Últimamente estoy leyendo más cómics de "Los 4 Fantásticos" que nunca, sobre todo desde que cayó en mis manos el excelente primer anual de la versión Ultimate. Escrito por Mark Millar y dibujado por Jae Lee, "Enter the Inhumans" no es el gran acontecimiento universal que supusieron los primeros anuales (tal y como señalan en la edición de Panini, Reed y Sue se casaron en uno de ellos) ni la idiotez sin sentido que supusieron los últimos, sino una aventura lo suficientemente espectacular como para ser considerada una excepción dentro de la serie regular. Por supuesto, la gran noticia es que sirve como carta de presentación a la versión Ultimate de los Inhumanos, personajes muy amados por todo fantastic fan que se precie. Lo que hacen Millar y Lee (experto en el tema) con estos extraños seres es algo muy difícil de conseguir: cambian el halo pop que tenían en su versión primigenia por un halo misterioso que, sobre todo en el caso de Rayo Negro y Maximus, les convierte en una presencia poderosísima. Además, la autoconsciencia de Millar nos deja algunas de viñetas memorables: cuando tiene que justificar el hecho de que los 4 Fantásticos vayan al rescate de Cristal, el guionista hace que Johnny declare que la chica es el amor de su vida, a lo que Sue le responde: Johnny, por Dios, hace apenas dos horas que la conoces. ¿Para qué perder páginas y páginas narrando una historia de amor si todos conocemos ya a estos dos personajes? Ah, el humor y la complicidad del lector: las dos grandes bazas del Universo Ultimate.

Otro producto fantástico que me ha llamado la atención es Franklin Richards, Son of a Genius (aunque este aún no he podido leerlo). La idea de tener al retoño de los Richards interactuando con H.E.R.B.I.E. como si fueran Calvin y Hobbes es tan buena que me extraña mucho que no se le haya ocurrido a nadie antes. La mecánica de las historias es tan simple como irresistible: Franklin entra en el laboratorio de su padre sin su permiso, empieza a jugar con los ingenios de alta tecnología para probar alguna teoría absurda que se le ha ocurrido, realiza un estropicio de posibles consecuencias catastróficas (en sentido literal) y es rescatado por el bueno de H.E.R.B.I.E. justo a tiempo para que Reed no se entere de nada de lo que pasó en su ausencia. Creadas por Chris Eliopoulus y Mark Sumerak, estas tiras cómicas han sido recogidas en dos volúmenes recopilatorios y un especial de verano que espero haber devorado para cuando llegue la segunda película, que se antoja espectacular: las imágenes paparazzi de la boda (abruptamente interrumpida por cierto surfista) me ha hecho salivar de verdad, y no sólo por el vestido de Jessica Alba.

¿Os acordáis de esa época, a finales de los 90 y principios de los 00, en la que parecía que el mal gusto había conquistado el trono del humor cinematográfico? A raíz del (más que justificado) superéxito de "Algo pasa con Mary", todas las productoras de cine norteamericanas tenían al menos dos comedias de humor grueso en proceso de pre-producción. Como resultado, un puñado de películas tan inolvidables como "Very Bad Things" o "American Pie" consiguieron que el público de multisalas se riera bien a gusto de cosas que, cinco años antes, les habrían escandalizado. ¿Qué pasó con esa corriente?, os preguntareis. Pues que, como acabará pasándole a la actual fiebre de la animación digital, se fue igual que vino: solamente algunos estajanovistas de la sal gorda como Rob Schneider o Trey Parker y Matt Stone se resistieron a abandonar los chistes de pollas por las inofensivas comedias románticas que infectan cada mes la cartelera. Sin embargo, estos últimos días he visto dos películas que me llevan pensar que el mal gusto puede volver a instalarse (por la fuerza) en el seno de la industria. Me estoy refiriendo, por supuesto, a Borat y a Jackass 2. Todavía más, las dos mejores comedias de 2006.

Empecemos con la segunda parte de "Jackass" (estrenada hoy mismo), película que ya supuso un islote de zafiedad y energía dentro de la insulsa cosecha cinematográfica de 2002. Hay algo casi poético en el hecho de que nueve zanguangos que (en teoría) han seguido con sus vidas después que el programa acabara se reúnan de nuevo para volver a pasárselo en grande. A su modo, pero en grande. Me decía el maestro Tones que estaría muy bien que "Jackass 2" tuviera un cierto tono crepuscular (al fin y al cabo, están llegando a un punto en el que empiezan a darse cuenta de que no van a poder seguir haciendo esto toda su vida), y lo cierto es que algo de eso se puede detectar en el apoteósico número musical que cierra el filme. No obstante, tampoco os creáis que aquí hay mucho espacio para la reflexión y la sutileza: el catálogo de escenas de choque de esta secuela supera al de la original, y eso que uno no puede ni imaginar la cantidad de material descartado que Tremaine y Jonze han reservado para el DVD. Con todo, "Jackass 2" es una película inferior a su predecesora, quizás porque ya se ha perdido el factor sorpresa, quizás porque las distintas set pieces no están tan cohesionadas como en aquella ocasión. De todas maneras, no defraudará a los fans de toda la vida, se ganará a muchos más y hará que manadas de espectadores pusilánimes abandonen la sala cuando contemplen, en una pantalla de cine y con sus propios ojos, a un hombre adulto bebiendo semen de caballo.

Esa misma capacidad de provocación está presente en "Borat" (17 de noviembre en sus pantallas), pero aquí el resultado sí que es todo lo brillante que cabía esperar. Los heladeros más viejos del lugar ya sabrán que lo que siente un servidor por el personaje creado por Sacha Baron Cohen es pura devoción (mirad este post de hace un año), así que ya se imaginarán la sensación de júbilo que experimentó cuando vio una comedia magistral que cumplía todas y cada una de sus expectativas. Falso documental capaz de hacer que te duela la cara de tanto reírte, "Borat" lleva su comicidad hasta las últimas consecuencias y elabora un acertado diagnóstico de un país (Estados Unidos) que, en el fondo, no está tan lejos de ese estereotipado Kazajstán del que proviene nuestro reportero predilecto. Por si fuera poco, la película contiene la Secuencia Más Divertida de 2006: una pelea entre hombres desnudos (y peludos) que se convierte en un recital de posturas sexuales y culima con una demostración de streaking de alto riesgo. Que dos auténticos titanes de la incorrección política y el mal gusto como Johnny Knoxville y Borat estén triunfando en todo el mundo demuestra que aún hay esperanza para la Humanidad. O, al menos, para el cine.

