Me espera un final de semana infernal, cargado de trabajo. ¡Gah! ¡Estúpido trabajo! Lo mejor de dedicarse a esto de escribir letras es que uno puede hacerlo mientras escucha música. No creáis que tengo tiempo para postear mucho más que tres videoclips y sendos textos breves, pero espero que los disfrutéis tanto como yo. Ahora, vuelvo a ponerme el grillete.

a) The Joy Formidable - Whirring: "A Balloon Called Moaning" es mi disco preferido de lo que llevamos de 2009. Ocho canciones casi perfectas y un debut absolutamente acojonante, en el que sobresale esta miniatura épica y enérgica. El disco está disponible para descargar a cambio de nada y la cantante es la de ahí arriba. ¿Necesitas más razones?

b) Golden Silvers - True Romance (True No. 9 Blues): Ah, la televisión musical de los ochenta... ¿Qué fue de ella? Golden Silvers la recuperan por un momento, en un vídeo que puede resultar un tanto repelente, pero que a mí me parece una reconstrucción fascinante de toda una era del pop.

c) La Buena Vida - Viaje por países pequeños: Poco antes de petarlo con "Pagafantas", Borja Cobeaga rodó esta maravilla para acompañar a la (más bien sosa) versión de Poch que ha grabado el grupo de San Sebastián.

De todos los homenajes a Michael Jackson que se han ido sucediendo estos últimos días, hay uno que me ha emocionado especialmente: el de los presos filipinos del Cebu Provincial Detention and Rehabilitation Center (CPDRC), que ya fueron objeto de un post (titulado Zombis presos bailarines) en julio de 2007. Es comprensible que, tras haber dedicado tanto tiempo y esfuerzo a montar la mejor adaptación de "Thriller" posible, los presos hayan recibido la noticia de la muerte de Jacko como un mazazo. Sin embargo, lejos de sumirse en la tristeza, se han puesto manos a la obra con una sesión triple ("Ben", "I’ll Be There" y "We Are the World") de antología. Nunca unos presos habían aprovechado mejor su tiempo de recreo.

Midlife: A Beginner’s Guide to Blur es el recopilatorio encargado de volver a despertar al fan, de ahí que se ponga a la venta unas semanas antes de los conciertos de reunión, el 2 y el 3 de julio en Hyde Park (no os molestéis, las entradas se agotaron en cuestión de minutos). Al leer la lista de canciones, uno piensa: a) que parece una selección más elaborada que la de "Blur: The Best Of"; y b) que la presencia de temas como "Blue Jeans" o "Trimm Trabb" sólo puede significar que los miembros de la banda tuvieron la última palabra sobre cuáles entraban y cuáles no. Por supuesto, es más una carta de presentación que una selección definitiva, pero no me puedo resistir a completar la lista con algunas canciones que considero esenciales para el recién llegado. O, sencillamente, con las que echo en falta en "Midlife". Podéis estar de acuerdo o no, pero allá va:

- "End of a Century": Nada que objetar a las canciones escogidas de "Leisure" (1991) y "Modern Life Is Rubbish" (1993), pero son tantas que dejan fuera a algunos cortes fundamentales de "Parklife" (1994). Como por ejemplo este, que capturó a la perfección la tensión pre-fin de siglo y demostró la capacidad de Damon Albarn para retratar la soledad de la vida en su presente. De todos modos, es posible que el hecho de que fuera elegida como single en detrimento de "This Is a Low" contribuyera a que el grupo le cogiera manía...

- "To The End": Otra injusticia inexplicable. ¡Una de las mejores canciones de amor de Blur! ¡Un videoclip sensacional y marienbadiano! ¡Una versión con Françoise Hardy! Todo eso se ha quedado fuera. ¡Gah!

- "Yuko and Hiro": La mayoría de las canciones de "The Great Escape" (1995) estaban escritas en tercera persona, algo que muchos interpretaron como una incapacidad de Albarn para contactar con sus sentimientos en plena cresta de la ola britpopera. En realidad, esa teoría es basura: este es el disco más personal de Albarn dentro de Blur. Por ejemplo, "Dan Abnormal" es un anagrama de su nombre, aunque la mayor prueba estaba en el último corte, en el cantante utilizaba a dos personajes japoneses para hablar de su relación a distancia con Justine Frischmann. El resultado es sencillamente conmovedor.

- "You’re So Great": La carrera en solitario de Graham Coxon ya había empezado cuando grabó esta canción, que no desentonaría en uno de esos primeros discos grabados en su dormitorio. Es posible que sea demasiado Coxon para un recopilatorio de Blur, pero "Good Song" parece una canción de Gorillaz y ha entrado.

- "No Distance Left to Run": La mayor ausencia del recopilatorio. Es posible que tenga que ver con el hecho de que Albarn ha declarado en varias ocasiones que es incapaz de escucharla sin recordar el momento de su vida en que la compuso y, por lo tanto, echarse a llorar. Una de las canciones de ruptura más demoledoras de la historia.

- "Crazy Beat": Por elegir una cuarta de "Think Tank" (2003), aunque realmente "Out of Time", "Good Song" y "Battery in Your Leg" (la única en la que colaboró Coxon) son lo más representativo. A mí, esta en particular me encanta por ser una copia descarada del esquema "Song 2" y por este vídeo alternativo.

a) Extracto:

Blue canary in the outlet by the light switch
Who watches over you
Make a little birdhouse in your soul
Not to put too fine a point on it
Say I’m the only bee in your bonnet
Make a little birdhouse in your soul

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Flood" (1990), el tercer disco de They Might Be Giants.
• Es, probablemente, la única canción de la historia que refleja el punto de vista de una lamparilla (concretamente, de una con forma de canario azul, situada en el cuarto de un niño con miedo a la oscuridad).
• La mención a Jasón y los argonautas es obvia: la lamparilla observa el faro pintado del cuadro que tiene frente a ella y, aparte de considerarlo su ancestro primitivo, confiesa que la hubiesen despedido si su trabajo fuera guiar a los héroes griegos hasta la costa.
• Hay otra referencia algo más oscura: al sello discográfico Longines Symphonette Society, famoso por editar incontables recopilaciones de música clásica, en formatos de ocho pistas que se rebobinaban a sí mismos al terminar (de ahí que la luz se considere también "inifinita" y diga que "nunca descansa").
• John Linnell considera que es una de las canciones más Gilbert-y-Sullivanescas de TMBG, en el sentido de que muchas de las estrofas deben su sinsentido a que fueron terminadas con palabras al azar que rimaban con el final de la anterior.
• La mención a los ángeles de la guardia hizo que muchos pensaran que se trataba de una canción religiosa, pero sus autores no paran de insistir en que es simplemente una canción sobre una lucecilla con forma de canario.
• La serie "Pushing Daises" montó un número musical en torno a "Birdhouse in Your Soul" en su episodio "Pigeon". Lo podéis ver aquí. En cambio, aquí tenéis su videoclip literal.
• They Might Be Giants son el único grupo que ha aparecido dos veces en esta sección. ¿A qué se debe ese honor? A que fueron los encargados de abrirla en 2006, con la también espectacular Ana Ng.
   

El éxito de crítica y público cosechado por "Modern Times" (2006) llevó a muchos a pronosticar una nueva etapa creativa en la obra de Bob Dylan: la Etapa del Regreso, esa que ahora mismo están disfrutando (y salvemos todas las distancias que sean precisas) Take That. Por supuesto, Dylan no iba a encasillarse tan fácilmente, mucho menos si uno tiene en cuenta que una de las pocas constantes en su discografía ha sido la voluntad de sorprender, la firme convicción de que un artista no debería hacer jamás lo que se espera de él. Así, Together Through Life cambia los grandes temas de su anterior disco por una vuelta a las raíces que, como muchos críticos han señalado, puede tener su origen en Theme Time Radio Hour. De hecho, casi parece que Dylan ha grabado un acompañamiento a su programa radiofónico de culto: canciones como "My Wife’s Home Town", que van creciendo cada vez que uno escucha esa voz quebrada y ese acordeón recién sacado de Los Lobos, suponen la inmersión más directa y lúdica que el autor de "Blonde on Blonde" (1966) ha tenido nunca en el blues desgarrado con el que creció. Es un disco bastante insatisfactorio para todos los que nos quedamos maravillados con "Modern Times" (de hecho, a veces parece que la mejor manera de describirlo sería con el epíteto ’Mundo Viejuno’), pero buena suerte si vas a reprocharle algo así a un artista irreprochable.

Antes de zanjar el tema, growabrain nos descubre una versión acústica y austera de "Visions of Johanna", mi favorita de todos los tiempos. Creo que esta canción me seguiría poniendo los pelos de punta aunque la versionara un triunfito.

Esto es "New in Town", el primer videoclip de Little Boots, joven promesa del electropop británico. Ver a vagabundos realizando coreografías modernas es una de esas cosas que no acaban de estar bien del todo, en el sentido moral del término. Pero qué demonios.

a) Extracto:

She came from Planet Claire
I knew she came from there
She drove a Plymouth Satellite
Faster than the speed of light

Planet Claire has pink air
All the trees are red
No one ever dies there
No one has a head

b) Datos:

• Apareció por primera vez en el álbum homónimo de los B-52’s (1979), un debut sonadísimo que también incluía cancionzacas como "Rock Lobster" o "52 Girls".
• Si "Rock Lobster" era la idea que tenía la banda de una fiesta en la playa, "Planet Claire" es su romance de ciencia-ficción cincuentera. Para recrear el ambiente adecuado, el guitarrista Ricky Wilson tocó hasta una alarma de incendios, aunque era Fred Schneider quien se encargaba de ella en los directos. No obstante, algunos de los sonidos de la canción aún no han sido identificados: Keith Strickland aparece la carpeta del disco como autor de "los sonidos de "Planet Claire" ". 
• Los primeros segundos de "Planet Claire" se parecen mucho al tema de "Peter Gunn", clásica serie de detectives creada por Blake Edwards. La lista de grupos y cantantes que han hecho versiones de la canción de "Peter Gunn" antes y después de "Planet Claire" es impresionante: Elvis, Quincy Jones, They Might Be Giants, Art of Noise, Pulp, The Cramps, Aerosmith, Dick Dale... Es posible que los B-52’s se basaran en la de Devo, que no sólo es anterior, sino que es la más parecida. La más famosa, por supuesto, es la de los Blues Brothers.
• La película "Monstruos contra Alienígenas" (2009), aún en nuestras pantallas, propone una buena manera de cerrar el círculo: la versión que suena en los momentos previos al primer contacto del presidente (Stephen Colbert) está interpretada por Les Deux Love Orchestra, que contrató para la ocasión a músicos que colaboraron en su momento con Henry Mancini para la canción de "Peter Gunn". De hecho, los créditos de la cinta marcan la primera ocasión en la que Mancini es acreditado como co-compositor de "Planet Claire".
• "Planet Claire" también ha sido versionada: por Foo Fighters (con el propio Schneider como cantante) y por Aviador Dro, con una letra convenientemente traducida y adaptada: "Ella es del Planeta Claire / No te lo vas a creer".
  c 

Es extraño, pero da la sensación de que el último trabajo de The Decemberists se puede definir de forma más ajustada a través de referentes literarios que musicales: como un "Sueño de una noche de verano" narrado por William Faulkner, The Hazards of Love es un ambicioso disco conceptual que, en origen, debería haber sido un musical para la escena, algo así como la versión indie folk del universo de Meredith Willson. Finalmente, Colin Meloy (líder y letrista de la banda) no se sintió lo suficientemente preparado para organizar un montaje teatral, pero no importa: "The Hazards of Love" tiene la suficiente fuerza volcánica como para que cada oyente imagine la puesta en escena en su cabeza. O quizá la esencia del disco esté más cerca de los viejos contadores de historias, como apunta Will Hermes en su crítica para "Rolling Stone". En otras palabras, "The Hazards of Love" es un disco perfecto para escuchar en una noche junto al fuego, rodeado de las sombras de ese bosque mágico y misterioso que describen sus canciones.

No debería sorprendernos que The Decemberists hayan decidido, en plena era de Spotify y las descargas digitales, lanzar algo tan anacrónico como un álbum conceptual. Desde sus orígenes, la banda siempre ha estado profundamente enraizada en el pasado, en el folk de Woody Guthrie y los pioneros. Su gusto por lo anacrónico les ha llevado a inspirarse en el género picaresco, a componer canciones sobre eventos o personajes históricos ("The Infanta", "Shankill Butchers") o a grabar todo un disco en el interior de una vieja iglesia. Tal vez por eso, The Decemberists se han convertido en el epítome de lo cool en el panorama del rock alternativo norteamericano, amén de en una presencia obligada en festivales como Lollapalooza o programas como "The Colbert Report" (en el que protagonizaron un memorable reto sobre pantalla verde con su presentador). "The Hazards of Love" está basado en un EP homónimo de la cantante de folk británica Anne Briggs, lo cual podría interpretarse como una señal de que los tiempos de The Decemberists como fenómeno exclusivamente local están a punto de acabar. Las sensaciones que transmite esta monumental —y muy exigente con el oyente medio— ópera folk son universales, con su historia de amor condenado, su torturado realismo mágico y su asombroso elenco de villanos (el principal, narrador en "The Rake’s Song", es especialmente memorable). Si tienes la paciencia necesaria para dejar que se te meta bajo la piel, este disco te dejará marca.

El Fincher que me gusta no es el de "El curioso caso de Benjamin Button". O sí. O no. Mirad: tengo serios problemas con esa película, que me parece capaz de lo más sublime (la historia del relojero) y de lo más irritante (¡¡el colibrí!! ¡¡El epílogo!!). Eso es algo que, por supuesto, no me pasa con el Fincher que de verdad me gusta: el de "El Club de la Lucha", el de "Zodiac", el de "The Game". Precisamente ese angustioso ejercicio de estilo hitchcokiano (y kafkiano) ha inspirado el último videoclip de Depeche Mode, Wrong, dirigido por Patrick Daughters y ambientado en esa misma ciudad deshumanizada, metálica y posindustrial que contemplaba la crisis de identidad de Nicholas Van Orton (paradigmático hombre urbanita de finales del siglo pasado) en la película de 1997.

Por cierto, Daughters también es el responsable de filigranas como el 1234 de Feist o el The Bucket de Kings of Leon. Un realizador a tener en cuenta, vamos.

a) Extracto:

Well, Daft Punk is playing at my house, my house
I’ll show you the ropes kid, show you the ropes 
I got a bus and a trailer at my house, my house 
I’ll show you the ropes kid, show you the ropes 
I bought fifteen cases for my house, my house 
All the furniture is in the garage 

Well, Daft Punk is playing at my house, my house 
You’ve got to set them up kid, set them up 
You’ve got to set ’em up, ooh-ooh yeah!
You’ve got to set ’em up, ooh-ooh yeah!
You’ve got to set ’em up, set ’em up 

b) Datos:

• Apareció por primera vez en el doble disco homónimo de LCD Soundsystem, editado en 2005.
  
• LCD es el proyecto personal de James Murphy, músico y productor (a través de DFA Reccords) de grupos como Soulwax y Hot Chip. Murphy comenzó a publicar canciones en formato single en verano de 2002, con la fundamental "Losing My Edge". Su primer disco contenía nueve temas inéditos, más siete de sus lanzamientos previos.
• "Daft Punk Is Playing at My House" fue la carta de presentación del disco. Llegó al primer puesto en la British Dance Chart y fue nominada al Grammy a la mejor canción dance en 2006.
• El videoclip, por supuesto, es un homenaje a dos de los vídeos más representativos del dúo electrónico francés Daft Punk: Da Funk, dirigido por Spike Jonze; y Around the World, de Spike Jonze.
• El siguiente vídeo de LCD Soundsystem,"Tribulations", volvió a inspirarse en Gondry (concretamente, en su clásico Lucas with the Lid Off), aunque la cita no fuera explícita en esta ocasión.
• "Daft Punk Is Playing at My House" es una presencia recurrente en las bandas sonoras de videojuegos deportivos: "FIFA 06", "Burnout Revenge", "Forza Motorsport 2", "SSX On Tour"...
• Todo el mundo está haciendo cola en mi casa, mi casa. Todos los muebles están en el garaje. Tengo los amplificadores de todos en mi casa, mi casa. Todos los robots se bajan del autobús. Y nunca, nunca dejaré que se vayan. No, nunca, nunca, nunca dejaré que se vayan.
   

c) Vídeos:

• Daft Punk Is Playing at My House
• Tribulations
• Losing My Edge
• Movement

Siempre he sido un fan de los videoclips no oficiales de YouTube, sobre todo cuando combinan dos discursos que, en principio, jamás hubiésemos sospechado que podrían ser complementarios. Arriba, un ejemplo de cómo una de las mejores canciones de la historia puede servir de perfecto fondo sonoro a la odisea trascendental del Dr. David Bowman.

Uno de los mayores temores que este bloguero tenía con respecto a Incredibad, el primer disco del extraordinario trío cómico The Lonely Island, era que las canciones no fueran demasiado bueno. ¡Ey, no os vayáis: tiene sentido! Muchos de los temas presentes debutaron acompañados de un sketch (o, más concretamente, un Digital Short) para el "Saturday Night Live". Así, uno podía albergar la sospecha de que el poder cómico de Dick in a Box iba a perder varios enteros al no ir acompañado de la visión de un über-hortera Justin Timberlake sujetando una caja sin manos. Pues bien, no había razones para tener miedo: escuchar las canciones sin el apoyo visual incluso pone de manifiesto la calidad de sus rimas y su sentido del ritmo. Es decir, que no sólo son increíblemente graciosas, sino que también son condenadamente buenas. Los miembros de The Lonely Island se consideran a sí mismos MCs falsos, pero es posible que sean los mejores MCs falsos del planeta.

La presencia de Jack Black en "Sax Man" puede ser causa del puesto de Samberg, Schaffer y Taccone en el "SNL" (suelen trabajar con los anfitriones y las estrellas invitadas en sus Digital Shorts), pero es muy relevante: al fin y al cabo, The Lonely Island es al rap lo que Tenacious D es al rock. Canciones como "Boombox", "We Like Sportz" o la gloriosa "Incredibad" son puros temazos, tanto que uno se da cuenta de hasta qué punto el sketch suele servir de apoyo a la canción, y no al revés. Esta máxima no funciona siempre ("Ras Trent" no es tan eficaz sin Andy Samberg vestido de rastafari), pero explica por qué "The New York Times" incluyó el disco en sus recomendaciones críticas de la semana pasada. Es posible que no sea la mejor manera de acceder al universo de The Lonely Island, pero es claramente maná para el converso.

a) Extracto:

"What’s the frequency, Kenneth?" is your Benzedrine, oh-oh
I was brain-dead, locked out, numb, not up to speed
I thought I’d pegged you an idiot’s dream
Tunnel vision from the outsider’s screen
I never understood the frequency, oh-oh
You wore our expectations like an armored suit, oh-oh
 

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Monster" (1994), el noveno álbum de R.E.M.
   
• Una tarde de octubre de 1986, el periodista norteamericano Dan Rather se encontraba paseando por Park Avenue cuando dos hombres sin identificar lo asaltaron. Mientras le golpeaban, uno de ellos no paraba de hacerle la misma pregunta: "Kenneth, ¿cuál es la frencuencia?". Rather pensó que le habían confundido con otro, pero pronto se dio cuenta de que esa no era la respuesta que buscaban. Durante muchos años, el asalto quedó sin resolver, convirtiéndose en lo que Michael Stipe bautizaría más tarde como "el crimen artístico del siglo".
   
• Antes de R.E.M., el incidente ya había servido de inspiración para otro grupo de rock, Game Theory, que editó en 1987 una canción titulada "Kenneth, what’s the Frequency?". También aparece en "Como guante de seda forjado en hierro", la esquiva novela gráfica de Daniel Clowes, tal como recoge Eloy Fernández Porta en su "Afterpop" (Berenice, 2007).
   
• El guitarrista Peter Buck explica en las notas de "In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003" (2003) que su obsesión con el incidente les llevó a escoger esa frase como título de la canción. A partir de entonces, la expresión entró a formar parte del slang norteamericano como sinónimo de estar en la parra, que es básicamente de lo que trata la letra de la canción (un hombre mayor se obsesiona por entender a las jóvenes generaciones).
   
• Lejos de sentarle mal, a Dan Rather le encantó que el grupo usara su experiencia real como base de una de sus canciones más exitosas. De hecho, llegó a acompañar a Michael Stripe en las voces durante una prueba de sonido, que tuvo lugar antes de un concierto multitudinario del Madison Square Garden. La noche siguiente, 23 de junio de 1995, David Letterman mostró las imágenes en su programa.
   
• Dentro del canon de R.E.M., esta canción es algo parecido a una rareza: sus guitarras eléctricas y su tono lúdico la alejaban del camino melancólico que estaba tomando la banda hasta ese momento. De hecho, "What’s the Frequency, Kenneth?" fue interpretada como una vuelta a los orígenes de la banda.
   
• Hacia el final, la canción se vuelve un poco más lenta en lo que al bajo se refiere. Eso tiene que ver con que Mike Mills empezó a sentirse considerablemente mal mientras la graban en el estudio, pero no hizo nada por detener la sesión. Al acabar la jornada, Mills fue llevado al hospital... y operado de apendicitis.
   
• Pero, ¿cómo acabó el incidente de Dan Rather? En 1994, un tal William Tager mató a un directivo de la NBC a la salida del plató de "The Today Show". Una investigación policial descubrió, en 1997, que Tager fue uno de los dos tipos que atacó a Rather once años atrás. El periodista confirmó la identificación, asegurando que no le cabía la menor duda de que ese hombre fue el que le preguntó aquella cosa absurda mientras le golpeaba. En su defensa, Tager alegó que las cadenas de televisión le vigilaban y mandaban señales microondas a su cerebro. Típico.
   
• La historia tiene un epílogo que la inscribe directamente en el libro de oro de la conspiranoia. El número de diciembre de 2001 de la revista "Harper’s Magazine" contenía un asombroso artículo, en el que se afirmaba que el escritor y profesor universitario Donald Barthelme (fallecido en 1989) fue el verdadero autor de la agresión a Rather. Su tesis era que uno podía rastrear algunas señales desconcertantes en los escritos de Barthelme, incluyendo la frase literal "What’s the frequency?" y un personaje protagonista llamado Kenneth. ¿Es posible que una novela impulsara a alguien a atacar a una personalidad de la televisión estadounidense? ¿Fue William Tager ese alguien? El artículo de "Harper’s" lo duda, argumentando que Rather estaba predispuesto a identificarlo como su atacante para dejar atrás el incidente de una vez por todas. Entonces, ¿fue el propio Donald Barthelme? ¿O tendrá razón Daniel Clowes?

c) Vídeos:

• What’s the Frequency, Kenneth? (Directo)
• Man on the Moon
• Furry Happy Monsters (con los Muppets)
• The Great Beyond (Directo)

Marquemos el 10 de febrero en nuestros calendarios: Incredibad es, al mismo tiempo, el primer álbum oficial de The Lonely Island y una excelente recopilación en DVD de sus mejores Digital Shorts musicales. Andy, Jorma y Akiva llevaban tiempo grabando temas de hip-hop chuminero en un Power Mac G5 y colgándolos en la Red bajo el nombre de Incredibad, pero ahora han decidido dar el gran paso y lanzarlas junto a sus grandes éxitos en el "Saturday Night Live". Así, "Incredibad" (el disco) contendrá clásicos tan inapelables como el fundacional "Lazy Sunday" y "Dick in a Box", pasando por el rap de Natalie Portman o Space Olympics. Como primer single, los chicos han lanzado una versión sin risas enlatadas de "Jizz in My Pants", su último bombazo en forma de Digital Short, que fue concebido como carta de presentación del disco. Imprescindible, en una palabra.

a) Extracto:

Light touch my hand in a dream of golden skans
From now on
You can forget our future plans

Night touch my hand with the turning golden skans
From the night and the light
All plans are golden in your hands

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Myths of the Near Future" (2007), el primer álbum de los londinenses Klaxons.
• El Golden Scan 4 es un foco utilizado para conciertos y actuaciones. Al parecer, es lo último en iluminación digital, razón por la que el grupo lo utilzó como inspiración primordial para un tema decididamente psicodélico.
• El semanario musical británico NME se volvió literalmente loco con la canción: no sólo la incluyó en su lista de los 50 himnos indie más importantes de todos los tiempos (a los pocos meses de que "Myths..." fuese publicado), sino que también la nombró single del año 2007.
• Por lo demás, a "Golden Skans" no le fue demasiado mal en las listas de ventas: llegó al puesto número siete del Top 40.
• El videoclip es una parodia-barra-homenaje (¿quién sabe?) al clásico camp "Can You Feel It", de los Jackson 5, aunque en aquel momento ya eran conocidos como The Jacksons.
• Kaiser Chiefs grabaron una versión para BBC Radio. Buena suerte si quieres rastrearla por los cauces habituales.
• "Golden Skans" figuraba en la banda sonora del aparatoso simulador de conducción Gran Turismo 5 Prologue.
• El título del disco de debut de los Klaxons está sacado, por supuesto, de "Mitos del futuro próximo" (1982), influyente colección de relatos firmada por J.G. Ballard. En sus letras también se pueden encontrar referencias a William S. Burroughs, Thomas Pynchon o Aleister Crowley.

c) Vídeos:

• Golden Skans
• Magick
• Atlantis to Interzone
• Gravity’s Rainbow

2008, el año de Obama, la crisis loca y Rick Astley. Cuando quedan tan sólo unas horas para que acabe el año, "El Emperador de los Helados" es fiel a la tradición y publica su playlist con sus mejores canciones. Las del año, claro, acompañadas de una foto de la maravillosa Adele Bethel (Sons and Daughters). Este 2008 ha sido especialmente intenso, relevante y dulce para mí, así que concibo este doble recopilatorio como un paseo nostálgico (si es que se puede tener nostalgia ya) por sus mejores momentos. Por supuesto, estoy casi completamente seguro de que me habré dejado alguna canción importantísima, o de que se han publicado cosas en este año que me he perdido y no descubriré hasta dentro de unos meses, pero nadie es perfecto. Pero este playlist está muy cerca de serlo, eso sí.

Otra tradición en este blog es la de tomarse un pequeño descanso al empezar el nuevo año. Así, no habrá actualizaciones hasta el martes 6 de enero, día de Reyes. Más tiempo para disfrutar del playlist heladero para vosotros, más tiempo para imaginar un año lleno de excelencia blogosférica para mí. Con esto, me despido: ¡feliz entrada y salida de año a todos, amigos y vecinos! Y aseguráos de descubrir los bonus tracks...

DISCO 1

1. WEEZER - Troublemaker
2. LOS PUNSETES - Dos policías
3. WE ARE SCIENTISTS - After Hours
4. THE FRATELLIS - Mistress Mable
5. THE TING TINGS - That’s Not My Name
6. ELECTRIC SIX - Your Heat Is Rising
7. ENVELOPES - Freejazz
8. THE LAST SHADOW PUPPETS - Standing Next to Me
9. THE SUBWAYS - Alright
10.  RUSSIAN RED - They Don’t Belive
11.  THE KILLS - Last Day of Magic
12.  OASIS - The Boy with the Blues

BONUS TRACK: Katy Perry - I Kissed a Girl

DISCO 2

1. ELI "PAPERBOY" REED - Stake Your Claim
2. LOS CAMPESINOS! - Death to Los Campesinos!
3. ELECTROVAMP - Drinks Taste Better When They’re Free
4. FOXBORO HOT TUBS - Mother Mary
5. SHE & HIM - Why Do You Let Me Stay Here?
6. GLASVEGAS - Go Square Go
7. THE ALL-AMERICAN REJETS - Gives You Hell
8. KANYE WEST - Heartless
9. THE PIDGEON DETECTIVES - Everybody Wants Me Now
10.  JOE CREPÚSCULO - El día de las medusas
11.  GIRL TALK - Here’s the Thing
12.  SONS AND DAUGHTERS - Darling

BONUS TRACK: NOBUNNY - Chuck Berry Holiday

En Historia del rock: El sonido de la ciudad (Man Non Tropo), impresionante ensayo sobre los orígenes y ramificaciones del ritmo loco, Charles Gillett explica la indisoluble conexión entre la nueva cultura adolescente, surgida a raíz del fin de la Segunda Guerra Mundial; y el rhythm and blues primigenio, que estaba a punto de mutar hacia esa entelequia conocida como rock and roll. Cantantes melódicos como Johnnie Ray, uno de los primeros en introducir algo de heterodoxia en los férreos códigos del mainstream, supusieron el primer paso hacia una brecha generacional y cultural: los padres no entendían, e incluso consideraban aberrante, que sus hijos escucharan a un histrión que se deshacía en lágrimas mientras cantaba. Muy pronto, esos airados jóvenes blancos encontraron una corriente que definía mejor su deseo de rebeldía: la música negra, cuyos cantantes ignoraban por completo las leyes del decoro y el buen gusto que dominaban los catálogos de los grandes sellos.

En 1950, el sociólogo David Riesman publicó un artículo titulado "Listening to Popular Music", que Gillett entiende como fundamental para entender la eclosión del rock en la sociedad norteamericana de los años cincuenta. Riesman consideró que se podían distinguir dos grupos en el panorama musical de su tiempo: el publico mayoritario, que aceptaba lo que le ofrecía el mainstream y no sentía la necesidad de buscar más allá; y el público minoritario. Su descripción de este último no sólo resulta increíblemente lúcida para la época, sino que traza las líneas generales que han definido a la cultura alternativa (o diferente, o subterránea) desde mediados del siglo XX hasta nuestros días:

La rebeldía de este grupo minoritario podría reflejarse en algunos de los comportamientos siguientes hacia la música popular: una insistencia en normas rigurosas de juicio y gusto en medio de una cultura relativista; una preferencia por las pequeñas orquestas no promocionadas antes que por las orquestas de renombre; el desarrollo de un lenguaje privado que se abandona cuando es adoptado por el grupo mayoritario (y lo mismo pasa con otros aspectos del estilo privado); y un profundo resentimiento contra la comercialización de la radio y de los músicos (...) Un aprecio por la idiosincrasia de una actuación va pareja con un desdén por los intérpretes "estrella" y una insistencia en que la improvisación sea un fenómeno generado por el grupo.

(David Riesman, "Listening to Popular Music", 1950, traducción de Joan Sardá). 

Para Gillett, "el hecho de que, a pesar de lo que la mayoría elija, habrá una minoría que escogerá algo diferente explica cómo la música popular sigue cambiando, sin importar lo buenos —o malos— que sean los tipos de música dominante durante un periodo concreto". Por tanto, la revolución del rock en la Norteamérica de Eisenhower marcó la primera vez en que la cultura minoritaria desafió y se impuso a la oficial, un fenómeno que se viene repitiendo cíclicamente desde entonces. La piedra de toque de la cultura popular. El Origen de Todas las Cosas, en resumen.

Tiempo de listas. Sí, ya es esa época del año. Las principales webs culturales de todo el mundo empiezan a hacer sus listas de lo mejor y lo peor del año, algo que, en el mejor de los casos, sirve para descubrir cosas que probablemente se nos habían pasado. En el peor, es un acto de onanismo que celebra lo más visto y comentado, que no necesariamente lo mejor. Este blog no está libre de pecado y, por tanto, publicará su doble recopilatorio con las mejores tonadas de 2008, pero ahí ya estamos hablando de una excepción. ¿Algún problema? La lista de las veinte peores portadas discográficas del año que ha publicado hoy Pitchfork es otra excepción: no tiene miedo de arremeter contra vacas sagradas (Death Cab for Cutie, Beck) y acompaña los horrores visuales con algunos comentarios realmente ingeniosos (¡James Taylor!). Eso sí, la inclusión de la cuasi-lynchana y fascinante portada del EP de Spoon "Don’t You Evah" es un gran error.

"Ellos lo reparan todo". Durante la promoción de "The Wrestler", el director Darren Aronofsky ha hablado de sus planes para el remake de "RoboCop", también conocido como la idea más insensata que circula por Hollywood en estos momentos (esperemos que, dentro de unos meses, esa idea insensata sea mi segundo borrador de "Zombies en Disneyland"). Al parecer, Aronofsky planea una aproximación Hard Sci-Fi a la soberbia película de Paul Verhoeven: la idea se le ocurrió... antes de hacerse una resonancia magnética. En Micro Fantastic Bizarre Fest, el flamante episodio de "Qué vida más triste" con cameo de Vigalounge, Borja recuerda una ocasión en la que un encolerizado Joseba devolvió "RoboCop" al videoclub, argumentando que la frase promocional de "Mitad hombre, mitad robot, todo policía" estaba equivocado: el protagonista no era mitad humano, porque de humano sólo tenía la boca. Al final, parece que no hay demasiada diferencia entre Joseba y un prestigioso autor cinematográfico.

Con condón yo floto pronto. El (a falta de una palabra mejor) asombroso anuncio de la última campaña pro-preservativo ya está causando furor en nuestra sociedad "Física o Química". La razón por las que unas cabezas pensantes imaginaron que la juventud española se identificaría con dos personas que hablan como en "La naranja mecánica" continúa siendo un misterio. 

a) Extracto:

And I don’t wanna be an old man anymore
It’s been a year or two since I was out on the floor
Shakin’ booty, makin’ sweet love all the night
It’s time I got back to the good life
It’s time I got back, it’s time I got back
And I don’t even know how I got off the track
I wanna go back, yeah!

