, cantada a gritos pero casi ininteligible, tiene la fuerza de un poema experimental adolescente ("Drop it, it's dead / We drop it / And took the body home / Sad eyes"), mientras que su caótico, angustioso andamiaje sonoro parece traducir directamente de una mente desbordada tras una noche de química y videojuegos de 8 bits. Tal es la potencia de "Alice Practice" que el crítico Jack Shankly, de Drowned in Sound, ha hablado de un modelo de terrorismo sonoro que parece pensado para atravesar el cráneo y atacar directamente a las zonas más ocultas de nuestro cerebro.

Lo mejor es que Crystal Castles, que toman su nombre de la serie de muñecos "She-Ra" de Mattel, no han hecho más que empezar: su EP de presentación (que agotó sus 500 copias en tres días) incluye temas tan prometedores como "Air War" o "Love and Caring", pero no es más que un pequeño aperitivo de lo que nos espera a partir del 18 de marzo con su primer disco, que será lanzado por el sello Last Gang Records (el de The New Pornographers y Death From Above 1979, entre otros). Por si esto fuera poco, sus populares remixes de temas como "Hunting for Witches" (Bloc Party) o "Atlantis to Interzone" (Klaxons), así como su aparición estelar en la serie británica "Skins", confirman a esta pareja del espacio exterior como una de las indiscutibles sorpresas de la ingente cosecha musical de este 2008.

a) Extracto:

Baile de San Vito
(Menea el bullarengue)
¡Sí, sí, sí!
Manhattan Boogie-Woogie
(Menea el bullarengue)
¡Sí, sí, sí!
Vals de Viena
(Menea el bullarengue)
¡Sí, sí, sí!
La Marsellesa
(Menea el bullarengue!)
¡Sí, sí, sí!

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Menos mal que nos queda Portugal" (1984), el tercer disco de Siniestro Total.
• "Baile de San Vito": Según la Wikipedia, su nombre científico es "Corea de Syndenham" y "se caracteriza movimientos sin propósito aparente, involuntarios, y no repetitivos, que terminan por desaparecer sin dejar secuelas neurológicas".
• "Manhattan Boogie-Woogie": Disco de la banda británica Landscape, que había sido publicado sólo dos años antes de "Menos mal...". No está claro si Siniestro se refiere al disco entero o a su single homónimo.
• "Vals de Viena": El baile de salón más antiguo que se conoce.
•  "La Marsellesa": Himno nacional francés desde 1795.
• "Adagio de Albioni": Célebre composición del músico barroco Tomaso Albioni. Apareció en la banda sonora de "Gallipoli" (1981).
• "In-A-Gadda-Da-Vida": Descomunal himno rockero que Iron Butterfly lanzó en 1968. Siniestro hizo una versión, "No me lavo en la vida", cara B del single "Bailaré sobre tu tumba" (1985).
• "Jota aragonesa": Según la Wikipedia, "es una manifestación del folclore en Aragón de un género musical, la jota, presente en la mayor parte de la geografía española".
• "El cóndor pasa": Zarzuela peruana compuesta por Daniel Alomía Robles en 1913.
• "Himno de Riego": Por supuesto, es la marcha militar decimonónica que la Segunda República adoptó como himno oficial.
• "Smoke on the Water": Canción de Deep Purple que apareció por primera vez en su influyente "Machine Head" (1972).
• "Pájaro chongüí": Composición popular peruana.
• "Himno a la alegría": Obra escrita por el poeta y dramaturgo alemán Schiller en 1785, que sería adaptada más tarde por Beethoven como movimiento final de su "Novena sinfonía" (1824).
• El videoclip fue grabado en el más que mítico bar Kwai de Madrid (C/ Fernando Sexto, nº 8), principal punto de reunión tanto como para Siniestro como para Os Resentidos. Los primeros incluso grabaron una oda, "Vámonos al Kwai", incluída en "Bailaré sobre tu tumba".
• La leyenda del Kwai está muy relacionada con su propietario, Constante, conocido por sus "pechugas" (cubatas de Dic de proporciones, eh, algo heterodoxas) y por su relación con los clientes. Su triste fallecimiento, ocurrido en marzo de 2007, puso fin a toda una época.
• El videoclip de "Menea el bullarengue" fue grabado para uno de los primeros programas de "La Bola de Cristal".

c) Vídeos:

• Menea el bullarengue
• Purdey
• De hoy no pasa
• ¿Quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos?