La página web del momento es una cosa que, de verdad, no os esperáis: scenesfromacar, maná para las webs de rumores de todo el mundo y un fenómeno asombroso muy propio de la internet que nos está tocando vivir. Lo que tenéis en vuestras pantallas es una página de diseño deliberadamente pobre y contenido extremadamente dudoso, elaborada por alguien que afirma estar en posesión de un vídeo que muestra a una conocidísima actriz... lo diré con un poco de tacto... bajando al pilón en el asiento de un coche. Bueno, no ha sido precisamente un eufemismo amable, pero podría haber usado otros mucho peores. Vosotros ya me entendéis. El autor de la web pasa a dar una descripción detallada del, eh, suceso que grabó con la cámara de su móvil, sin revelar en ningún momento el nombre de la actriz en cuestión. Finalmente, nos deja una pista (una letra "A" de color rojo escarlata) y una dirección de correo electrónico. Según WWTDD?, los interesados que manden un e-mail recibirán otro como respuesta, en el que se les detalla la forma de pago que deben afrontar para adquirir el DVD correspondiente. Ejem.

A falta de alguna noticia sobre la autenticidad de esta historia, ahí va un Top 3 de las actrices que más probabilidades tienen de salir en el vídeo (siempre según la Red, y siempre teniendo en cuenta que haya algo de cierto en este ejemplar fake):

1. Scarlett Johansson: La letra es de color escarlata y en la web se dice que la protagonista tiene una voz muy reconocible.
2. Demi Moore: Salió en la adaptación cinematográfica de "La letra escarlata".
3. Lindsay Lohan: Fue la primera opción de WWTDD?, aunque no hay mucha pruebas que apoyen su teoría.

Aún no sabemos en qué acabará todo esto, pero me parece increíblemente significativo, así que no os extrañe que este post se vaya actualizando de cuando en cuando. Mientras esperamos a que se aclare la cosa, aquí tenéis unas cuantas webs interesantes: a) Tapedeck.org, una web consagrada a la nostalgia casetera; b) Eric Conveys an Emotion, una sugerencia de la lectora y comentarista Ro; y c) un youtube con los seis primeros minutos de la película de "Tenacious D". Es posible que lo mejor sea esperar a verlos en pantalla grande, pero los fans asiosos como yo no podrán resistirse a echarle un vistazo y levitar de placer.

ACTUALIZACIÓN: La página ha muerto. Tripod ha considerado que su contenido violaba los términos del contrato, así que supongo que tendremos que esperar a leer los testimonios de aquellos que mandaron el mail y, en teoría, recibieron una copia del vídeo. Sea como sea, todo apunta a que el fenómeno ha sido más fugaz de lo que me imaginaba.

En "Make Love, Not Warcraft", uno de los mejores episodios de "South Park", la comunidad de jugadores de "World of Warcraft" se ve sacudida por una amenaza que ni los jefazos de Blizzard habían pensado que podría materializarse: alguien lleva tanto tiempo jugando que su personaje se ha convertido en el más poderoso de toda la realidad virtual, lo que le permite ir por ahí matando a otros jugadores sin desafiarles antes a un duelo justo (al parecer, la única manera de matar a alguien en "WoW" que está contemplada en los reglamentos). Cartman, Stan, Kenny y Kyle deciden escuchar la sugerencia insensata del primero y dedicar el resto de sus vidas a perfeccionar las habilidades de sus avatares y, de este modo, poder acabar con el jugador renegado. La mano maestra de Trey Parker y Matt Stone se nota en su manera de contar esta historia esencialmente absurda: tanto la banda sonora como la pomposidad de los diálogos nos remite a esos blockbusters épicos estilo "Señor de los Anillos" de los que se nutre el universo Warcraft. El mensaje está claro: la realidad virtual es ese lugar inmaterial donde perdemos el tiempo en simulacros más grandes que la vida, al mismo tiempo que nuestra verdadera vida se va apagando a una velocidad realmente vertigionosa.

Es imposible no acordarse de ese episodio de "South Park" cuando leemos en "El País" la siguiente noticia: Endemol llevará "Gran Hermano" al universo virtual de "Second Life". O sea, que los críticos de televisión que definieron el primer programa de telerrealidad como una simulación de la vida van a tener que ver cómo, sólo seis años después, su productora crea una simulación de una simulación de la vida. La idea no está exenta de cierta épica (de la inutilidad, pero épica al fin y al cabo) como la que bañaba la epopeya de Cartman y los suyos: el ganador de este concurso virtual está llamado a convertirse en toda una leyenda en el universo SL, ya que el premio (una isla privada) es una de las posesiones más jugosas de toda la metasociedad. O sea, que creamos una realidad virtual para evadirnos de nuestro gris entorno y, al final, descubrimos con horror que las dos cosas se parecen cada vez más: además de la invasión de marcas comerciales ("El País" cita a Toyota, Adidas, Sony y la agencia Reuters) y demás plagas del mundo real, ahora tenemos que hacernos a la idea de que la mayor aspiración de la gente de allí también será entrar en "Gran Hermano". No obstante, lo peor no es eso. Lo peor es que nuestro mayor pasatiempo será volver a desperdiciar otra vida viendo "Gran Hermano".

* Podéis encontrar más fotos como la que acompaña a este post en el Flickr de Dean Terry.

- X-Factor #1 (Marvel, 1,70 euros): Como esos extras de "Lost" que de repente empiezan a cobrar protagonismo, los miembros de "X-Factor" son los Rosencrantz y Guildenstern del Universo Marvel (o, al menos, del Universo Mutante). Este grupo de detectives del Distrito X sufre como nadie las consecuencias de lo que los superhéroes de primera línea han organizado tras la "Dinastía de M", y el tándem formado por Peter David y Ryan Sook está aquí para contárnoslo todo. Tebeo adulto de aliento noir, "X-Factor" nos narra los confusos días que trascurren entre "M" y "Civil War" desde una atalaya diminuta, descubriéndonos que por cada Wanda trastocando la realidad del planeta hay un mutante de segunda ganando concursos de televisión gracias a sus múltiples personalidades. Y esa es una historia que necesitaba ser contada.

- Action Philosophers (Evil Twin Comics, 6,95 dólares): El guionista Fred Van Lente y el dibujante Ryan Dunlavey nos traen uno de los tebeos más frescos y originales del año, una producción independiente que combina la agudeza cómica de la revista "MAD" con un asombroso conocimiento de causa. En otras palabras, estos tíos saben de lo que están hablando, y también saben ser inteligentes sin dejar de ser increíblemente divertidos. E increíblemente ingeniosos: ¿de qué otro modo se puede describir una historieta en la que, a la manera de los cortometrajes educativos de los años 50, Karl Marx le muestra a un confuso niño über-americano los fundamentos de su teoría? "Action Philosophers" es un producto altamente recomendable, tanto para los que quieran aprender algo sin tener que abrir un libro como para los que ya conozcan de qué va la cosa... y quieran cachondearse un poco de ella. Eso sí, aún no está traducido, pero no dejéis que eso sea un obstáculo para el pequeño filósofo con superoderes que lleváis dentro.