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Pinkerton" (1996), el segundo álbum de Weezer.
• Todo el que piense que Rivers Cuomo es un quejica tiene en la letra razones para mantenerlo: el músico habla de la tragedia de hacerse mayor, pero no tenía más que 25 años cuando grabó la canción.
• Fue lanzada como segundo single muy poco tiempo después del primero ("El Scorcho"), ya que se trataba de una táctica desesperada para salvar un disco tan complejo como "Pinkerton" de las malas ventas.
• El videoclip fue dirgido por Jonathan Dayton y Valerie Faris, prestigioso duo creativo (y matrimonio) que en 2006 dio el salto al largometraje con "Pequeña Miss Sunshine". Antes dirigieron vídeos tan aclamados como "By the Way", de Red Hot Chilli Peppers; o "All Around the World", de Oasis.
• Sí, la protagonista es Mary Lynn Rajskub, la Chloe O’Brian de "24".
• La técnica empleada en el vídeo fue reutilizada y amplificada más tarde por Joseph Kahn para el vídeo de "Always", de blink-182.
• Las caras del single, "Waiting on You" y "I Just Threw Out the Love of My Dreams", formaban parte de "Songs from the Black Hole", un ambicioso musical rock que Weezer planeaba lanzar después de su debut, el disco azul (1994). Finalmente, el grupo deshechó la idea de un disco conceptual, aunque algunas de sus ideas y melodías sobrevivieron a través de "Pinkerton". A lo largo de los años, las demos de muchos de los temas se han podido conseguir a través de bootlegs, así como en "Alone: The Home Recordings of Rivers Cuomo" (2007).

c) Vídeos:

• The Good Life
• El Scorcho
• Pink Triangle
• Hash Pipe

Girl Talk, o lo que es lo mismo, el über-DJ norteamericano Gregg Gillis, ha conseguido llevar el complejo arte del mashup a los terrenos de la música experimental. Una canción de Girl Talk suele estar compuesta de, al menos, una veintena de samplers de otros artistas, sin que exista en ella una sola nota original. Descrito por la prensa estadounidense como una demanda por copyright esperando a materializarse, Girl Talk publicó en junio de este año el que, probablemente, sea su trabajo definitivo: Feed the Animals, un ambicioso collage sonoro de casi una hora de duración que se puede adquirir libremente, al estilo "In Rainbows", en la web del sello Illegal Art.

La inmensa mayoría de las críticas (generalmente positivas) que ha recibido "Feed the Animals" lo describen como un placer culpable de primera magnitud, pero Gillis ha confesado que, si bien esa era la intención de sus primeros trabajos, actualmente está en contra del placer culpable. O, más concretamente, ha superado el placer culpable, un concepto que (como el escritor y periodista Chuck Klosterman ha defendido en alguna ocasión) denota cobardía y una manifiesta falta de verdadero criterio. El gran acierto de "Feed the Animals" es que no hace distinciones entre lo que podríamos llamar alta y baja cultura musical: clásicos incontestables como "96 Tears" o "Pump It Up" se funden, en una misma canción, con hits de feria como "Maneater" o MC Hammer. El resultado descubre facetas ocultas e insospechadas de canciones que juraríamos sabernos de memoria: por ejemplo, el "London Bridge" de Fergie se antoja peligrosamente cercano al sonido de los Beastie Boys, o Jay-Z puede sonar melancólico, incluso apocalíptico, si se acompaña con las notas de "Paranoid Android". Es posible que "Feed the Animals" sea la música de fondo perfecta para nuestros tiempos, pero no se trata simplemente de saltar sin rumbo de un sonido a otro: Girl Talk consigue crear vida a partir de materiales heterogéneos, dejando que descubramos oro (o, al menos, algo salvable) incluso en Rick Astley. 

Las Black Cab Sessions son, simple y llanamente, microconciertos acústicos en el asiento trasero de un taxi. Su secreto es que la selección de artistas es francamente envidiable: arriba tenemos a los New Pornographers tocando "All the Old Showstoppers", pero también tengo que destacar al ídolo Britt Daniel, a los Raveonettes (por cierto, les pilló un atasco) y a Daniel Johnston. Leo en la sección de noticias que sus responsables estuvieron el pasado mes de junio en Barcelona, dando una charla en el CCCB. ¿Por qué no aprovecharon para hacer una Black Cab Session con Russian Red? ¡¡Una Black Red Russian!!

En una estrategia tan perversa como lógica, Paramore se encarga del videoclip de "Crepúsculo", adaptación de la primera entrega de una saga literaria con la que mantengo una extrañísima relación amor-odio. Hasta ver el vídeo de "Decode", había un 30% de amor y un 70% de odio (estimo), pero ahora creo que los porcentajes han cambiado un poco. ¡O sea, es la cantante de Paramore! ¡¡La cantante de Paramore!!

En otro orden de cosas, pero relacionado con la canción de los vampiros adolescentes, Paramore está nominado como mejor artista rock en los MTV Europe Music Awards de este año, que se celebrarán en Liverpool el próximo jueves y estarán presentados por Katy Perry (quien, por cierto, ya hecho el chiste de Madonna besando a otras chicas). Salvo Metallica, los otros nominados en esa categoría son mariquitas o tipos con máscara, así que mi consejo es que votéis. Es el mismo consejo que la MTV le dio a la juventud norteamericana, y parace que ha funcionado bastante bien.

En resumen: "Crepúsculo" se estrenará el 5 de diciembre, los MTV Europe Music Awards se celebrarán el 6 de noviembre, Barack Obama tomará posesión del cargo el 20 de enero.

a) Extracto:

Some say ya’ troubled boy
Just because you like to destroy
All the things that bring the idiots joy
Well, what’s wrong with a little destruction?

And the kunts won’t talk to you
’Cause you kissed St. Rollox adieu
’Cause you robbed a supermarket or two
Well, who gives a damn about the prophets of Tesco?

Did I see you in a limousine
Flinging out the fish and the unleavened
Turn the rich into wine
As you walk on the mean
Well the fallen are the virtuous among us
Walk among us
Never judge us
We’re all blessed

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "You Colud Have It So Much Better" (2005), el segundo disco de Franz Ferdinand.
• Una lista verdaderamente inteligente de reproducción colocaría "The Fallen" justo después de "Jesus Says", de Ash: ambas hablan (de forma un tanto críptica) de la segunda venida de Jesucristo, y en ambas la cosa no acaba resultando como los católicos de misa diaria podrían pensar.
• No es la única canción de la banda escocesa en la que hay referencias al cristianismo: no en vano, Alex Kapranos estudió Teología en la universidad de Aberdeen.
• "The Fallen" fue lanzanda como single junto con "L. Wells", una canción inédita sobre una amiga del cantante.
• El videoclip contiene una constante en la banda: la letra de la canción aparece en pantalla de manera creativa e insistente, casi como en un karaoke.
• Tres referencias al Nuevo Testamento que aparecen en "The Fallen", seleccionadas al azar: a) "On the seventh seal..." es del Libro de las Revelaciones (8:1), que narra lo que pasó cuando el Cordero rompió el séptimo sello; b) "On this barren earth you scatter your seed" es de Mateo 13:3, concretamente de la parábola del sembrador; y c) "You are the Word, the Word is destroy!" es de Juan 1:1, donde se afirma que (efectivamente) Cristo es la palabra.

c) Vídeos:

• The Fallen
• L. Wells
• Walk Away
• All Your Friends (versión de LCD Soundsystem)

"Eterna relación", la mejor canción del soberbio "Popular, democrático y científico" (2005). ¿Que por qué pongo una canción de Siniestro Total sin ningún motivo? Mi respuesta es otra pregunta: ¿por qué no?

Me compro el número de octubre de la revista Q por una razón que, en mi sistema de valores, resulta bastante convincente: cincuenta páginas de Oasis. El motivo, por supuesto, es la publicación de su nuevo disco, "Dig Out Your Soul", que aún no he escuchado, pero que bien merece un viaje a la Fnac antes de que acabe la semana. Además de dos entrevistas extra-largas con cada uno de los hermanos (Liam confiesa su amor por Bob Esponja y su obsesión con la telerrealidad; Noel explica por qué nunca utiliza el correo electrónico), el especial incluye una lista de las veinte mejores canciones de Oasis, según algunos de sus más famosos seguidores. Las elecciones van de lo obvio (Irvine Welsh se queda con "Don't Look Back in Anger" porque le trae recuerdos dulces) a lo absurdo (Paul Weller elige "Flashbax", una cara C que incluso Noel Gallagher ha debido olvidar ya), hasta el punto de que me empiezo a preguntar si nadie va a elegir La Canción de Oasis. Mi Canción de Oasis, al menos. "Cast No Shadow", "D'Yer Wanna Be a Spaceman?", "Lyla"... ¿Están hablando en serio? ¿Es que nadie...?

Sí, menos mal. En el puesto 18, seleccionada por Lars Ulrich. Dios lo bendiga: ha tenido que ser él quien se acuerde de un tema que, sencillamente, me puso el mundo patas arriba. Estoy hablando de "Supersonic", la razón por la que me enamoré de Oasis. No estoy seguro de que fuese la primera canción suya que escuché: probablemente fuera "Wonderwall", no lo recuerdo. Pero sí recuerdo el momento exacto en que vi este vídeo y pensé que nunca había escuchado nada igual. No es mi canción preferida, pero es posible que sea la única canción que me ha hecho sentir de ese modo. "Supersonic" son cinco tíos mal afeitados con camisas de mercadillo, subidos en una azotea y tocando la mejor música del mundo. Es algo muy difícil de explicar, pero aún siento una descarga eléctrica en la columna vertebral cada vez que la escucho. No me importa lo que viniera después: para mí, estos siempre serán los tíos que hicieron "Supersonic". Un especial de cincuenta páginas me parece poco.

a) Extracto:

Kids are different today
I hear every mother say
Mother needs something today to calm her down
And though she's not really ill
There's a little yellow pill
She goes running for the shelter
Of a mother's little helper

And it helps her on her way
Gets her through her busy day

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Aftermath" (1966), el cuarto disco de los Rolling Stones, pero solo en la versión británica: en Estados Unidos fue lanzado directamente como single.
• Es posible que sea la primera canción sobre el uso de tranquilizantes y drogas con receta de la historia. La chispa que encendió la creatividad de Jagger y Richards fue la moda de usar barbitúricos a modo de placebo, muy extendida por entonces en el panorama musical británico.
• La canción no está ambientada en Inglaterra, sino en los barrios residenciales de Norteamerica: de hecho, es sobre el consumo de tranquilizantes por parte de las amas de casa estadounidenses. De hecho, como todo "Aftermath", se grabó en California.
• "Mother's Little Helper" no ha sido versionada con tanta frecuencia como otras composiciones de los Stones, pero en los últimos años ha habido dos casos llamativos: el de Sum 41, que abrió con ella su sesión en vivo para AOL; y el de Liz Phair, que la incluyó en la banda sonora de la serie "Mujeres desesperadas".
• Hay un episodio de "Los Simpson" titulado "Brother's Little Helper" (temporada 11): no sólo es una referencia stoniana, sino que también recuerda al perro de la familia. La adicción de Bart a un sucedáneo del Ritalin nos indica cómo cambió la cosa química en la familia nuclear de 1966 a 1999.
• Al parecer, ese riff que suena NO es de sitar.

c) Vídeos:

• Mother's Little Helper
• Under My Thumb
• Stupid Girl
• Lady Jane

Otoño en "El Emperador de los Helados".

Por fin, puedes tener todo el cencerro que necesites en cualquier canción que puedas imaginar: MoreCowbell.dj nos permite subir nuestras canciones en formato mp3 y, eh, arreglarlas al estilo de Bruce Dickinson (sí, THE Bruce Dickinson) y Gene Frenkle. No sólo eso, sino que también podemos añadir el porcentaje de Christopher Walken que creamos conveniente*. Lo que significa que uno puede mejorar incluso su canción favorita con un cien por cien de cencerro y otro cien por cien de Walken, pero sólo en el caso de que realmente quiera explorar el espacio del estudio de grabación.

A continuación, algunos de mis remixes cencerriles:

1. Transmission, de Joy Division (57% cencerro, 41% Walken).
   
2. Loves Me Not, de t.A.T.u. (21% cencerro, 79% Walken).
3. They Say, de Scars on Broadway (81% cencerro, 33% Walken).
4. Happy Together, de The Turtles (83% cencerro, 88% Walken).
5. I Kissed a Girl, de Katy Perry (100% cencerro, 100% Walken).

En "Walk Hard: The Dewey Cox Story" (2007), el protagonista (un trasunto de Johnny Cash que va pasando por todas las etapas/lugares comunes de la evolución de la música pop) decide hacer un viaje espiritual a la India para conocer al Maharishi Mahesh Yogi. Allí, como no podía ser de otra manera, se encuentra con los Beatles, en pleno curso de meditación trascendental que, al menos el teoría, debía servir como válvula de escape, como una oportunidad de huír de todo y hallar la paz interior. En lugar de eso, Paul McCartney (Jack Black) le echa en cara a John Lennon (Paul Rudd) que sus canciones más personales no harán otra cosa más que aburrirle cuando tenga 64 años, George Harrison (Justin Long) se queja de que los dos compositores oficiales no dejan que su guitarra llore gentilmente y Ring Starr (Jason Schwartzman) sólo quiere escribir canciones sobre pulpos y jardines. Más allá del chiste beatlemaníaco, esta secuencia supone un testimonio bastante certero de lo que pasó en Rishikesh: los Beatles fueron allí para olvidarse de su vida como superestrellas de la música, pero Lennon confesó más tarde que él y McCartney comenzaron a reunirse clandestinamente en la habitación del otro para escribir gran parte de lo que luego fue el "White Album". En otras palabras, el viaje a la India de los Fab Four no dista mucho del que propone Wes Anderson en "The Darjeling Limited" (2007), en la que otros jóvenes occidentales inmersos en sí mismos pretenden conectar con la espiritualidad que les rodea, pero acaban sin enterarse de nada. Hoy, cuando están a punto de cumplirse treinta años de la publicación del "White Album", proponemos una nueva clave para interpretarlo: es, probablemente, el único disco insoslayable en la historia de la música que se articula en torno a malentendidos, algunos premeditados, otros accidentales y otros insospechados.

"Flew in from Miami Beach BOAC": Back in the U.S.S.R., uno de los temas de apertura más enérgicos de la historia del rock, funciona como un excelente ejemplo de malentendido deliberado: McCartney propone una relocalización del soleado universo Beach Boys que, a su vez, incluía una puya al lema de campaña del primer ministro Harold Wilson ("’I’m backing Britain"). El resultado es una obra maestra —es probable que en el "White Album" esté contenido el mejor McCartney— que rechazaba la obviedad y, por tanto, se prestaba a ser malinterpretada por los dos sectores enfrentados de la sociedad de su tiempo: así, los hippies vieron en ella una festiva celebración del comunismo, mientras que los conservadores ingleses la señalaron con el dedo y gritaron "¡Ajá!". En realidad, ninguno de los dos entendió el verdadero sentido de una humorada que homenajeaba, de manera harto inteligente, a genios como Chuck Berry y Hoagy Carmichael.

"Won’t you come out to play?": Resulta significativo que "Back in the U.S.S.R." se diluya lentamente para dejar paso a Dear Prudence, porque representa la otra cara de la moneda: aquí los Beatles no juegan el despiste, sino que directamente se despistan. La canción está dedicada a Prudence Farrow, hermana de la actriz Mia Farrow, que se encontraba con el Maharishi cuando el cuarteto fue a visitarlo. A Lennon le preocupaba que la chica se encerrase durante horas en una habitación mal iluminada, en lugar de salir fuera y disfrutar del sol en Rishikesh, por lo que escribió una canción para animarla y ayudar a que saliera de lo que él consideraba una verdadera depresión. En realidad, Prudence declaró más tarde que estaba siguiendo las enseñanzas del Maharishi, es decir, meditando, que era por lo que se suponía que todos estaban allí. En otras palabras, los Beatles no se enteraron de casi nada en su viaje a la India y, en consecuencia, se sintieron tremendamente satisfechos de componerle una canción vitalista a una chica que lo único que quería era que la dejaran en paz.

"To help with good Rocky’s revival": Es lógico considerar al "White Album" como el disco más político de los Beatles, pero suele ser por las razones equivocadas. Por ejemplo, The Continuing Story of Bungalow Bill ha sido interpretada como una parábola sobre Vietnam, pero Lennon siempre sostuvo que no había nada de eso (en realidad, la canción se inspiró en una anécdota ocurrida durante su estancia en la India). Rocky Raccoon puede parecer una canción protesta en la onda de Dylan, pero McCartney estaba más interesado en la forma que en el fondo. Revolution 1 habla exactamente de lo que dice en el título, pero técnicamente no es una canción original del "White Album", sino una versión de la cara B del single de "Hey Jude". Es posible que la canción más política del disco sea la menos sospechosa de ello: hablo, por supuesto, de Ob-La-Di, Ob-La-Da, otro ejemplo paradigmático de malentendido beatle. Se trata de una de las canciones más odiadas del álbum (principalmente, por Lennon y Harrison, que en un principio vetaron la posibilidad de ser lanzada con single), normalmente tachada como una melodía idiota sobre una pareja de enamorados que acaban formando una familia. Lo que no todo el mundo conoce es que Desmond era un nombre muy común entre los inmigrantes jamaicanos, además de una referencia al maestro del reagge (y amigo personal de Paul) Desmond Dekker. "Ob-La-Di, Ob-La-Da" apareció en pleno debate sobre la inmigración en Gran Bretaña, con los tories opiniéndose explícita y enérgicamente al mestizaje, por lo que es imposible no pensar en ella como una canción medularmente política, en la que su autor se posicionaba dentro del debate más candente del país. Todos juntos: "And if you want some fun, take ob-la-di-bla-da".

"When I get to the bottom I go back to the top of the slide": Para terminar, el malentendido más infame que provocó el "White Album". Su interpretación más aberrante. Su traducción más desencaminada. El 8 de agosto de 1969, alguien escribió "political piggies" en las paredes del 10050 de Cielo Drive. Con sangre. Era el acta de defunción de la contracultura de los sesenta, su reverso tenebroso, y una mala interpretación de dos canciones del "White Album" (Helter Skelter y, lógicamente, Piggies) jugó un papel importante. La primera debería haber pasado a la historia como primera piedra del heavy metal, la segunda, como broma orwelliana. En lugar de eso, inspiraron a Charles Manson y su Familia a perpetrar los asesinatos en masa más fascinantes de la cultura popular. El fiscal Vincent Bugliosi llegó a utilizar "Revolution 1" como prueba en los juicios, un estímulo al que Manson respondió extasiado (al parecer, creyó escuchar a John Lennon dirigirse personalmente a él por debajo de la música, animándole a que plantara cara a los cerdos ricos de California). Que alguien entendiese "Helter Skelter" como un mensaje codificado sobre una inminente guerra racial en Estados Unidos fue motivo más que suficiente para disparar toda aquella paranoia sobre mensajes satánicos ocultos en el reverso de los discos de vinilo, algo que los Beatles siempre se tomaron como una broma para volver locos a los creyentes en el hoax de la muerte de Paul.

A estas alturas, es probable que haya quedado lo suficientemente claro que no existe sólo un "White Album", sino que hay tantos como oyentes. De repente, la idea de incluír un número de serie en la primera edición deja de ser algo irónico para convertirse en algo muy relevante: esa copia del disco es única, porque no hay dos interpretaciones iguales de un trabajo basado en las interpretaciones erróneas, equívocas o contradictorias. Tampoco debería sorprendernos el números de homenajes, parodias y mash ups a los que ha sido sometido: iniciativas como "The Grey Album", en la que Danger Mouse encontró simetrías pavorosas entre los Fab Four y Jay-Z, demuestran que los Beatles no sólo lograron capturar a la perfección el zeitgeist de su tiempo (1968, no lo olvidemos), sino que también crearon una obra accidentalmente polisémica. Por eso continúa viva treinta años después.

a) Extracto:

Caught by the fuzz
Well, I was, still on a buzz
In the back of the van
With my head in my hands
Just like a bad dream
I was only fifteen

If only my brother could be here now
Hed get me out hed sort me out alright
I knew I should have stayed at home tonight

b) Datos:

• Apareció por primera vez en agosto de 1994, como single de presentación de Supergrass. Más tarde fue incluído en el primer disco de la banda, "I Should Coco" (1995).
• Todo adolescente que haya sido sorprendido por la policía mientras hacía algo que teóricamente no debía podrá dar fe de que Gazz Coombes, vocalista y líder del grupo, se inspiró en un hecho real a la hora de escribir esta canción (de hecho, es casi una crónica de su detención, a las quince años, por posesión de cannabis).
• A la hora de lanzar el single en Estados Unidos, la idea era cambiar el dibujo del clásico policía británico malencarado por la foto policial de Hugh Grant, tras haber sido pillado con Divine Brown en Los Angeles. Los abogados del grupo se negaron a ello.
• De todos modos, Supergrass acabó saliéndose con la suya cuando el bajista Mick Quinn apareció en "Top of the Pops" con una camiseta en la que se había impreso la foto del actor.
• El vídeo sigue una curiosa tendencia del Britpop, la de grabar a las bandas en Super-8 mientras se dedican a pasear por ahí. Probablemente, Oasis y su "Rock and Roll Star" tienen la culpa.
• "In It for the Money" (1997), el siguiente disco de Supergrass, contenía una versión acústica de la canción, que puedes escuchar aquí.
• De gira por Europa con los Foo Fighters, el grupo le pidió a Taylor Hawkins que tocará la batería en "Caught by the Fuzz", con el consiguiente derroche de intensidad que ello conlleva.
• Últimamente, la canción se ha podido escuchar en los créditos finales de la magistral "Hot Fuzz" (2006), película con la que comparte mucho más de lo que puede parecer a simple vista.

c) Vídeos:

• Caught by the Fuzz
• Lenny
• Sun Hits the Sky
• Mansize Rooster

Por fin, un top 10 con los mejores bigotes de la historia del hard rock. Parece que Ozzie nunca se dejó uno, pero sus compañeros de banda lo compensaban. Con creces.

Para mí es nuevo, pero sólo puedo confiar en que también lo sea para la mayoría de vosotros. Vamos allá con la información: el videoclip se llama "Robot High School" y es el primer single de My Robot Friend, misterioso DJ neoyorquino que ha trabajado con, entre otros, Le Tigre y Matmos. La idea del vídeo es arrebatadoramente buena, pero alguien debería hacer una versión en la que todo (hasta la música) pasara al revés. Entonces sí que se nos saldrían los ojos de las órbitas.

Las promos de los MTV Video Music Awards de 2008 lo dejan bastante claro: Britney Spears está casi alegre, prácticamente saludable y razonablemente de vuelta. Russell Brand no necesita nada más que eso (y un elefante) para asegurarse de que todo el mundo vea la primera gala que presenta, aunque existen rumores muy persistentes de que Britney no se va a limitar a aparecer en los anuncios y a dejarse caer por la ceremonia, sino que tiene pensado actuar. De ser cierto, sería una jugada arriesgada (recordemos que en los VMA del año pasado ejecutó algo muy parecido a un seppuku coreografiado) que marcaría una suerte de renacimiento o, al menos, el fin de la mala racha. Además, sería una manera de escapar al destino que Trey Parker y Matt Stone le pronosticaron en Britney’s New Look, brillante y desternillante homenaje a "La lotería", de Shirley Jackson: verlo es casi una orden para todo lector de este blog que aún no lo haya hecho.

a) Extracto:

Knew you’d be here tonight
So I put my best dress on
Boy, I was so right

Our eyes connected
Now nothing’s how it used to be
No second guesses

Track in on this feeling
Pull focus close up you and me
Nobody’s leaving

Got me affected
Spun me 180 degrees
It’s so electric

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Body Language" (2003), noveno disco de Kylie Minogue.
• Durante los meses de noviembre y enero, "Slow" fue número uno en las listas de Reino Unido, Australia, España, Italia, Nueva Zelanda y Dinamarca. También tuvo un éxito singular en Estados Unidos (se puso en cabeza de la lista "Billboard", sección Dance) y Canadá.
• El videoclip se rodó en las piscinas Bernat Picornell de Barcelona, aprovechando sus impresionantes vistas de la ciudad (la azotea está en Montjuïc).
• Kylie lleva un vestido de Balenciaga algo recatado, lo que no impide que sea su vídeo más caliente. De hecho, "Slow", con sus picados imposibles y sus coreografías de cuerpos retorciéndose en toallas, podría muy bien ser la materialización del deseo.
• El remix de Chemical Brothers quizá sea el más popular, pero también existe un notable mash-up con el "Smack My Bitch Up" de Prodigy (titulado Slow My Bitch Up).
• La cantante interpretó el tema en directo en los MTV Europe Music Awards de 2003, presentados por Christina Aguilera.

c) Vídeos:

• Slow
• Red Blooded Woman
• Secret (Directo)
• Chocolate

Quizá sea el mejor YouTube que he visto en toda la semana: The Residents son entrevistados (bueno, ya sabéis) en "La edad de oro". Últimamente me he vuelto a enganchar, sobre todo a sus primeros años: "Meet the Residents", "Eskimo", "The Commercial Album"... También me he hecho con el DVD de "Demons Dance Alone", así que comprenderéis el estado mental en el que me encuentro. El 1 de septiembre sale The Bunny Boy, su nuevo trabajo, con el que dejan de lado la extenuante (al menos para mí) etapa de cuentacuentos. Mientras esperamos, nada mejor que verlos en Televisión Española.

El blog de la actriz April Winchell (voz de decenas de dibujos animados, tanto en televisión como en cine) es una más que refrescante sorpresa para todos los coleccionistas de canciones increíblemente extrañas que hay ahí fuera. Aquí tenéis la sección de audio, un universo entero para sumergirnos, seleccionar y descargar algunos de los MP3s más insólitos que el ser humano pueda imaginar. Concretamente, hay tres secciones que parecen pensadas para volvernos completamente locos:

a) "Famosos que insisten en cantar". Esto nunca suele fallar, mucho menos cuando tenemos a Sylvester Stallone, Joe Pesci, Edward Furlong y George Takei agarrando el micrófono. Hay algunos más conocidos, como Crispin Glover haciendo suya "These Boots Were Made for Walkin’" o Jerry Springer intentando superar lo que hizo William Shatner con "Mr. Tambourine Man". Sin duda, la Winchell ha dejado lo mejor para el final: John Travolta, "Famosos que no pueden cantar, por lo que hablan con música de fondo" y el disco perdido de Kim Bassinger.

b) Versiones de los Beatles, como no podía ser de otra manera. Me encanta que Peter Sellers convierta "Can’t Buy Me Love" en un diálogo matrimonial alucinado (él es el marido y la mujer), no me gusta tanto que Björk se encargue de "The Fool on the Hill". Hay clásicos, como Jim Carrey cantando "I Am the Walrus" (goo goo g’joob) o el "Hey Jude" de Bing Crosby, pero es imposible que esta colección incluya todas las covers extrañas de los Beatles que circulan por ahí: sin ir más lejos, aquí tenéis una muy especial.

c) Se llama Fabio y está muy interesado en lo que hace que el romance funcione. April Winchell pone a nuestra disposición algo que no necesita presentación alguna. Y eso no es todo, porque la selección de sonidos asombrosos de la actriz también incluye versiones de ABBA en hindú, canciones sobre la locura, música cristiana, cintas para empleados de KFC o al imitador de Elvis más famoso de Suecia (en la foto que acompaña a esta post). La única pega es que resulta tan inabarcable que se hace un poco frustrante.

Feist, autora y protagonista del mejor videoclip de 2007, ha convertido su aparición en "Barrio Sésamo" en... ¡¡el mejor videoclip de 2008!! De lo que llevamos de 2008, al menos. Sé que técnicamente no es un videoclip (entraría más bien dentro de la categoría de sketch), pero es la parodia/referencia a "1,2,3,4" más irresistible que se ha hecho hasta ahora. Y se han hecho unas cuantas.

El único problema, como ya han observado varios internautas y fans de la cantante, es que no aparece el Conde. Y un vídeo de "Barrio Sésamo" en el que aparezca alguien contando y NO sea el Conde me hace sentir un poco incómodo.

La Ukelele Orchestra of Great Britain publicó un DVD, "Anarchy in the Ukelele", que contiene números tan buenos como este. También versionó Life on Mars?, Teenage Kicks, Orange Blossom Special o Satellite of Love. No os la perdáis tocando Ruby con los Kaiser Chiefs.

Poesía previa:

- U18 o Under Eighteen: según su web oficial, "es un sello en el cual se engloban todo tipo de acciones musicales (...) pensado para ofrecer un espacio juvenil, dinámico y musical, en recintos y con grupos". La puesta de largo del concepto tuvo lugar ayer, en el Palacio de los Deportes de Madrid: Simple Plan y Panic at the Disco como reclamos internacionales, Pignoise como anzuelo, Motel como toque mexicano, Despistaos y NoWayOut como secundarios, Falling Kids como sustituto de última hora de uno de los secundarios (uno de los miembros de NoWayOut estaba en el hospital). Más que un sello, parece un paquete en el que meter a grupos y estilos intercambiables, indistinguibles entre sí. Salvo para sus fans, suponemos.

- Lo primero que uno piensa al ver las colas que se forman ante la puerta del recinto es que esos memes internáuticos que promueven la caza del emo se tendrían que haber enterado de esto. El U18 empieza a las cinco de la tarde, por lo que los adolescentes tienen que esperar horas enteras bajo el sol de julio. Lo segundo que uno piensa es que lo emo (ropa negra, camisetas de manga larga, incluso guantes y sombrero) y el calor no son en absoluto compatibles.

- No me preguntéis cómo lo sé, pero las primeras chicas de la cola llevan dos días enteros allí. Club de fans oficial español de Simple Plan, al parecer.

- De la página web: "En los días del evento estará prohibida la venta de bebidas alcohólicas y de tabaco. Cualquier tipo de referencia publicitaria a estos productos se eliminará de la sala". Diversión controlada para menores de edad, algo lógico teniendo en cuenta los patrocinadores: Coca-Cola, Sony Ericson, Orange, 40 Principales y la revista Loka. Si los grupos que tocan representan, desde cierto punto de vista, la comercialización de un estilo de música que nació con una feroz médula antisistema, el U18 como concepto podría ser la rebeldía adolescente convertida en parque temático, limpia de todo lo que podría asustar a un padre, como unos grandes almacenes anunciando su nueva Colección Punk.

 - Las acreditaciones del U18 funcionan terriblemente mal. El problema es que me doy cuenta cuando ya es demasiado tarde: concretamente, cuando estoy sentado en un palco del Palacio de los Deportes, media hora antes de que empiece el concierto. Es entonces cuando comienzo a sospechar que mi misión de entrevistar a los grupos va a ser un poco más complicada de lo que pensaba: ahora mismo, estoy a años luz de la zona del photocall, pero muy cerca de la pantalla gigante que hay sobre el escenario. Y que repite sin parar el nuevo anuncio de Coca-Cola, destinado a la generación inmediatamente anterior a la mía (y que, por tanto, le suena completamente a chino a la generación que ya empieza a llenar el estadio).

- Durante los cuarenta minutos que estuve por allí, vi al menos tres tipos distintos de pases de prensa falsificados. Adolescentes que se mueren por ver a sus ídolos y están dispuestos a intentar cualquier cosa. Y ese fue el único acto de rebeldía que pude presenciar.

a) Extracto:

Got me a movie
I want you to know
Slicing up eyeballs
I want you to know
Girlie so groovy
I want you to know
Don’t know about you
But I am un chien andalusia
I am un chien andalusia
I am un chien andalusia
I am un chien andalusia

Wanna grow up to be, be a debaser

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Doolittle" (1989), el segundo disco de los Pixies, pero no fue lanzada como single hasta 1997 (para promocionar el recopilatorio "Death to the Pixies").
• La leyenda va más o menos así: Frank Black se sienta a ver "Un perro andaluz" (1928). Acaba de verla. La ve otra vez. Desea que Buñuel siga vivo. Decide componerle un homenaje naïf en clave de rock vanguardista. Así nace "Debaser".
• La letra hace referencia a "rebanar globos oculares", tal y como ocurre en la secuencia inicial de la obra maestra de Buñuel y Dalí.
• Literalmente, "debase" quiere decir degradar, envilecer. Según Black, un artista capaz de hacer "Un perro andaluz" era un degradador nato, alguien capaz de hacer tambalear los cimientos de la moral y del propio arte. En suma, un modelo de conducta.
• Por cierto, no existe la palabra "andalusia", en ningún idioma: Black simplemente pensó que sonaba bien.
• Kurt Cobain confensó en varias ocasiones que "Smells Like Teen Spirit" fue su intento de componer una canción de los Pixies. Normalmente, citaba "Debaser" como uno de los ejemplos a los que aspiraba.
• El grupo de rock californiano Rouge Wave grabó una versión de "Debaser" para la serie "The O.C.". Siendo generosos, podríamos decir que el resultado fue, eh, inferior al original.

c) Vídeos:

• Debaser
• Here Comes Your Man
• Monkey Gone to Heaven (Directo en la BBC)
• Gigantic (Directo)

a) Extracto:

All I want is a room with a view
A sight worth seeing, a vision of you
All I want is a room with a view, oh-oh

All I want is a photo in my wallet
A small remembrance of something more solid
All I want is a pictutre of you

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Parallel Lines" (1978), el tercer disco de Blondie.
• Nunca salió como single en Estados Unidos, aunque fue la carta de presentación del disco en Reino Unido, donde llegó al duodécimo puesto del Top 20.
• Escrita por el principal trío de compositores de la banda (Chris Stein, Debbie Harry y Jimmy Destri), "Picture This" es una de esas canciones pop con subtexto oscuro que sólo se hacían a finales de los setenta, principios de los 80.
• Es una de las canciones más conocidas del grupo y, hasta ahora, ha aparecido en todos sus recopilatorios, al igual que su cara B, "Fade Away and Radiate".
• También dio nombre a un libro de fotos, "Picture This: The Many Faces of Blondie", publicado en 2004 por el famoso artista Mick Rock.
• El próximo 1 de julio, se pondrá a la venta la edición 30 aniversario de "Parallel Lines", con una edición remasterizada de nuestra cancionzaca extra de junio y un DVD con su videoclip.
• Al parecer, "Picture This" también suena en cierta película española de ciencia-ficción. En una que se estrena este viernes. Suena. Un par de veces.

c) Vídeos:

• Picture This
• Union City Blue
• X-Offender
• Accidents Never Happen

a) Extracto:

Did you see the stylish kids in the riot?
We were shovelled up like muck
Set the night on fire
Wombles bleed truncheons and shields
You know I cherish you my love

But there’s a rumour spread nasty disease around town
You caught round the houses with your trousers down
A headrush in the bush
You know I cherish you my love
Oh, how I cherish you my love!