El más que mítico DJ de la BBC John Peel ha conseguido, por fin, su sueño: una lápida con el primer verso de Teenage Kicks, de The Undertones, su canción preferida de todos los tiempos. Más vale tarde que nunca... Su viuda ha declarado que han escrito en su tumba las palabras que él hubiera querido.

Lo que Peel sentía por "Teenage Kicks" (no sólo una de las cinco mejores canciones de la historia del ser humano, sino uno de los cinco mejores sonidos de la historia del ser humano) era auténtico y puro amor: llegó hasta el punto de ponerla dos veces seguidas en su programa radiofónico, allá por 1978. Además, en una puntuación de una a cinco estrellas, el locutor le dio 28. Snow Patrol se encargó de realizar una versión acústica de la canción en su funeral, pero no son los únicos que no han podido resistir la tentación:

Ash
Green Day
KT Tunstall
Ukelele Orchestra of Great Britain
Nouvelle Vague
The Racounteurs
The Go-Getters
Seabear
Las She Devils
La Habitación Roja
Supergrass & Carl Barat
Rocket to Russia

a) Extracto:

Quickly she came dressed up for fame
Riding her perfume downstairs
Make up like glue, she danced round the room
To the sound of her corduroy flares
Let's go town, taxis all round
We could stop for a couple of beers
He looks at it all, stifles a yawn
She tries not to look like she cares

What do I do now?
Are we going under?
What did I do wrong?
I tought we have it sorted
Out the other day
Maybe I'm just stupid
Can we try again?
No one told me it was raining

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "The It Girl" (1996), el segundo disco de Sleeper.
• Como todos los grupos clave del Britpop, Sleeper nació en la universidad: la cantante Louise Wener conoció al guitarrista Jon Stewart en la Universidad de Manchester (clase de Filosofía Política). También pasaron por el ritual de buscar nuevos miembros a través de un anuncio en "NME" o "Melody Maker".
• Su primer gran éxito fue Inbetweener (1994), que les llevó a telonear a Blur en su colosal "Parklife Tour".
• "What Do I Do Now?" apareció como single (en formato CD, vinilo y cassette) en septiembre de 1995, varios meses antes de la salida de "The It Girl".
• Elvis Costello realizó una versión de la canción en 2001, con motivo de la reedición de su clásico "All This Useless Beauty" (1996).
• Sleeper aparece dos veces en la banda sonora de "Trainspotting" (1996): con su versión de "Atomic" (Blondie no dio su consentimiento a los productores para que usaran la original) y con otra canción de "The It Girl", la sensacional "Statuesque".
• Tras las desastrosas ventas de su tercer disco, "Nice to Meet You" (1997), Sleeper fue el primer grupo del Britpop en separarse.
• La prensa musical inglesa acuñó la expersión "sleeperbloke" tras los primeros conciertos de la banda. El contraste entre la presencia escénica de Wener y el resto de miembros de la banda (masculinos y, aparentemente, indistinguibles entre sí) fue el origen de una expresión que aún hoy se sigue utilizando para referirse a los miembros más anodinos de una banda.
• Tras su carrera como estrella del rock, Louise Wener comenzó otra como novelista: "Goodnight Steve McQueen", su primera obra, estaba basada en la canción de Sleeper "Vegas" (1994). En 2007 publicó su última novela, "The Half Life of the Stars".

c) Vídeos:

• What Do I Do Now?
• Sale of the Century 
• Delicious (Acústico)
• Nice Guy Eddie

Hay temporadas en las que un bloguero se ve condenado a contemplar cómo su bitácora se convierte en un erial desactualizado, cuando él en realidad está rebosante de ideas que se podrían convertir en posts aterradoramente buenos. "El Emperador de los Helados" se encuentra atravesando uno de esos periodos: culpad, fundamentalmente, a las fechas de entrega y al modo en que me tienen esclavizado. Por suerte, esta pesadilla está a punto de llegar a su fin, por lo que muy pronto podré ponerme otra vez al completo servicio de los fieles y comprensivos lectores (suponiendo que quede alguno).