- Herminio Bolaextra. El reportero de los tres huevos (Ezten Kultur Taldea, 8 euros): A través de su personaje más emblemático, Mauro Entrialgo lleva desde 1987 realizando una mordaz crónica de la sociedad española: desde el SIDA hasta la prensa del corazón, no ha habido un sólo fenómeno sociopolítico que Herminio no haya investigado. Este volumen recopilatorio es una oportunidad ideal para redescubrir la grandeza de este personaje, así como la ocasión perfecta para que una nueva generación de lectores se acerquen a él: chicos, si os gusta el Ángel Sefija de "El Jueves", esperad a conocer a su hermano mayor. Y en formato de superlujo. Y por ocho euros, que eso no es dinero ni es nada.

a) Extracto:

Do you remember the time I knew a girl from Mars?
I don't know if you knew that.
Oh, we'd stay up late playing cards,
Henri Winterman Cigars.
Though she never told me her name
I still love you, girl from Mars

b) Datos:

• Apareció por primera vez en "1977", el segundo disco de los irlandeses Ash, y fue lanzada como single en julio de 1995.
• En principio, la canción se llamaba "Girl From Ards", región en la vivía una antigua novia del cantante y vocalista Tim Wheeler. El grupo decidió que la letra tenía un cierto toque de ciencia-ficción y, en consecuencia, decidió cambiar el título.
• Fue el primer éxito de Ash en los Estados Unidos, además de la primera canción que tocaron en directo en el mítico "Top of the Pops".
• Durante un tiempo, la NASA usó la canción como música de espera en sus líneas telefónicas.
• Existen dos versiones del videoclip: la británica, una especie de recreación lisérgica del "Give It Away" de Red Hot Chili Peppers, disgustó tanto al grupo que decidieron grabar una segunda cuando lanzaron la canción en los EEUU. En el apartado c) podéis ver ambas.
• El single contenía dos peculiares caras B: "Astral Conversations with Toulouse Lautrec", un delirio instrumental que toma su título de una frase de "El misterio de Salem's Lot" (cierto blog que yo conozco hizo algo muy parecido); y "Cantina Band", una cover de John Williams que Ash tuvo la oportunidad de tocar en directo en el set de "La amenaza fantasma".

c) Vídeos:

• Versión # 1
• Versión # 2
• Versión en directo (Glastonbury 2005)

Johnnie To debería hacer una película sobre esto. En serio. Pinchad aquí para verlo y aquí para leerlo todo sobre ello.

a) Spider-Man 3: Una ciudad que le adora, una preciosa chica a punto de casarse con él y un trabajo que va viento en popa. Parece que, por fin, las cosas comienzan a marchar bien en la vida de Peter Parker... ¿verdad? No por mucho tiempo: al fin y al cabo, esta es una película de Sam Raimi, y todos sabemos lo mucho que le gusta a este hombre hacer sufrir a sus protagonistas. Un tipo de arena y un simbionte venido del espacio serán los elementos que perturben el efímero momento de felicidad de Spidey, y ambos tienen en este flamante trailer su mejor carta de presentación (sí, bastante mejor que la que salió hace unos meses). Que estamos ante la mejor saga superheroica actual es algo que demuestran avances como este: un enmudecedor encadenado de momentos cumbre e imágenes memorables pensado para hacernos muy cuesta arriba la espera hasta mayo de 2007. Por supuesto, no está exento de polémica: en la que quizá sea la mayor revelación del trailer, descubrimos que Sandman es el verdadero asesino de Tío Ben, una reescritura del mito que, siendo sinceros, huele un poco a impostura de última hora. La polémica ya ha empezado a dividir a los fans (no hay más que pasarse por los foros), pero lo más sensato sería no sacar conclusiones precipitadas: con este cambio de escenario tenemos a Pete persiguiendo a Flint Marko para vengar la muerte de su tío, a Harry Osborn persiguiendo al propio Pete para vengar la muerte de su padre y a Venom... ¡Un momento! ¿Qué pasa con Venom? En mi opinión, la decisión de no mostrarlo todavía supone un punto a favor de Raimi y su equipo, especialmente si queremos acudir al cine sin que los trailers y avances previos nos hayan destripado de antemano toda la película. De todas maneras, el director nos asegura que va a ser espectacular: Hemos tenido un gran equipo de diseñadores, capitaneado por James Acheson (...), trabajando con un grupo brillante de escultores, artistas y dibujantes, afirma Raimi. Muchos artistas creando diferentes versiones de Venom, y nosotros elegimos las que pensamos que funcionarían mejor, pero también las que Avi (Arad) pensó que contenían los elementos más clásicos.

b) Meet the Robinsons: Tras la desastrosa "Chicken Little", Disney vuelve a intentar ser más Pixar que la propia Pixar con esta adaptación del libro infantil "A Day with Wilbur Robinson", de William Joyce. Lo cierto es que este trailer supone un soplo de esperanza para el amente de la animación disneyiana, que prefiere pensar que lo del pollo con gafas fue un error puntual antes que el primer paso de una nueva etapa creativa: al menos, aquí se nota que hay un diseño de personajes y una dirección mucho más enérgica, además de un reparto de voces que incluye presencias tan estimulantes como las de Gary Oldman, Denzel Washington o André Benjamin. Visualmente, "Meet the Robinsons" parece beber de la SF cincuentera y de (¡toma autorreferencialidad!) la zona "Tomorrowland" de los parques de atracciones Disney, aunque Joyce cita también otras fuentes de inspiración (esperemos que también se mantengan en la película: Es una mezcla entre "El doctor Doolittle", "Un sabio en las nubes", "Invasores de Marte" y una versión exagerada de mi propia infancia.

c) The Number 23: Trata de la obsesión con el número 23, que yo mismo tengo desde hace años, confiesa Jim Carrey, y añade que quiere convertir a todo el público en esa gente que ve el 23 por todos lados. Bien, estaréis pensando, una nueva comedia carreyiana en la que un pobre infeliz se obsesiona con la numerología... ¡con hilarantes consecuencias! Pues no. Por desgracia, "The Nuber 23" es un thriller serio protagonizado por una de las personas más graciosas del planeta. O, en otras palabras, un desastre anunciado desde su mismísimo trailer, que preludia una película previsible al tiempo que llena de giros absurdos. Algo muy parecido a "El efecto mariposa", en suma. "The Number 23" tiene solamente dos posibilidades de salvación: a) el siempre inestable Joel Sumacher, aunque aferrarse a él es como jugar a la ruleta rusa (por cada "Un día de furia" hay un "Flawless"); y b) que el talento de Jim Carrey, que ya pasó la prueba del drama, nos haga creernos una trama de suspensa numerológico. Ambos tipos se entendieron de maravilla en "Batman Forever", pero mucho me temo que no ocurrirá lo mismo esta vez. De todos modos, estoy deseando que llegue febrero y me demuestren que estoy en un error.