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Up the Bracket" (2002), el primer disco de The Libertines. Fue su tercer single, publicado en junio de 2003 (es decir, hace exactamente cinco años).
• El videoclip fue grabado durante su estancia en Madrid: al parecer, los Libertines se quedaron prendados del metro y de las aguas peligrosas que había antes en la Plaza de Colón.
• La letra hace referencia a los disturbios que tuvieron lugar en Londres durante el Día del Trabajo de 2001. Pete Doherty sufrió en sus carnes la brutalidad policial del 1 de mayo, algo que también tuvo reflejo tanto en la portada del single como en la del disco.
• La revista "NME" es una fanática absoluta de "Time for Heroes": no solo la ha nombrado segunda mejor canción de la presente década (por detrás del "Last Nite" de los Strokes, decisión harto discutible), sino que también la colocó como sexto himno indie más grande todos los tiempos.
• Babyshambles, la nueva banda de Pete, sigue tocando esta canción en los directos, normalmente hacia el final del espectáculo.
• Espectacular fue también la versión que Graham Coxon grabó para un programa de Radio 1, que actualmente circula por Soulseek: un hombre, una guitarra, toneladas de intensidad.
• "Time for Heroes" es la guinda de ese pastel (de bodas) que es la banda sonora de la tercera parte de "American Pie": bastante mejor que la película en sí.

c) Vídeos:

• Time for Heroes
• Up the Bracket
• Don’t Look Back Into the Sun
• What a Waster

El simple hecho de que Weezer saque un nuevo single ya sería garantía suficiente de un post en esta casa, pero "Pork and Beans" tiene dos razones extra para aparecer aquí en fin de semana: a) es una canción excelente; y b) tiene un videoclip muy, muy interesante. En el post Cómo ganar dinero en internet (y sus consecuencias), el caso del muchacho holandés que se hizo rico por mostrar al mundo cómo crecía su hierba vital nos llevaba a "Canada on Strike", ese reciente episodio de "South Park" en el que un supergrupo de astros de la memesfera protagonizaba una lucha a muerte. Parece que, tras haber pasado por el trance que toda celebridad realmente importante tiene que pasar (es decir, ser humillada por Trey Parker y Matt Stone), las llamadas estrellas de YouTube han tenido su primera oportunidad de autoafirmarse con el videoclip de "Pork and Beans": Chris Crocker se abraza con Rivers Cuomo, Kevin Federline produce a Tay Zonday, la aspirante a Miss Teen USA que dijo aquello cita al Star Wars Kid y las explosiones de Coca-Cola Light + Mentos acompañan al grupo mientras toca el estribillo. No es uno de los mejores vídeos de Weezer, pero tampoco es gratuito: su celebración de la bufonada internáutica no está hecha a expensas de sus artífices, sino con sus artífices, lo cual está totalmente acorde con el mensaje de la canción.

Por lo demás, el "Red Album" de Weezer sale a la venta el próximo 16 de junio (una semana antes en Estados Unidos). Como fan que aprecia bastante "Make Belive" (2005) no tengo problema, pero muchos ven este lanzamiento como la prueba de fuego para el grupo: o es el regreso triunfal a los tiempos de "In the Garage" o es un fiasco, sin término medio. Sea como sea, no hay duda de que se trata de uno de los lanzamientos del año.

Dos maneras distintas de disfrutar de mi canción preferida en lo que llevamos de año: en directo (arriba) y en acústico. We Are Scientists van al Summercase, por cierto, así que no hagáis planes para el 18 y 19 de julio. También están Sons & Daughters (autores de mi segunda canción favorita de 2008), Edwyn Collins, los Raveonettes y... bueno, y los Sex Pistols.

Como todo el que esté familiarizado con la carrera discográfica de William Shatner sabrá, los discos grabados por estrellas de la interpretación suelen acabar resultando fantasías ególatras de primer orden, más allá de la capacidad de fascinación que puedan ejercer sobre el oyente predispuesto. Cuando Scarlett Johansson anunció su intención de debutar como cantante con un disco compuesto casi íntegramente por versiones de Tom Waits, las reacciones fueron desde los inevitables gestos de estupefacción hasta las sonrisas malévolas de los que ya pronosticaban un fracaso. Sobre todo, hubo un montón de sonrisas malévolas que pronosticaban un fracaso. Finalmente, Anywhere I Lay My Head ha demostrado que la otra chica Bolena siempre cae de pie, sin importar la magnitud del desafío, y que sabe transformar un probable bluff en un debut apreciado por la crítica. Queda, no obstante, la duda de hasta qué punto estamos juzgando la idea del disco (musa de lo indie, ese concepto tan devaluado, interpreta algunos de los clásicos de una leyenda viva) en lugar de al disco en sí mismo.

No es necesario terminar la primera escucha para advertir que algo no funciona como debería en "Anywhere I Lay My Head". No se trata de los pequeños fallos que lastran algunas canciones, como "I Don't Wanna Grow Up" (¡esos sintetizadores!) o "Song for Jo" (¡y es la única original!), sino de algo más profundo y que afecta a todo el conjunto. Es muy probable que ese algo tenga nombre: Dave Sitek, guitarrista de TV on the Radio y productor/estrella invitada del disco. Como concepto, Scarlett versiona a Waits era lo suficientemente estable como para mantenerse por sí solo, quizá con un acercamiento más cercano a lo acústico, que dejase brillar a la única estrella que debería brillar en todo el disco. Por el contrario, Sitek opta por una producción grandilocuente, excesiva, ruidosa e irritantemente experimental: en lugar de ser el proyecto de vanidad de la señorita Johansson, "Anywhere I Lay My Head" se convierte en un duelo de divas en el que, mucho me temo, acaba saliéndose con la suya aquella a la que nadie había invitado. El tema que da título al disco es la prueba más diáfana: Scarlett Johansson ha querido rendir tributo a Tom Waits, pero el resultado ha acabado pareciéndose tremendamente a un disco de Enya.

A veces, lo mejor es estar en el sitio indicado a la hora idónea. Eso es exactamente lo que les pasó a The Vines a comienzos de esta década: tras las tormentas de intensidad que revitalizaron el rock en Detroit (The White Stripes), Nueva York (The Yeah Yeah Yeahs, The Strokes) y Londres (The Libertines), era el momento perfecto para que unos muchachos de las antípodas desembarcaran en las listas de éxitos alternativos con algo que a su líder, Craig Nicholls, le gustaba definir como una mezcla entre los Beatles y Nirvana, sus dos influencias rectoras. Seis años después de que las puertas del Olimpo se les abrieran de par en par con su notable debut, "Highly Evolved" (2002), aparece un disco de grandes éxitos que suena más como una coda a su carrera que como lo que, al parecer, es: una manera de refrescar la memoria a sus antiguos fans de cara a la salida de su próximo disco, "Brain Dead", a mediados de año (aparte, claro, de una iniciativa de Capitol Records para rentabilizar su catálogo). Ante esta tesitura, cabe preguntarse cuándo empezó todo a torcerse.

"Highly Evolved" era prácticamente la definición perfecta de "prometedor primer disco", una fabulosa demostración de energía adolescente que cubría su cuota de hits (Get Free, Outtathaway!) y aún tenía tiempo para homenajear a los clásicos setenteros ("Mary Jane") y hasta para regalarnos la poesía melancólica de Homesick. Quedaba, no obstante, la sensación de que su talento aún debía ser confirmado, algo que su segundo disco estuvo muy lejos de hacer. "Winning Days" (2004) fue la víctima preferida de una crítica dispuesta a asfixiar el hype hasta que dejase de moverse, amén de un considerable fracaso de ventas, pero las seis canciones incluídas en este "Best Of" nos empujan a ser más misericordes y darle una segunda oportunidad a un disco que contenía joyas como la propia Winning Days o trayazos como Ride. Sin embargo, la verdadera razón por la que The Vines fueron cayendo progresivamente en desgracia tiene que ver con razones extramusicales: durante la gira de "Winning Days", a Craig Nicholls se le diagnosticó el Síndrome de Asperger, una rara forma de autismo que los médicos recomiendan combatir con una vida sedentaria y despojada de emociones fuertes. En suma, la vida que un rockero joven NO debería llevar nunca. Con todo, el grupo grabó un tercer disco en 2006, "Vision Valley", que pasó bastante desapercibido, pero que ahora podemos descubrir gracias a algunos de sus highlights (Anysound, Spaceship) incluídos en este recopilatorio. Una ocasión perfecta para recapitular, reflexionar y descubrir si merece la pena esperar el cuarto álbum o si, por el contrario, estos australianos nos timaron desde el primer momento.

Como Marilyn Manson y Evan Rachel Wood, "Needle in the Hay" y el suicidio simplemente pegan. No es sólo que Elliott Smith acabara quitándose la vida en octubre de 2003 (aunque las circunstancias fueron algo confusas), sino que Wes Anderson hizo un uso magistral de la canción en una de las secuencias más memorables de "Los Tenenbaums", algo que no nos pudimos quitar de la cabeza cuando Owen Wilson intentó cortarse las venas el año pasado (aún siento escalofríos cuando pienso en ello). Este youtube es significativo por eso y por muchas cosas más: no es la primera vez que Sad Kermit versiona una canción deprimente, pero no hay duda de que nunca lo ha hecho mejor. Si os gusta su intenso "Needle in the Hay", no os perdáis otros éxitos de la rana suicida, como Creep ("But I am green / I’m a weirdo") o Hurt.

Poesía previa:

• Portada de "Hack/Slash: Death By Sequel".
• Costello y los Beastie Boys tocan "Radio, Radio" en el "Saturday Night Live".
• Helena Bonham Carter es Bellatrix Lestrange
• Guitarra Dreamcast
• Método para preservar a los muertos
• Spoon toca "You Got Yr. Cherry Bomb" en el "Saturday Night Live" .
• Póster grindhouse de "Herbie. A tope"
• El hundimiento del HD-DVD
• Saul Bass diseña los créditos de "La guerra de las galaxias"
• Portada del número 185 de "Xtreme"

a) Extracto:

Mongoloid, he was a mongoloid
Happier than you and me
Mongoloid, he was a mongoloid
And it determined what he could see
Mongoloid, he was a mongoloid
One chromosome too many
Mongoloid, he was a mongoloid
And it determined what he could see

b) Datos:

• Apareció por primera vez como single en 1977, como carta de presentación de los norteamericanos Devo. Un año más tarde, fue regrabada e incluída en su primer LP, "Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!" (1978). Ambas versiones tienen pequeñas diferencias: Bob Mothersbaugh canta con una voz mucho más nasal en la del 77, pero en la del disco hay mucho más sintetizador chiflado (más sobre eso en el tercer punto).
• La historia de individuo con Síndrome de Down que es capaz de vivir en sociedad sin que nadie se percate de su cromosoma de más es, en realidad, una sátira del nivel educativo de un país donde George W. Bush puede llegar a presidente (aunque eso Devo aún no lo sabía... ¿verdad?).
• El sintetizador chiflado que suena en determinados fragmentos de la canción es un Minimoog, el mismo que Kraftwerk utilizó de manera intensiva en la grabación de "Autobahn" (1974).
• El videoclip, como todos los de la época "Booji Boy", es una obra maestra que va más allá del mero acompañamiento visual a la canción. Dirigido por el cineasta experimental Bruce Conner, "Mongoloid" (el vídeo) es un collage de imágenes cincuenteras, que combina fragmentos de películas de serie B con documentales científicos, anuncios de televisión y experimentos con la abstracción blanquinegra. Sin duda, una pieza adelantada a su tiempo.
• La banda, conscientes de que el videoclip sintetizaba de manera singular la Experiencia Devo, lo describió en estos términos: "Una película documental que explora la forma en que un determinado hombre joven supera una deficiencia mental básica y se convierte en un miembro útil para la sociedad. Perspicaces técnicas de edición revelan los sueños, ideales y problemas a los que se enfrenta un amplio segmento de la población estadounidense. Educativo. Música de acompañamineto escrita e interpretada por la orquesta Devo".
• Devo aún grabó una tercera versión, incluída en su "E-Z Listening Disc" (1987), un desarmante coqueteo con el muzak que se solía utilizar como introducción para sus conciertos.
• También hay versiones de "Mongoloid" grabadas por otros grupos, como Nouvelle Vague, Sepultura, The Porkers o Demented Are Go.
• "Mongoloid" es una de las canciones de Devo que menos se han utilizado en series y películas: el autor de este blog sólo recuerda haberla escuchado en "Los Amos de Dogtown" (2005).

c) Vídeos:

• Mongoloid
• Jocko Homo 
• (I Can’t Get No) Satisfaction
• Uncontrollable Urge

VH1 sortea dos entradas para ver a Madonna el próximo 30 de abril, en el concierto casi privado que la diva piensa dar en Roseland Ballroom para promocionar su nuevo disco, "Hard Candy" (cuyo single, "4 Minutes", se debate entre lo terrible y lo excelente, al menos para un servidor). El truco está en que, para entrar en el concurso, uno debe escribir un poema de cuatro versos sobre ella. A continuación, algunos de los sub-haikus más cercanos a la vergüenza ajena que he podido encontrar a lo largo de 105 páginas de comentarios (los errores ortográficos y gramaticales se han conservado intactos):

For a material girl
Living in a material world
You do a damn good job
Giving back the the world

its obscene how late it is i should be fast asleep
but i’d hate 2 not take this chance
u got my heart my hearing my vision my voice my support
n that lump in my pants

To Dance like her
To sing with Donnie
We must stand
With the Faith for the queen

Madonna, you’re cool as f*ck
Madonna, you’re hot as f*ck
Madonna, you’re eloquent as f*ck
Madonna, you’re comedic as f*ck

te conoci, tu pasado me marco me enamore de tus canciones
me enamore de tus movimientos,
me enamore de tu sencilles,
me enamore de una persona que al seguirla al paso del tiempo me enceño
muchas cosas,llore en cada show …
me enamore de una persona especial…
me enamore de vos… madonna

Lo más curioso es que muchos de estos poemas de fans podrían ser, perfectamente, la letra de una de las últimas canciones de su ídolo...

a) Extracto:

And when she lets me slip away
She turns me on and all my violence's gone
Nothing is wrong
I just slip away and I am gone

Nothing is wrong
She turns me on
I just slip away and I am gone

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Blur" (1997), el quinto disco de la banda de Essex.
• Los cuatro miembros coincidieron en que debía ser lanzada como primer single, para demostrar que habían dejado atrás la etapa de autoindulgencia que supuso su anterior trabajo, "The Great Escape" (1995). Tenían razón: "Beetlebum" llegó a ser número uno del UK Singles Chart en pocos días.
• Musicalmente, Damon Albarn se inspiró en clásicos de los Beatles como "I'm So Tired" o "Hapiness Is a Warm Gun", con los que comparte una base instrumentral muy compleja al servicio de una sensación de intimidad emocional. También se rumorea que Guided By Voices fue una influencia decisiva.
• Temáticamente, Damon Albarn se inspiró en su novia por aquel entonces, Justine Frischmann, y en las turbulencias que la adicción (en el caso de ella, a la heroína) estaba creando en la pareja. Alex James se refirió a "Beetlebum" en estos términos: "Todas las buenas canciones pop tratan de amor o de drogas. Y todas canciones pop realmente buenas tratan de las dos cosas".
• Los samplers distorsionados que se escuchan al final pertenecen a un programa británico de bromas televisivas llamado "Beadlebum".
• El videoclip fue dirigido por Sophie Muller y grabado en Camden, hogar espiritual del grupo. La decisión de pixelar el cigarrillo de Alex James y el refresco de Dave Rowntree fue intencionada.
• Además de ser una de las favoritas del propio grupo, varias votaciones internáuticas la acreditan también como la favorita de los fans, en dura competencia con "This Is a Low". Incluso Noel Gallagher ha alabado sus virtudes en no pocas ocasiones.

c) Vídeos:

• Beetlebum
• On Your Own
• To The End
• This Is a Low

La historia de la prensa musical británica a través de la galería completa de portadas de la revista "Q". De 1986 hasta este mismo mes, una de las publicaciones más insoslayables de la cultura popular demuestra que lleva varias temporadas dando en el clavo (y, por supuesto, que también tuvo su pequeña cuota de errores garrafales). A continuación, algunas de mis preferidas:

Uno. Nació en Los Angeles (California) en 1980, con el cine ya en la sangre: su padre, Caleb Deschanel, es director de fotografía y miembro fundador de American Zoetrope; su madre, Mary Jo Deschanel, fue una de las actrices protagonistas de "Elegidos para la gloria", amén de la Eileen Hayward de la serie "Twin Peaks". Por no hablar de su hermana mayor, Emily, actual estrella de "Bones". A los amantes de J.D. Salinger les gustará saber que se llama Zooey en honor a uno de los miembros más memorables de la familia Glass.

Dos. Su debut oficial en la gran pantalla vino de la mano de Lawrence Kasdan, quien le dio el papel de Nessa en su coral "Mumford" (1999). Tras aparecer en el videoclip She's Got Issues, de The Offspring, Zooey comenzó a encadenar papeles con conciertos de su grupo de jazz If All the Stars Were Pretty Babies (integrado únicamente por ella y por la también actriz Samantha Shelton, hermana de Marley). Su primera gran interpretación no llegaría hasta 2002 con "The Good Girl", en la que compartía cartel con su compañero de instituto Jake Gyllenhaal. Cansada de interpretar siempre a la amiga de la actriz principal, consiguió su primer protagonista en "All the Real Girls" (2003), que le valió una nominación para los Spirit Awards.

Tres. Con "Elf" (2003), las puertas de Hollywood se abrieron para Zooey: no sólo tuvo ocasión de interpretar al interés romántico de Will Ferrell en esta notable comedia navideña, sino que además pudo cantar a capella "Baby, It's Cold Outside" en una escena concebida para su lucimiento. A partir de entonces, gran parte de sus personajes han cantado en pantalla, como sabrán los espectadores de "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford" (2007) o "Winter Passing" (2005), en la que volvió a coincidir con Ferrell. Otros papeles estelares de su corta pero intensa carrera son el de Trillian en la adaptación de "La Guía del Autoestopista Galáctico" (2005) o el de la profesora de música de "Puente hacia Terabithia" (2007). También ha tenido oportunidad de ejercer de presencia estelar en una serie de culto ("Weeds") e incluso de poner voz a un pingüino ("Surf's Up", 2007).

Cuatro. Tras ensayar con Jason Schwartzman en el disco de Coconut Records, Zooey ha hecho su debut oficial en la industria discográfica con She & Him, cuyo primer trabajo se titula, precisamente, "Volume One" (Merge, 2008): se trata de una minimalista colección de canciones escritas e interpretadas por ella, con ayuda del productor y guitarrista M. Ward. Además del delicado single "Why Do You Let Me Stay Here", el disco contiene sorpresas de alto calibre, como sus versiones de los Beatles o Smokey Robinson. La mala noticia es que, en línea con su sonido lo-fi, She & Him sólo tienen pensado actuar en pequeños locales de su país natal, así que ya podemos olvidarnos de verlos por aquí en plena temporada festivalera.

Cinco. Proyectos de lo más estimulantes se arremolinan en el futuro inmediato de Zooey Deschanel: con esa rareza de ladrillos amarillos que es "Tin Man" recién aterrizada en DVD, la actriz y cantante tiene pendiente de estreno la muy Sundance "The Go-Getter" (2007), comedia extraña en la que aparece con iconos del indie actual como Jena Malone o Lou Taylor Pucci. Por supuesto, sus dos grandes estrenos para 2008 son "Yes Man", la nueva de Jim Carrey; y "The Happening". Os contaría más sobre la pesadilla medioambiental de M. Night Shyamalan, pero, por desgracia, se nos han acabado los cinco minutos.

Teenage Dirtbag era una gran canción. El grupo neoyorquino Wheatus la lanzó comp primer single al tiempo que como gema destacada de la banda sonora de "Un perdedor con suerte" (2000), por lo que su videoclip contenía una buena ración de Jason Biggs y de Mena Suvari diciendo eso de "I've got two tickets to Iron Maiden, baby" (en realidad, lo decía el cantante en falsete, pero ya me entendéis). Es probable que parte de mi fanatismo por ella se deba a su condición de magdalena proustiana, porque es escucharla y viajar a tiempos muy dulces. Sea como sea, "Teenage Dirtbag" es una gran canción.

El grupo de chicas británico Girls Aloud lleva versionando esta canción desde su gira de 2005, pero yo me acabo de enterar justo antes de escribir este post. A continuación, el resultado:

Cualquier fan del original consideraría esto una abominación y una invitación a la ira, ¿verdad? Pues, por alguna razón, este fan del original no se ha sentido todo lo ofendido que cree que debería haberse sentido. Me pasó algo parecido con "Across the Universe", ese revolucionario musical con canciones de los Beatles: lo que veía en la pantalla era atroz, pero la fuerza de las canciones no se dejaba aplastar fácilmente por las capas de lava que les arrojaba el volcán Julie Taymor. Quizá haya que concluir que, si la canción es realmente buena, no importa el grado de masacre al que la someta el/las versionador/as: algo queda.

Por cierto, se me olvidó anunciar en el post anterior que esta será la semana de los intermedios de Benedicto XVI en este blog: espero que todos sepamos disfrutarla, porque de lo contrario...

Es muy posible que dos de cada tres modernos consideren que la democracia está sobrevalorada después de la noche del 8 de marzo: ver cómo su candidato para Eurovisión era derrotado por el siempre subestimado poder de una chorrada debió de suponer un gran trauma. No nos centraremos aquí en el ganador de ¡Salvemos Eurovisión! (eso ya lo han hecho alrededor de treinta columnas de opinión, desnortadas en su mayoría), sino en el gran perdedor de la gala, es decir, en Guille Milkyway. Los acontecimientos de este fin de semana podrían dar lugar a asociaciones mentales perversas, o cargar de razón a los que siempre sospecharon que el tontipop y las juventudes del PP están más íntimamente relacionados de lo que parece. ¿A nadie le pareció escuchar "La revolución sexual" en Génova cuando Mariano Rajoy salió a dar su (¿definitivo?) adiós?

Deberíamos plantearnos si el mayor error de la gafapastedad (o del modernismo, en las inmortales palabras de Uribarri) estuvo en pensar que MySpace es su coto privado dentro de la Red. Cuando, al principio de la gala del sábado, apareció Borja Prieto explicando qué era eso de la plataforma para salvar el festival, muchos pensaron que la suerte ya estaba echada: el ex-Meteosat y actual director de contenidos de MySpace España estaba allí, por lo que La Casa Azul tenía que ganar. No obstante, el grupo de Guille Milkyway ni siquiera consiguió quedar primero en las votaciones de la web, siendo superado (con bastante margen) por "Baila el ChikiChiki". Internet ha sido siempre el triunfo de La Chorrada con mayúsculas, mucho más cuando esa Chorrada es, además, televisiva. Con esto no quiero decir que lamente la derrota de La Casa Azul, sino todo lo contrario: yo soy de los que piensan que entre la letra de "La revolución sexual" y el ChikiChiki no hay demasiada diferencia (el falso grupo de ñoñipop también es una construcción llena de distancia irónica, aunque algo más refinada y, por tanto, más aborrecible). Será que la imagen del músico abrazado a su casco mientras veía cómo las cosas se torcían me inspira algo de ternura... El año que viene, proponemos de nuevo a Nacho Vegas, pero esta vez de verdad.

Crystal Castles es, según la revista "Loud & Quiet", el grupo más excintante y original que existe ahora mismo en el mundo. Y, cuando uno escucha su enmudecedor "Alice Practice", puede entender perfectamente por qué: como una descarga eléctrica dirigida directamente a la médula espinal, como el traumático primer contacto con un objeto encontrado extraterrestre, el single de presentación de este duo canadiense fue uno de esos afortunados accidentes (como su propio título indica, la cantante Alice Glass estaba practicando sobre una base de sonidos de su compañero Ethan Kath) que acaban convirtiéndose en aciertos colosales. Su letra, cantada a gritos pero casi ininteligible, tiene la fuerza de un poema experimental adolescente ("Drop it, it's dead / We drop it / And took the body home / Sad eyes"), mientras que su caótico, angustioso andamiaje sonoro parece traducir directamente de una mente desbordada tras una noche de química y videojuegos de 8 bits. Tal es la potencia de "Alice Practice" que el crítico Jack Shankly, de Drowned in Sound, ha hablado de un modelo de terrorismo sonoro que parece pensado para atravesar el cráneo y atacar directamente a las zonas más ocultas de nuestro cerebro.

Lo mejor es que Crystal Castles, que toman su nombre de la serie de muñecos "She-Ra" de Mattel, no han hecho más que empezar: su EP de presentación (que agotó sus 500 copias en tres días) incluye temas tan prometedores como "Air War" o "Love and Caring", pero no es más que un pequeño aperitivo de lo que nos espera a partir del 18 de marzo con su primer disco, que será lanzado por el sello Last Gang Records (el de The New Pornographers y Death From Above 1979, entre otros). Por si esto fuera poco, sus populares remixes de temas como "Hunting for Witches" (Bloc Party) o "Atlantis to Interzone" (Klaxons), así como su aparición estelar en la serie británica "Skins", confirman a esta pareja del espacio exterior como una de las indiscutibles sorpresas de la ingente cosecha musical de este 2008.

a) Extracto:

Baile de San Vito
(Menea el bullarengue)
¡Sí, sí, sí!
Manhattan Boogie-Woogie
(Menea el bullarengue)
¡Sí, sí, sí!
Vals de Viena
(Menea el bullarengue)
¡Sí, sí, sí!
La Marsellesa
(Menea el bullarengue!)
¡Sí, sí, sí!

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Menos mal que nos queda Portugal" (1984), el tercer disco de Siniestro Total.
• "Baile de San Vito": Según la Wikipedia, su nombre científico es "Corea de Syndenham" y "se caracteriza movimientos sin propósito aparente, involuntarios, y no repetitivos, que terminan por desaparecer sin dejar secuelas neurológicas".
• "Manhattan Boogie-Woogie": Disco de la banda británica Landscape, que había sido publicado sólo dos años antes de "Menos mal...". No está claro si Siniestro se refiere al disco entero o a su single homónimo.
• "Vals de Viena": El baile de salón más antiguo que se conoce.
•  "La Marsellesa": Himno nacional francés desde 1795.
• "Adagio de Albioni": Célebre composición del músico barroco Tomaso Albioni. Apareció en la banda sonora de "Gallipoli" (1981).
• "In-A-Gadda-Da-Vida": Descomunal himno rockero que Iron Butterfly lanzó en 1968. Siniestro hizo una versión, "No me lavo en la vida", cara B del single "Bailaré sobre tu tumba" (1985).
• "Jota aragonesa": Según la Wikipedia, "es una manifestación del folclore en Aragón de un género musical, la jota, presente en la mayor parte de la geografía española".
• "El cóndor pasa": Zarzuela peruana compuesta por Daniel Alomía Robles en 1913.
• "Himno de Riego": Por supuesto, es la marcha militar decimonónica que la Segunda República adoptó como himno oficial.
• "Smoke on the Water": Canción de Deep Purple que apareció por primera vez en su influyente "Machine Head" (1972).
• "Pájaro chongüí": Composición popular peruana.
• "Himno a la alegría": Obra escrita por el poeta y dramaturgo alemán Schiller en 1785, que sería adaptada más tarde por Beethoven como movimiento final de su "Novena sinfonía" (1824).
• El videoclip fue grabado en el más que mítico bar Kwai de Madrid (C/ Fernando Sexto, nº 8), principal punto de reunión tanto como para Siniestro como para Os Resentidos. Los primeros incluso grabaron una oda, "Vámonos al Kwai", incluída en "Bailaré sobre tu tumba".
• La leyenda del Kwai está muy relacionada con su propietario, Constante, conocido por sus "pechugas" (cubatas de Dic de proporciones, eh, algo heterodoxas) y por su relación con los clientes. Su triste fallecimiento, ocurrido en marzo de 2007, puso fin a toda una época.
• El videoclip de "Menea el bullarengue" fue grabado para uno de los primeros programas de "La Bola de Cristal".

c) Vídeos:

• Menea el bullarengue
• Purdey
• De hoy no pasa
• ¿Quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos?

El más que mítico DJ de la BBC John Peel ha conseguido, por fin, su sueño: una lápida con el primer verso de Teenage Kicks, de The Undertones, su canción preferida de todos los tiempos. Más vale tarde que nunca... Su viuda ha declarado que han escrito en su tumba las palabras que él hubiera querido.

Lo que Peel sentía por "Teenage Kicks" (no sólo una de las cinco mejores canciones de la historia del ser humano, sino uno de los cinco mejores sonidos de la historia del ser humano) era auténtico y puro amor: llegó hasta el punto de ponerla dos veces seguidas en su programa radiofónico, allá por 1978. Además, en una puntuación de una a cinco estrellas, el locutor le dio 28. Snow Patrol se encargó de realizar una versión acústica de la canción en su funeral, pero no son los únicos que no han podido resistir la tentación:

Ash
Green Day
KT Tunstall
Ukelele Orchestra of Great Britain
Nouvelle Vague
The Racounteurs
The Go-Getters
Seabear
Las She Devils
La Habitación Roja
Supergrass & Carl Barat
Rocket to Russia

a) Extracto:

Quickly she came dressed up for fame
Riding her perfume downstairs
Make up like glue, she danced round the room
To the sound of her corduroy flares
Let's go town, taxis all round
We could stop for a couple of beers
He looks at it all, stifles a yawn
She tries not to look like she cares

What do I do now?
Are we going under?
What did I do wrong?
I tought we have it sorted
Out the other day
Maybe I'm just stupid
Can we try again?
No one told me it was raining

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "The It Girl" (1996), el segundo disco de Sleeper.
• Como todos los grupos clave del Britpop, Sleeper nació en la universidad: la cantante Louise Wener conoció al guitarrista Jon Stewart en la Universidad de Manchester (clase de Filosofía Política). También pasaron por el ritual de buscar nuevos miembros a través de un anuncio en "NME" o "Melody Maker".
• Su primer gran éxito fue Inbetweener (1994), que les llevó a telonear a Blur en su colosal "Parklife Tour".
• "What Do I Do Now?" apareció como single (en formato CD, vinilo y cassette) en septiembre de 1995, varios meses antes de la salida de "The It Girl".
• Elvis Costello realizó una versión de la canción en 2001, con motivo de la reedición de su clásico "All This Useless Beauty" (1996).
• Sleeper aparece dos veces en la banda sonora de "Trainspotting" (1996): con su versión de "Atomic" (Blondie no dio su consentimiento a los productores para que usaran la original) y con otra canción de "The It Girl", la sensacional "Statuesque".
• Tras las desastrosas ventas de su tercer disco, "Nice to Meet You" (1997), Sleeper fue el primer grupo del Britpop en separarse.
• La prensa musical inglesa acuñó la expersión "sleeperbloke" tras los primeros conciertos de la banda. El contraste entre la presencia escénica de Wener y el resto de miembros de la banda (masculinos y, aparentemente, indistinguibles entre sí) fue el origen de una expresión que aún hoy se sigue utilizando para referirse a los miembros más anodinos de una banda.
• Tras su carrera como estrella del rock, Louise Wener comenzó otra como novelista: "Goodnight Steve McQueen", su primera obra, estaba basada en la canción de Sleeper "Vegas" (1994). En 2007 publicó su última novela, "The Half Life of the Stars".

c) Vídeos:

• What Do I Do Now?
• Sale of the Century 
• Delicious (Acústico)
• Nice Guy Eddie

Hay temporadas en las que un bloguero se ve condenado a contemplar cómo su bitácora se convierte en un erial desactualizado, cuando él en realidad está rebosante de ideas que se podrían convertir en posts aterradoramente buenos. "El Emperador de los Helados" se encuentra atravesando uno de esos periodos: culpad, fundamentalmente, a las fechas de entrega y al modo en que me tienen esclavizado. Por suerte, esta pesadilla está a punto de llegar a su fin, por lo que muy pronto podré ponerme otra vez al completo servicio de los fieles y comprensivos lectores (suponiendo que quede alguno).

Como a nadie le gustan los posts quejicas ("Sé que hace mucho tiempo que no actualizo, pero, ¡ey!, tengo una excusa"), ahí va un enlace que merece ser comentado y completado: las 11 canciones inapropiadas para un funeral son efectivamente, una gran idea, pero el modo en que esta es ejecutada deja bastante que desear. ¿Marilyn Manson? ¿Eminem? ¡Por favor, esto se puede mejorar! Propongámonos el desafío de elaborar entre todos la verdadera lista de canciones que no deberían sonar en un momento tan delicado: podéis dejar vuestras sugerencias en los comentarios, pero queda prohibido elegir la canción que tengo reservada para mi funeral. "SexyBack", de Justin Timberlake, gracias por preguntar.

"El Emperador de los Helados" ha sido una web asociada (espiritualmente, al menos) al club de fans de Jason Schwartzman desde los tiempos de "Rushmore", así que no puede dejar de congratularse al verlo en uno de los puntos álgidos de su carrera: su trabajo en la omnipresente "The Darjeeling Limited" ya sería suficiente como para nombrarlo persona del mes, pero es que también acaba de ganar el premio de la web OurStage.com por su faceta de grupo-de-una-sola-persona, es decir, por el primer disco de Coconut Records. Para el que todavía no haya escuchado "Nighttiming", decir que se trata de un paso adelante con respecto a su etapa en Phantom Planet, que carecía de la alegría y el arrebatador sentido de la ligereza que poseen cada una de las melodías de este nuevo álbum (probablemente, grabado en ratos libres y pausas de rodaje). Si miráis algunos posts más abajo, comprobaréis que elegí "West Coast" como una de las mejores canciones de 2007: quizá sea conveniente decir que no es una de las mejores canciones del disco, pero sí la única que tenía videoclip. Buceando en "Nighttiming", uno se puede encontrar, además, con las voces de Kristen Dunst y Zooey Deschanel en no pocos temas, lo cual nunca debería ser mal recibido.

Los de OurStage le han concedido su primer premio, así que se merecen también que les conceda su primera entrevista desde que comenzó Coconut Records: pinchad aquí para verla. Yo aún sigo sin entender qué es lo que pasa con las polaroids...