Como a nadie le gustan los posts quejicas ("Sé que hace mucho tiempo que no actualizo, pero, ¡ey!, tengo una excusa"), ahí va un enlace que merece ser comentado y completado: las 11 canciones inapropiadas para un funeral son efectivamente, una gran idea, pero el modo en que esta es ejecutada deja bastante que desear. ¿Marilyn Manson? ¿Eminem? ¡Por favor, esto se puede mejorar! Propongámonos el desafío de elaborar entre todos la verdadera lista de canciones que no deberían sonar en un momento tan delicado: podéis dejar vuestras sugerencias en los comentarios, pero queda prohibido elegir la canción que tengo reservada para mi funeral. "SexyBack", de Justin Timberlake, gracias por preguntar.

"El Emperador de los Helados" ha sido una web asociada (espiritualmente, al menos) al club de fans de Jason Schwartzman desde los tiempos de "Rushmore", así que no puede dejar de congratularse al verlo en uno de los puntos álgidos de su carrera: su trabajo en la omnipresente "The Darjeeling Limited" ya sería suficiente como para nombrarlo persona del mes, pero es que también acaba de ganar el premio de la web OurStage.com por su faceta de grupo-de-una-sola-persona, es decir, por el primer disco de Coconut Records. Para el que todavía no haya escuchado "Nighttiming", decir que se trata de un paso adelante con respecto a su etapa en Phantom Planet, que carecía de la alegría y el arrebatador sentido de la ligereza que poseen cada una de las melodías de este nuevo álbum (probablemente, grabado en ratos libres y pausas de rodaje). Si miráis algunos posts más abajo, comprobaréis que elegí "West Coast" como una de las mejores canciones de 2007: quizá sea conveniente decir que no es una de las mejores canciones del disco, pero sí la única que tenía videoclip. Buceando en "Nighttiming", uno se puede encontrar, además, con las voces de Kristen Dunst y Zooey Deschanel en no pocos temas, lo cual nunca debería ser mal recibido.

Los de OurStage le han concedido su primer premio, así que se merecen también que les conceda su primera entrevista desde que comenzó Coconut Records: pinchad aquí para verla. Yo aún sigo sin entender qué es lo que pasa con las polaroids...

Lanzada el primer día del año, la B.S.O. de Juno lleva desde entonces en lo más alto de la lista iTunes de discos más vendidos. No debería extrañarle a nadie, porque la selección de canciones que Jason Reitman, Ellen Page y Kimya Dawson (vocalista femenina de los Moldy Peaches) han recopilado para la película tiene la forma y la textura de una bomba de relojería, pensada especialmente para explotar en pleno corazón de cualquier joven con sensibilidad indie que pretenda ejercer como tal. Baluartes del anti-folk como la propia Dawson o Cat Power se dan la mano con maestros de Lo Alternativo como Sonic Youth o Belle & Sebastian, sin olvidar la cuota de clásicos vintage cubierta por los Kinks (¿qué película post-independiente puede pasar sin ellos hoy en día?), Buddy Holly o el cantautor infantil Barry Louis Polisar. El plato fuerte, sin duda, es ese "Anyone Else but You", de los Moldy Peaches, interpretado por Ellen Page y Michael Cera. No es la clase de banda sonora que me vuelve completamente loco, pero entiendo a la perfección su impacto inminente y netamente generacional.

El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (¡spoiler!) es la segunda banda sonora consecutiva que Nick Cave y Warren "No el que tú piensas" Ellis componen para un western, tras su experiencia con la notable (e inédita en nuestro país) "The Proposition". Como en aquella ocasión, es imposible imaginar un territorio más alejado del ya clásico estilo Morricone (esto se parece más a la impenetrable melancolía del "No More Shall We Part" de Cave), con un fantasmagórico piano y el ocasional lamento de una guitarra eléctrica como únicos leit motivs. Para alguien que no ha visto la película de Brad y Casey, es una auténtica sorpresa que esta banda sonora se valga ella solita para pintar un paisaje emocional y una serie de imágenes que uno se atrevería a calificar de cinematográficas, pero también se echa en falta algo de ese espíritu clásico del Salvaje Oeste que uno le presupone a Jesse James, unido ya para siempre al trabajo de Ry Cooder en "The Long Riders".