Cuando, años atrás, le preguntaron a Noel Gallagher si Oasis pensaba sacar un disco recopilatorio, si respuesta fue contundente: "No hasta que nos separemos". Por eso, el anuncio de "Stop the Clocks", el (cof) disco recopilatorio que (cof, cof) Oasis va a sacar el próximo 20 de noviembre, le cortó la digestión a muchos fans del grupo. ¡Tuvo que suceder! ¡Malditos hermanos! ¡Malditas peleas! ¡Se separan! ¡Ahora tendremos que aguantar la (quimérica, pero indudablemente coñazo) carrera en solitario de Noel! ¡Maldito Manchester! Para alivio de todos ellos, los Gallagher publicaron una nota de prensa muy de su estilo: en ella, afirmaba que el grupo no se separaba, sino que simplemente se tomaba "un bien merecido año sabático antes de empezar a trabajar en material nuevo, destinado a reportarles similares niveles de éxito en el futuro" (es literal). Por tanto, "Stop the Clocks" es, según sus responsables, "una oportunidad para que el mundo revise la inmensa contribución que Oasis ha hecho y sigue haciendo al rock 'n' roll" (vuelve a ser completamente literal).

La verdadera razón de que el lunes que viene tengamos que pasar por las tiendas para comprar unas canciones que ya tenemos (y que algunos de nosotros somos capaces de recitarlas incluso al revés) es la siguiente: Sony tenía muy claro que la banda no iba a volver a firmar con ellos, por lo que pensaban terminar de forrarse con ellos a través de un grandes éxitos, le gustase o no a su líder. Noel dijo que, ya que era inevitable, prefería seleccionar él mismo las canciones, en lugar de dejar que el estudio elaborara una simple compilación de singles. El resultado es un recopilatorio bastante más equilibrado de lo que uno esperaba (exitazos como "Don't Look Back in Anger" se combinan con rarezas tan amadas por los fans como "Half the World Away" o "Talk Tonight"), aunque el hecho de que no incluya ni un mísero tema nuevo lo aleja de la brillantez que poseía, por poner el ejemplo inevitable, el "Best of" de Blur. De todos modos, el DVD que incluirá la edición especial (así como el booklet de 32 paginacas a todo color) convierte este "Stop the Clocks" en uno de esos discos que hay que tener, sobre todo si Oasis ha marcado más de un año de tu adolescencia de manera indeleble.

Para terminar con esto, no voy a ponerme a despotricar contra las canciones que no deberían haber sido incluidas (dos palabras resumen todo lo que tengo que decir al respecto: "Heathen Chemistry"), ni a lamentarme por las que deberían haber estado (cinco palabras: "Be Here Now", maldita sea). Prefiero ser positivo y hablar de las cinco canciones que, bajo mi punto de vista, conforman la joya de esa corona britpopera que es "Stop the Clocks":

1. Rock 'n' Roll Star ("Defenitely Maybe"): Contundente y rabiosa declaración de intenciones de unos jóvenes dispuestos a merendarse Gran Bretaña, no sólo es la mejor manera de abrir un disco como este: es la única que se me ocurre.
2. Acquiesce ("The Masterplan", cara B de "Some Might Say"): No es de extrañar que la hayan elegido para promocionar el recopilatorio, porque es la que mejor define la mecánica y la música del grupo. Un himno.
3. Champagne Supernova ("(What's the Story) Morning Glory?"): Un intento de hacer rock épico-intimista que no empacha ni empalaga, sino que deja con ganas de repetir. Contiene la frase "Where were you while we were getting high?", algo así como el ADN de Oasis.
4. Supersonic ("Defenitely Maybe"): Para decirlo claramente, "Supersonic" es el Britpop.
5. The Masterplan ("The Masterplan", cara B de "Wonderwall"): Noel Gallagher declaró que relegar esta canción a la categoría de cara B fue una de las cosas más estúpidas que ha hecho en su vida. Seis minutos de pura música capaces de hacerte flotar.

Diez cosas que realmente han cambiado mi vida este mes:

1) Borat. El hombre, la leyenda.

2) Las ensaladas a gusto del consumidor de Rodilla. La salsa César está entre las cinco cosas más adictivas del planeta, justo entre el Mountain Dew y la metadona.

3) Ms. Dewey: Alvy me la descubrió ayer (¡gracias!) y aún no he parado de asombrarme. Es como el pollo sumiso de Burger King, sólo que útil y más sexy. Aunque también algo cargante...

4) Este peluche. ¡Nadie se espera este peluche!

5) Cristina de "Operación Triunfo". Lamentablemente, mis abogados me recomiendan que no siga escribiendo más cosas en esta frase.

6) Ya que estamos, el creativo publicitario de "Operación Triunfo". Personalmente, pienso que el pobre no tiene ni media oportunidad contra Simon Cowell, pero aún así pagaría por verlos a ambos en un "Celebrity Deathmatch". Y, reconozcámoslo, el tipo tiene una modalidad muy extraña de carisma.

7) Esta tienda on-line. Que me manden un gorrito rojo y un Speedo.

8) El videoclip Prefiero Dixie Chicks a las Chicks on Speed, de Ultraplayback. puro Vigalondo (atención al cameo en el minuto 1:14). Leed en los comentarios del FocoBlog la exclusiva que un servidor le sacó al mismísimo Capitán Minifalda (de nada).

9) El espejo de ducha falso que esconde una cámara se seguridad. Hay al menos siete razones por la que esto no está bien. Nada bien.

10) Las nuevas secciones de este blog: además de esta, mañana estreno otra dentro de "Cinefagia" (sí, lo sé: esto empieza a ponerse complicado). En un arranque de originalidad, he decidio llamarla "Reviews", un término que casi nadie en la blogosfera está usando y que, por tanto, me va a convertir en un referente. La cosa consistirá en (lo habéis adivinado) una crítica de cine, con: a) tres párrafos largos llenos de palabras como subtexto o metalenguaje; y b) un párrafo corto y en negrita que resume los tres anteriores (ideal para el lector perezoso y/o apurado). Tendréis que esperar a mañana para descubrir la película que inaugura la mini-sección, pero os doy una pista: Vesper.