Lanzada el primer día del año, la B.S.O. de Juno lleva desde entonces en lo más alto de la lista iTunes de discos más vendidos. No debería extrañarle a nadie, porque la selección de canciones que Jason Reitman, Ellen Page y Kimya Dawson (vocalista femenina de los Moldy Peaches) han recopilado para la película tiene la forma y la textura de una bomba de relojería, pensada especialmente para explotar en pleno corazón de cualquier joven con sensibilidad indie que pretenda ejercer como tal. Baluartes del anti-folk como la propia Dawson o Cat Power se dan la mano con maestros de Lo Alternativo como Sonic Youth o Belle & Sebastian, sin olvidar la cuota de clásicos vintage cubierta por los Kinks (¿qué película post-independiente puede pasar sin ellos hoy en día?), Buddy Holly o el cantautor infantil Barry Louis Polisar. El plato fuerte, sin duda, es ese "Anyone Else but You", de los Moldy Peaches, interpretado por Ellen Page y Michael Cera. No es la clase de banda sonora que me vuelve completamente loco, pero entiendo a la perfección su impacto inminente y netamente generacional.

El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (¡spoiler!) es la segunda banda sonora consecutiva que Nick Cave y Warren "No el que tú piensas" Ellis componen para un western, tras su experiencia con la notable (e inédita en nuestro país) "The Proposition". Como en aquella ocasión, es imposible imaginar un territorio más alejado del ya clásico estilo Morricone (esto se parece más a la impenetrable melancolía del "No More Shall We Part" de Cave), con un fantasmagórico piano y el ocasional lamento de una guitarra eléctrica como únicos leit motivs. Para alguien que no ha visto la película de Brad y Casey, es una auténtica sorpresa que esta banda sonora se valga ella solita para pintar un paisaje emocional y una serie de imágenes que uno se atrevería a calificar de cinematográficas, pero también se echa en falta algo de ese espíritu clásico del Salvaje Oeste que uno le presupone a Jesse James, unido ya para siempre al trabajo de Ry Cooder en "The Long Riders".

En la categoría de decepciones absolutas, la extensísima colección de canciones que OutKast grabó para Idlewild brilla con potente luz propia. Francamente, el proyecto estaba muerto antes de nacer: concebido a modo de desafío ególatra tras el rotundo éxito de "Speakerboxx/The Love Below", este musical-disco-acontecimiento es más el vehículo preferido de André 3000 que la nueva colaboración entre las dos cabezas pensantes del grupo, por lo que todas las canciones de Big Boi parecen fuera de lugar y metidas con calzador. Más grave aún es que la mezcla entre el hip hop actual y la música negra de los años 30 no llega a funcionar en ningún momento, hasta el punto de que uno se llega a preguntar muy seriamente si OutKast sabe de lo que habla cuando invoca a Cab Calloway o a Billie Holiday (se supone que mejor que nosotros, pero no se nota ni un ápice). Indulgencias como "A Bad Note" (casi nueve minutos de delirio instrumental mal encaminado) o "Hollywood Divorce" (en la que las estrellas invitadas parecen pasárselo mucho mejor que el oyente) convierten "Idlewild" en un compacto lo suficientemente abominable como para obligarme a abandonar para siempre mi repentina y francamente extraña condición de crítico de bandas sonoras.

a) Extracto:

We know of an ancient radiation
That haunts dismembered constellations,
A faintly glimmering radio station.
While Frank Sinatra sings "Stormy Weather",
The flies and spiders get along together,
Cobwebs fall on an old skipping record

Beyond the suns that guard this roof,
Beyond your flowers of flaming truths,
Beyond your latest ad campaigns,
An old man sits collecting stamps
In a room all filled with chinese lamps
He saves what others throw away
He says that he'll be rich some day

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Fashion Nugget" (1996), el segundo disco de Cake.
• El líder John McCrea es la cabeza visible de una banda que ha ido constantemente cambiando de miembros desde que se fundó en 1991. Resulta prácticamente imposible definir su estilo musical, que combina jazz, rock y country: quizá sólo sean equiparables en eclecticismo y calidad a They Might Be Giants.
• "Stormy Weather", la canción que canta Sinatra, fue escrita originalmente (1933) para que Ethel Waters la interpretara en el Cotton Club. La Voz grabó tres versiones: la más famosa fue la que sacó como single en la década de los 40, aunque la más radiada hoy en día pertenece al otoñal álbum "L.A. Is My Lady" (1984).
• Otros artistas que han versionado "Stormy Weather": Judy Garland, Lena Horne y Django Reinhardt.
• "Frank Sinatra" aparece al final de "La leyenda de Tennessee Moltisanti", episodio de la primera temporada de "Los Soprano".
• "Fashion Nugget" es el disco de Cake con más covers: "I Will Survive" (probablemente, su mayor éxito por estos lares), "Perhaps, Perhaps, Perhaps" y el clásico de Willie Nelson "Sad Songs and Waltzes".
• Lo próximo en la agenda de Cake es el lanzamiento de su primer disco en directo, "Live at the Crystal Palace", que se espera para el primer tercio de 2008.

c) Vídeos:

• Frank Sinatra
• Short Skirt/Long Jacket
• Sheep Go to Heaven
• Never There

Siguiendo la tradición, el último post del año en "El Emperador de los Helados" es una recopilación de las mejores canciones de los últimos 365 días, lo que lo convierte automáticamente en mi segunda lista de lo mejor del año. ¿Recordáis cuando, a principios de mes, prometí que solamente habría dos listas? Estáis ante un hombre que cumple su palabra, amigos y vecinos. En cuanto a la recopilación en sí misma, se estructura en dos discos que no siguen ningún orden concreto (no es un Top 12, todas las canciones tienen la misma importancia sobre el papel) y pretenden formar un todo equilibrado. El hecho de que haya preferido enlazar los videoclips antes que comprir todas las canciones en un archivo descargable responde, principalmente, a razones de comodidad personal, pero también se puede interpretar como un recorrido por algunas de las mejores joyas audiovisuales del año (claro que también hubo canciones malas con videoclip excelente, pero esas no están aquí).

Con esto, "El Emperador de los Helados" se despide hasta el lunes 7 de enero, no sin antes desear a todos los lectores una feliz y segura salida/entrada de año. No se vosotros, pero yo parto de la base de que 2008 va a ser mi año. ¡Un abrazo y hasta pronto!

DISCO 1:

1. THE HIVES - Tick Tick Boom
2. MODEST MOUSE - Dashboard
3. AVRIL LAVIGNE - Girlfriend
4. FEIST - 1234
5. SPOON - Don't You Evah
6. THE RAVEONETTES - Dead Sound
7. APPLES IN STEREO - Energy
8. THEY MIGHT BE GIANTS - Take Out the Trash
9. SUM 41 - March of the Dogs 
10.  AMY WINEHOUSE - You Know I'm Not Good
11.  TRESTRISTESNINJAS - Canon de la SGAE
12.  ASH - End of the World

    Bonus Track: JUSTICE - D.A.N.C.E.

DISCO 2:

1. TEGAN AND SARA - The Con
2. KYLIE MINOGUE - 2 Hearts
3. KANYE WEST - Stronger
4. INTERPOL - The Heinrich Maneuvre
5. FOO FIGHTERS - Long Road to Ruin
6. COCOUNT RECORDS - West Coast
7. THE FRATELLIS - Baby Fratelli
8. BLOC PARTY - Kreuzberg
9. RIHANNA - Umbrella
10.  ARCTIC MONKEYS - Flourescent Adolescent
11.  CHARLOTTE HATHERLEY - Siberia
12.  ARCADE FIRE - My Body Is a Cage

   Bonus Track: LCD SOUNDSYSTEM - All My Friends 

En general, tengo una muy buena relación con mi iPod, pero entiendo perfectamente el odio hacia Apple que parece prosperar en ciertos sectores de la intelligentsia moderna. Como, por ejemplo, el hecho de que el iPhone vaya a tardar meses en llegar a este lado del mundo, o que lo vaya a hacer sin corregir los defectos de la primera versión, como su cámara de 2MP (cuando lo normal son cinco) y la falta de un servicio de mensajería instantánea. De todos modos, lo más irritante de la casa que Steve construyó es su talento natural para embaucar a los nuevos tecnófilos wannabes, dispuestos a gastarse todo su dinero en cualquier accesorio de última generación... sin saber (o pero aún: sabiendo) que dentro de un par de meses saldrá una nueva y mejorada versión del mismo. Y que, seguramente, se la comprarán.

Los responsables del programa "MadTV" lo explican mucho mejor que yo en su parodia del último anuncio de iPod Nano. Anuncio, por cierto, basado en el mejor videoclip de 2007, el que viene aquí abajo:

Y este es el brillante (tanto en su concepto como en su ejecución) sketch de "MadTV", con el que me despido hasta el lunes (¡Nochebuena!):

Foxboro Hot Tubs puede ser (o no) el nuevo proyecto paralelo de Green Day. Lo que quiero decir es que aún no ha habido un comunicado oficial por parte de la banda que confirme o desmienta su implicación, pero no hay más que escuchar las seis canciones que componen "Stop Drop and Roll!!!" (en descarga gratuita a través de su página web) para darse cuenta de que se trata de ellos. La voz de Billy Joel Amstrong es inconfundible, se le apliquen los filtros que se le apliquen, y lo mismo va para la batería de Tré Cool.

Según parece, Green Day lleva ya unos meses dando forma a lo que será la continuación de su monumental "American Idiot" (2004), en unas sesiones de grabación que están resultando ser increíblemente provechosas. Por tanto, no resulta demasiado extraño que el grupo haya decidido publicar algunos de esos cortes bajo un nombre falso: de hecho, los fans con memoria recordarán que ya hicieron algo parecido con The Network, otro enmascarado proyecto paralelo que dio como resultado un disco tan raro (en todos los sentidos) como "Money Money 2020" (2003). Foxboro Hot Tubs cambia el sonido new wave de aquel por un rock garajero claramente inspirado en los años 60, con ecos de The Troggs o los primeros Stooges. Por descontado, las canciones son una bomba (especialmente "Highway 1" y "Mother Mary"), aunque lo que más loco me tiene es ese símbolo satánico en la parte superior derecha de la contraportada.

Hablando de coincidencias cósmicas: nada más terminar un post sobre la banda de Deryck Whibley, me encuentro con que el "Girlfriend" de Avril Lavigne figura en la lista de las mejores canciones del año... ¡según Stephen King! En un principio, puede parecer (muy) chocante, pero el autor de "La Torre Oscura" ha declarado en varias ocasiones que, aunque el amor que le profesa al rock duro no se puede expresar con palabras, está abierto a todo tipo de músicas. Además, es un hombre con sobrado buen gusto y una proverbial honestidad a la hora de elaborar listas de preferencias, así que le perdonamos cosas como James Blunt (¡James Blunt!) y Mika (¡Mika!). Por lo demás, esta grata conexión King-Lavigne me sirve para demostrar que las cosas que me gustan también se gustan entre sí (bueno, aún no sé si ella será fan de "Cell", aunque me hace ilusión pensar que sí. Por cierto, ¿habéis visto cómo he resistido la tentación de colocar una foto suya en el post? Eso es autocontrol, niños).

Durante los próximos días, la avalancha de listas con lo mejor de 2007 va a ser como esos programas recopilatorios de accidentes automovilísticos: grotescos y de mal gusto, pero no existe nadie capaz de dejar de mirar. Es por eso que quiero dejar las cosas claras desde el principio y confesar que "El Emperador de los Helados" va a tener exactamente dos de esas listas (ni una más, ni una menos), que intentarán ser lo menos aburridas posibles, pero por las que siento que debería ir pidiendo perdón de antemano. Mi consejo es que saquemos algo bueno de todo esto: la lista de King, por ejemplo, me ha servido para descubrir grupos como The Thrills y canciones como "Crazy Ex-Girlfriend", de Miranda Lambert.

a) Extracto:

Storming through the party like my name was El Niño
Well, I'm hangin' out drinking in the back of El Camino
As a kid, I was a skid and no one knew me by name
Trashed my own house party 'cause nobody came

I know I'm not the one you thought you knew back in high school
Never going, ever showing up when we had to
Attention that we crave, don't tell us to behave
I'm sick of always hearing act your age

I don't want to waste my time
Become another casualty of society
I'll never fall in line
Become another victim of your conformity
And back down

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "All Killer No Filler" (2001), el segundo álbum de estudio de Sum 41.
• Su título original era "Punk Hop", en referencia a su mezcla de estilos (que también se acerca al rapcore).
• En argot, "Fat Lip" es el término con el que se conoce a alguien que acaba de recibir un puñetazo en la boca.
• La revista "Rolling Stone" describió la progresión rítmica de la canción del siguiente modo: empieza como Beastie Boys, enlaza como Blink 182 y culmina con un estribillo a lo Black Sabbath.
• La canción que los miembros de Sum cantan al principio del videoclip es "Dave's Possessed Hair / It's What We're All About", de su primer disco ("Half Hour of Power", 2000).
• Fue número uno de la lista Billboard Modern Rock durante casi todo el verano de 2001.
• Videojuegos en los que aparece "Fat Lip": "NHL 2002" (2002) y el primer "Guitar Hero" (2005), en el que el jugador tiene la oportunidad de imitar a Deryck Whibley (con resultados que suelen ir de lo cómico a lo trágico).
• Existe una versión extendida del vídeo, con un epílogo en el que Sum 41 aparecen caracterizados como Pain for Pleasure, un falso grupo de heavy metal ochentero, y tocando su canción homónima (también de "All Killer No Filler"). La mayoría de los temas de PFP aparecen como caras B en los singles de Sum, aunque es posible que su momento más espectacular fuera "Things I Want", su colaboración navideña con Tenacious D. Al contrario que el grupo madre, PFP no seguirá adelante tras el abandono del guitarrista Dave Baksh en 2006.

c) Vídeos:

• Fat Lip
• Fat Lip (Directo)
• Summer
• In Too Deep

David Sides, fenómeno youtubesco de nuevo cuño, se define a sí mismo en estos términos: "Tocar el piano ha sido mi pasión desde que tenía 10 años, y me encanta utilizar este don que Dios me ha concedido para entretener a otros". Cuando uno explora un poco su perfil, no puede hacer otra cosa más que gritar "Amén", porque lo de Sides es sencillamente increíble (sobre todo cuando uno se entera de que toca todas sus canciones de oído). Lo mejor que se puede decir de una versión es que supera al original, pero siempre es el oyente el que tiene que tomar esa decisión. De modo que ahí va: "What Goes Around.../...Comes Around", de Justin Timberlake, y su cover al piano.

Y "What Goes Around..." ni siquiera es la mejor versión de Sides, que incluye en su catálogo a artistas tan dispares como Rihanna y Coldplay. De todos modos, las covers de piano no son las que más furor hacen en YouTube, sino... ¡las de ukelele! The Sporting Life, de The Decemberists; Girlfriend, de Avril Lavigne; Can't Take My Eyes Off You, de Andy Williams; Hey There Delilah, de Plain White T's; Sexual Healing, de Marvin Gaye... Básicamente, no hay canción que no pueda ser versionada por un joven amateur y un instrumento de su elección. O quizá sí... Sin salirnos de Timberlake, reto desde aquí a David Sides a que cuelgue una cover de "SexyBack" solo con su piano.

Tom DeLonge no necesita susurrar. Él es más de gritar a pleno pulmón. Que conste que esto no lo digo como un reproche: pese a que soy más de (+44), Angels & Airwaves me parece un grupo bastante digno (con sus cosas, pero bastante digno). Aún no puedo hablar de "I-Empire", su segundo disco en menos de dos años, porque no quiero escucharlo hasta que tenga un momento libre para tragármelo en su totalidad, pero no hay más que echarle un vistazo a la portada para darse cuenta de que DeLonge no ha reducido en un ápice la voluntad ÉPICA de su anterior trabajo. Más bien al contrario: si le pides a Drew Struzan que te diseñe la carpeta, queda claro que estás lanzando un mensaje.

Pese a estar recibiendo mejores críticas que "We Don't Need to Whisper", "I-Empire" también se está llevando algunos palos por su tono grandilocuente. Pienso (y, como digo, aún no puedo hablar con toda propiedad) que no deberíamos cargarnos una banda por el gusto por lo ÉPICO que manifiesta su líder: al fin y al cabo, esa suele ser una característica por la que muchos cineastas son alabados. ¿Por qué le perdonamos (casi) todo al "King Kong" de Peter Jackson y, en cambio, le negamos el pan y la sal a un tipo que concibe sus discos como algo más que once canciones distribuidas de cualquier manera? Lo cierto es que a DeLonge no le quita el sueño el qué dirán: en esta entrevista para MTV Buzzworthy, el ex-Blink habla sobre el documental que piensa presentar a Sundance, su relación con sus antiguos compañeros y las ventajas de cantar sobrio. También dice, medio en broma, una cosa sobre Dios que es que...

Al menos, creo que todos estaremos de acuerdo en que "Everything's Magic" es un buen single. ¿no? ¿No?

a) Extracto:

I wanna stand up, I wanna let go
You know, you know - no, you don't, you don't
I wanna shine on in the hearts of men
I want a meaning from the back of my broken hand

Another head aches, another heart breaks
I am so much older than I can take
And my affection, well it comes and goes
I need direction to perfection, no no no no

Help me out
Yeah, you know you got to help me out
Yeah, oh don't you put me on the backburner
You know you got to help me out, yeah

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Hot Fuss" (2004), el primer disco de The Killers.
• Fue un éxito en Gran Bretaña, hasta el punto de que el líder conservador David Cameron la eligió como unas de las canciones que se llevaría a una isla desierta. Se dice que también es una de las preferidas de Bill Gates.
• El grupo de gospel femenino The Sweet Inspirations es el responsable de los coros que acompañan a Brandon Flowers.
• La frase "I've got soul but I'm not a soldier" se ha convertido en el emblema de la canción y en uno de los versos más conocidos del grupo, sobre todo después de que Robbie Williams lo cantara durante su actuación en el Live 8 de 2005 (donde, por cierto, The Killers también tocaron "All These Things That I've Done").
• Existen dos videoclips para la canción: el primero (y mejor) combina imágenes del grupo y un número cada vez mayor de acólitos caminando por las calles de Londres con su concierto en el Astoria (celebrado en verano de 2004). El otro está dirigido por Anton Corbjin y es, eh, algo complicado de explicar.
• "All These Things..." ha sonado en multitud de series de televisión, como "Jericho" o "One Tree Hill".
• En "Southand Tales" (2007), el personaje de Justin Timberlake realiza una cover de la canción, con ayuda de un coro de enfermeras y máquinas de pinball.

c) Vídeos:

• All These Things That I've Done (Primera versión)
• All These Things That I've Done (Segunda versión)
• Mr. Brightside
• Smile Like You Mean It

finetune (¿os acordáis de aquello?) ha elaborado una recopilación de canciones que podrían dar ambiente en cualquier fiesta de Halloween. Su "Trick or Treat Mixtape" no está nada mal, tiene elecciones acertadísimas ("Psycho Killer", de Talking Heads; "Halloween", de Sonic Youth; "The Man Goes Around", de Johnny Cash) y pocas manchas a la vista. No obstante, hay omisiones muy importantes, razón por lo que he decidido elaborar mi propia lista de canciones: algunas coinciden con las de finetune, otras no. Espero que os guste:

1. Bauhaus - Bela Lugosi's Dead
2. Messer Chups - Hexe Chips
3. Ramones - Pet Semetery
4. Talking Heads - Psycho Killer
5. Alaska y Dinarama - Mi novio es un zombie
6. Zombina & The Skeletones - Braindead
7. The Cure - Lullaby
8. trestristesninjas - Un día cualquiera en Texas
9. Fionna Apple - Sally's Song
10.  The Marketts - Out of Limits
11.  The Mistifs - Monster Mash
12.  blink-182 - I Miss You
13.  Screamin' Jay Hawkins - I Put a Spell On You

Hay muchas maneras de celebrar el 25 aniversario de "Thriller", el disco más emblemático de Michael Jackson, pero ninguna parece mejor que... ¡bailando como un zombi! Este pasado fin de semana, Thrill The World, una web absolutamente no oficial, espera haber batido uno de los récords más inusuales de la historia: al organizar un re-enactment simultáneo y a nivel mundial del videoclip dirigido por John Landis, sus responsables y los participantes de 80 ciudades/17 países esperan haber sido tenidos muy en cuenta por parte de la Record Holders Republic, que se pronunciará durante los próximos días. Independientemente de si unos señores ingleses consideran esta locura zombi digna de mención en sus anales, no hay duda de que Thrill The World ya ha conseguido pasar a la historia de la cultura pop.

"Thriller" es una de las canciones que más suenan alrededor del mundo cuando se acerca el 31 de octubre. El año pasado, Ines Markeljevic (la jefa de todo esto) decidió rendirle homenaje con Thrill Toronto, una recreación de los (sencillísimos de aprender) pasos de baile que figuran en el antológico videoclip que logró, en su momento, el récord de Baile de "Thriller" Más Grande (se inventan categorías para todo), con tan sólo 62 participantes. Es evidente que en esta ocasión, con los 25 años del disco pendientes de ser celebrados, el acontecimiento debía crecer exponencialmente. Así, la jefa se puso en contacto con internautas y profesores de baile de todo el mundo, colgó un vídeo con los principales movimientos zombis en YouTube y viajó personalmente a Estados Unidos, Europa y Australia para reclutar voluntarios. Finalmente, sólo quedaba colgar las diferentes horas en las que el evento tendría lugar en cada uno de los países participantes y... ¡hora de no tener una segunda oportunidad con la cosa de 40 ojos! Después de un cuarto de siglo y un proceso de envejecimiento que le ha hecho pasar de vanguardia pop a cheesy 80's, da gusto ver cómo "Thriller" continúa con vida.

El mejor grupo del mundo toca en el mejor programa del mundo:

Más poesía: portada de "Hack/Slash: Death By Sequel" (enero 2007), combo musical muy significativo en el mejor programa del mundo (febrero 2007), Helena Bonham Carter es Bellatrix Lestrange (mayo 2007), guitarra Dreamcast (julio 2007), método para preservar a los muertos (agosto 2007).

Una instantánea de cómo funcionan las cosas en el mundo de la música: el 25 de mayo de este año, dos miembros del grupo The Rubinoos demandaron al sello discográfico RCA, a la multinacional Apple, a Avril Lavigne y a su productor Dr. Luke por un supuesto delito de plagio. Según su tesis, "Girlfriend" (el primer y estratosférico single del disco de Lavigne "The Best Damn Thing") contenía un estribillo demasiado parecido al de su canción "I Wanna Be Your Boyfriend", con la que prácticamente se dieron a conocer en 1979. Por supuesto, podéis encontrar la canción en el MySpace de la banda y juzgar por vosotros mismos. Las opiniones sobre el asunto pueden ir desde "¡Es una plagiadora! ¡Y encima no responde a mis cartas de amor! ¿Y quién demonios se cree para interponer una orden de alejamiento?" hasta "Pues no se parecen en nada y este condenado blog me ha vuelto a hacer perder el tiempo", pero es que el caso está muy lejos de acabar ahí.

Durante el juicio, el abogado de Avril Lavigne no sólo negó cualquier influencia de los Rubinoos en la canción escrita por el Dr. Luke y su clienta, sino que fue aún más lejos al afirmar que la propia "I Wanna Be Your Boyfriend" también posee cierto parecido razonable con "Get off of My Cloud", de los Rolling Stones. Por si esto fuera poco, hay que tener en cuenta que los Rubinoos no citaron exactamente su canción en la demanda, sino la versión que de ella hizo el reivindicable grupo británico Lush en los años 90. ¿Confundidos? Bien, porque aún tengo que daros un dato más: muchos críticos musicales han reconocido en el interludio rapeado de "Girlfriend" una influencia (no acreditada) más que notable del indescriptible éxito "Mickey", de Toni Basil. Es decir, que llegamos a un punto en el que se acusa a "Girlfriend" de ser un plagio de una cover de una canción que a su vez está acusada de ser un plagio de otra, aunque es posible que aún haya otro plagio más escondido entre las medias a rayas de la cantante.

Todo esto podría ser interpretado como la excusa perfecta para recomendaros Stay Free's Illegal Art Compilation CD, algo así como la Biblia de los samples inapropiados, las influencias no acreditadas y las violaciones buenrrolleras del copyright en el mundo de la música. Tal y como afirman las notas del CD, la música (y la cultura en general, si me apuráis) siempre ha sido un arte que se ha ido forjando a través de tomar prestado algo del pasado, así que dejemos de preguntarnos si no hemos escuchado el riff de guitarra de "Conection" en algún otro sitio y tratemos a canciones como "Girlfriend" como lo que son: obras maestras.

a) Extracto:

Hello, I've wainted here for you
Everlong
Tonight I throw myself into
And out of the red
Out of her head she sang

Come down and waste away with me
Down with me
Slow, how you wanted it to be
I'm over my head
Out of her head she said

And I wonder
When I sing along with you

If everthing could ever feel this real forever
If anything could ever be this good again
The only thing I'll ever ask of you
You gotta not to stop when I said when
She sang

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "The Colour and the Shape" (1997), el segundo álbum de estudio de los FF.
• Dave Grohl, y no Taylor Hawkins, se encarga de la batería en la versión del disco. El motivo es que el líder de la banda quería experimentar por sí mismo con un sonido más cercano a la new wave.
• "Everlong" ha conocido varias versiones acústicas, la mayoría interpretadas por Grohl en solitario (en especial, la que tocó en Howard Stern cuando promocionaba "The Colour and the Shape"). No obstante, la versión acústica más celebrada es la que cierra "Skin and Bones" (2005): en ella, el líder comienza a tocar la canción solo, pero el resto del grupo se le une para la traca final.
• El videoclip, dirigido por Michel Gondry, combina el cachondeo y el gusto por los disfraces estrambóticos de los primeros años de FF con un lirismo onírico que el director seguiría explorando más tarde en "La Ciencia del Sueño" (2006).
• Los rumores dicen que, durante el interludio instrumental, podemos escuchar tres pistas de audio combinadas: un manual técnico, una anécdota ocurrida a uno de los técnicos del estudio y una carta de amor. Las tres son leídas por Grohl, que nunca ha confirmado ni desmentido que ese sea el contenido exacto de las tres pistas.
• Si es cierto que Grohl lee una carta de amor durante la parte instrumental, es muy probable que fuera dedicada a Louise Post, vocalista de Veruca Salt, con la que el ex-batería de Nirvana vivía una relación tormentosa cuando escribió "Everlong" (de hecho, parece ser que ha acabado admitiendo que la canción iba dedicada a ella).
• El single contenía dos versiones: una de Killing Joke ("Requiem") y otra de Vanity 6 ("Drive Me Wild").
• Durante el prólogo y el epílogo del antológico videoclip de "Learn to Fly" (1999), podemos escuchar una versión easy listening del estribillo de "Everlong". No es la primera vez que los Fighters lo hacían: al comienzo del vídeo de "Monkey Wrench" (1997), Grohl se mete en un ascensor en el que suena un muzak inspirado en "Big Me".
• Los fans de "Friends" sabrán que una versión acústica de "Everlong" suena durante la boda de Chandler y Monica. También aparecía en un momento clave de la memorable serie de animación "Daria".
• Es la canción favorita de David Letterman: el grupo ya la ha tocado dos veces en su programa.

c) Vídeos:

• Everlong
• Everlong (Directo acústico) 
• My Hero 
• Monkey Wrench

Hay algo realmente fascinante en ver a un mito, a un antiguo dios, volver a ponerse en pie para un último baile. En un momento en el que el cine norteamericano está recuperando titanes que se niegan a pasar de moda ("Rocky Balboa", "John Rambo", "La Jungla 4.0", "Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull"), parece que la resistencia a dejar de hacer lo único que uno sabe hacer está dotando de un halo crespuscularmente poético incluso a las personalidades más insospechadas. Así, las dos últimas actuaciones de seres tan distintos como Ortega Cano y Britney Spears están recorridas por la misma heroicidad decadente, algo que no todo el mundo sabe ver y, por tanto, opta por la vía más fácil: la de cachondearse de (y lapidar a) estos dos mitos crepusculares. En otras palabras: hoy, Britney y Ortega son dos caras de la misma moneda, dos almas gemelas, dos versiones de la misma realidad.

El "Aquí Hay Tomate" de esta tarde ha sacado, casi uno a continuación del otro, ambos via crucis artísticos y humanos: la primera ha sido Britney, que abrió la gala de los VMAs de ayer con una actuación que, si hemos de ser sinceros, no fue ese regreso espectacular que los responsables del programa y la propia artista debían de tener en mente. De todos modos, parece que estamos olvidando los sucesivos y concéntricos círculos del Infierno personal que Britney ha ido visitando en los últimos meses: verla ahí, con pelo y defendiendo (aunque sea de mala gana) un nuevo hit, debería ser suficiente como para mentar al ave fénix. Al parecer, la causa de que la chica estuviera tan decaída durante la actuación hay que buscarla en el discurso posterior de Sarah Silverman, que Britney consiguió escuchar inmediatamente antes de salir a actuar y que, bueno, no le volvió precisamente loca: no todo el mundo consigue sincronizar sus labios con la letra de "Gimme More" cuando sabe que, acto seguido, alguien va a salir al escenario a decir cosas terribles (pero, también, terriblemente graciosas) sobre sus hijos. Sea como sea, la actuación fue todo lo fascinante que era de esperar de alguien como Britney Spears, una estrella del pop en continuo estado de autocombustión que sería material de primera para una gran película: las maliciosas risas de Rihanna, nueva princesa del pop, ante la actuación con tintes de suicidio ritual de su más insigne predecesora podrían encajar perfectamente en una comedia estilo "Talladega Nights", en la que Britney sería una versión rubia de Ricky Bobby y la cantante de "Umbrella" se parecería sospechosamente a Jean Girard (la comparación Derek Zoolander / Hansel resulta igualmente válida).

Si hablábamos de la actuación de Britney en términos de fascinante seppuku, la de José Ortega Cano ya entraría directamente dentro de la épica (aunque él parece tener ya muchas menos posibilidades de volver a triunfar que ella). Su insistencia numantina en seguir toreando alcanza ya unas cotas de fatalismo heroico que sólo podría ser narradas por alguien como Frank Miller: casi como si Rodolfo Valentino no hubiera fallecido a los 31 años y hubiese decidido, cual Silvester Stallone, rodar una secuela otoñal de "Sangre y arena". El Ortega Cano que hemos visto hoy en el "Tomate" parecía un "Dark Knight Returns", incluso uno de esos superhéroes post-crepusculares de Daniel Clowes. Alguien, en suma, que muy probablemente esté dispuesto a dejarse la vida en el ruedo. Como era de esperar, los comentaristas han preferido hacer chistes sobre las escalofriantes imágenes de un Ortega observando exhausto cómo su ayudante ejecuta por él a un toro a sangre fría (en una agonía que casi parecía rodada por los Farrelly de "Yo, yo mismo & Irene"), pero es muy fácil reírse de este titán en llamas desde la barrera. O de Britney desde la platea. En un mundo perfecto, estos dos artistas suicidas ejecutarían juntos una danza de la muerte sobre un escenario en ruinas. Y todo acabaría con una ovación.

a) Extracto:

Fate fell short this time
Your smil fades in the summer
Place your hand in mine
I'll leave when I wanna

Where do we go from here?
Turn all the lights down now
Smiling from ear to ear (I'm feeling this)
Our breathing has got too loud (I'm feeling this)
Show me the bedroom floor (I'm feeling this)
We're taking this way to slow (I'm feeling this)
Take me away from here (I'm feeling this)

b) Datos:

• Apareció por primera vez en el quinto y último álbum de estudio de Blink-182, titulado precisamente "blink-182" (2003).
• Mark Hoppus y Tom DeLonge escribieron cada uno una parte de la canción en habitaciones separadas. Al unir sus respectivas letras, se dieron cuenta de que habían compuesto una canción que reflejaba sus visiones personales del sexo y el amor.
• El "Get ready for action" que suena al principio es un sampler de la poco distinguida adaptación al cine del Capitán América, estrenada a principios de los 90 y olvidada casi inmediatamente después (fueron muy pocos los países en los que se llegó a estrenar en cines).
• Una versión algo distinta de "Feeling This" apareció en el videojuego "Madden NFL 2004", con el título de "Action". Según el batería Travis Barker, el sello discográfico fue el culpable de cambiar el título, de cara a lanzar la canción como primer single del disco.
• El artista multidisciplinar Dave LaChappelle fue el encargado de dirigir el videoclip, uno de los más espectaculares, evocadores e impactantes de la banda. Su alto contenido erótico fue un problema en algunas emisoras, aunque los fans lo recordamos más por el golpe (accidental) que DeLonge le propina a Hoppus con su guitarra.
• Por cierto, la Fender rosa de Hoppus nunca ha lucido mejor que en este vídeo.
• Richard Cheese realizó una versión lounge de "Feeling This" en su álbum de 2004 "I'd Like a Virgin". No es la única cover de Blink-182 que se ha marcado el líder de Lounge Against the Machine, quien también retorció y transformó "What's My Age Again?" en su primer disco.

c) Vídeos:

• Feeling This 
• I Miss You
• Always
• Josie

"Una pena que no contrataras a los Smiths", le dice Dios a Tony Wilson. "Pero tenías razón acerca de Mick Hucknall: ¡su música es basura, y él es un zanahorio!".