En la categoría de decepciones absolutas, la extensísima colección de canciones que OutKast grabó para Idlewild brilla con potente luz propia. Francamente, el proyecto estaba muerto antes de nacer: concebido a modo de desafío ególatra tras el rotundo éxito de "Speakerboxx/The Love Below", este musical-disco-acontecimiento es más el vehículo preferido de André 3000 que la nueva colaboración entre las dos cabezas pensantes del grupo, por lo que todas las canciones de Big Boi parecen fuera de lugar y metidas con calzador. Más grave aún es que la mezcla entre el hip hop actual y la música negra de los años 30 no llega a funcionar en ningún momento, hasta el punto de que uno se llega a preguntar muy seriamente si OutKast sabe de lo que habla cuando invoca a Cab Calloway o a Billie Holiday (se supone que mejor que nosotros, pero no se nota ni un ápice). Indulgencias como "A Bad Note" (casi nueve minutos de delirio instrumental mal encaminado) o "Hollywood Divorce" (en la que las estrellas invitadas parecen pasárselo mucho mejor que el oyente) convierten "Idlewild" en un compacto lo suficientemente abominable como para obligarme a abandonar para siempre mi repentina y francamente extraña condición de crítico de bandas sonoras.

a) Extracto:

We know of an ancient radiation
That haunts dismembered constellations,
A faintly glimmering radio station.
While Frank Sinatra sings "Stormy Weather",
The flies and spiders get along together,
Cobwebs fall on an old skipping record

Beyond the suns that guard this roof,
Beyond your flowers of flaming truths,
Beyond your latest ad campaigns,
An old man sits collecting stamps
In a room all filled with chinese lamps
He saves what others throw away
He says that he'll be rich some day

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Fashion Nugget" (1996), el segundo disco de Cake.
• El líder John McCrea es la cabeza visible de una banda que ha ido constantemente cambiando de miembros desde que se fundó en 1991. Resulta prácticamente imposible definir su estilo musical, que combina jazz, rock y country: quizá sólo sean equiparables en eclecticismo y calidad a They Might Be Giants.
• "Stormy Weather", la canción que canta Sinatra, fue escrita originalmente (1933) para que Ethel Waters la interpretara en el Cotton Club. La Voz grabó tres versiones: la más famosa fue la que sacó como single en la década de los 40, aunque la más radiada hoy en día pertenece al otoñal álbum "L.A. Is My Lady" (1984).
• Otros artistas que han versionado "Stormy Weather": Judy Garland, Lena Horne y Django Reinhardt.
• "Frank Sinatra" aparece al final de "La leyenda de Tennessee Moltisanti", episodio de la primera temporada de "Los Soprano".
• "Fashion Nugget" es el disco de Cake con más covers: "I Will Survive" (probablemente, su mayor éxito por estos lares), "Perhaps, Perhaps, Perhaps" y el clásico de Willie Nelson "Sad Songs and Waltzes".
• Lo próximo en la agenda de Cake es el lanzamiento de su primer disco en directo, "Live at the Crystal Palace", que se espera para el primer tercio de 2008.

c) Vídeos:

• Frank Sinatra
• Short Skirt/Long Jacket
• Sheep Go to Heaven
• Never There

Siguiendo la tradición, el último post del año en "El Emperador de los Helados" es una recopilación de las mejores canciones de los últimos 365 días, lo que lo convierte automáticamente en mi segunda lista de lo mejor del año. ¿Recordáis cuando, a principios de mes, prometí que solamente habría dos listas? Estáis ante un hombre que cumple su palabra, amigos y vecinos. En cuanto a la recopilación en sí misma, se estructura en dos discos que no siguen ningún orden concreto (no es un Top 12, tod