A la hora de intentar dotar de vida a una franquicia moribunda, sus productores siempre optarán por el camino fácil antes que por el complicado. Al fin y al cabo, es más seguro incrementar la dosis de espectacularidad e incluir una generosa ración de referencias para el fan de toda la vida ("Muere otro día", 2002) que atreverse a darle a la saga lo que realmente necesita: una radical transfusión de sangre que resucite algo a lo que muchos ya le han extendido el certificado de defunción. No obstante, una cosa es incluir pequeñas (pero, aparentemente, muy aparatosas) variaciones en un mismo tema, y otra muy distinta es atreverse a cambiar por completo de partitura. La duda siempre será si la música seguiría sonando igual tras emprender el camino complicado.

Los primeros veinte minutos de "Casino Royale" (película que ha tomado el camino complicado y ha alzanzado la brillantez) deberían bastar para constatar que, de hecho, la música suena mejor que nunca: con un pie puesto en la tradición y el otro (bien firme) en ese futuro al que los últimos Bonds parecían tenerle miedo, nuestro nuevo hombre secreto parece haberse liberado, por fin, de esa losa formal que le convertía en poco menos que un fósil viviente. En ese sentido, este "Bond 21" va mucho más allá de lo que lo hacía la estimable "GoldenEye" (1995): si aquella pretendía reflotar momentáneamente al personaje para adaptarlo a los tiempos post-Guerra Fría, "Casino Royale" propone un radical cambio de paradigma que no sólo afecta (de manera profunda y permanente) al fondo, sino también a la forma. Así, estamos ante la primera película de la saga que opta por lo físico antes que por el artificio en las escenas de acción, una decisión que contribuye a resaltar el tono eminentemente adulto que Martin Campbell y su trío de ases (Neal Purvis, Robert Wade y Paul Haggis) le imprimen a esta primera aventura que, al contrario que la reciente precuela de "La Matanza de Texas", no se conforma con incluir un par de codazos cómplices para el espectador avezado (De modo que ASÍ fue como consiguió el Aston Martin...), sino que reformula el mito casi de arriba a abajo. Estamos muy lejos de ese superagente brosniano que no se despeinaba ni a bordo de un tanque: este Bond sufre, jadea, tose, suda, sangra, vomita y siente. Definitivamente, esto no es el gracejo camp de Roger Moore. Esto es Daniel Craig.

"Después, (Bond) se durmió. Y, una vez que su cordialidad y el calor de sus ojos se extinguieron, sus rasgos se tornaron una máscara taciturna, irónica, brutal y fría". Estas fueron las palabras que utilizó Ian Fleming para describir a 007 en la fundacional novela que inspira esta película: si no las hubiera escrito décadas antes de que Craig se hiciera con su papel protagonista, cualquiera podría pensar que Fleming estaba realizando una descripción endiabladamente precisa del actor. No es arriesgado afirmar que, por primera vez, tenemos a un Bond cinematográfico que realmente se asemeja al complejísimo asesino con sentimientos (o algo muy parecido) de las novelas, y sé muy bien lo que estoy diciendo y todo lo que ello implica. Puede que Craig aún no se haya hecho del todo con el personaje (esperad al ya anunciado "Bond 22"), pero sus maneras y su extraña forma de carisma tienen más que ver con el Batman de Frank Miller que con cualquier otro actor que haya encarnado a James Bond. No es el único intérprete que consigue dotar de alma a su personaje, en una saga que hasta ahora se había caracterizado por su amor hacia el arquetipo: Eva Green también logra componer una singular femme fatale de mirada galvánica sin por ello dejar de ser el ideal de Chica Bond que cualquier fan masculino de la saga tiene en mente. Es posible que ese afán por revelar facetas ocultas de unas convenciones que ya asimilamos hace mucho tiempo sea el secreto del éxito de "Casino Royale", además de la razón por la que se constituye en la entrega más moderna de la saga. Y eso es algo que, a veces, consigue hasta sin proponérselo: es posible que más de un gafapasta vaya a pensar la tortura con la que Le Chiffre honra a 007 es una reinterpretación posmoderna de la mítica secuencia de "I expect you to die!" que Gert Fröbe bordó en "Goldfinger" (1964), pero lo cierto es que ya figuraba, tal cual, en la novela de Fleming. Y lo mismo va para la despiadada, contundente réplica final que nuestro hombre le dirige a M: hay veces en las que, si la partitura es buena, lo único que hace falta es saber encontrar los instrumentos adecuados.

VEREDICTO: Espectacular, sólida y sorprendentemente emocionante, "Casino Royale" reformula y añade capas de complejidad a un icono de la cultura popular que ya creíamos extinguido. Olvídate de "Superman Returns": esta es la auténtica película de superhéroes de 2006.

Haciendo gala del altruismo sin límites que siempre le ha caracterizado, "El Emperador de los Helados" te trae las novedades jugueteras más estimulantes (para que así no tengas que ir a buscarlas tú mismo).

El juguete del mes: Esta preciosidad de la derecha se llama The Batman Ultra Blast y, como podéis ver, es el sueño de todo niño de seis años que acaba de descubrir al Cruzado de la Capa. Armado con una BFG que lanza tres (tres) misiles al mismo tiempo, este muñeco no sólo es una de las cosas más molonas que vais a ver en todo el día de hoy, sino que también puede ser la manera perfecta de iniciar una colección de figuras batmaníacas que, por ejemplo, combine su estilo futurista con esta versión vintage llena de bat-accesorios (las dos caras de una misma moneda). Para que no se sienta solo, el Señor de la Noche podrá buscar compañía en su fiel galería de villanos: este Dos Caras es un portento, pero todo el mundo sabe que ninguna bat-colección podría estar completa sin uno o varios Jokers que le den algo de color (mi preferido, este de aquí, que parece recién salido de Arkham). ¿Y qué sería de Bats sin su cochecito? Aquí tenéis maquetas del Batmóvil para dar y regalar (¡si incluso está el coche rojo que llevaba en los primeros tebeos!), pero os advierto que haceros con todas podría suponer un duro revés para vuestro monedero. Para terminar, la joya de la corona, el complemento perfecto de esta hipotética colección: el Batman expresionista en blanco y negro. Tan bonito que te duelen los ojos si lo miras fijamente.