La cita pertenece a "24 Hour Party People" (2002), obra maestra absoluta de Michael Winterbottom, que ostenta el título de mejor biografía imaginable sobre un tipo que nunca nos hubiera parecido merecedor de una biografía. Hablo de Tony Wilson, genio en la sombra de la era Madchester, periodista televisivo, empresario musical, co-fundador de Factory Records, propietario del mítico club Hacienda y descubridor de, entre otros, Joy Division, A Certain Ratio, New Order o los Happy Mondays. En la película de Winterbottom, un impecable Steve Coogan ponía en boca de Wilson la frase "Algunos hombres nacen para hacer dinero, otros para hacer historia" (cito de memoria), que venía a ser algo así como la justificación de una de sus más grandes (y autogeneradas) leyendas: Wilson siempre se definió a sí mismo como el único tipo en toda Inglaterra que nunca ganó dinero con el negocio de la música. Uno no puede evitar recordar ambas cosas cuando se entera de los motivos detrás de su muerte, ocurrida el pasado viernes en el Christie Hospital de Manchester: Wilson, de 57 años de edad, no se podía permitir la carísima medicación que los doctores le recomendaron para combatir su cáncer de riñón, y un ataque al corazón (causado por complicaciones surgidas a raíz de su ya muy avanzada enfermedad) permitió que esa noche comprobara por sí mismo si, tal y como su biopic proponía, su Creador se parece o no a él. La escasa cobertura que se le ha dado a la noticia de su muerte en España (incluyendo a la blogosfera) es realmente vergonzosa, pero Wilson tiene motivos más que de sobra para descansar en paz: es posible que no ganase el dinero suficiente para comprar unos cuantos años más de vida, pero no cabe la menor duda de que el muy cabrón hizo historia.

"Bueno, lo pone en la Biblia, ¿no?", dice Tony Wilson después de su encuentro con Dios. "'Dios hizo al hombre a Su imagen y semejanza'". Entonces, Rob Gretton contesta: "Sí, pero no a un hombre específico". Wilson: "No, pero si tú hubieras hablado con Él, se hubiera parecido a ti. Pero no lo hiciste. Yo sí. Y por eso se parecía a mí". Gretton da una calada: "Una mierda cojonuda, tío".

No puedo con Björk. Cada vez que escucho una nueva canción o veo un nuevo videoclip siento un ataque de furia incontrolada que me obliga a sentarme durante al menos cinco minutos y plantearme, muy en serio, cómo pueden pasar ciertas cosas. Por ejemplo, cómo puede llenar Las Ventas (porque llenó, ¿verdad?), cómo puede ser alabada de manera completamente unánime y a nivel global por la crítica musical, cómo puede tener la cara de buscarle un sentido profundo a sus experimentos cacofónicos (leed las entrevistas que concedió a propósito de "Volta", su último trabajo), cómo puede tener fans con tan poco sentido del humor y tan poca capacidad de autocrítica... Sí, esto último va por el testimio de Björk en "La Hora Chanante" y su labor como anfitriona en el posterior programa, que contenía algunas frases y momentos de oro puro, pero que parece incomodar sobremanera a los fans de ambos fenómenos (el islandés y el chanante). Al gafapasta le gusta que se rían de Kasparov, pero cuando le tocan a su ídolo... La ironía es que, a tener de las cosas que ha hecho en su último disco, llegará el día en que la mujer saque como single algo muy parecido a "¿Dónde vas, tunante?". Y ahí sí que nos vamos a reír.

Lo peor de todo es que entiendo a los que no saben reaccionar ante el hecho de que Joaquín Reyes le de un (muy acertado) repaso a su diosa gritona: hay dos momentos en la carrera de Björk que me hacen sentir igual de incómodo. Uno de ellos es "Bailar en la oscuridad", una película que me gusta, pese a ser tan discutible como cualquier trabajo de Lars von Trier (quien, por cierto, no guarda un buen recuerdo de su colaboración con la señora, y viceversa). El otro momento es más incómodo todavía, porque los videoclips en los que la dirigieron Spike Jonze y Michel Gondry son, en muchas ocasiones, auténticos momentos cumbre en las carreras de ambos realizadores. Y la salida no es tan fácil como decir que su trabajo hubiera sido igual de bueno sin la esquimal gritando, porque lo cierto es que están pensandos para acompañar y complementar a esos gritos. Björk es el grito que no cesa: colabora con Timbaland, vuelve locos a los modernos de todo el planeta, se pone trajes de cisne, irrumpe descalza en el "Saturday Night Live" y sigue trabajando con mis realizadores favoritos. Y nunca habrá nada que yo pueda hacer al respecto, salvo escribir un post tan airado como el que estáis a punto de terminar.

a) Extracto:

You don't want a boyfriend
What you want is Mr. Spock
To come to your wasteland
And destroy the ro-oh-oh-oh-oh-bot
Something more than human
Someone with blood that's cold and green
You want something better than me

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "American Cheese" (2002), el tercer álbum de estudio de Nerf Herder.
• Tanto el videoclip como la letra de la canción rinden evidentes homenajes a "Star Trek", pero el nombre de la banda proviene de "Star Wars": concretamente, de una frase que una enfurecida Leia le suelta a Han en "El Imperio contraataca" (1980), después de que este declare que su problema es que está enamorada de él.
• Según el Universo Expandido, un nerf herder es una suerte de pastor intergaláctico, caracterizado por llevar ropas viejas y no tener demasiado tiempo para la higiene personal. Una profesión algo mal vista, en suma.
• La letra de "Mr. Spock" contiene multitud de guiños que sólo pueden ser apreciados por un trekkie de pro: además de las obvias referencias al señor Spock, el segundo verso enumera algunas de las heroicas virtudes del capitán Kirk, incluyendo la ocasión en la que luchó con un hombre-lagarto (el episodio Arena, de la primera temporada) y encontró los elementos necesarios para fabricar pólvora.
• El videoclip, dirigido por Mike Sloat, aumenta las referencias al universo de Gene Rodenberry: Nerf Herder toca en una suerte de Enterprise, vestidos con uniformes de la serie original (aunque el líder, Parry Gripp, lleva también unas gafas del estilo "La nueva generación") y rodeados de criaturas galácticas. Por si eso fuera poco, la chica tiene pinta de esclava de Orion e incluso hay un cameo de los Tribbles, esas carismáticas bolas de pelo.
• Nerf Herder son los compositores de la sintonía de "Buffy", por lo que su sitio en Valhalla está garantizado. Para cerrar el círculo, los productores de la serie le ofrecieron el privilegio de ser el último grupo que actuó en el Bronze (concretamente, en el episodio "Empty Places", de la séptima temporada). Mientras suena "Mr. Spock", Kennedy le pregunta a Dawn qué clase de grupo es capaz de tocar en la víspera del Apocalipsis.

c) Vídeos:

• Mr. Spock
• Sorry
• Van Halen

Puede que el hecho de que sea completamente imposible de categorizar tenga algo que ver con su condición de secreto mejor guardado del rock alternativo norteamericano. Spoon lleva ya trece años siendo un ente en continua evolución, rechazando todo intento de encasillamiento y experimentando con multitud de formas y sonidos. Con todo, y de una manera harto extraña, es una de las bandas más inconfundibles y personales (porque Spoon, al menos en su 85%, es Britt Daniels) del panorama actual. En otras palabras: es un misterio, lo que hace que el público y gran parte de la crítica no sepan cómo reaccionar ante discos tan dispares y, al mismo tiempo, tan coherentes como "A Series of Sneaks" (1998) y "Kill the Moonlight" (2002).

Ahora olvidad todo lo que se decía en el párrafo anterior, porque las cosas están a punto de cambiar: "Ga Ga Ga Ga Ga", publicado el pasado 10 de julio, puede ser el Disco Revelación de Spoon, algo así como lo que "Good News for People Who Love Bad News" (2004) supuso para Modest Mouse. No obstante, eso no quiere decir que el grupo haya renunciado a un ápice de su naturaleza esquiva y experimental: puede que "Ga" llegase al número 10 de Billboard (y al 1 de Billboard Independent) en su primera semana, pero es su disco más radical hasta la fecha. La portada, que reproduce una fotografía que Ugo Mulas le hizo a la escultora Lee Bontecou en pleno proceso creativo, es una pista de lo que nos espera dentro, porque Daniels y sus chicos han concebido los diez temas que conforman el disco con la misma voluntad innovadora (casi kamikaze) de la artista de Providence. Quizá la mejor muestra de ello sea The Ghost of You Lingers, atmosférica pieza de cámara que parece concebida para escuchar con los auriculares al máximo en plena noche. Ninguna de las otras nueve canciones es tan obsesiva y exigente, pero su accesibilidad no está reñida con su valor: "My Little Japanese Cigarette Case" es una progresión sonora aparentemente simple, pero tan sugerente como "I Turn My Camera On"; "Don't You Evah" es un homenaje al grupo amigo The Natural History que suena como como un funky unplugged; "Black Like Me" aúna melodía con melancolía; "Eddie's Ragga" recupera el ambiente misterioso de "Girls Can Tell" (2001)... Eso por no hablar de las joyas de la corona, es decir, la combativa "Don't Make Me a Target", la costelliana "You Got Yr. Cherry Bomb", la ¡perfecta! "Rhythm & Soul" y la extrañamente festiva The Underdog. En suma, un disco compacto y redondo que ofrece más en cada escucha: personalmente, no me ha parecido tan magistral como "Gimme Fiction" (2005), el que me enamoró de la banda, pero es que Amazon me lo ha traído esta mañana. Dadle tiempo.

Con el excelente cómic "The Walking Dead", Robert Kirkman fue el primero (que yo sepa) en mezclar la épica zombi con el ambiente carcelario: en su perverso relato, a los vivos no les queda más remedio que aceptar que una prisión de máxima seguridad, con sus celdas y sus monos naranjas incluídos, es la única manera de seguir siendo libres (o de no convertirse en putrefactos muertos vivientes). PopWatch nos trae hoy un tubo que podría considerarse un homenaje involuntario a "The Walking Dead", aunque los presos de este centro de Filipinas sólo pretendían homenajear al "Thriller" de Michael Jackson... ¡¡con un musical carcelario!! El resultado, como podéis imaginar, ha de ser visto para ser creído. Si Max Bialystock y Leo Bloom, los protagonistas de "Los productores", hubieran tenido querencia por la cultura pop, sus montajes carcelarios se habrían parecido mucho a esto.

¿Qué otros videoclips serían dignos una coreografía ejecutada por presos de una cárcel filipina? De entrada, se me ocurre que "Baby One More Time" podría ser otro bombazo, aunque sus coreografías serían un tanto difíciles de aprender. Hablando de coreografías: ¿qué os parecería un "Music Is My Radar", de Blur, con presos filipinos en lugar de bailarines retrofuturistas? Y ya si se ponen, "Slow", de Kylie Minogue", es muy adaptable... ¿Alguna otra sugerencia?

ACTUALIZACIÓN: ¡Hay más! "Sister Act", "Radio Gaga" y algoritmos: estos tíos son oficialmente mis prisioneros favoritos.

Una colección de canciones para saltar y mover la cabeza en los días calurosos.

1. RAMONES - Rockaway Beach
2. BEACH BOYS - Wouldn't It Be Nice
3. THE RIVIERAS - California Sun
4. ASH - Wildsurf
5. LOS STRAITJACKETS - Tempest
6. THE ORANGES BAND - Ride The Nuclear Wave
7. SUM 41 - Summer
8. THE UNDERTONES - Here Comes the Summer (También SINIESTRO TOTAL - Llega el verano)
9. THE VENTURES - Wipe Out
10.  FRANKIE AVALON & ANETTE FUNICELLO - Beach Party
11.  BURT BLANCA & THE KING CREOLES - Hawaii Jungle
12.  SCARLETT JOHANSSON - Summertime

Coincidiendo con el lanzamiento de su último álbum, el grupo irlandés Ash ha tomado una decisión de esas que son capaces de dividir a todo un fandom: de ahora en adelante, se acabaron los discos. No se acabó el grupo, ni se acabaron los directos, pero Ash no piensa volver a publicar un disco en el sentido tradicional del término, sino que planea comercializar su música directamente a través de internet. "La forma en la que la gente escucha música ha cambiado", explica el líder Tim Wheeler, "ya que con la llegada de la descarga se ha puesto más énfasis en las canciones por separado. Tampoco ha ayudado que muchos se hayan olvidado de cómo hacer discos decentes: los que me compro son una constante fuente de decepción".

Es posible que el hecho de que "Twilight of the Innocents" estuviera en el Soulseek varias semanas antes de salir a la venta haya impulsado esta decisión, pero Wheeler y sus chicos presentan varios argumentos excelentes: en el panorama musical de nuestro tiempo, el single tiene mucho más peso específico que el disco completo (que sólo escucha íntegro el núcleo duro de los fans). La idea de Ash es la de lanzar y comercializar sus singles directamente a través de la Red, lo cual nos garantizaría material nuevo cada poco tiempo (en lugar de tener que esperar dos o más años a la salida del siguiente disco). El único problema que yo le veo a esta decisión (pionera, valiente y encomiable) es que Ash es un excelente grupo de singles, pero también realiza(ba) grandes discos: aún no he escuchado el último, pero "Meltdown" (2004) y "Nu-Clear Sounds" (1998), por poner dos ejemplos, son dos álbumes en los que se nota una intención de dar unidad a las canciones, de concebir el disco como un todo. Con esto quiero decir que hay muchísimas bandas que se verían beneficiadas si tomasen la misma decisión, pero aún existen grupos que le dan importancia al disco en sentido clásico y total: Spoon, otro de mis favoritos, es un ejemplo diáfano; pero también estoy hablando de grupos como My Chemical Romance, empeñados en hacer que cada nuevo disco sea un disco conceptual (con mayor o menor fortuna, está claro). Nadie sabe si es la mejor decisión posible, como tampoco sabemos si Ash se arrepentirá de ella y sacará un séptimo álbum de estudio dentro de un par de años, pero no es ninguna insensatez si tenemos en cuenta cómo están las cosas. De hecho, puede ser un acierto de tintes casi pioneros.

a) Extracto:

Chickity China, the Chinese Chicken
You have a drumstick and your brain stops tickin'
Watching "X Files" with no lights on
We're dans la maison
I hope The Smoking Man's in this one
Like Harrison Ford I'm getting frantic
Like Sting I'm tantric
Like Snickers, guaranteed to satisfy

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Stunt" (1998), el quinto álbum de Barenaked Ladies.
• La canción consiste en un estribillo en el que el narrador intenta salirse con la suya en una pelea con su novia (aunque sabe que está equivocado), y dos secciones de rap chorra que incluyen la mayor cantidad de referencias pop que se pueden encontrar en una canción de finales de los 90.
• Lista parcial de referencias: LeAnn Rimes, el sexo tántrico, Akira Kurosawa, Aquaman, "Expediente X", Kaempfert,  las barras de chocolate Snickers...
• La carpeta de "Stunt" contenía una letra más larga de la que acabó componiendo la versión final de la canción. En ella, había referencias a Yoda.
• El videoclip fue dirigido por el inconmensurable McG, quien amplió el abanico referencial de la canción: la primera parte parece un homenaje a "Chitty Chitty Bang Bang", mientras que en la segunda contemplamos una persecución entre el General Lee y el Gran Torino de "Starsky & Hutch".
• "One Week" ha sonado en "El ala oeste de la Casa Blanca", "Veronica Mars" y "American Pie".
• "Weird Al" Yankovic realizó una notable versión de "One Week", titulada "Jerry Springer", en su disco "Running with Scissors" (1999).

c) Vídeos:

• One Week 
• One Week (Directo en 2007)
• One Week (Kim Possible)
• Pinch Me

Es sencillo: canciones para salir de viaje por el sol, en una nueva dimensión. He intentado no ser muy obvio (excepto en las que es completamente imposible no serlo) y dedicarle una canción a cada sustancia. Vosotros diréis si lo he logrado.

10. ÉXTASIS: "E Talking", de Soulwax. El único corte memorable de "Any Minute Now" (2004), espectacularmente malo tercer álbum de los casi siempre intachables artífices de 2 Many DJ's, era este collage de fragmentos del tipo de conversaciones que uno podría oír en cualquier rave de la alta sociedad. Letras como "As you weep things work the same / But I can't recall your name" acreditan al éxtasis como la droga de moda entre la juventud con tendencia a la poesía tóxica, al menos en ciertas zonas de Estados Unidos e Inglaterra. El videoclip fue un pequeño éxito blogosférico en su momento, pero el tiempo ha revelado que, en realidad, es menos ingenioso de lo que se cree.

Otras "Hooligans on E", de Babyshambles; "Starry Eyed Surprise", de Paul Oakenfold; "Carolina Hardcore Ecstasy", de Frank Zappa; "Sorted For E's and Whizz", de Pulp; "Take Ecstasy With Me", de The Magnetic Fields.

9. KETAMINA: "Special K", de Placebo. Brian Molko sabe que hablar de drogas puede ser una manera tan válida como cualquier otra para hablar de amor, y "Special K" es el mejor ejemplo de ello. Si esta canción está dedicada a una persona en concreto, debería sentirse bastante alabada: que te comparen con los efectos de la ketamina no es elogio pequeño, por mucho que la letra también contenga referencias a la autodestrucción y al mal final que le espera a todo drogadicto/enamorado que se pasa de la raya. El resultado es una de las canciones más redondas de Placebo, además de una favorita de los directos.

Otras "Space Travel Is Boring", de Modest Mouse; "Pretty Mary K", de Elliott Smith; "Lost in the K-Hole", de The Chemical Brothers.

8. ABSENTA: "The Perfect Drug", de Nine Ich Nails. Si "Special K" arrasa en directo, "The Perfect Drug" es todo lo contrario: la complejidad de sus percusiones impiden que un batería humano la toque de una sola vez sin perder para siempre los brazos, Trent Rezor no está especialmente orgulloso de ella y existe un nutrido sector de fans a los que tampoco les chifla. No obstante, no son pocos los que se iniciaron en NIN a raíz de esta canción, que fue compuesta para formar parte de la asfixiante banda sonora de "Carretera perdida" (1997) y contó con un delicioso videoclip de inspiración netamente gótica, dirigido por un lanzadísimo Mark Romanek. De hecho, el vídeo es el culpable de que la droga perfecta de la que habla Renzor sea la absenta, porque la letra de la canción no hace referencia en ningún momento al, eh, interesante brebaje.

Otras "Absinthe: La Folie Verte", de Blood Axis y Les Joyaux de la Princesse, es un disco conceptual sobre la absenta; "Absinthe with Faust", de Cradle of Filth; "The Golden Age of Grotesque", de Marilyn Manson. 

7. METANFETAMINA: "Semi-Charmed Life", de Third Eye Blind. Himno generacional e icono de tiempos mejores para muchos miembros de la Generación Y, esta es una de esas raras canciones que conbierten algo horrible en algo aparentemente alegre: así, un descenso a los infiernos del cristal adulterado y el sexo chungo también puede hacerte mover el esqueleto con sus ritmos hiphoperos y su pegadizo estribillo. "Semi-Charmed Life" es una semi-obra maestra que no sólo resume a la perfección una corriente musical muy concreta, sino que también demuestra que uno se la puede colar a la MTV... siempre que sepa tener ritmo.

Otras "Geek Stink Breath", de Green Day; "Voodoo Doll", de Fergie; "The Speed of Pain", de Marilyn Manson; "Shoot Speed, Kill Light", de Primal Scream.

6. POPPER: "Animal Nitrate", de Suede. Ah, los abanderados del Britpop sí que sabían cómo causar un buen escándalo... Primero, tienes que componer un himno indie sobre una hija que se da cuenta demasiado tarde de que la gustaba que su padre abusara de ella, luego comparas la sensación a la que obtienes cuando inhalas popper y lo rematas todo con un videoclip en el que aparezcan dos hombres besándose (algo que, a principios de los 90, la censura británica no perdonaba). Por supuesto, "Animal Nitrate" fue un escándalo, pero también fue una gran canción que catapultó al grupo a la fama.

Otras "Lacqerhead", de Primus; "NO2", de Phish; "New Kind of Kick", de The Cramps; "Teenage Gluesniffer", de The Queers.

5. BARBITÚRICOS: "Sunset Strip", de Courtney Love. Casi una secuela del "Celebrity Skin" de Hole, el cuarto tema del fallido disco en solitario de la Señora es una balada ruidosa sobre el proceso de captación/corrupción/destrucción de jóvenes promesas en Hollywood. Los dos últimos minutos son una explosión de intensidad en la que la ingesta de barbitúricos se combina con referencias a canciones pasadas ("It's not punk, it's not cool / It's not even boring"), a lo que todos sabemos, a la fijación que tiene la Señora con la masturbación e incluso a Eminem. En lo que a grandes damas que cantan sobre sus adicciones pasadas se refiere, mejor Courtney Love que Fergie: grita más, pero nos ahorramos cosas como "How everytime you come around / My London Bridge wanna go down? / Like londy-londy-londy...".

Otras "I've Had Enough", de The Who; "The Old Man Drag", de The Pogues; "Lousiana Rain", de Tom Petty.

4. COCAÍNA: "Never Let Me Down Again", de Depeche Mode. Una de las canciones más transparentes sobre el tema que hoy nos ocupa no está dedicada a drogas tan musicales como las tres que encabezan el Top, sino a una que siempre se ha relacionado más con el mundo de los trajes de corbata y las altas esferas. Martin Gore consiguió crear una canción atmosférica que ha resistido muy bien el paso del tiempo, que ha sobrevivido a varias versiones (incluso alguna acústica, como la de los Smashing Pumpkins) y que aún sigue haciendo que las masas agiten los brazos en directo. En cuanto a la letra, pues es bastante diáfana: "We're flying high / Watching the world pass us by / Never want to come down / Never want to put my feet back down on the ground".

Otras "White Line", de Neil Young; "Spent on Rainy Days", de Bright Eyes y Britt Daniel; "China Girl", de David Bowie; "Narcotic", de Liquido; "Morning Glory", de Oasis; "Masters of Puppets", de Metallica; "Accuracy", de The Cure; "Todo por la napia", de Siniestro Total; "Ponme una raya y llámame tonto", de Minipierna Extra.

3. LSD: "She Said She Said", de The Beatles. Es probable que sea la primera canción sobre alucinógenos de la música pop, incluida en un disco pensado para abrir ventanas en la mente de todo el que lo escuchase. "She Said..." es, además, una de esas canciones con historia: los Beatles estaban en plena experiencia psicodélica, acompañados por el motero tranquilo Peter Fonda, cuando Harrison comenzo a experimentar un mal viaje. Ante su insistencia de que estaba a las puertas de la muerte, Fonda respondió: "Yo sé lo que es estar muerto", en referencia a un accidente que tuvo de niño. Al parecer, el resto de la intensa velada estuvo puntuado por frases como "Me haces sentir como si nunca hubiese nacido". Lennon añadió una estrofa sobre sus recuerdos infantiles (parte de una composición que dejó inacabada), y el prototipo perfecto de carrusel psicodélico ya estaba listo. No es la única pieza del cancionero beatle sobre esta droga, pero sí es una de las más (injustamente) desconocidas.

Otras "Inciense and Peppermints", de Sytrawberry Alarm Clock; "White Rabbit", de Jefferson Airplane; "Mr. Tambourine Man", de Bob Dylan; "Stairway to Heaven", de Led Zeppelin; "Eric's Trip", de Sonic Youth.

2. HEROÍNA: "I'm Waiting for the Man", de The Velvet Underground. "Todo lo que dice la canción es cierto", recordó Lou Reed en una entrevista para "Rolling Stone", "excepto el precio". Fueran o no 26 dólares lo que te cobraban en la esquina de Lenxington con la 125 por un poco de caballo allá por 1967, lo cierto es que "I'm Waiting for the Man" esa descripción detallada y naturalista de una actividad que, hasta entonces, no había aparecido en la música popular: todos hablaban de tomar drogas, pero hasta ahora nadie había hablado de comprarlas. Musicalmente, es una maravilla compleja e inimitable, tal y como "Mucky Fingers", esa medianía que compuso Noel Gallagher para el último disco de Oasis, se encarga de demostrar.

Otras "Needle in the Hay", de Elliot Smith; "Santos que yo te pinté", de Los Planetas; "Brown Sugar", de los Rolling Stones; "God Smack", de Alice in Chains; "Habit", de Pearl Jam; "Not If You Were the Last Yunkie on Earth", de The Dandy Warhols; "Under the Bridge", de Red Hot Chili Peppers; "Like a Rolling Stone", de Bob Dylan; "Aneurysm", de Nirvana.

1. MARIHUANA: "Green Day", de Green Day. Billie Joel Amstrong estaba en una banda llamada Sweet Children, formada exclusivamente por él y su amigo Mike Dirnt. Su método para componer canciones era sencillo: tumbarse en la cama, fumar marihuana y escribitr los pensamientos extraños que se le iban ocurriendo. Billie Joel llamaba a esos días green days, que en el slang californiano equivale a pasar un día perdido, sin hacer otra cosa que colocarte y contemplar las pequeñas cosas de la vida. "Green Day", la canción, es una de las mejores piezas que salieron de aquellas, eh, sesiones de Sweet Children, tanto que Amstrong y Dirnt decidieron rebautizar al grupo en su honor. El resto, como se suele decir, es historia. Nuestro número 1 es una de las canciones que mejor se ajusta al tema del Top 10 (es una canción sobre drogas y con drogas), además de una crónica de la apatía adolescente compuesta gracias a la principal fuerza motriz de la música popular de los últimos cincuenta años. Mirad la lista que viene a continuación por si tenéis dudas.

Otras "Puff, the Magic Dragon", de Peter, Paul and Mary; "Hash Pipe", de Weezer; "Flying High Again", de Ozzy Osbourne; "Because I Got High", de Afroman; "Legalización", de Ska-P; "High All the Time", de 50 Cent; "Mary Jane", de The Vines; "I Smoke Weed", de Eminem; "Cervezas y porros", de Sociedad Alkoholika; "Let's Get Blow", de Snoop Dog; "Pot Smokers Song", de Neil Diamond; "Aquí no podemos hacerlo", de Los Rodríguez; "Purple Haze", de Jimi Hendrix; "Lift Your Head Up High (And Blow Your Brains Out)", de The Bloodhound Gang; "Easy Skankin", de Bob Marley; "Mary Jane's Last Dance", de Tom Petty and The Heartbreakers; "Stoned", de Smash Mouth; y un largo etcétera.

a) Extracto:

I read the news today, oh boy
About a lucky man who made the grade
And though the news was rather sad
Well, I just had to laugh
I saw the photograph

He blew his mind out in a car
He didn't notice that the lights had change
A crowd of people stood and stare
They'd seen his face before
Nobody was really sure
If he was from the House of Lords

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (1967), que hoy cumple 40 arrolladores años.
• La canción responde, en parte, a una ambiciosa idea de Lennon: componer una canción en torno a los titulares del "Daily Mail". Así, la noticia del fatal accidente de tráfico que sufrió Tara Browne, heredero de la fortuna de Guiness y amigo de los Beatles, sirvió de comienzo para una composición en la que mezcló noticias estrambóticas (los 4.000 agujeros en Lancashire) y elementos autobiográficos (parece que la segunda estrofa va sobre el estreno de "How I Won the War"). La idea es, por supuesto, capturar la infinita, inabarcable complejidad de un día en la vida de cualquier persona.
• McCartney se encargó de la sección central, una dinámica narración de su rutina matinal adolescente que mezcla lo mundando con lo onírico.
• La alarma de reloh que se escucha hacia la mitad fue completamente accidental.
• George Martin se encargó, con ayuda de McCartney, de conducir la orquesta de 40 instrumentos que cambiaría para siempre la música popular. De todos modos, Lennon nunca estuvo del todo satisfecho: quería haber tenido a 90 músicos.
• La canción acaba con una única nota (tocada simultáneamente en tres pianos distintos) que se mantiene durante un minuto. Hay quien asegura que se puede escuchar el sonido del aire acondicionado de los estudios Abbey Road durante los últimos segundos.
• En total, los Beatles y Martin pasaron 34 horas de su vida grabando "A Day in the Life". El hecho de que su álbum de debut "Please Please Me" tardará un total de 10 horas en grabarse debería hablar por sí solo. Y decir muchas cosas.
• El mensaje oculto que viene inmediatamente después de "A Day in the Life" es, y siempre ha de ser, un misterio. Originalmente, estaba pensado para ser escuchado en un loop infinito, con la aguja del tocadiscos rebotando sin parar entre las secciones correspondientes a los últimos tres segundos. Por supuesto, se rumorea que contiene un mensaje oculto sobre la muerte de Paul, pero lo que en realidad se escucha es algo parecido a "We will fuck you like a Superman".
• Devo, David Bowie y Mae son solo algunos de los artistas que han incorporado frases de "A Day in the Life" en una de sus canciones.
• La letra de la canción, escrita a mano por Lennon, fue subastada en 1992 por 87.000 dólares.
• La persona que empieza a escuchar "A Day in the Life" por primera vez no es la misma que la que acaba de hacerlo. En esos 5 minutos y medio, hay algo que cambia para siempre.

c) Vídeos:

• A Day in the Life
• Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Yellow Submarine)
• Being fot the Benefit of Mr. Kite! (Dibujos antiguos)
• When I'm Sixty-Four (Yellow Submarine)
• Good Morning Good Morning (!?)

Por ejemplo, The Incandenzas, aquella banda de Portland (Oregon) que publicó en 2001 su prodigioso EP "Pretty Girls Died First". Con él, el grupo de Brian Laffite subió a lo más alto de la escena indie rock norteamericana tan solo tres meses después de empezar a tocar en el garaje de su tío. El último disco de la banda, "Figure 9", aúna la conmovedora voz de Laffite con sonidos secos de guitarras eléctricas para dar como resultado una gran colección de creaciones ganadoras. Con temas tan impactantes como "Fractile Apocalypse" dominando las ondas de radio de todo el continente, The Incandezas son una entrada esencial en la biblioteca sonora de todo amante de la música.

Y no nos olvidemos de Der Telefon-Anruf, que emergieron de los paisajes indutriales de Dresde y llegaron a la cima del tecno-pop en 1987, con su álbum de debut "Klongwëtter" (en la foto, un detalle de su controvertida portada). Su último disco, "Klongwëtter Excell Compilation", combina las misteriosas letras del líder del cuarteto, Fritz Wellenlänge-Heimatklänge von Uhm, con percutivos solos de batería para crear un trabajo llena de obras maestras de la técnica. Con temas tan inmediatos como "Nunstück Flipperwaldt 2.0", no te sorprendas si te vuelves a encontrar a Der Telefon-Anruf en lo más alto de las listas de ventas... y más allá.

Por último, no podía dejar de mencionar un grupo tan influyente como Los Traidores del Infierno. Naturales de Vallecas, supusieron una bomba dentro del panorama del heavy metal español con su debut "Magia pagana a las puertas del Edén" (1991). Su último trabajo, "Todavía gritamos: En directo desde Roquetas de Mar" (también conocido como "Rock en Roquetas") combina los gritos ensornecedores de Serafín Hernández "El Finis" con unos muy contundentes solos de batería. Con temazos del calibre de "La noche de la Bestia", Los Traidores del Infierno aún pueden contar en toneladas sus éxitos futuros.

***

Por supuesto, ninguno de estos grupos existe realmente, sino que son obra del fabuloso Band Bio Generator de Bumbershoot 2007. ¡La web de la semana, y estamos a martes!

El blog Obtusity le está dedicando un recopilatorio audiovisual a David Bowie que es como para perdérselo: se trata básicamente de un repaso a prácticamente todos videoclips, ordenados cronológicamente y con valiosos comentarios debajo de cada uno. El autor comete algunos fallos flagrantes (el más obvio, agrupar "Space Oditty", "The Man Who Sold the World" y "Hunky Dory" dentro del periodo Ziggy Stardust), pero eso no significa que no quieras invertir una buena parte de la tarde repasando la carrera del Duque Blanco: algunos vídeos son de los que merecen revisiones periódicas, mientras que otros son auténticas sorpresas youtuberas. Verbigracia: la primera versión de "Space Oditty", que este bloggero ignoraba por completo que tuviera videoclip (por cierto, las caras de Bowie cuando hace de Ground Control durante la segunda mitad cierran aún más el círculo con los hermanos Calatrava). Puede que "Life on Mars?" sea la estrella de esta primera parte, pero yo me quedo con la recopilación de conciertos de Ziggy que integra "Rock 'n' Roll Suicide", una joya que casi nadie conoce (el vídeo, me refiero).

Dejando a un lado el incomprensible salto temporal que nos lleva de "The Rise and Fall..." a "Low" (o sea, de cabeza a la etapa berlinesa, sin revisitar antes estaciones de paso tan fundamentales como "Diamond Dogs" o "New Americans"), la segunda parte recopila algunos de los mejores momentos del Bowie superestrella. Personalmente, los 80 me interesan bastante menos, aunque reconozco que vale la pena echarle un vistazo a sus colaboraciones con Julien Temple y, por supuesto, a "Modern Love". El especial acaba, por ahora, horriblemente mal (¡¡Tina Turner!!), pero es de esperar que antes de terminar la semana tengamos disponibles sus dos últimas décadas de evoulción: quizá entonces podamos juzgar los momentos de gloria y los bajonazos de una carrera tan inabarcable como la suya. Además, estoy deseando ver lo que tiene que decir el autor acerca de "Little Wonder"...

Celebrando el 30 aniversario de "Star Wars" con once canciones intergalácticas. Muchos bathans han muerto para traernos este tracklist.

1. Patrullero Mancuso - El halcón milenario
2. Supernova - Chewabacca
3. The Presidents of the United States of America - Death Star
4. Richard Cheese (Mark Jonathan Davis) - Star Wars Cantina
5. Ivan Ferreiro - Estrella de la muerte
6. Jimmy Eat World - Episode IV
7. MC Stormtroopa - You and Me Padme
8. Blink 182 - A New Hope
9. Ash - Cantina Band
10.  "Weird Al" Yankovic - The Saga Begins
11.  Los Planetas - La guerra de las galaxias

Pequeño recordatorio: ¿Aún no has enviado tus recuerdos de "La guerra de las galaxias" para el super-post del día 25?

a) Extracto:

Always on the outside, always looking in
I was in this drop D metal band we called Requiem
And they’d say: Relax
But I can’t be a man this far down the map

I was sold for suspect drawings
Underneath a makeshift awning
Now I’m yours
Now I’m here
Read it all front and back
But I can’t relax
With my knees on the ground and a stick in my back

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Gimme Fiction" (2005), el quinto álbum de Spoon.
• Spoon: banda texana integrada por Britt Daniel (voz, guitarra), Jim Eno (batería), Rob Pope (bajo) y Eric Harvey (teclados). Los únicos miembros fundadores son Daniels y Eno.
• Puede que el mayor éxito de la banda sea "The Way We Get By", perteneciente a su disco "Kill the Moonlight" (2002), que fue utilizada en varios anuncios para la serie televisiva "The O.C." (2003-2007).
• "Sister Jack" aparece en la banda sonora de la película "De boda en boda" (2005).
• Daniel suele incorporar a sus letras referencias a cosas que no existen (en "The Two Sides of Monsieur Valentine" se cita, un par de veces y con muchos detalles, el musical imaginario "The Stranger Dance"), pero parece que Jim Eno SÍ estuvo en un grupo de metal llamado Requiem.
• "Gimme Fiction" incluye, como bonus track, la demo de esta canción: el estribillo tenía originalmente unos coros que hacían que la letra fuera un poco menos críptica. Un poco.
• Daniel reconoce que no recuerda exactamente de dónde surgió la idea de introducir (como ruido de fondo) gritos casi imperceptibles durante el último minuto de la canción.
• Dato para marsófilos: Britt Daniel canta "Veronica", de Elvis Costello, en el karaoke de Jabba the Hut ("Rashard and Wallace Go to the White Castle", 2x12).
• El nuevo disco de Spoon, "Ga Ga Ga Ga Ga", se publica el próximo 10 de julio.

c) Vídeos:

• Sister Jack
• Sister Jack (Directo)
• I Turn My Camera On
• The Beast and Dragon, Adored (Directo)

Ey, perdón por la falta de atención que sé que no os merecéis, pero es una etapa muy poco propicia para la actualización blogosférica (de hecho, me acabo de dar cuenta de que mi vida comienza a parecerse a una montaña rusa a punto de sufrir un accidente terrible, pero ya sabéis cómo soy). Perdón otra vez. Ahora, a lo que vamos.

"Speak", el disco de debut de Lindsay Lohan, es uno de los placeres culpables que atesoro con más mimo. Y no, no soy un fan fatal: de hecho, su segundo disco me parece muy, muy flojo (¿qué otra cosa podíamos esperar con ESE primer single? Idiotas fuimos los que lo compramos). Pues bien, parece ser que escuchar "Ultimate" te convierte en un futuro mariquita, o al menos así piensan los responsables de Love God's Way, una web über-cristiana que ha elaborado una lista de grupos y solistas que no deberían escuchar tus hijos (a no ser, claro, que quieras condenarles a una vida de pecadores). Gracias a Mònica Escudero por descubrirme esta página y por haber colgado la lista en su fotolog, ya que a los señores de LGW se les cae cada dos por tres.

Selección de grupos que te vuelven automáticamente gay (a la primera escucha): Wilco, Depeche Mode, Nirvana, Thirty Seconds To Mars, The Strokes, The Smiths, Le Tigre, Metallica (sí, lo sé), Nickelback y The Cure. ¿Estás de acuerdo? ¿Crees que falta alguien? ¿Opinas que Morrisey es una nenaza? ¿Qué te parece que califiquen a Marilyn Manson como dark gay? Sea como sea, exprésate libremente en los comentarios.

Estoy en una época en la que me pasa todo lo malo que me puede pasar. Me dan ganas de mirar al cielo y gritar: "Maldita sea, ¿es que no Has tenido suficiente? ¿¿Es que acaso no Has tenido suficiente??". Por suerte, para días como estos, existen cancionzacas como la de hoy. Porque, aunque Dios me odie, también creó (o ayudó a crear) "People Who Died". Así que supongo que estamos en paz.

a) Extracto:

Teddy sniffing glue, he was 12 years old
Fell from the roof on East Two-Nine
Cathy was 11 when she pulled the plug
On 26 reds and a bottle of wine
Bobby got leukemia, 14 years old
He looked like 65 when he died
He was a friend of mine

Those are people who died, died
Those are people who died, died
Those are people who died, died
Those are people who died, died
They were all my friends, and they died

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Catholic Boy" (1980), el álbum de debut de Jim Carroll.
• Por supuesto, la canción trata sobre los amigos del autor, todos ellos jóvenes que murieron antes de tiempo. Un poco como lo que decía David Bowie, pero en este caso era verdad.
• Carroll es más famoso por sus libros de poesía. Quizá el más popular sea "The Basketball Diaries" (1978), un retrato del artista adolescente que fue adaptado al cine en 1995, con un Leonardo DiCaprio pre-"Titanic" chutándose heroína.
• "People Who Died" ha sido utilizada en los créditos finales de "Amanecer de los muertos" (2004) y de la inminente "The Darwin Awards" (2007).
• La Wikipedia cita los siguientes libros en la lista de influenciados por Jim Carroll: "Wonderland Avenue" (1989), de Danny Sugerman; "Trainspotting" (1993), de Irvine Welsh; y "Twelve" (2002), de Nick McDonell.
• También según la Wikipedia, músicos influidos por la banda de JC: Lou Reed, Blue Öyster Club y Rancid.

c) Vídeos:

• People Who Died (Directo)
• People Who Died (Halo)
• People Who Died (GTA: Vice City)

The Human Giant, el novísimo show revelación de la MTV, no lleva ni una semana de vida y ya nos ha dado ya un sketch memorable: Shittiest Mixtape Boombox Blast, en el que dos amigos se apuestan cuál de ellos es capaz de hacer la peor cinta recopilatoria de la historia. Las reglas son las siguientes: cada cinta debe contener cinco canciones, el juez será imparcial y el perdedor deberá salir a la calle con una minicadena que reproduzca las diez canciones infernales para su vergüenza y humillación. El resultado, por supuesto, es hilarante (no hay más que ver las caras de la gente cuando suena "Kiss Me" o el tema de "Dawson crece"), tanto que me ha empujado a escribir un post en domingo.

Lo que viene a continuación es, por supuesto, mi propia recopilación de canciones horribles. Siento haber traicionado a Aziz y Zach, pero me ha sido imposible limitarme a cinco canciones: lo que he hecho ha sido todo un disco basura más allá de toda redención, el hilo musical que sonaría en el Infierno, el incentivo ideal para acelerar los interrogatorios de la UAT. Hay que tener en cuenta que no estamos hablando de canciones malas pero simpáticas (como podrían ser Party All The Time o Mandy), sino de pura ignominia sonora, de la clase de música capaz de hacer que un hombre fuerte llore y tenga pesadillas el resto de su vida. Por supuesto, la lista de canciones que viene a continuación es subjetiva, así que si alguien se siente ofendido... mis condolencias. Allá vamos:

1. Stevie Wonder - I Just Called To Say I Love You
2. El Canto del Loco - Volverá
3. Coldplay - Trouble
4. Melendi - Mi rumbita pa tus pies
5. Joaquín Sabina - 19 días y 500 noches
6. Limp Bizkit - Rollin'
7. Bebe - Ella
8. Gerardo - Rico Suave
9. La Oreja de Van Gogh - Rosas
10.  Baha Men - Who Let the Dogs Out?
11.  Jarabe de Palo - Bonito
12.  Mecano - Cruz de navajas

Ah, doce canciones y aún he dejado tantas fuera... Quizá en un segundo volumen recopilatorio haya espacio para todas ellas. ¿Y qué hay de vosotros? ¿Os atrevéis a perpetrar vuestra peor selección de canciones que el ser humano haya escuchado? ¡Os reto a que lo hagáis!

"Soon after the death of Jim Henson, Kermit the Frog turned to a life full of drugs, alcohol and sex. His fall to rock-bottom was quick and unrelenting. These songs document Kermit's pain during these years...and years to come". No sé quién tiene estas ideas, pero cuenta con mi más absoluta admiración. Reflexionemos otra vez sobre ello: la rana Gustavo canta canciones deprimentes mientras se sumerge en una espiral autodestructiva. Estaremos de acuerdo en que es sencillamente glorioso, pero es que la ejecución del concepto es aún mejor: Hurt, el primer videoclip de Sad Kermit, es la cosa más horriblemente divertida que vais a ver en todo el día, amén de (probablemente) la segunda mejor versión del tema de Nine Inch Nails que hemos podido escuchar.

Por supuesto, no creo que pase mucho tiempo hasta que la Jim Henson Company retire a Sad Kermit de la circulación ("Hurt" ya es un éxito de visitas en YouTube), así que lo mejor va a ser aprovechar su MySpace mientras dure: en él, podremos descargar sus versiones de "Creep" y "Rainbow Disconnection", que tampoco están nada mal. NIN, Radiohead.... Seguro que hay más grupos con canciones deprimentes que este Gustavo Triste puede versionar, ¿verdad? ¿Se os ocurre algo? Yo creo que su voz es perfecta para "Chasing Cars"...

a) Extracto:

You burned me out but I'm back at your door
Like Joan of Arc coming back for more

I nearly died (x3)

I came to cut you up
I came to knock you down
I came around to tear your little world apart
I came to shut you up
I came to drag you down
I came around to tear your little world apart
And break your soul apart

b) Datos:

• Apareció por primera vez en el álbum de debut de Garbage, titulado precisamente "Garbage" (1995). Fue, además, el single de presentación de la banda.
• Shirley Manson afirma que es una de las primeras letras en las que empezó a trabajar tras abandonar Angelfish (su anterior grupo), y la primera canción que terminaron de grabar para el disco.
• "Vow" fue lanzada como single especial en el Reino Unido: su cubierta de aluminio fue tan bien recibida que Garbage ha lanzado todos sus vinilos de esa forma.
• El vídeo fue dirigido por Samuel Bayer. Shirley Manson ha afirmado en alguna que odia la ropa y el maquillaje que lleva en él, pero los fans están de acuerdo en que Shirley Manson no tiene ni idea.
• En los directos, la cantante siempre suele cambiar la letra, introduciendo frases de canciones de Cole Porter, Siouxsie and the Banshees o, en los últimos años, The Yeah Yeah Yeahs (especialmente de "Maps").
• En cuanto al significado, va de venganza y sexo chungo, dos conceptos que suelen ir muy bien juntos.

c) Vídeos:

• Vow
• Vow (Directo en Dusseldorf, 1996)
• Vow (Willow vampira)
• Push It
• Cherry Lips (Directo en televisión)

Treinta putos años. Y aún sigue siendo la mejor música del jodido planeta.

Yo... Eh, yo tenía un post. Lo tenía pensado y lo iba a escribir, pero ha surgido esto. Intentaré recordarlo más tarde: por ahora... Ay, madre.

a) Extracto:

Si no puedo cambiar
Tu forma de pensar
Si aún piensas igual
Entonces nadie lo conseguirá
No lo conseguirá

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "Super 8" (1994), el álbum de debut de Los Planetas.
• Por aquella época, el grupo estaba formado por: J (voz y guitarra), Florent (guitarra), May (bajo) y Paco (batería).
• Las letras del disco eran todas de J... excepto las de esta canción, que co-escribió con May.
• Hay dos versiones sobre el título: una dice que la escribieron pensando en la belleza inalcanzable de Brigitte Bardot, otra que afirma que está basada en una antigua novia de Florent que se llamaba, precisamente, Brigitte. 
• El estribillo de la canción recuerda poderosamente al tema "If I Can't Change Your Mind", de Sugar: "But if I can't change your mind / Then no one will".
• Nota personal I: en 2º de Bachillerato, escribí un relato basado en esta canción para un concurso literario. No, no queréis leerlo. Os lo aseguro. No queréis.
• Nota personal II: hasta el último momento, la canción que debía figurar en este post era "Pesadilla en el parque de atracciones". Buscad su videoclip en el apartado correspondiente, ya que "Brigitte" no tiene.

c) Vídeos:

• Himno generacional #83
• Mi hermana pequeña (Directo en el Festival Independiente de Zaragoza, 2005)
• Pesadilla en el parque de atracciones

Segunda parte de la (añeja) entrevista con el grupo que publica "Yours Truly, Angry Mob" el lunes 26 de febrero. Ya sabéis, los Kaiser Chiefs.

P: ¿Cómo os sentís cuando la gente os describe como la resurrección del britpop? 

N: La cuestión es que espero que no quieran decir que sonamos como una banda britpop de hace diez años. Lo que espero que quieran decir es que somos la mejor banda británica del momento, algo así como lo que eran Blur hace años. No me gusta que la gente lo interprete como la vuelta del britpop, porque no lo es, aunque tengo que reconocer que sonamos bastante britpop.

P: De hecho, Graham Coxon (guitarrista de Blur) colabora en vuestro disco. ¿Cómo ocurrió? 

N: Nuestro productor grabó también discos de Blur y todos los discos en solitario de Graham Coxon, así que pensó que sería genial conseguir que apareciera en nuestro disco, a lo que nosotros dijimos que sí. El problema era que no sabíamos qué es lo que podía hacer. Necesitábamos un ruido de motor para el principio de una de nuestras canciones, “Saturday Night”, y Graham vino al estudio en moto... Así que eso fue lo que pasó.

P: ¿Así que sólo se encargó del ruido de la motocicleta? Por cierto, “Saturday Night” es una de mis preferidas. 

R: ¡Gracias! Así que ahora ya sabes que es su moto la que aparece al principio. La verdad es que nuestro productor nos dijo que el tío se mostraba muy tímido sobre el hecho de hacer una colaboración, pero supusimos que no se mostraría muy tímido sobre el hecho de conducir una moto (Risas).

P: ¿Es cierto que tenéis un club en Leeds? ¿Cómo se llama? 

N: Sí es cierto. Se llama “The Pigs”, pero llevamos seis meses sin pasar por allí, así que espero que esté bien. No sé, igual volvemos y lo han quemado hasta los cimientos. No, en serio, es genial. Estoy impaciente por volver. 

P: ¿Qué podemos esperar del concierto de esta noche? 

R: ¡Ahora sí! Las tres “Es”: Energía, Entretenimiento, Energía. Todo en uno.

N: Y ruido. Ruido puro y duro. Ah, y canciones buenísimas.

R: Cuando me preguntan qué podemos esperar de lo de esta noche, normalmente les respondo: "No esperéis nada, aparte de mucho ruido". Pero hoy tengo un buen presentimiento.

N: La verdad es que todo depende del público. Si el público se entrega, nosotros nos entregamos todavía más.

P: He oído que sois fans de Crazy Frog (fenómeno chorra que arrasaba aquel verano). ¿Es eso cierto? 

N: ¡Sí! Bueno, en parte no. ¿Dónde lo has oído?

Creo que lo leí en internet. 

N: Bueno, pues es verdad, pero... El hecho es que me gusta el sonido de la rana, pero no me gusta la rana en sí. Me parece un bicho repugnante. Pero ese sonido (se pone a imitarlo)... No sé, activa algún tipo de mecanismo en mi cabeza.

R: Rin-ding-ding-ding-ding... Nicky la imita mejor.

N: Ni siquiera me gusta la idea de la rana, ni su aspecto, ni el concepto. Sólo esos sonidos extraños.

P: ¿Os gustaría que hicieran un remix de una canción vuestra al estilo Crazy Frog? 

N: El caso es que sí, me encantaría oír una de nuestras canciones al estilo Crazy Frog. El problema es que sería un paso atrás: la gente pensaría que nos hemos vendido, que los Kaiser Chiefs ya no son un grupo de rock serio. Supongo que me atrae la idea, pero me avergüenzan las consecuencias.

R: ¡Es verdad! ¡La gente nos avergonzaría!

N: Rin-ding-ding-ding-ding. ¡Plof! (Risas)

P: ¿Qué es lo que más os gusta de viajar con la banda por todo el mundo? 

N: Sexo (Risas). No, la verdad es que lo mejor de todo... Vaya, no me había dado cuenta hasta ahora de que realmente estamos viajando por todo el mundo...

R: Sí, cuando viajas por todo el mundo, el mundo comienza a hacerse pequeño.

 P: El nombre del grupo proviene de un equipo de fútbol. ¿Sois muy forofos?  

R: No, esos son los otros tres. Somos los únicos dos tíos de la banda a los que no nos gusta el fútbol.

N: Aún así, a mí me gusta bastante el Barcelona. Me parece un gran equipo. Cuando estuvimos en la ciudad me compré una bufanda. ¿Qué crees que pensaría la gente de Madrid si la llevara en el concierto de esta noche?

No creo que sea una buena idea... 

N: Ya, eso me parecía. No pensaba sacarla, por si acaso.

P: Por último, ¿qué podemos esperar del futuro de los Kaiser Chiefs? 

R: Montones de discos.

N: Sí, montones de discos realmente buenos. Discos excelentes.

R: Nuestro sueño sería una estantería... No, una colección de discos compuesta íntegramente por discos de los Kaiser Chiefs.

Aprovechando que sacan su difícil segundo disco el lunes que viene, he aquí la entrevista que les hice a los Kaiser Chiefs (concretamente, al cantante y al batería) cuando vinieron a telonear a Franz Ferdinand, el 10 de agosto de 2005. La imagen mental es la siguiente: centro comercial abyacente a la Sala Aqualung, cinco de la tarde, dos guiris con resaca que acababan de tragarse un viaje en autocar desde San Sebastián, tres cañas y un póster del Sawyer de "Lost" (no preguntéis de dónde ha salido) presidiendo la mesa donde hacemos la entrevista y un grupo de adolescentes superfans de Franz Ferdinand (sus chapas y camisetas las delatan) en la mesa de al lado, sin quitarles los ojos de encima a los Kaisers. Fue una experiencia interesante.

La entrevista ya apareció en la revista "AB", pero he hecho algunos cambios. Espero que os guste, porque mañana viene la segunda parte:

KAISER CHIEFS: Energía, entretenimiento y... energía

Lo primero que pienso cuando llego a la entrevista con los Kaiser Chiefs (quinteto de Leeds que acaba de publicar su primer álbum y ya telonea a U2 o Franz Ferdinand) es que quien les definiera como la gran esperanza pija del pop británico no podía estar más equivocado: tras haber pasado quince horas durmiendo en un autocar, estos chicos tienen muy poco de pijos. Lo cierto es que sus pintas coinciden más con las de un hooligan resacoso saliendo de un after de la Costa Brava. Estamos en una terraza de un centro comercial, a escasos metros de la sala donde en unas horas ejercerán de teloneros de Franz Ferdinand, y parece que el largísimo trayecto no parece haber atemperado las ganas de juerga de Ricky Wilson y Nick Hodgson (vocalista y batería respectivamente), que ojean el calendario central de una revista para quinceañeras mientras comenzamos la entrevista.

 P: ¿Cómo describiríais vuestra música? 

RICKY: Tres “Es”: Energía, Entretenimiento, Energía. Tenemos...

NICK: No, no nuestro directo. Nuestra música.

R: ¿Ah, has preguntado por la música o por el directo?

Por la música. El directo viene luego. 

N: Pues es... no sé, es como una mezcla brutal de influencias y estilos, todos ellos fundidos en un único sonido: el sonido Kaiser Chiefs.

 P: ¿Cuáles son vuestras principales influencias? 

N: Los Beatles, por supuesto. ¿Conoces a Super Furry Animals? También son fundamentales para nosotros. Luego están Supergrass, The Clash, Blur, The Monkees...

R: ¡The Mokees eran geniales! Lo cierto es que no somos el tipo de banda que selecciona sus influencias: a nosotros puede influenciarnos todo. Nick, por ejemplo, a veces toca la batería como Dave Grohl, de Nirvana, o a veces como el tío de Metallica.

 P: Hasta ahora, habéis tocado con muchos grupos importantes: The Ordinary Boys, Bloc Party, Franz Ferdinand... ¿Cuál es vuestro favorito? 

N: Bueno, diría que U2, por supuesto. Es algo impresionante. Pero la verdad es que siempre han sido grupos que nos gustan mucho, como por ejemplo The Cribs. ¿Los conoces?

No... 

N: (Se acerca la grabadora a la boca) The Cribs, gran grupo, el favorito de Ricky. Hola, yo soy Nick, y mi favorito es U2. Se deletrea como suena: “U”, sólo la letra y “2”, sólo el número.

R: Sí, es como... O sea, U2, el grupo más grande del mundo y The Cribs, el más pequeño. Estamos muy orgullosos de haber tocado con ambos.

 P: ¿Alguna anécdota? 

N: Sí, montones. El otro día acabamos de telonear a U2 en frente de cientos de personas y luego sale Bono al escenario y dice: Gracias a los Kaiser Chiefs, una banda extraordinaria. ¡Eso es más que ordinario! Nos han pasado montones de cosas divertidas, como estar en el mismo escenario que Will Smith y salir de fiesta con las personas más locas que te puedas imaginar. Esto está siendo realmente muy divertido.

R: (Poniendo voz grave y semblante serio) Definitivamente, mi vida ha cambiado. Pero no creo que yo lo haya hecho. (Risas) Lo siento, estaba deseando soltar esa frase.

finetune es una de las mejores cosas que le han pasado a la Red desde YouTube, y no exagero. Básicamente, se trata de una Pandora gratuita, en la que los usuarios pueden elaborar listas de 45 canciones, compartirlas con el mundo, escuchar las listas de otros y hacer amigos con gustos musicales afines. Sus creadores la definen como la evolución de esa cinta con las mejores canciones de la Historia que todos le hemos grabado alguna vez a algún amor adolescente, aunque también puede funcionar como la emisora de radio que siempre hemos soñado (es decir, la que solo pone canciones que nos gustan). Solamente hay una pega: es obligatorio que la lista contenga exactamente 45 cancionzacas, aunque la inteligencia artificial puede completarla por nosotros si nos encontramos especialmente vagos. De todas maneras, yo ya he hecho mi primera playlist y os aseguro que los 45 temas se me han quedado cortos, por lo que no descarto seguir con esto durante las próximas, no sé, quince semanas.

Pinchad aquí para asombraros con la irrefutable maestría de mi primera emisora de radio alternativa, que también podréis encontrar en la sección de enlaces (dentro de "proyectos paralelos"). Por supuesto, os insto a que os deis de alta y compartáis algunas de vuestras canciones favoritas, aunque es mi deber advertiros desde ya mismo que el resultado no será ni la mitad de brillante que el mío. Lo siento. Es lo que hay.

ACTUALIZACIÓN: Ya tenéis a vuestra disposición la secuela del mega-éxito (¡ya tengo un fan!) "NoelBurgundy's Mix 1". Más electrónica, más grupos femeninos y hasta "Bela Lugosi's Dead".

NUEVA ACTUALIZACIÓN: El mejor punk de antes de 1983.

A Fester Bestertester no le gustaba un pelo, pero a los miembros de Bizácoras nos encanta: estoy hablando, cómo no, del Día Internacional del Disfraz de Gorila, que toda persona de bien debería estar celebrando en estos momentos. La idea de embutirse en un traje de primate y salir fuera a hacer el ídem es tan irresistible que el sector más gamberro de la blogosfera se está volcando con la fiesta: entrad en el directorio de Bizácoras y mirad lo que os tienen preparado los compañeros (yo he visto videoclips, portadas de cómics de "El planeta de los simios" y youtubes de los Monty Python, entre otras muchas cosas). En cuanto a mí, ya habréis adivinado que este año no se me ha ocurrido nada digno de postearse, así que me vais a permitir que ponga el piloto automático y os remita al Top 10 de gorilas que escribí el año pasado (de haberlo hecho ahora, seguramente cambiaría el primer puesto). Prometo preparar algo mejor para la próxima vez: de hecho, había pensando que el año que viene podríamos liarnos de verdad la manta a la cabeza y comprarnos unos trajes de gorila... Sería como el Día del Orgullo Friki (¿os acordáis de aquello?), pero en plan mico.

De todos modos, uno no necesita un disfraz de gorila para comportarse como tal. Sin ir más lejos, anoche tuvo lugar un acontecimiento legendario que reflejaba fielmente el espíritu de una festividad como la de hoy: me refiero al concierto que Siniestro Total dieron en la sala El Sol de Madrid, un éxtasis rockero que nos convirtió a todos los que estábamos allí en unos gorilas desenfrenados a ritmo de "Ayatolah". No os podéis ni imaginar la cantidad de titanes que vieron mis ojos, en riguroso orden de aparición: John Tones, Nacho Vigalondo (el hombre que hizo posible que entráramos allí), Pedro Temboury y Julián Hernández. Casi nada. Ya solo me queda uno más para redondear la experiencia: estoy hablando de John Landis, cuyo "Monstruo de las bananas (Schlock)" ya está bajando por mi Azureus. ¡Protagonizada por un tipo disfrazado de gorila! ¿Se os ocurre una idea mejor para una película?

5. Knives Out (Radiohead, 2001): Si el apartamento de Joel Barish en "¡Olvídate de mí!" era una representación arquitectónica de una mente en proceso de erosión, el apartamento de Thom Yorke en "Knives Out" es la proyección de una mente acosada por la locura, la depresión y la obsesión. Y qué proyección, señora. Es posible que estemos ante uno de los trabajos más personales del director, quien lo realizó durante una etapa especialmente turbulenta de su vida sentimental: así, este extraño collage de recuerdos y alucinaciones es el equivalente a darse un paseo por la cabeza de Gondry cuando tiene un mal día. El resultado final es enmudecedor: esqueletos que tiene un corazón humano por cabeza y tocan la guitarra, escenas aceleradas de violencia de género en vagones de tren y el tablero de "¡Operación!" transmitiéndonos unas sensaciones que jamás pensamos que nos transmitiría. Todo ello en un único (bueno, con trampas) plano-secuencia.

Momento WOW! La última imagen, de las que se quedan en la cabeza durante mucho, mucho tiempo.

4. Protection (Massive Attack, 1995): No hay duda de que Michel Gondry sigue siendo un niño: no hay más que fijarse en la importancia que suelen tener los juguetes en su trabajo para darse cuenta de que a este hombre aún sigue jugando con trenes eléctricos. Y "Protection" es el mayor tren eléctrico con el que un niño superdotado podría soñar. Una vez más, el plano-secuencia es la manera que tiene Gondry de dejarnos con la boca abierta: el recorrido por este falso edificio de seis plantas parece fluido, pero a uno le duele la cabeza cuando empieza a pensar en los trucos que tuvo que emplear el equipo para introducir la cámara a varios niveles por debajo del suelo (y siempre dando sensación de verticalidad, claro). A nivel narrativo, este peculiar "13 Rue del Percebe" conecta perfectamente con la inapelable sensación de desamparo que transmite la canción de Massive Attack.

Momento WOW! El hombre flotando en el último piso.

3. Bachelorette (Björk, 1997): Todo el que piense que Gondry es todo fuegos artificiales, debería revisarse varias veces este videoclip, en el que la compleja heterodoxia de la forma coincide completamente con (y está al servicio de) la del fondo. Las colaboraciones con Björk casi siempre giraron alrededor del tema de la naturaleza y el mundo moderno, pero eso nunca estuvo mejor expuesto como en "Bachelorette", una metáfora rarísima en la que Gondry adopta formatos y estilos de lo más diverso para meternos en un laberinto conceptual del que nos costará bastante salir (este es uno de esos videos no acaba cuando el contador de YouTube llega al final). La prueba de que Gondry ya era kaufmaniano desde antes de trabajar con Charlie Kaufman.

Momento WOW! La representación teatral de la (ir)realidad en forma de muñecas rusas.

2. Let Forever Be (The Chemical Brothers, 1999): Viaje psicodélico rodado en vídeo digital, introducción festiva al mundo de los fractales, "Let Forever Be" es un caleidoscopio fascinante que abre ventanas en nuestro cerebro y nos permite ver el mundo desde otra perspectiva (Gondry, por si no ha quedado ya lo suficientemente claro, es tan bueno como una droga). Intentar glosar en un párrafo la fascinante poética visual de este vídeoclip es tan absurdo como imposible, así que lo mejor será dejarnos arrastrar otra vez hacia ese universo de coreografías clónicas, realidades alternativas y caretas gigantes que nos proponen Gondry, los Chemical Brothers y Noel Gallagher. Es como pasar tu cerebro por una Turmix.

Momento WOW! ¡Las coreografías!

1. Fell in Love With a Girl (The White Stripes, 2001): Sobran las palabras.

Momento WOW! Una vez más, sobran las palabras.

Según el calendario de actualizaciones, este Top 10 tendría que haber coincidido con el estreno en España de "La Ciencia del Sueño", la última película del genio de Versalles, pero ya sabemos que las distribuidoras y los calendarios de actualizaciones no se llevan especialmente bien. Aún no tenemos ni idea de cuándo demonios podremos ver la peli, pero que este recorrido por sus (en mi humilde opinión) mejores videoclips nos sirva de aperitivo hasta entonces.

10. Deadweight (Beck, 1997): Puede que la característica básica de la poética gondryniana sea la distorsión de una realidad muy cotidiana. Verbigracia: el keatoniano efecto de Beck andando por detrás de sus zapatos es tan rudimentario como asombroso, tan fantástico como cercano. Este tratamiento hiperrealista de lo extraordinario tiene en "Deadweight" uno de sus mejores ejemplos: Gondry nos propone una visita a Mundo Bizarro en la que las sombras contestan al teléfono y un despacho de oficinas puede ser el destino turístico más paradisíaco. No obstante, la verdadera razón por la que este vídeo a dejado a Cibo Matto fuera de la lista es el imaginativo recurso que Gondry y Beck se sacan de la manga a la hora de vender la película que están promocionando: una realidad paralela dentro de una realidad paralela.

Momento WOW! La aparición estelar del Hombre Batería, una de las criaturas más queridas del excéntrico imaginario de Beck, que ha vuelto a aparecer (reformulado) en la última colaboración con el director, "Cell Phone's Dead" (2006).

9. The Hardest Button to Button (The White Stripes, 2003): El videoclip preferido de Jack White es un tour de force audiovisual que pone en evidencia el total entendimiento creativo que existe entre el músico y el realizador. "The Hardest Button to Button", la canción, está asentada sobre una base rítmica que tiene mucho de progresión matemática: en consecuencia, el vídeo encuentra una forma de reproducir visualmente esos compases, de una forma muy similar a ese "Star Guitar" (2002) que nuestro hombre les dirigió a los Chemical Brothers. El resultado es una experienica casi mesmérica, que tiene que ser vista una vez para ser creída y varias veces para ser asimilada. Además, fue parodiado en "Los Simpsons", por lo que ya es un clásico de nuestro tiempo.

Momento WOW! El zigzag en los vagones de metro.

8. Come Into My World (Kylie Minogue, 2002): Adaptando una idea ya practicada en el pasado (el recorrido, en forma de bucle, por un escenario urbano que no para de multiplicarse), Gondry se cita a sí mismo y consigue uno de sus trabajos más hipnóticos e inagotables. Y no lo digo solamente por el top ajustado que llevan las Kylies. El rodaje en el barrio parisino de Boulogne fue un auténtico infierno (quince tomas en dos días de durísimo trabajo, más dos semanas en posproducción con su hermano Oliver), pero el resultado hizo que cada minuto mereciera la pena: una vez más, el director de "Human Nature" logró transformar lo cotidiano en onírico, logrando una propuesta netamente cerebral que, sin embargo, también funciona como golosina visual de primer orden. No importa las veces que lo veas: siempre descubres algo nuevo.

Momento WOW! El final de la primera fase, cuando Kylie 1 se cruza con Kylie 2 y descubres qué es lo que Gondry estaba tramando.

7. Lucas with the Lid Off (Lucas, 1994): El protagonista sale de su piso, se encuentra con unos hombres transportando un piano por las escaleras, coge el metro, conoce a una chica, la lleva al cenar y luego al cine. Una historia sencilla, ¿verdad? Tratándose de Gondry, sería comprensible dudar que sea tan sencilla, pero es que "Lucas with the Lid Off" está varios pasos por delamte de lo complejo. Más bien, linda con el ámbito de lo sobrehumano. En un único y alambicadísimo plano-secuencia, el director compone una extenuante reflexión sobre el propio rodaje de un videoclip (en realidad, sobre el rodaje de cualquier cosa), un mosaico de decorados, maquetas, proyecciones y pantallas que muy bien podría ser una materialización de su cerebro. "Lucas with the Lid Off" alcanza cotas de perfección con las que otros realizadores no se atreven ni siquiera a soñar, y ese es precisamente su talón de Aquiles: Gondry se superó a sí mismo, pero no tuvo en cuenta que el resto de los mortales no somos capaces de seguirle. Cuando llegamos al final, estamos tan agotados que no podemos decir que nos hayamos divertido.

Momento WOW! En la televisión, un hombre toca el piano mientras los brazos no paran de crecerle. Gondry ha reciclado el truco en varias ocasiones, pero nunca ha sido tan sorprendente como aquí.

6. Around the World (Daft Punk, 1997): Una de las cosas que más me gusta de este tipo es que concibe sus videoclips como un medio de expresión independiente, que no tiene por qué regirse por las reglas de la narración cinematográfica (¿cuántas veces hemos oído que el nuevo vídeo de tal artista es como una película en miniatura?). "Around the World" es el mejor ejemplo de videoclip que solo puede ser un videoclip (igual que "Marienbad" es una película que solo puede ser una película, y "Ulises" una novela que solo puede ser una novela): cada uno de los instrumentos musicales que componen el seminal tema de Daft Punk (incluyendo la pista de voces) es representada por un cuarteto de seres extraños, y todos ellos ejecutan una coerografía alrededor de lo que parece ser un tocadiscos gigante. Como siempre, una idea sencilla ejecutada de un modo brillante, único, asombroso. ¿Quién es capaz de escuchar la canción sin acordarse de los gigantes, los esqueletos, las momias y los robots?

Momento WOW! Ver como el director decide respetar la coreografía, en lugar de poner en marcha toda su pirotecnia audiovisual: al contrario de lo que va diciendo por ahí Rhys Ifans, MG también sabe ser generoso.