Más:

• Zoltar, The Fortune Teller. Un descubrimiento de Idaho.
• Hucha de Rasca y Pica. Basado en los simpáticos personajes creados (o no) por el director del polémico cortometraje "Los superhombres nazis son nuestros superiores".
• Estatuas de "Kingdom Hearts". La de Jack es casi mejor que el merchadising de su propia película.
• ED-209 de 15 pulgadas. Tienes diez segundos para comprarlo. Nueve segundos. Ocho.
• Estatua de Stewie a tamaño real. Dato curioso que probablemente no sabías: su nombre completo es Stewart Gillian Griffin, aunque él prefiere que le llamen Stewart "Snake" Griffin.
• Pirata de color sepia. Con toda probabilidad, el único muñeco del mundo que está basado en un póster antiguo de una atracción de Disneyland.
• Gárgola Attakus. Lleva la pesadumbre a tu hogar y, quién sabe, igual hasta cobra vida cuando se hace de noche.
• Estatua de Sister Benedicte. Esto no va a gustar en el convento...
• Kurt Cobain Unplugged. Dato curioso que probablemente no sabías: Cobain fue uno de los mayores fans del artista marciano Daniel Johnston, hasta el punto de aparecer en varias sesiones de fotos y galas de premios con una camiseta suya.
• Sets de Hanna-Barbera (McFarlane Toys). El del Capitán Cavernícola es sencillamente sensacional.

Si este fin de semana sólo tenéis dinero para ir a ver una película (¡a saber en qué os lo habréis gastado!), mi consejo es que sea Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan, la mejor comedia de los últimos dos años. Como ya me duelen los dedos de teclear alabanzas a la película, paso a recomendaros unos cuantos enlaces para ver antes y después de pasar por taquilla. Empecemos con los de antes: a) The Unofficial Borat Homepage, una web británica que tiene toda la pinta de ser la más longeva de las dedicadas al personaje, es un buena manera de saber todo lo que hay que saber sobre el Borat de antes de la película (¿sabíais que existe una primera versión, llamada Kristo, que data de 1998?); b) la página de Mahir Çağrı, una estrella turca de internet que acuñó la frase "I kiss you!!!!" y que sirvió de inspiración para modelar a nuestro reportero kazajstano favorito; y c) esta colección de camisetas boratianas, la primera que sale al mercado (y no será la única). Una vez volváis del cine, podéis daros un paseo por este artículo (que a mí me pasó el Dr. Zito) y ver la historia detrás de cada una de las secuencias de la película, empezar a familiarizaros con Bruno (personaje sobre el que Baron Cohen ya está preparando un largometraje) o leer el texto que escribí en colaboración con Dreamers. Por cierto, señores de Dreamers: muchas gracias por dejarme escribir en su web. Saben que pueden venir cuando quieran a mi casa, comer mi comida y usar a mi hermana.

Si, después de "Borat", aún os queda dinero para ver otra película, que esa sea El ilusionista, la única en cartel que tiene escenas de necromancia. Aquí no me voy a andar con pretextos y os voy a recomendar directamente mi artículo: en Kultura Urbana podréis leer un par de cosas bonitas sobre Edward Norton, al que tuve la fortuna de ver en persona este miércoles. No fue una experiencia fácil: tener cerca al protagonista de una película ("El Club de la Lucha") que forma parte indisociable de mí es algo que dio un poco de miedo. Y que me puso muy, muy nervioso. La película está bien, pero no vayáis buscando una genialidad ni una bizarrada: para eso tendremos que esperar a "The Prestige", aunque también es posible que Chris Nolan nos vuelva a defraudar. Otra vez.

Uno de los mejores libros que he leído este año es Jack the Ripper and the London Press, de L. Perry Curtis, Jr., un exhaustivo y fascinante estudio sobre el impacto de los asesinatos de Whitechapel en la prensa victoriana. Como ávido devorador de todo material mínimamente relacionado con Jack que cae en mis manos, no puedo más que rendirme ante una obra que deja muy de lado las teorías y el quién-lo-hizo para centrarse en un fenómeno decisivo para la construcción de ese (frenético, paranoico) estado mental en que se convirtió el East End londinense durante la segunda mitad de 1888. La prensa londinense y, especialmente, su impacto en los lectores de toda Gran Bretaña contribuyó de forma fundamental en la forja del mito del Destripador (ahí tenemos la catarata de cartas falsas que llegaron a Fleet Street entre los asesinatos de Liz Stride/Catherine Eddowes y Mary Jane Kelly, el ejemplo más diáfano y significativo del estado febril en el que Jack sumió a las buenas gentes de Londres), pero también en la forja de la figura del asesino en serie, un acontecimiento para el que los periódicos británicos no estaban ni remotamente preparados (¿cómo iban a estarlo?). Ahí reside el motivo por el que este brillante estudio trasciende la categoría de Ripperature del montón: Alan Moore estaría de acuerdo en que su autor nos está hablando, en realidad, del nacimiento del siglo XX (o, al menos, de uno de los fenómenos más característicos del siglo XX).

Perry Curtis, Jr. consigue hacer interesante lo que, en otras manos, hubiera sido un coñazo con pretensiones: es posible que muchos lectores encuentren accesorios sus capítulos sobre el periodismo de sucesos británico o el ecosistema de Whitechapel antes de que Jack los cambiara a ambos para siempre, pero lo cierto es que esa información es bastante útil una vez que entramos en materia. Además del buen hacer del autor, hay tres razones por las que recomendaría encarecidamente que todos le echarais mano a este volumen si se presenta la oportunidad: a) el capítulo dedicado a la cobertura del asesinato de Mary Kelly, una exhibición de atrocidades ante la que algunos se refugiaron en la cita literaria ("On Horror's Head Horrors Accumulate", titulaba el "Evening News" del 10 de noviembre) y otros optaron por la primera descripción explícita del Horror de la que se tiene constancia; b) la acumulación de prejuicios que arrastraba tanto la prensa liberal y como la de los tories, que llegó a convertir los asesinatos en la metonimia del temido crisol de razas que era East End (los dos primeros asesinatos, especialmente, fueron atribuidos a muy diversos arquetipos xenófobos); y c) la absurda guerra de sexos que desató el Destripador en decenas de editoriales, con feministas convirtiéndolo en el epítome del machismo exacerbado (una vez más, Jack como brutal catalizador de acontecimientos que ya se venían gestando en la Inglaterra victoriana).

Pero, sobre todo, "Jack the Ripper and the London Press" es un tomo imprescindible para comprender la evolución del serial killer en los medios y la sociedad: así, lo que era descrito como un monstruo o un ghoul cuando mató a Polly Nichols acabó convirtiéndose en una verdadera estrella mediática desde mucho antes de entrar en la habitación de Mary Kelly. La prensa londinense de la época del Destripador tiene otro rasgo (fundamental) en común con la de los siglos XX y XXI: la distancia prudencial que todos (periodistas y lectores) tomamos cuando tratamos con El Otro, con el monstruo. En otras palabras, pocos artículos se atrevieron a admitir que Jack era, al igual que sus lectores, un ser humano. Y ese abismo (que nos devuelve la mirada) sigue existiendo hoy en día.

Hace frío, ¿verdad? Pues, al parecer, hay mucha gente que está dispuesta a hacer algo al respecto: me he pasado buena parte de la tarde navegando por enlaces relacionados con el vasto, vastísimo mundo de las bufandas, un universo paralelo de ganchillo que tiene cientos de seguidores en todo el mundo. ¿Cómo tomarse todas las páginas web que se encuentra uno cuando escribe un término relacionado con las bufandas en Google? Seamos sensatos y tomémonoslas con humor.

Entre tanta lana, es normal que encontrarse con rarezas estimulantes. Por ejemplo, la asombrosa prenda que lleva la chica de la izquierda: se trata, nada menos, que de un gorro + bufanda + guantes (todo de lana), algo que es posible que parezca una buena idea en teoría, pero que en la práctica dará más de un problema. Seguro. Más divertidas parecen estas bufandas basadas en videojuegos añejos, aunque no puedo identificar más que uno (el más fácil). ¡Espera! ¡El de los pistoleros se parece al que jugaba Marty McFly en "Regreso al futuro II"! Eso son dos puntos para mí. Por último, visitad este enlace: ideal para todo el que esté interesado en lucir una bufanda como las que llevan los alumnos de Hogwarts y, además, no quiera perderse la diversión que debe de ser tejerla a mano (¡uau!). Las hay de todas las Casas, e incluso contemplan la diferencia de colores que existen entre Ravenclaw en los libros y Ravenclaw en las películas. Por cierto, ya que hablamos de las películas, no os perdáis el flamante teaser de Harry Potter y la Orden del Fénix: los dos segundos que vemos de Bellatrix Lestrange son fascinantes. De todas maneras, son dos segundos.

El diseñador de sellos no es la única maravilla que Says-It.com pone a nuestra disposición para que no actualicemos nuestros respectivos blogs. De todos modos, yo prometo hacerlo antes de que acabe el día. Aunque será un trabajo complicado con cosas como esta...

La primera película de Robert Altman que vi fue "El juego de Hollywood", la sátira vitriólica que estrenó en 1992 para recordarles a todos esos peces gordos de Hollywood que aún seguía con ganas de pelear (y de morder). Tal vez no sea la mejor manera de acceder a su filmografía, pero no hay duda de que es una de las más espectaculares: ese gigantesco plano secuencia inicial, con sus coqueteos metalingüísticos (ese diálogo sobre lo largo que es el, eh, gigantesco plano secuencia inicial de "Sed de mal"), sus actores con carta blanca para improvisar, su acertada ironía y su cámara-testigo contienen prácticamente todas las claves secretas del Altman que amo. La segunda película suya que vi fue "El doctor T. y las mujeres", que contiene todas las claves secretas del Altman que detesto. Con esto no quiero decir que ayer no se nos haya ido un maestro: no hay duda de que así ha sido. También quiero dejar claro que el Altman que amo le gana ampliamente el pulso al Altman que odio. Lo que quiero decir es que él, como sus personajes, estaba lleno de contradicciones, de altibajos, de momentos de gloria a los que les seguía un gran bajón (y viceversa). Que era, en suma, un cineasta muy humano, pero, ante todo, un cineasta muy valiente. Extremadamente valiente.

Hay una película de Altman que muy pocos están recordando en esta emotiva y merecida catarata de homenajes que está recibiendo el maestro del naturalismo: me refiero a Secret Honor (1984), una miniatura magistral dirigida por un hombre que será recordado por sus repartos espectaculares. El Altman de "Secret Honor" es, en muchos sentidos, muy distinto al Altman de "Nashville" o de "Vidas cruzadas (Short Cuts)": aquí tenemos a un único actor en un único decorado, y además en tiempo real. Sin embargo, esta es una película tan altmaniana como sus grandes obras corales, con el estilo libérrimo y la toma de riesgos que le convirtieron en uno de los directores clave del cine americano de los 70. También está presente su total comprensión y respeto por la labor de los actores, inédita en un director norteamericano: al cederle la parte del león a un enmudecedor Philip Baker Hall, "Secret Honor" demuestra que, en ocasiones, un cineasta ha de ser invisible (sí, ahí va otro piropo: Altman también sabía ser generoso). Y estamos hablando de un tipo que, cuatro años antes, había hecho algo tan radicalmente distinto como la deliciosa "Popeye"; y que tres años después le dedicaría una película a dos personajes como O.C. y Stiggs. Por eso le perdono las películas malas. Porque era un director que no podía estar quieto, que no paraba de reinventar géneros, de contar historias distintas, de emprender nuevos caminos, de tocarle las narices a la ortodoxia. Y porque cerró su filmografía con una comedia alocada en cuyo rodaje no dejó de meter mano a Lindsay Lohan.

Por todo ello, esta noche brindo por usted, Mr. Altman.

El Nuevo Gran Salto Adelante: La imagen mental de un ex-líder soviético cenando en el McDonald's ya se ha convertido en uno de los mayores lugares comunes de nuestro tiempo, pero puede que esté muy cerca de convertirse en una realidad. Os cuento: en el blog Virtual China nos enteramos de que KFC ha aprovechado la tradición propagandística del país en su última campaña publicitaria, que convierte el Tower Sandwich en un arma revolucionaria. La frase de promoción viene a significar algo así como: "KFC. Cambiando China. Creando la nueva comida rápida", y la web oficial parece proponer una revolución que comienza dentro de cada consumidor de pollo chino y que culminará con la creación de un nuevo tipo de comida basura, en la que la tradición culinaria del país se mezcle con las recetas que Estados Unidos importa a todo el mundo globalizado. Por supuesto, este Nuevo Gran Salto Adelante afecta también a Pizza Hut, Pepsi y demás filiales de KFC. Puede que estemos ante la prueba más diáfana posible del destino que le aguarda a toda ideología revolucionaria: lo que, en un principio, fue un movimiento subversivo acaba asimilado y convertido en moda pasajera/estrategia comercial/chascarrillo irónico. Y no necesariamente en ese orden.