* Deja que tus ojos se vuelvan a acostumbrar a la realidad durante este fin de semana, porque el lunes descubriremos los cinco primeros puestos del Top 10. Mientras tanto, se admiten las apuestas acerca de cuál será el número uno. ¿Björk? ¿Massive Attack? ¿The Vines?

a) Extracto:

You say
I'm just another splash of this long time 
Wrong, man 
I'm just the lemon of your head
So sweet

You say
I'm the funny who you call
All day long 
Sorry, but I'm working hard, yeah!

b) Datos:

• Apareció por primera vez en una maqueta homónima de 1998, aunque entonces se titulaba "For Sale".
• Deviot era (¿es?) aquella banda de Ponferrada formada por Rebeca Dieguez (voz y guitarra), Ana Rubio (guitarra), Farah García (bajo) y Ángel Vilas (batería).
• En febrero de 1999, el grupo grabó su primer single para Subterfuge, en el que la cancionzaca aún se titulaba "For Sale". Fue Pepsi la que la rebautizó como "Wait Here".
• Tras una apoteósico actuación en el Hard Rock Cafe de Madrid, Deviot fue la cabeza visible de la última campaña "Generation Next" de Pepsi, por la que ya habían pasado grupos como Australian Blonde, Undrop o La Rabia del Milenio.
• El vídeo y el spot de "Wait Here" se rodaron en Nueva York durante la Semana Santa de 1999. Ambos fueron dirigidos por Spike Lee (atención al premonitorio Momento 11-S, a las 00:52 en el contador de YouTube).
• Ángel era el único mayor de edad cuando se rodó el vídeo. Las chicas aparecen tan maquilladas para aparentar más años (al parecer, a Pepsi le incomodaba un poco el tema).
• El clímax de "El corazón del guerrero" (2000), la ópera prima de Daniel Monzón, transcurre durante un concierto de Deviot. El tema que suena (y que también forma parte de la banda sonora) es el también soberbio "Syrocase".
• Entre sus influencias se encuentran grupos como Green Day (sacaron su nombre de la letra de una de sus canciones), Foo Fighters o Garbage. No obstante, al batería le gustaban INXS.
• "Sick Head" (1999), el disco en el que aparece "Wait Here", se puede comprar a través de la web de Subterfuge.
• Al contrario de lo que todo el mundo piensa, grabaron un segundo disco: "Welcome to Armageddon" (2001).

c) Vídeos:

• Videoclip
• Directo en TVG (más "Toy Parts")
• Deviot (directo en "Lo + Plus)

2006, un año que comenzó con la entrada de este blog en el fantástico equipo de Bizácoras y que acaba, como los dos años anteriores, con un post musical. Sin embargo, este año no quiero elegir una sola canción, sino tirar la casa por la ventana: lo que tenéis abajo es nada más y nada menos que el disco recopilatorio definitivo del año 2006. Cada canción tiene un enlace a YouTube, así que esto también puede funcionar como un repaso a algunos de los mejores videoclips del año (salvo dos directos que hay por ahí sueltos). Ah, y aclaro que los temas (al contrario de lo que ocurrió en la lista de las 25 películas) no están ordenados de mejor a peor, sino atendiendo a razones más bien estéticas: por ejemplo, después de "Perros de Estroncio" viene bien escuchar algo como "The Charging Sky", y así sucesivamente. Además, si estuvieran ordenados por calidad, os aseguro que (+44) no estaría tan abajo. 

Nada más por mi parte: me tomo un pequeño descanso hasta el viernes 5 de enero, que será el día en que se cierre la sección navideña con las tres últimas sugerencias para regalos de Reyes de última hora. Hasta entonces, os deseo a todos un muy feliz año 2007. ¡Nos vemos, amigos y vecinos!

1. The Yeah Yeah Yeahs - Gold Lion
2. The Raconteurs - Hands
3. Rihanna - SOS (Rescue Me)
4. She Wants Revenge - These Things
5. trestristesninjas - Perros de Estroncio
6. Jenny Lewis and The Watson Twins - The Charging Sky
7. Angels and Airwaves - The Adventure
8. Graham Coxon - Standing on My Own Again
9. The Decemberists - O Valencia!
10.  Gnarls Barkley - Crazy
11.  Tenacious D - POD
12.  The Killers - Bones
13.  The Streets - Prangin' Out
14.  (+44) - Chapter XIII

BONUS #1: The Essex Green - Cardinal Points

BONUS #2: Cobra Starship - Snakes on a Plane (Bring It)

Una humilde lista de canciones navideñas que no aburren. O, también, el disco recopilatorio que a un servidor le gustaría que le regalaran por navidades. Os destaco (con enlace a YouTube) el que, para mí, es el mejor villancico ever:

1. Blur - Tender
2. Richard Cheese & Lounge Against the Machine - Do They Know It's Christmas?
3. Ramones - Merry Christmas (I Don't Want To Fight Tonight)
4. blink-182 - Happy Holidays, You Bastard
5. The White Stripes - Candy Cane Boys
6. Los Straitjackets - Here Comes Santa Claus
7. The Descendents - Christmas Vacaction
8. Sum 41 feat. Tenacious D - Things I Want
9. Weezer - Christmas Celebration
10.  Ash - Angel Interceptor
11.  Raphael - La última navidad
12.  The Raveonettes - The Christmas Song

a) Extracto:

All the lights are coming on now
How I wish that it would snow now
I don't fell like going home now
I wish that I could stay

b) Datos:

• Apareció por primera vez en un LP homónimo publicado en 2003.
• Los Raveonettes se la plantearon como un villancico que sonase como sus dos primeros discos, "Whip It On" y "Chain Gang of Love".
• Su mayor trampolín fue aparecer en "Have a Very Merry Chrismukkah", un episodio especial navideño de la serie "The O.C.". Tambiénj figura en "Music From the OC: Mix 3", junto con el "Just Like Christmas" de Low y la versión de "Last Christmas" que hicieron los muchachos de Jimmy Eat World.
• No confundir con el villancico tradicional del mismo título.
• Es uno de los temas del dúo sueco que más recuerda a The Jesus & Mary Chain, su principal influencia.
• Pese a ser lanzada como single independiente, "The Christmas Song" nunca tuvo un videoclip que la acompañara.

c) Vídeos:

• Fan video (es malísimo, así que cerrad los ojos y escuchad la canción).
• That Great Love Sound (la canción más popular de la banda).

Sé que dije que nunca más haría un meme bla bla bla... Poco tiempo para actualizar bla bla bla... No he podido resistirme bla bla bla... Chiste sin gracia relacionado con la música bla bla bla... ¡De modo que ahí va!:

1. ¿Qué canción estás escuchando ahora mismo?: "Braindead", de Zombina and The Skeletones.

2. ¿Cuál es tu canción favorita?: Muy difícil. Siguiente pregunta.

3. ¿Cuál es tu disco favorito?: Ahora mismo, "When Your Heart Stops Beating", de (+44).

4. ¿Qué canción describe tu vida en estos momentos?: "Meds", de Placebo.

5. ¿Cuál es tu grupo favorito?: blink-182.

6. ¿Tocas algún instrumento musical?: La guitarra del "Guitar Hero", y tremendamente mal.

7. ¿Puedes cantar?: ¡Sí!

8. ¿Bien?: ¡No!

9. ¿Te consideras un buen músico?: Por supuesto, pero los demás parecen pensar de otra manera.

10. ¿Qué CD hay en tu aparato ahora mismo: "Gimme Fiction", de Spoon.

11. ¿Qué piensas de la música pirata?: Que es tan necesaria como respirar.

12. ¿Cuál es tu musical favorito (teatro)?: "The Rocky Horror Show".

13. ¿Cuál es tu musical favorito (otros)?: "Once More, with Feeling" y "South Park: Más grande, más largo, sin cortes".

14. ¿Sueles mover el pie a ritmo de la música que escuchas?: Lo cierto es que sí.

15. ¿Qué canción sonará en tu funeral?: "SexyBack", de Justin Timberlake. 

Cuando, años atrás, le preguntaron a Noel Gallagher si Oasis pensaba sacar un disco recopilatorio, si respuesta fue contundente: "No hasta que nos separemos". Por eso, el anuncio de "Stop the Clocks", el (cof) disco recopilatorio que (cof, cof) Oasis va a sacar el próximo 20 de noviembre, le cortó la digestión a muchos fans del grupo. ¡Tuvo que suceder! ¡Malditos hermanos! ¡Malditas peleas! ¡Se separan! ¡Ahora tendremos que aguantar la (quimérica, pero indudablemente coñazo) carrera en solitario de Noel! ¡Maldito Manchester! Para alivio de todos ellos, los Gallagher publicaron una nota de prensa muy de su estilo: en ella, afirmaba que el grupo no se separaba, sino que simplemente se tomaba "un bien merecido año sabático antes de empezar a trabajar en material nuevo, destinado a reportarles similares niveles de éxito en el futuro" (es literal). Por tanto, "Stop the Clocks" es, según sus responsables, "una oportunidad para que el mundo revise la inmensa contribución que Oasis ha hecho y sigue haciendo al rock 'n' roll" (vuelve a ser completamente literal).

La verdadera razón de que el lunes que viene tengamos que pasar por las tiendas para comprar unas canciones que ya tenemos (y que algunos de nosotros somos capaces de recitarlas incluso al revés) es la siguiente: Sony tenía muy claro que la banda no iba a volver a firmar con ellos, por lo que pensaban terminar de forrarse con ellos a través de un grandes éxitos, le gustase o no a su líder. Noel dijo que, ya que era inevitable, prefería seleccionar él mismo las canciones, en lugar de dejar que el estudio elaborara una simple compilación de singles. El resultado es un recopilatorio bastante más equilibrado de lo que uno esperaba (exitazos como "Don't Look Back in Anger" se combinan con rarezas tan amadas por los fans como "Half the World Away" o "Talk Tonight"), aunque el hecho de que no incluya ni un mísero tema nuevo lo aleja de la brillantez que poseía, por poner el ejemplo inevitable, el "Best of" de Blur. De todos modos, el DVD que incluirá la edición especial (así como el booklet de 32 paginacas a todo color) convierte este "Stop the Clocks" en uno de esos discos que hay que tener, sobre todo si Oasis ha marcado más de un año de tu adolescencia de manera indeleble.

Para terminar con esto, no voy a ponerme a despotricar contra las canciones que no deberían haber sido incluidas (dos palabras resumen todo lo que tengo que decir al respecto: "Heathen Chemistry"), ni a lamentarme por las que deberían haber estado (cinco palabras: "Be Here Now", maldita sea). Prefiero ser positivo y hablar de las cinco canciones que, bajo mi punto de vista, conforman la joya de esa corona britpopera que es "Stop the Clocks":

1. Rock 'n' Roll Star ("Defenitely Maybe"): Contundente y rabiosa declaración de intenciones de unos jóvenes dispuestos a merendarse Gran Bretaña, no sólo es la mejor manera de abrir un disco como este: es la única que se me ocurre.
2. Acquiesce ("The Masterplan", cara B de "Some Might Say"): No es de extrañar que la hayan elegido para promocionar el recopilatorio, porque es la que mejor define la mecánica y la música del grupo. Un himno.
3. Champagne Supernova ("(What's the Story) Morning Glory?"): Un intento de hacer rock épico-intimista que no empacha ni empalaga, sino que deja con ganas de repetir. Contiene la frase "Where were you while we were getting high?", algo así como el ADN de Oasis.
4. Supersonic ("Defenitely Maybe"): Para decirlo claramente, "Supersonic" es el Britpop.
5. The Masterplan ("The Masterplan", cara B de "Wonderwall"): Noel Gallagher declaró que relegar esta canción a la categoría de cara B fue una de las cosas más estúpidas que ha hecho en su vida. Seis minutos de pura música capaces de hacerte flotar.

a) Extracto:

Do you remember the time I knew a girl from Mars?
I don't know if you knew that.
Oh, we'd stay up late playing cards,
Henri Winterman Cigars.
Though she never told me her name
I still love you, girl from Mars

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "1977", el segundo disco de los irlandeses Ash, y fue lanzada como single en julio de 1995.
• En principio, la canción se llamaba "Girl From Ards", región en la vivía una antigua novia del cantante y vocalista Tim Wheeler. El grupo decidió que la letra tenía un cierto toque de ciencia-ficción y, en consecuencia, decidió cambiar el título.
• Fue el primer éxito de Ash en los Estados Unidos, además de la primera canción que tocaron en directo en el mítico "Top of the Pops".
• Durante un tiempo, la NASA usó la canción como música de espera en sus líneas telefónicas.
• Existen dos versiones del videoclip: la británica, una especie de recreación lisérgica del "Give It Away" de Red Hot Chili Peppers, disgustó tanto al grupo que decidieron grabar una segunda cuando lanzaron la canción en los EEUU. En el apartado c) podéis ver ambas.
• El single contenía dos peculiares caras B: "Astral Conversations with Toulouse Lautrec", un delirio instrumental que toma su título de una frase de "El misterio de Salem's Lot" (cierto blog que yo conozco hizo algo muy parecido); y "Cantina Band", una cover de John Williams que Ash tuvo la oportunidad de tocar en directo en el set de "La amenaza fantasma".

c) Vídeos:

• Versión # 1
• Versión # 2
• Versión en directo (Glastonbury 2005)

En el post anterior mencionaba a trestristesninjas, y eso me recuerda que esta noche dan un conciertazo de Halloween en la Sala Pirata de Alcorcón. Un servidor, que ha visto a los tres titanes en directo (y en primera fila), os puede asegurar que no os vais a arrepentir, así que todo el que se encuentre esta noche por aquí y no vaya a vivir The Ninja Experience es que es un gilipollas y un boludo (todo a la vez).

En cuanto a mí... Pues no creo que pueda acudir (¡aunque prometo intentarlo!), así que me temo que también lo soy. Bueno. Pues eso.

La vi en un concierto de blink-182
Allí la conocí, ella dijo que sí
Salió en televisión, no sé si fue un sueño o no
Pero ella estaba allí, seguro que era Avril

Avril Lavigne me hizo un beso negro (x2)
Me dijo que le gusta el hardcore californiano
Pero sé que prefiere saborearme el ano

No hubo fornicación

b) Datos:

• Apareció por primera vez en tercer disco de la banda, titulado "Yo fui un perdedor adolescente (2005). Más información al final del post.
• La primera y la segunda estrofa son una versión maliciosa de "Complicated", la canción que consagró a Avril Lavigne allá por 2002.
• En el MySpace de la banda podéis ver un hipotética portada para el single que, de haberse comercializado, probablemente hubiera llevado a los Psycho Loosers directos a algún tribunal canadiense.
• Integrantes de PL: Jorge (Guitarra y voz), Paty Critter (Bajo y voz) y Pablo (batería y percusión).
• Sí, se escribe Loosers.
• En una canción dicen: Y solo te enseño el higo si escuchas Bauhaus. ¿¡A qué esperas para escucharlos!?

c) Enlaces:

• Escucha la canción en su MySpace.
• Mira su vídeo "Odio escuchar punk" en su web oficial (donde también puedes encargar el disco).
• Revisa Don't Tell Me, porque nunca viene mal volver a verlo (en mi caso, con esta creo que van setenta veces).

ANEXO: A decir verdad, lo único que puedo decir sobre "Yo fui un perdedor adolescente" son cosas bonitas. Con una rabia adolescente situada en un punto intermedio entre los primeros Blink 182 y Los Nikis (pasando, por supuesto, por el filtro ramoniano), los Pyscho Loosers han hecho un disco de punk realmente modélico. Además de la cancionzaca de ahí arriba, este último trabajo incluye trallazos como la erótico-gore-festiva "Todas las cheerleaders mueren", la romeriana "Caminan entre nosotros", la desesperada "Jódete", la contundente "Penny Hardwyck" o la apoteósita "Braindead". Por no citar todo el disco. "Yo fui un perdedor adolescente" es la razón por la que yo, a diferencia de sus autores, AMO escuchar punk.

Cuando uno ve la portada del flamante último álbum de "Weird Al" Yankovic (que, ya desde su mismo título, parodia con mucho tino el gangsta rap y el old school hip-hop), es imposible no pensar en él como en la versión chorra de Madonna: al igual que la cantante de "Like a Virgin" (a la que Al versionó en "Like a Surgeon", su primer éxito en la MTV), este tipo ha ido adaptándose como un auténtico camaleón a los diferentes estilos musicales que han imperado en las décadas que le han tocado vivir. La diferencia con Madonna es que él lo ha hecho desde la distancia irónica y desde la estupidez bien entendida: empezando por Michael Jackson o Cyndi Lauper y acabando por Usher o Franz Ferdinand, las parodias de "Weird Al" Yankovic le han leído la cartilla a todos los que se han ido pasando de importantes desde los 80 hasta ahora mismo. Y, bueno, a diferencia de Madonna, Al jamás ha cambiado de peinado en todo este tiempo.

Aún no he escuchado entero su nuevo disco, pero todo parece indicar que "Straight Outta Lynwood" nos trae a un Yankovic más en forma que nunca: el single de presentación, Don’t Download This Song, es una descacharrante parodia de las canciones sobre grandes temas modelo "Hands Across America" y cuenta con un videoclip animado por Bill Plympton; mientras que White & Nerdy es, sencillamente, el tema del momento. Por un lado,  es el mayor y más completo compedio de referencias a la cultura nerd actual que yo recuerde, pero es que su vídeo también le sirve al neófito como perfecta introducción al delirante universo yankoviciano, tan ácido como, en el fondo, candoroso (puede que Al se meta con los nerds, pero es incapaz de hacer una parodia realmente lacerante porque, en el fondo, les quiere). El resto del disco sigue más o menos en esa línea: Al versiona el "Trapped in the Closet" de R. Kelly (¡ya era hora!), se atreve con Green Day, vuelve a dedicarle una canción a un órgano del cuerpo humano y nos regala otro de sus ya clásicos "Polkaramas", esta vez con gente como Weezer, Kanye West o los Gorillaz. La pregunta es: ¿qué haremos el día que "Weird Al" falte? ¿Como contrarrestaremos tanto rapero fatuo y ególatra, tanta estrella del pop idiota, tanta música aparentemente seria? ¿¿Qué será de nosotros??

a) Extracto:

I heard about this girl before
What happened to her, I'm not sure
She could never find real love
She was a constant lover

And when you find the time
When he's just livin' off of someone else
City lights, my dear
Are looking oh-so-pretty from that hill

b) Datos:

• Apareció por primera vez en primer EP de la banda, también titulado "The Constant Lover" (2004).
• Magenta Lane son tres chicas canadienses llamadas Lexi Valentine (cantante y guitarrista), Nadia King (batería) y French (bajo).
• El grupo nació en 2003, cuando Valentine y King se conocieron en el backstage de un concierto de The Libertines.
• La letra de este tema habla por sí sola, pero ML suelen ser mucho más crípticas (por ejemplo, en "Bridge to Terabithia").
• "The Constant Lover" adquirió fama mundial cuando apareció en la banda sonora de la serie "The L Word".
• Esta es la página oficial de las chicas.

c) Vídeos:

• Clip
• Directo

Creo que nunca lo he contado, pero hace tiempo que me juré a mí mismo no volver a postear más memes: son unos posts automáticos y facilones, y aburren a todo el que los lee. Pero no contaba con uno tan atractivo como este que ya han hecho Mycroft y Kalimero: se trata de contestar a una serie de preguntas con los títulos de las canciones de uno de tus grupos preferidos. Me estaba resistiendo (con mucho esfuerzo), pero al final ha sido el maestro Tones quien me ha animado a postearlo, así que ahí va: Siniestro Total contesta a las preguntas por mí.

• ¿Eres hombre o mujer?: El hombre medicina.
• Descríbete: Cuánta puta y yo que viejo.
• ¿Qué sienten las personas cerca de ti?: Paz, amor y comprensión.
• ¿Cómo te sientes?: Tan deprimido.
• ¿Cómo describirías tu anterior relación sentimental?: Las tetas de mi novia.
• Describe tu actual relación con tu novio/a o pretendiente: El síndrome de Estocolmo.
• ¿Dónde quisieras estar ahora?: (I Left My Heart in) El Palmar de Troya.
• ¿Cómo eres respecto al amor?: Oh, qué raro soy.
• ¿Cómo es tu vida?: Escena de fiesta (en un chalet de la sierra madrileña) de una película de Alfredo Landa en tiempos de Franco.
• ¿Qué pedirías si tuvieras solo un deseo?: Quiero bailar rock and roll.
• Escribe una cita o frase famosa: Todos los ahorcados mueren empalmados.
• Ahora despídete: Vuelvo hacia el hogar.

Y ahora, lo mejor de los memes... ¡Colgarle el muerto a otro! Voy a nombrar a siete de mis enlaces por azar (es decir, muevo con los ojos cerrados la flechita del ratón por la columna de la izquierda y luego miro a quién apunta). Un momento... Ya está: Forfy, Toldo, Singer, Chaiko, Pussy Galore, Andrés de "Dolor de Muelas" y Steam Man. Os ha tocado. Lo siento, pero os prometo que quedáis descartados para el próximo meme: ¡quiero colgarle muertos a todos mis enlaces! ¡BUAJAJAJAJAJAJA (sonido de truenos)!

Parece que los días de aferrarnos a Angels & Airwaves como si fuera lo mejor que le ha pasado a la música desde la guitarra eléctrica se han acabado: (+44), el nuevo grupo de Mark Hoppus y Travis Barker, ya está dando sus primeros conciertos, colgando en internet sus primeras canciones (aparte de ese "No It Isn't" que ya nos sabemos de memoria) y preparándolo todo para el lanzamiento de su primer disco (el 14 de noviembre en tiendas). La buena noticia es que lo que llevamos escuchado es mucho, muchísimo mejor que A&A. La buenísima noticia es que esto sí que se parece a blink-182.

La historia de (+44) no ha sido, precisamente, un camino de rosas, y muchos hemos llegado a pensar que jamás llegaríamos a ver un disco de la banda. Cuando Mark y Travis decidieron formar un nuevo grupo allá por febrero de 2005, se pusieron en contacto con la vocalista Carol Heller y con el guitarrista Shane Gallagher para lo que, en principio, sería una combinación de rock guitarrero y sintetizadores ochenteros. A medida que iban progresando las sesiones de grabación, los sintetizadores fueron pasando cada vez más a un discreto segundo plano, hasta llegar casi a desaparecer del sonido (+44): de hecho, "No It Isn't" era prácticamente una canción acústica. Al parecer, a Carol Heller no le gustó este cambio de rumbo y abandonó el grupo a principios de 2006. La noticia cayó como una bomba entre los fans, que veían como (+44) no era más que un nombre y una canción, mientras que el disco de Tom DeLonge estaba a punto de salir a la venta.

No obstante, la banda se lo tomó con calma, contrató a otro guitarrista (Craig Fairbaugh) y siguió trabajando en su primer álbum. El resultado se llama "When Your Heart Stops Beating" y, qué queréis que os diga, pinta fenomenal: además de la canción que da título al diso (y que será lanzada dentro de nada como primer sencillo), los chicos han colgado otra que se llama Lycanthrope (mi preferida: pinchad en el 1 para escucharla), y en YouTube hay un par de actuaciones en directo realmente buenas. Ha sido un camino largo y tortuoso, pero al fin parece que tenemos (+44) para rato.

Desde que los primeros biógrafos de Mozart afirmaron que su muerte se debió a un veneno suministrado por Antonio Salieri, el mundo de la música ha sido caldo de cultivo para todo tipo rumores, conjeturas, habladurías y, en suma, leyendas urbanas. Este Top 10 pretende repasar algunas de las más significativas de los últimos años: si notas que me he dejado alguna fundamental, no dudes en dejar constancia en los comentarios. Ahora, sin más dilación, ¿habéis oído aquella que...?

10. Debbie Harry estuvo a punto de morir a manos de Ted Bundy: En 1989, la líder de Blondie le contó a un periódico estadounidense que creía haber dado un paseo en coche con el archiconocido serial killer Ted Bundy cuando ella tenía 15 años. Su historia, llena de detalles que concuerdan perfectamente con el modus operandi de Bundy, tiene algo que no encaja: la cronología. La cantante dice que un desconocido al que más tarde identificó como Bundy se ofreció a llevarla a casa en el Village neoyorquino de principios de los 70, pero: a) el bueno de Ted nunca estuvo en Nueva York; y b) el bueno de Ted no empezó a matar hasta 1974 (en Utah). No tenemos razones para no creer que la autora de "X-Offender" estuviera a punto de ser secuestrada por un maníaco sexual, pero parece muy poco probable que fuera por el maníaco sexual más famoso de todos los tiempos.

9. Alejandro Sanz fue ingresado de urgencia por eso-que-estáis-pensando: El rumor musical estrella en mi colegio durante la temporada 1997-98. Todos conocíamos a alguien que tenía un amigo cuyo padre trabajaba en la clínica a la que acudió el famoso cantante una madrugada, acompañado de (según las fuentes) Miguel Bosé, Antonio Canales o Pep Guardiola. Las versiones más imaginativas afirmaban que su incidente con la botella ocurrió en los lavabos de una discoteca (sí, lo sé), mientras que las más extendidas hablaban de una fiesta que acabó en tragedia. Si me pedís mi opinión, diré que la leyenda es una variación del escándalo de "Fatty" Arbuckle, sólo que se sustituyó aspirante a actriz por artista consagrado para estimular así miles de chistes zafios sobre su éxito "Corazón partío".

8. Marilyn Manson era el geek de "Aquellos maravillosos años": En los tiempos pre-IMBd, no había manera de saber a ciencia cierta si la nueva sensación gótico-rockera tenía un algo vergonzoso pasado como actor televisivo. Si bien es cierto que el Milhouse de aquella olvidable serie podría pasar por una suerte de versión pre-adolescente de Brian Warner, no hay por dónde coger la teoría de que ambos son la misma persona, aunque en su momento había gente que afirmaba tener pruebas concluyentes. Mucho más divertidas (y estimulantes) eran las otras leyendas que rodeaban al excéntrico Manson, como la de las costillas, la del ojo de su novia y la del concierto en Italia.

7. La esposa de David Bowie le pilló en la cama con Mick Jagger: Lo cual no implica nada sexual, tal y como se apresuró a matizar Angela Bowie cuando el líder de los Rolling Stones amenazó con denunciarla por haber contado tal cosa en el programa de Howard Stern. Según la versión suave, ambos astros se quedaron dormidos en la misma cama después de una fiesta de esas que sólo se hacían en los años 70, pero no pasó nada más. Según la versión que Angela contó en el programa, ambos estaban completamente desnudos. En la película "Velvet Goldmine" tenéis una recreación bastante acertada del incidente, y en la canción "Angie" tenéis materia prima de sobra para especular.

6. La canción "In the Air Tonight" esconde un trasfondo horrible: Hay muchísimas versiones de esta leyenda, pero todas tienen que ver con un hombre que se está ahogando y un hombre que no hace nada al respecto. Mi versión preferida es aquella que afirma que Phil Collins vio a alguien ahogándose en un lago pero no estaba demasiado lejos para ayudarle, mientras que otro tipo estaba al lado y decidió no hacer nada. Años después, Collins identificó al tipo, compuso esta canción pensando en él, le invitó a uno de sus conciertos y se la cantó sin dejar de mirarle a los ojos. Algunos dicen que el cantante pidió que arrestaran al tío después del concierto, algunos dicen que el tío no pudo soportarlo y se suicidó poco después. Sea como fuere, Collins ha afirmado que "In the Air Tonight" es la única canción suya que no va sobre nada en concreto, aunque quizá por eso se convirtió en carne de leyenda urbana.

5. La Oreja de Van Gogh en el programa de Pedro Ruiz: Es el efecto Ricky Martin en "Sorpresa, sorpresa", tan de moda en aquellos años: se coge un programa de televisión que nadie ve, se coge a un grupo insufrible pero aparentemente inofensivo, se mezcla con algo de contenido incendiario y se agita. La idea de que la banda más popular del País Vasco destinara parte de su dinero a financiar empresas estrechamente vinculadas con el terrorismo encajaba perfectamente en la mentalidad paranoica de la sociedad española, y lo cierto es que a The Cranberries les pasó algo muy parecido en su país de origen. Por cierto, lo de Ricky Martin ya se dio en varios países europeos antes de llegar a España, así que no sirvió para nada más que para dar ideas a muchas adolescentes perversas.

4. "Hotel California" hace apología del satanismo: En una época en la que todo el mundo parecía deseoso de encontrar referencias satánicas en la música rock, una letra tan críptica y sugerente como la de este éxito de los Eagles se prestaba especialmente para ello. Existen miles de interpretaciones apócrifas del significado de "Hotel California", pero la más común es la que afirma que se trata de una alegoría de la Iglesia de Satán (se llegó a decir que la figura ensombrecida que aparece en una de las fotos de la carpeta es nada menos que Anton La Vey). Lo cierto es que la teoría satánica encaja a la perfección con la letra del tema, pero el tono general es más crítico que apologético. En realidad, los Eagles concibieron su canción más importante como una metáfora sobre la vida de lujo y decadencia que llevaban los ricos y famosos de la ciudad de Los Angeles. La verdad, como siempre, es mucho más aburrida que la leyenda.

3. Fiona Apple (o Elton John) necesitó una limpieza de estómago... con hilarantes consecuencias: ¿Por qué siempre nos ha gustado tanto escuchar rumores grotescos sobre estrellas de la música de apariencia inocente? La historia de que alguien famoso (hombre o mujer) tuvo que ser hospitalizado tras una fiesta y los médicos encontraron más de un galón de semen en su estómago se ha ido manteniendo desde los años setenta, con supuestos protagonistas tan ilustres como Rod Stewart, Li'l Kim. Bon Jovi, Britney Spears o los Bay City Rollers (en serio: los Bay City Rollers). Para que conste en acta, un galón son 3.785 litros. Sólo para que conste en acta.

2. Los últimos días de Elvis Presley: En "Guía del usuario para el nuevo milenio", Ballard le escribe una carta de amor al Elvis terminal que está llena de jugosos detalles sobre cómo pasó el rey del rock sus últimos días. Más allá de la leyenda sobre su no-muerte, los meses anteriores a que Elvis abandonara definitivamente el edificio son una catarata de excesos, politoxicomanías y caídas en picado que se han ganado a pulso la categoría de leyendas: Elvis fingiendo que dirige el tráfico en una de las calles más concurridas de Las Vegas, Elvis cayendo inconsciente en plena actuación, Elvis delirando desnudo en mitad de la noche, Elvis tragándose conscientemente un número inimaginable de pastillas para evitar unos meses de lucha contra el cáncer, Elvis agonizando sobre la tapa del váter, el cuerpo de Elvis haciendo cosas realmente asquerosas durante el rigor mortis... La razón por las que todas las estrellas de rock deberían morir jóvenes.

1. Paul está muerto: O el hoax más importante de la historia de la música. Nadie sabe muy bien de dónde surgió la teoría de que Paul McCartney murió en un accidente de coche mientras los Beatles grababan el "Sgt. Pepper" y fue sustituido casi de inmediato por un doble prácticamente idéntico, pero lo cierto es que se convirtió en un auténtico fenómeno subterráneo, con cientos de conspiranoicos buscando pistas en las letras de las canciones y las portadas de los álbumes. El propio McCartney ha explicado en varias entrevistas que el grupo era perfectamente consciente de la historia y que contribuyó a alimentarla, por lo que las referencias en la portada de (por ejemplo) "Abbey Road" no son más que una elaborada broma por parte de cuatro músicos que estaban disfrutando de la frase "Paul Is Dead" tanto como los demás. Años más tarde, John Lennon cantaría Those freaks were right when they said you were dead y los Rutles harían que nos partiéramos con su "Dick Is Deaf", aunque, a tenor de la carrera de McCartney tras la separación de los Beatles, mucha gente parece sentirse más cómoda con la idea de que se trata de un doble.

She Wants Revenge - These Things

Es una pena que Blogia no me deje colgar tubos directamente aquí, porque nada me haría más ilusión que tener a Shirley Manson pegándole patadas en la espalda a un pianista en mi propia bitácora. She Wants Revenge es el grupo que me ha hecho replantearme mi postura oficial con respecto al gótico independiente postindustrial (o así): a los más veteranos les recordará a Joy Division, a los más jóvenes les sonará a Interpol, pero de lo que no hay duda es de que SWR ha sacado un primer disco realmente notable. Y "These Things", su segundo single, es una bomba: ¿hay algo más inherentemente sexy que Shirley Manson en plan sado y con zapatos de tacón rojos? La respuesta, amigos y vecinos, es que no. Al menos, a mí ahora mismo no se me ocurre nada.

Si este vídeo no os ha puesto lo bastante calientes, aquí tenéis el teaser poster de "Black Snake Moan", recién sacado de Movie Poster Awards. Sam Jackson encuentra a Christina Ricci tirada en una cuneta, apaleada y con la cara mordida. Ella es una ninfómana y él un paleto temeroso de Dios, así que la secuestrará y dedicará su vida a conducirla hacia el buen camino. Dirige Craig "Hustle & Flow" Brewer y el póster lo dice todo (aunque Christina no salga con la cara mordida). ¡El sexo chungo está de vuelta! ¡Viva!

Vuelve la sección preferida del bloguero perezoso que hay en mí, pero no os acostumbréis a ella: es un especial de verano. Lo cual no quiere decir que no vaya a haber otros especiales en un futuro, pero eso aún está por ver. Vamos a lo que importa: estas son las doce canciones que más están marcando mi verano, así que os las coloco aquí ordenadas como si de un recopilatorio se tratase. Algo así como "The Emperor of Ice-Cream Sessions: Summer 2006". Una cosa más: los enlaces os llevarán a vídeos insospechados, así que pinchad sin miedo.

1. Reel Big Fish - Good Thing
2. Cobra Starship - Snakes on a Plane (Bring It)
3. The Raconteurs - Hands
4. The Essex Green - Cardinal Points
5. Panic! at the Disco - The Only Difference Between Martyrdom and Suicide Is Press Coverage
6. Nouvelle Vague - Just Can't Get Enough
7. Jad Fair & Teenage Fanclub - My Life Is Starting Over Again
8. The Caesars - It's Not the Fall That Hurts
9. blink-182 - Apple Shampoo
10.  Even As We Speak - Bizarre Love Triangle
11.  Say Hi To Your Mom - Angels And Darlas
12.  The Cardigans - Choke

a) Extracto:

This is not the greatest gong in the world, no
This is just a tribute
Couldn't remember the greatest song in the world, no, no
This is a tribute, oh, to the greatest song in the world
All right! It was the greatest song in the world
All right! It was the best mutherfuckin' song, the greatest song in the world

b) Datos:

• Apareció por primera vez en el álbum homónimo de Tenacious D (2001).
• En la misma onda de canciones como "The Devil Went Down to Georgia", JB narra en primera persona el encontronazo con el Diablo que tuvieron él y KG en un cruce de caminos. Cuando la bestia les exige que toquen la mejor canción del mundo si quieren conservar sus almas, los dos tocan lo primero que se les viene a la cabeza... y da la casualidad de que, efectivamente, es la mejor canción del mundo.
• No obstante, la letra deja muy claro que "Tribute" no es la mejor canción del mundo, sino un mero tributo a la que tocaron aquella noche y que ahora no pueden recordar.
• Dave Grohl, líder de los Foo Fighters, interpreta a Satán en este vídeo (papel que ha repetido en la inminente película de La D), mientras que Ben Stiller tiene el cameo más fugaz de su carrera.
• Muchos fans piensan que la mejor canción del mundo era "Stairway to Heaven". ¿Pruebas? En los conciertos, JB siempre acaba "Tribute" cantando la frase And we played the greatest song in the world en un tono muy parecido al del tema de Led Zeppelin.

c) Vídeos:

• YouTube
• Pantalla completa
• Directo (con Dave Grohl)

Gloriosas, absolutamente gloriosas son las listas de lo peor que la revista Blender publica en su página web. La más reciente enumera los mayores desastres en directo de los que se tiene constancia: desde aquella vez que Fiona Apple lloró sobre el escenario porque no se oía nada hasta el momento "Spinal Tap" que sufrieron U2 dentro de un limón gigante, esta lista puede servir como demostración de que las estrellas también hacen el ridículo. A veces. Mención aparte merece Fred Durst, ese coágulo que le salió a la música occidental con el cambio de milenio, que también vivió en primera persona las desastrosas consecuencias que puede traer un limón sobre el escenario (cuando ocurren cosas como esa, a uno le da por pensar que es posible que exista justicia en el universo).

Lo mejor de todo es que la cosa no acaba ahí: "Blender" aún tiene otras tres listas más, tan cargadas de mala leche como esta. Para empezar, tenemos las 50 mayores extravagancias de las estrellas, que despacha rápido a blancos fáciles como Britney Spears para cebarse con vacas sagradas como Bono, Elvis o John Lennon. Por suerte, la misma estrategia se repite en las 50 peores canciones de la historia, que no duda en colocar temas de los Beatles, los Beach Boys y los Doors al lado de mierdas tan incontestables como "My Heart Will Go On" o "Rollin' ". Como traca final, los 50 artistas que están mejor muertos (o, mejor dicho, que venden más estando muertos), aunque para conocer a los veinte primeros tendremos que comprarnos la revista. ¡Buuuuuuuh!

A veces me gusta pensar lo que pudo sentir un beatlemaníaco británico cualquiera cuando, el 5 de agosto de 1966, se compró y escuchó por primera vez "Revolver". El séptimo disco de los Fab Four no sólo supuso un paso de gigante en ese camino de perfección iniciado un año antes con "Rubber Soul", sino que, en muchos sentidos, era una revolución comprimida en un disco Parlophone: la música occidental ya nunca volvería a ser igual. Ya no podía volver a ser igual. No es exagerado afirmar que "Revolver" tuvo un efecto muy parecido al del monolito de "2001: Una odisea en el espacio": abrió la mente de todo el que se acercó a él y le mostró hasta dónde era capaz de llegar la música pop. Prueba a preguntarle a cualquier rockero cuáles son los cinco discos que más le han influido: si "Revolver" no está entre ellos, es que está mintiendo. O, claro está, que no es un rockero.

Hoy se cumplen 40 años del inicio de la psciodelia, de la consagración definitiva del mito Beatle y del día en que el mundo escuchó por primera vez "Tomorrow Never Knows". Hoy se cumplen 40 años de "Revolver".

Cortes seleccionados:

2."Eleanor Rigby": Paul McCartney había recorrido un largo camino desde los días de éxitos para quinceañeras como "I Saw Her Standing There". La energía juvenil pensada para arrasar en directo dejó paso a una de las canciones más adultas y experimentales de la banda, un conmovedor relato de tristeza, soledad y muerte que tiene en sus arreglos de violín una de las muchas razones por las que pasó a la historia.

4. "Love You To": Los Beatles descubren la India, y George Harrison se transforma. Esta canción, profundamente espiritual (en el buen sentido), no sólo es la primera en incorporar sonidos e instrumentos de otra cultura, sino que también es la primera que aleja radicalmente al cuarteto de la música pop al uso. Todo un viaje.

5. "Here, There and Everywhere": De esta hay poco que decir: la mejor canción de amor de todos los tiempos.

6. "Yellow Submarine": Sólo los Beatles eran capaces de componer una canción infantil que, a la vez, encandilara a los drogadictos (habría que esperar hasta SpongeBob SquarePants para ver algo parecido). Dotada de una complejidad inapreciable para el oyente casual, "Yellow Submarine" fue lanzada como single semanas después de que Lennon dijera su famosa frase sobre Jesucristo.

7. "She Said She Said": La escritura automática y la asociación de ideas llegan a la música pop. Lennon nos cuenta sus primeras experiencias con el LSD, integra fragmentos de una conversación suya con Peter Fonda (I know what it's like to be dead, She's making me feel like I've never been born) y lo mezcla todo con el estribillo de una canción infantil que nunca llegó a terminar. El resultado fue todo lo apabullante que cabría esperar.

9. "And Your Bird Can Sing": En una de sus últimas entrevistas, Lennon se refirió a esta y a "Dig a Pony" como las dos canciones que más se arrepentía de haber escrito. Hoy, "And Your Bird Can Sing" sigue siendo una de las favoritas de los beatlemaníacos de todo el mundo, lo cuál demuestra que los compositores no suelen tener ni idea. Al fin y al cabo, el fan es el que manda.

14. "Tomorrow Never Knows": Poco se puede decir sobre una de las canciones más importantes del siglo XX que no se haya dicho ya. "Tomorrow Never Knows" puso la primera piedra de muchas, muchísimas cosas, y sus tres mintos siguen suponiendo una experiencia sensorial única. ¿De qué otro modo puede describirse una canción en la que confluyen Timothy Leary, el Libro de los Muertos tibetano y una experimentación sonora sin precedentes? Aún hoy, una de las canciones más rabiosamente modernas que se pueden escuchar.

Seguimos con el repaso cronológico a los 25 años de MTV. Hoy, el britpop, el apogeo de las estrellas prefabricadas, el triunfo del hip hop, el rock gótico que se volvió comercial, los grupos virtuales (o animados) y Madonna. Otra vez. 

1994:

• Loser - Beck
• A Girl Like You - Edwyn Collins
• Sick & Tired - The Cardigans

1995:

• Buddy Holly - Weezer
• Connection - Elastica
• Trouble - Shampoo

1996:

• Don't Look Back in Anger - Oasis
• Only Happy When It Rains - Garbage
• Don't Speak - No Doubt

1997:

• Brimful of Asha (Norman Cook Mix) - Cornershop
• Song 2 - Blur
• Karma Police - Radiohead

1998:

• The Rockafeller Skank - Fatboy Slim
• Ava Adore - The Smashing Pumpkins
• The Dope Show - Marilyn Manson

1999:

• All the Small Things - blink-182
• Baby One More Time - Britney Spears
• Learn To Fly - Foo Fighters

2000:

• The Real Slim Shady - Eminem
• The Bad Touch - Bloodhound Gang
• Rock DJ - Robbie Williams

2001:

• Clint Eastwood - Gorillaz
• Fell in Love With a Girl - The White Stripes
• In Too Deep - Sum 41

2002:

• All the Things She Said - t.A.T.u.
• Dirrty - Christina Aguilera
• Sk8er Boi - Avril Lavigne

2003:

• Hey Ya! - Outkast
• Hurt - Johnny Cash
• Bring Me to Life - Evanescene

2004:

• American Idiot - Green Day
• Maps - The Yeah Yeah Yeahs
• Rumors - Lindsay Lohan

2005:

• Since U Been Gone - Kelly Clarkson
• Helena - My Chemical Romance
• Hung Up - Madonna

Bueno, pues ya está. Cualquiera que piense que esto ha sido fácil está equivocado: esto ha sido increíblemente duro. Ha habido años, como 1999, 2001 ó 2004, en los que he tenido que cometer auténticas injusticias para que la lista quedara lo más equilibrada posible. Por eso, os ruego que intentéis ser comprensivos en los comentarios, conmigo y con la propia MTV también. Vale que en los últimos tres años ha perdido parte de la chispa que la hacía única, vale que la versión española es una basurilla y un quiero-y-no-puedo, vale que ahora mismo no tiene un "Jackass" o una "Daria" en su programación, pero echad un vistazo a todo lo que nos ha dado. Yo, por lo menos, aún quiero mi MTV.

El 1 de agosto de 1981, la cultura pop vivió un momento de efectos y consecuencias similares a lo que debió de ser el descubrimiento de la penicilina para la medicina o la publicación de la primera parte de "El Quijote" para la literatura: la cadena de televisión por cable MTV comenzó sus emisiones con el ya antológico lema Ladies and gentlemen, rock and roll! Medir el impacto estético, cultural, sociológico y político que ha tenido el canal de música más importante de la Historia es completamente imposible: la MTV ha impuesto modas, ha creado y derribado ídolos, ha alargado sus tentáculos hasta abarcar prácticamente todas las parcelas del entretenimiento, ha hecho historia (pop), ha abierto sucursales en medio mundo, ha servido de catalizador para algunos de los mayores genios audiovisuales de nuestro tiempo, ha producido algunos de los programas más innovadores que se han emitido por televisión ("Liquid Television", "Jackass", "Los Osbournes", "Beavis and Butt-Head", "Clone High", "Vacaláctica", "Celebrity Deathmatch"...), ha producido auténticos hitos generacionales, ha levantado las iras de todo tipo de sectores sociales y, en definitiva, ha marcado nuestras vidas más que ningún otro canal de televisión (mi vida, al menos).

Con motivo del 25 aniversario del canal, "El Emperador de los Helados" se ha propuesto otro (sí, o-t-r-o) de sus retos insensatos: condensar en tres únicos videoclips cada uno de los años de historia de la MTV. Para ello, me he guiado por el anuario que ha aparecido hoy en la web oficial de la cadena, pero tengo que decir que la selección que allí aparece no siempre es la que a mí me hubiera gustado: no son todos los que están y, definitivamente, algunos de los que están no son. De modo que muchas veces veréis entre los tres vídeos del año algunos que no figuran en la lista oficial de MTV. Más cosas sobre lo que viene a continuación: a) me he propuesto poner un sólo vídeo por cada artista (salvo una excepción, hecha por tratarse del epítome de la cadena), más que nada para evitar que mis grupos preferidos acaparen todos los puestos posibles; b) se valora la calidad del videoclip, la calidad de la canción y la importancia que tuvo en el momento de su lanzamiento; c) si AC/DC hubieran sacado "You Shook Me All Night Long" un año después, estarían en la lista. Ahora, sin más dilación, vamos con la primera parte de este tributo subjetivo:

1981:

• Video Killed the Radio Star - The Buggles      
• Whip It - Devo
• Rapture - Blondie

1982:

• Don't Stop Belivin' - Journey
• Crimson and Clover - Joan Jett
• We Got the Beat - The Go-Go's

1983:

• Thriller - Michael Jackson
• Girls Just Wanna Have Fun - Cyndi Lauper
• Blue Monday - New Order

1984:

• The Killing Moon - Echo & The Bunnymen
• Sharp Dressed Man - ZZ Top
• Jump - Van Halen

1985:

• Like a Virgin - Madonna
• (Don't You) Forget About Me - Simple Minds
• Take On Me - A-ha                                        

1986:

• Road To Nowhere - Talking Heads
• Rock Me Amadeus - Falco
• Everybody Have Fun Tonight - Wang Chung

1987:

• Just Like Heaven - The Cure
• The Final Countdown - Europe
• Where the Streets Have No Name - U2

1988:

• Never Tear Us Apart - INXS                                         
• Sweet Child of Mine - Guns N' Roses
• I Should Be So Lucky - Kylie Minogue       

1989:   

• Love Shack - The B-52's                    
• Handle With Care - The Travelling Wilburys     
• I Wanna Be Adored - The Stone Roses

1990:

• Birdhouse in Your Soul - They Might Be Giants
• Kool Thing - Sonic Youth
• U Can't Touch This - MC Hammer

1991:

• Smells Like Teen Spirit - Nirvana          
• Movin' On Up - Primal Scream
• Enter Sandman - Metallica

1992:

• Mrs. Robinson - The Lemonheads       
• Under the Bridge - Red Hot Chilli Peppers
• Smells Like Nirvana - "Weird Al" Yankovic

1993:

• I Feel You - Depeche Mode               
• Linger - The Cranberries
• Aint Nothin' But 'G' Thang - Dr. Dre

Volved mañana para descubrir la excitante segunda parte de nuestro recorrido. ¡Aún quedan la mitad de los 90 y la mitad de los 00!

Glorioso el concierto que trestristesninjas se marcaron ayer en la Sala Fax de Madrid: una concisa y contundente descarga de adrenalina jacor que supo a pogo, pero que ciertamente no supo a poco. Desde su mítico "Go, Ninja, Go!!" (que en directo es la puta bomba) hasta los avances en primicia de sus nuevas canciones, los ninjas hicieron botar a un servidor en la primera fila como nunca había pensado que podría hacerlo. ¿Lo mejor? Para mí, "Stephen Hawking" y "Múdese a nuestro cementerio" (bueno, Corneluis, "eBay" también fue mítica), aunque la que más triunfó entre la muchachada fue, sin duda, "Intercambio de parejas". Con nuevas canciones sobre novias vegetarianas y el vídeo de Pedro J., nadie duda que, como dicen en una de sus canciones, los ninjas han llegado para esclavizarnos.

En cuanto a los otros grupos, lo cierto es que también estuvieron excelsos: Berlinetta le dedicaron un tema a Leonor Watling y nos hicieron vibrar con una desarmante versión del "Come Into My Life" de Gala, mientras que Los Lombardos fueron la gran revelación de la noche: energía juvenil en estado químicamente puro, versiones de Siniestro y Los Nikis, homenaje a los Ramones y mucho buen rollo en general. Lástima que la acústica del lugar no permitiera entender demasiado las letras... Aunque, sin embargo, ahí residía parte del encanto.

Ahora, si me permitís, mi camiseta de trestristesninjas y yo nos retiramos a meditar. ¡Kiá!

a) Extracto:

A friend in need's a friend indeed
A friend with weed is better
A friend with breasts and all the rest
A friend who's dressed in leather

A friend in need's a friend indeed
A friend who'll tease is better
Our thoughts compress
Which makes us blessed
And makes for stormy weather

b) Datos:

• Apareció por primera vez en el álbum "Without You I'm Nothing" (1998).
• En principio, estaba pensado que fuera la cara B de "Every You Every Me", pero al grupo le gustó tanto que decidió colocarla como primer corte del disco.
• No trates de buscarle demasiado sentido a la letra: Brian Molko reconoció que tiene mucho de improvisación y asociación de ideas.
• Aún así, parece que la idea principal es rendir tributo a las amigas con derecho a roce. Muchos fans creen que la frase My friend confessed she passed the test es una referencia al embarazo o a la menstruación.
• A friend with weed is better es una de las mejores frases jamás cantadas.
• Existen dos remixes de la canción: uno de My Bloody Valentine y otro de Les Rythmes Digitales.
• "Pure Morning" era también el título de un programa despertador de la MTV (llamado así en honor a esta canción).

c) Vídeos:

• Videoclip oficial
• Versión en directo
• Buffy y Spike

La venganza de Teddy será terrible. Seguro. De La Vanguardia:

29/06/2006 | Actualizada a las 18:08h

a) Extracto:

All alone at the '64 World's Fair
Eighty dolls yelling "Small girl after all"
Who was at the Dupont Pavilion? 
Why was the bench still warm? Who had been there?
Or the time when the storm tangled up the wire
To the horn on the pole at the bus depot
And in the back of the edge of hearing
These are the words the voice was repeating:

Ana Ng and I are getting old
And we still havent walked in the glow of each others majestic presence
Listen Ana hear my words
Theyre the ones you would think I would say if there was a me for you

b) Datos: 

• Apareció por primera vez en el álbum "Lincoln" (1988).
• La letra de la canción versa sobre la posibilidad de tener un alma gemela en la otra punta del planeta, y sobre el hecho de que probablemente nunca la conoceremos.
• Los Johns descubrieron que Ana Ng es el nombre de mujer más común del planeta tras una hojeada al listín telefónico.
• También hay rumores de que una mujer china llamada Ana Ng fue exhibida en la Exposición Universal de 1964, bajo el título de "La mujer más pequeña del mundo".
• Ng es un apellido cantonés, aunque muchos fans afirman que es más bien vietnamita. De ser así, el narrador de la canción debería vivir en Perú (para estar justo en la otra punta del mundo).
• La primera frase del estribillo es casi imposible de comprender en las primeras escuchas, debido a su inclemente número de vocales.
• Esto es lo que John Linnell tiene que decir sobre la canción: It generated out of this simple idea of imagining someone on the exact opposite side of the globe. There's only one person for you and they're located at some point at random on the globe. In "Ana Ng", the person is located at exactly the opposite pole. (...) Then there was this "Pogo" cartoon that I read when I was a kid. The characters are going to dig to China and one of them is wondering what's on the other side of the world and he actually pulls out a revolver (...) and he shoots through the globe.

c) Vídeos:

• Yahoo! Video
• YouTube

Os prometo que os va a encantar. Nos hemos tirado un montón de tiempo planeando cómo inaugurar una nueva era del rock and roll, y creo que (...) este disco va a ayudar bastante a conseguirlo. Con estas palabras describía Tom DeLonge el primer álbum de Angels & Airwaves, We Don't Need to Whisper, como si todo el hype que se ya estaba generando alrededor suyo no fuera suficiente. Para que os hagáis una idea, las expectativas creadas eran tales que la única manera que tenía este disco de sobrevivir a ellas era que DeLonge, Bob Dylan y Keith Richards contactaran con los espíritus de John Lennon y Jimi Hendrix para componer un himno generacional épico de doce minutos de duración. No exagero: con páginas webs que lo describían como el salto evolutivo que propulsaría al rock hasta el infinito y más allá, "We Don't Need to Whisper" lo tenía muy crudo para poder cumplir todas sus promesas. Y, ahora que ya lo hemos escuchado, podemos afirmar que no lo ha hecho. Con esto no estoy diciendo que no sea un gran disco: lo es, con genuinos destellos de talento y al menos cuatro canciones realmente estratosféricas. "We Don't Need to Whisper" es un trabajo notable, pero el ego de DeLonge ha hecho que muchos fans de Blink-182 se sintieran defraudados con su primera experiencia en solitario (porque eso de que Angels & Airwaves es un grupo no es más que una falacia: es Tom DeLonge más Los Otros Que No Son Tom DeLonge). Además de no cumplir sus (exageradísimas, injustificadas) expectativas, el álbum tiene otro gran problema: es posible que sea una prolongación del universo sonoro del último disco de Blink, para muchos el peor de la banda. Es decir, que las introducciones épicas, las canciones extralargas y el ego desbordado de nuestro Tom están muy presentes a lo largo de estos 50 minutos de intensidad guitarrera.

Esta concepción del disco en solitario como egotrip que amplifica lo peor de la banda a la que pertenece/pertenecía su autor no es nueva: lo que para los músicos significa crecer como artistas (que dirían Borjamari y Pocholo) suele suponer para los fans una auténtica prueba de fe. Ahí están, por ejemplo, las experiencias en solitario de Damon Albarn (un empacho del etnicismo mal entendido que no le dejaban meter ni en Blur ni en Gorillaz) o de Nina Persson (una insulsa dilatación de la faceta más ñoña y empalagosa de los Cardigans), por poner solo dos ejemplos recientes, y sin tener en cuenta las honrosas excepciones. Este mismo fenómeno también se da en el cine: "Amélie", la segunda película que Jean-Pierre Jeunet rodaba sin Marc Caro, carecía por completo de la poesía macabra de "Delicatessen", "La Ciudad de los Niños Perdidos" o incluso "Alien: Resurrección" (aunque, eso sí, sin llegar a las cotas de mediocridad de "Largo domingo de noviazgo"), y todos sabemos lo que pasó con Chow Yun-Fat cuando dejó de rodar a las órdenes de John Woo. Si es verdad eso de que el disco en solitario es una versión aumentada (pero no corregida) de lo peor del grupo al que pertenece su autor, no me quiero ni imaginar lo que va a suponer The Eraser para los que no aguantamos los últimos discos de Radiohead...

Nada que perder / Mírame reír / Volveremos a salir (Estribillo de "Nada que perder", de Pignoise).

Hay pocas cosas en la vida que aborrezca de un modo más talibán que la música para pijos. Para que os hagáis una idea, no soy capaz de concebir nada más cercano al Infierno que aquel concierto en Las Ventas en el que tocaron El Canto del Loco y La Oreja de Van Gogh: el recuerdo de las hordas de fans que allí se congregaron es algo que aún me desvela por las noches. No obstante, entiendo que esta clase de grupos tienen su público, tienen sus millones y, por tanto, no tienen intención ni ganas de abandonar la radiofórmula. Todo esto me encoleriza, pero no deja de parecerme normal y consecuente con el país en que vivimos. Lo que ya no soporto es que las discográficas pretendan rellenar el hueco pop punk de nuestra industria musical con pijerío camuflado. Lo cual nos lleva a Pignoise.

Para empezar, el hueco no necesita ser llenado: hay buenos grupos de pop punk en castellano (Airbag, sin ir más lejos). El problema no es ese. El problema es que no hay ningún grupo de pop punk en castellano que, además, sea un superventas. De modo que se pone en marcha la Operación Pignoise: se coge a una banda liderada por un ex-jugador adolescente del Real Madrid, se la viste con lo que El Corte Inglés considera que es punk y se coloca su canción en la cabecera de una serie de Antena 3. "Anunciado en televisión", el nuevo disco de Pignoise, no difiere ni un ápice de ese pop pijo al que estamos (mal) acostumbrados: el ripio y las melodías facilonas se conservan intactas. Entonces, ¿qué es lo que diferencia a esta banda madrileña de El Canto del Loco? Pues, posiblemente, la estética: igual de prefabricada, pero supuestamente más transgresora. El hecho de que alguien introduzca en una misma frase los conceptos Pignoise y blink 182 supone, para mí, una experiencia similar a recibir una sesión intensiva de patadas en los huevos.

Hoy en Grow-a-Brain dedican los dos primeros enlaces al instrumento musical que más mola de todo el planeta: el ukelele (o ukulele), esa guitarra miniaturizada que emite sonidos alucinantes y es capaz de convertir a cualquiera que la toque, ya sea Tiny Tim o Marilyn Monroe, en una persona entrañable. Un poco de historia: el ukelele nació en Hawai allá por la década de 1880, cuando los nativos idearon un híbrido entre la guitarra portuguesa y su querido rajão. No obstante, este instrumento de cuatro cuerdas no traspasó las fronteras de la isla hasta 1920, cuando se desató en Estados Unidos una auténtica fiebre ukelelera (vaya adjetivo), gracias a estrellas míticas como "King" Benny Nawahi o Cliff "Ukelele Ike" Edwards. Apreciado por músicos de la talla de Elvis Presley, George Harrison o David Byrne, el ukelele es una de las mayores aportaciones de la Polinesia a la cultura occidental, junto con el collar de flores, Duke Kahanamoku y "Baywatch: Hawaiian Wedding".

Volvamos a los enlaces de "Grow-a-Brain": la versión (¡en directo!) de "Smells Like Teen Spirit" que se marca The Ukulele Orchestra of Great Britain es sólo un ejemplo de los placeres que esconde el fascinante mundo de las covers ukeleleras (otra vez). La propia orquesta británica nos ofrece unos cuantos aperitivos de su discografía en su web oficial (yo me quedo con la versión de "Another Girl, Another Planet": ¿mejor que la de blink-182?), pero la última palabra en el tema parece tenerla The Duke of Uke, cuyo último CD contiene covers tan apetitosas como "Rock and Roll Suicide" o "Anarchy in the UK". ¿Quién iba a decir que alguien podría convertir el tsunami eléctrico de "Search and Destroy" en una relajada pieza para ukelele?

Que el tema S.O.S. (Rescue Me) es una bomba es algo que a nadie se le escapa: creo que desde el "Survivor" de Destiny’s Child no habíamos sentido tal descarga de R&B ultrasexy en nuestra columna vertebral. Entre las muchas virtudes del nuevo single de Rihanna destaca su condición de versión libérrima y perfecta del clasicazo softcelliano "Tainted Love" (que, a su vez, era una versión del clasicazo gloriajonesiano, pero esto ya lo sabemos todos): el hecho de que existan al menos treinta de covers de aquel pegadizo estribillo de sintetizadores (que no de síntesis) hace que la proeza de "S.O.S. (Rescue Me)" sea aún mayor. En una hipotética lista de "Tainted Loves" post-Soft Cell, Rihanna se colocaría al lado de My Ruin, muy por encima de Marilyn Manson o las Pussycat Dolls y, por supuesto, a años luz de La Unión. Vale, sé que todas esas son versiones ortodoxas de la canción y "S.O.S." sólo utiliza un sampler de la misma, pero es que yo, a estas alturas, ya no toleraría una versión ortodoxa más. No sé vosotros.

Para seguir profundizando en la onda del amor infectado (o mancillado), aquí tenéis un buen making of de la canónica versión de Soft Cell, lleno de anécdotas jugosas con las que presumir delante de las amistades. Para terminar, ¿sabíais que existía un grupo de versiones llamado Tainted Love? La lista de canciones que tocan en directo es el paraíso de cualquier nostálgico de los 80, aunque faltan "Heart of Glass" y "Working for the Weekend".

El tracklist de este mes de abril tiene un claro protagonista: Saucy Monky (en serio, se escribe así). La banda californiana, que podéis ver en la foto de la derecha, lleva desde el año 2002 encadenando hits en las emisoras de radio irlandesas (su cantante y guitarrista, Annmarie Cullen, es originaria de Dublín), pero el éxito masivo no les llegó hasta que el año pasado editaron en Estados Unidos su primer disco, "Turbulence" (2004). La canción que les ha consagrado es "I Touch Myself", una cover del clasicazo de Divinyls que es una auténtica bomba (aunque, por otra parte, muy mal lo tendrían que haber hecho para no triunfar con esa canción...). Es uno de los temas descargables de la lista, así que ya no tenéis excusas para no escucharlo.

1. String Quartet Tribute to The White Stripes - Seven Nation Army
2. Saucy Monky - I Touch Myself (versión de Divinyls)
3. Fall Out Boy - Sugar We’re Goin’ Down
4. The Apples in Stereo - The Rainbow
5. blink-182 - A Letter to Elise (versión de The Cure)
6. Bratmobile - Gimme Brains
7. That Dog - Ms. Wrong
8. Graham Coxon - Gimme Some Love
9. Spinal Tap - All the Way Home
10.  Arctic Monkeys - From the Ritz to the Rubble
11.  Tommy James & The Shondells - Crimson and Clover

Pues bueno, pues ya está aquí la Semana Santa (técnicamente no, pero se me entiende, ¿verdad?). No es que me las merezca, pero me voy a tomar unas cortas vacaciones blogosféricas, que intuyo que me van a venir muy bien: desde hoy hasta el próximo viernes se interrumpe la frenética e insensata actividad posteadora de esta vuestra bitácora. Los hiatos a mitad de temporada, como muy bien saben las cadenas de televisión norteamericanas, son necesarios para evitar que la serie salte el tiburón, o al menos eso es lo que dicen. Sea como sea, es una semana de nada: nos veremos de nuevo antes de que podáis decir tarta de arándanos.

De todos modos, no quería yo marcharme sin dejar por aquí unos cuantos estímulos musicales para que os acompañen durante estos días de procesiones y rascadas de barriga. ¿Y qué mejor banda sonora para estos tiempos pre-veraniegos que las maravillas exóticas del gran Martin Denny? Esta web es su iglesia (internáutica) particular: la sección de diosas está muy bien, pero la ausencia de canciones del propio sacerdote tiki (y, ya que estamos, la ausencia de fotos de las diosas a tamaño bigger than life) lo convierten en un templo algo incompleto. Si sois de los que preferís el ritmo extraterrestre de Esquivel, esta biografía del maestro y esta orquesta-homenaje son una buena forma de recordar al iluminado compositor de temas como "Mucha muchacha" o "Sentimental Journey". Para terminar este paseo por el exotismo musical bien entendido, os recomiendo esta galería de pinturas de inspiración hawaiana: las tres obras de Aaron Marshall son de esas que te puedes quedar mirando durante horas y horas. Sin pestañear. 

Pasemos a continuación a lo que a mí me gusta llamar "YouTube Overload":

• El primer videoclip de Angels and Airwaves. Mola, pero molaba más el corto experimental que colgaron en su web.
• La persona conocida como T.M.Revolution canta en directo "Trouble", de Shampoo. Después de pasarse DOS HORAS hablando.
• Avril Lavigne + uniforme de Hooters + "Hey Ya!" = La prueba irrefutable de que Dios existe.
• La canción del verano. Y lo digo completamente en serio y sin ironías.
• Un falso videoclip del "Ultimate" de Lindsay Lohan (por cierto, "Freaky Friday" ha de ser reivindicada como sea). Y un ejemplo de hasta dónde puede llegar el fanatismo ciego por esta muchacha.
• William Shatner recitando (sí, ya le conocéis) "Rocket Man" en los Sci-Fi Awards de 1978. Si pensáis que eso la repanocha, esperad a ver la versión de Stewie.
• Para terminar, un autodenominado vídeo experimental del hit "Vacation", de la nunca suficientemente reconocida Katy Rose.

Pues con esto me despido. Nos vemos el viernes, amigos y vecinos. Hasta entonces.

Llevo unos días enganchado a un disco que no me impresionó excesivamente en la primera escucha, pero que ahora no me puedo sacar de la cabeza. Continental 62, como los últimos trabajos de Christina Rosenvinge, es lo que los anglosajones llaman un slow burner: puede que no te enamore al principio, pero no parará de crecer y crecer en tu recuerdo. Es posible que la radicalidad de su propuesta tenga algo que ver: se trata de una colección de canciones minimalistas, obsesivas, lentas, melancólicas y extrañas. Ventanas (rotas) a realidades paralelas.

Estaréis hartos de leer esto por todas partes, pero ahí va: Christina Rosenvinge culmina con este trabajo una particular trilogía de la desconexión que inició con "Frozen Pool" (2001) y llenó de matices con "Foreing Land" (2002). Puede que el tema que contenga más claves para interpretar esta etapa creativa sea "Muertos o algo mejor" (que, no obstante, apareció por primera vez en "Mi pequeño animal"): melodías simples acompañadas de una voz dulce pero desgarrada, canciones perfectas para escuchar por la mañana en un desloado paisaje post-nuclear. O mientras graffiteas mensajes crípticos en medio de la nieve, como ocurre en el videoclip de "A Liar to Love". "Continental 62" es, además, el álbum más radical de su carrera: canciones como "Nickel Song" o "White Hole" son obsesivas y casi enfermizas (de hecho, la segunda es perfecta para escuchar mientras ves arder tu propia casa), mientras que "¿Quién me querrá?" y "Teclas negras" son saltos al vacío sin red. Es decir, que "Continental 62" es una verdadera flor rara: un disco que no se parece a casi nada que hayamos escuchado antes y que, al mismo tiempo, revela a cada segunda la personalidad de su autora.

Ya queda cada vez menos para que salga a la venta el primer disco de Angels and Airwaves, la nueva banda de Tom DeLonge. Finalmente, parece ser que se llamará "We Don’t Need to Whisper" y saldrá a finales de mayo, sumándose así a la lista de cosas esperadísimas que salen por esas mismas fechas: el tercer volumen de "The League of Extraordinary Gentlemen", "X-Men 3" y el primer cómic de "Southland Tales" (mañana más información sobre esto último). Aquí está la lista de canciones, tal y como la anunció el propio DeLonge la semana pasada:

1. Valkyrie Missle
2. Distraction
3. It Hurts
4. Do It For Me Now
5. The Adventure
6. The War
7. A Little’s Enough
8. The Gift
9. Good Day
10.  Start the Machine

El primer sencillo, como supongo que ya sabréis, será "The Adventure", aunque algunas fuentes afirman que al final se ha cambiado por "Valkyrie Missle" (por cierto, ¿seguro que es "Missle" y no "Missile"?). Desde el pasado mes de febrero, en la web oficial del grupo figura una suerte de corto experimental a ritmo de "The Adventure" que os recomiendo encarecidamente: pese a que no se utilizará como videoclip (aquí hay una imagen del mismo, que ya está casi listo para estrenarse), esta miniatura sci-fi rodada en 8 mm es sencillamente arrebatadora. Además, la canción nos da algunas claves sobre lo que podemos esperar de AVA: un sonido muy parecido al de los últimos blink-182 (me recuerda especialmente a "Always" y "Not Now"), epopeyas guitarreras y un punto experimental. A mí, qué queréis que os diga, me gusta. Pero es que a mí me va a gustar cualquier cosa que tenga los nombres de Tom DeLonge o Mark Hoppus en la contraportada.

Lo mejor de mi Winamp (el skin de Slither es, a partir de ya mismo, el skin oficial de este blog).

1. Caviar - Ok Nightmare
2. Propellerheads feat. Shirley Bassey - History Repeating
3. Devo - Through Being Cool
4. Rancid - Salvation
5. The Strawberry Smell - World of D.
6. The String Quarter Tribute to Radiohead - No Surprises
7. Blondie - X Offender
8. -M- - Close to Me (versión de The Cure)
9. Blink 182 - Zulu
10.  Rilo Kiley - Pictures of Success

The String Quarter Tribute es, como su propio nombre indica, un cuarteto de cuerda que interpreta versiones de éxitos del pop, del rock, del rap y prácticamente de lo que se tercie. Esta es la definición que da de ellos la Wikipedia (¿se nota mucho que hoy estoy demasiado perezoso como para postear correctamente?):

The String Quartet Tribute is a string quartet tribute band<