Sell out, maintain the interest: Al Coronel Sanders no le haría mucha gracia ver su nombre asociado con nada remotamente cercano al comunismo, pero lo cierto es que tanto él como Mao son ya iconos intercambiables de nuestro siglo, material para las chapitas  que podemos ver en la solapa de un músico alternativo o en la mochila de una estudiante universitaria. Hoy en día, el Libro Rojo de Mao y el libro de recetas del Coronel Sanders tienen el mismo peso específico en la cultura pop. Lo cual no es ni bueno ni malo: simplemente, es. Además, gracias a internet, el coronel también ha conseguido que su utopía social cobre vida: aquí tenemos un simulacro de lo que le pasaría a la sociedad china si lleva su Revolución del Pollo Frito hasta las últimas consecuencias.

Timeo Skrulls et dona ferentes: Hablando de utopías, sociedades alternativas y política pop, no puedo dejar de recomendaros el último número de los "Ultimate Fantastic Four" que ha publicado Panini en nuestro país: se trata de una recopilación de los dos primeros capítulos de "Presidente Thor", un asombroso arco argumental de Mark Millar que os va a dejar tan de piedra como a Ben Grimm. Carmen Miranda, los Skrulls, viajes en el tiempo, un mundo poblado por superhéroes, los 4 Fantásticos zombis, Thor en la Casa Blanca, arañas robóticas protegiendo el espacio-tiempo, ecos del clímax de "Regreso al futuro II" y La Cosa tocándonos la fibra sensible como nunca lo había hecho. ¡Y eso que son sólo los dos primeros números! Corred a la tienda de cómics, jóvenes, que van a ser los 3 euros mejor invertidos de la semana.

¡Saludos, joven terrícola! ¿Estás pensando en servir a tu planeta y, de paso, viajar a donde ningún hombre ha llegado jamás? Pues este folleto interactivo es la solución a tus problemas: aquí te ofrecemos una guía de las nueve mejores naves interestelares en las que te puedes enrolar desde ya mismo (aparte de una sugerencia para los incompetentes que, aún así, quieran surcar el espacio). Además de una oportunidad única para adquirir la categoría de Ciudadano, servir en una nave espacial puede proporcionarte incontables aventuras y un elegante uniforme para volver locas a las atractivas alienígenas que, a buen seguro, conocerás en multitud de exóticos mundos. ¿A qué esperas? ¡Alístate ahora y cumple con tu obligación!

10. Clara Pandy (Slovik / "La balada de Halo Jones"): Que no te engañe la vista, porque este lujoso crucero de placer también está necesitado de personal de seguridad. Los altercados violentos y los ataques terroristas están casi a la orden del día (¿cuándo aprenderán estos asquerosos separatistas?), por no hablar del desagradable incidente con un robo-perro psicópata que tuvo lugar el año pasado. Tu labor en el Clara Pandy será solucionar todos estos pequeños contratiempos sin que la rica y glamurosa tripulación se entere de que han tenido lugar. Después de eso, quién sabe si logras convencer a alguna camarera sexy para que te acompañe a una de las legendarias fiestas que ofrece Lux Roth Chop...

9. Nostromo (Dallas / "Alien, el 8º pasajero"): La Corporación Weyland-Yutani estará encantada de aceptarte en su impresionante nave comercial (siempre y cuando superes todas las pruebas de acceso, por supuesto). La Nostromo está dotada de una eficiente inteligencia artificial que te permitirá referirte a ella como Madre, apodo cariñoso que le puso una tripulación con la que nunca estarás exento de calor humano. Y eso, joven terrícola, es algo muy importante cuando estás extrayendo minerales de un meteorito situado a años luz de casa. La Corporación está orgullosa de afirmar que esta es una de las naves más seguras de la galaxia, pero una cápsula de emergencia como la Narcissus nunca viene mal en caso de que las cosas se pongan realmente feas. En suma, la nave ideal para todo aquel que quiera conocer nuevos lugares... y las afables especies alienígenas que los habitan.

8. Nave de Planet Express (Turanga Leela / "Futurama"): El profesor Farnsworth nunca deja que un paquete llegue tarde a su destino, y, por eso, sólo escoge a los mejores para hacerse cargo de su sofisticada nave espacial. Es posible que Planet Express no sea la empresa de mensajería más importante de la galaxia, pero no hay duda de que es la más apasionante: en esta nave vivirás increíbles aventuras en lugares a los que antes solamente viajabas con tu imaginación, pero no te molestes en enviar tu carta de admisión si no te atrae el peligro (y por peligro queremos decir muerte segura). Sólo has de tener en mente un par de cosas: preocúpate si ves que tu robot cocinero pasa mucho tiempo a solas con la inteligencia artificial y, por el amor de Oprah, no dejes que el repartidor toque el microondas cuando os encontréis cerca de un agujero negro.

7. Discovery One (HAL 9000 / "2001, una odisea del espacio"): Cuando te envían a Júpiter en misión secreta, nada mejor que la compañía de una computadora principal como HAL 9000 para alegrarte el viaje. Si decides hibernar durante el trayecto, HAL cuidará de tus constantes vitales con atención y delicadeza. No obstante, si decides levantarte y charlar con él, este superordenador resultará ser un magnífico conversador: si tienes suerte, incluso puedes conseguir que te demuestre sus innegables dotes como cantante. Afectuoso, comprensivo y más humano que los humanos, HAL 9000 es el compañero cibernético perfecto para los viajes largos y aburridos. De todos modos, aún no estamos seguros de si puede leer los labios.

6. USS Enterprise (Jonathan Archer, James T. Kirk, Jean-Luc Picard / "Star Trek"): Es posible que las legiones de entusiastas de la Federación que pueblan la galaxia se enfanden considerablemente con este folleto por no colocar su buque insignia en el primer puesto, pero lo cierto es que el Enterprise no es tan terriblemente divertido como puede parecer a simple vista. Todos estamos de acuerdo en que la sala de hologramas puede proporcionar experiencias realmente excepcionales, pero los capitanes cada vez restringen más su uso (debido a los problemas que suele traer consigo una sesión de más de cinco minutos). Además, las misiones suelen ser tan formulaicas que todos los tripulantes de la nave se acaban hartando de ellas con facilidad (excepto los que lucen uniforme rojo: por alguna razón, aún no nos han llegado un sólo informe suyo). De modo que los fanáticos de la Federación nos perdonarán si recomendamos el Enterprise exclusivamente por el prestigio que da servir en él. Por otro lado, tampoco nos importa demasiado que no nos perdonen: todo el mundo sabe que son un colectivo desaseado y con evidentes problemas de sobrepeso que estaría mejor realizando alguna contribución útil a su planeta.

5. Red Dwarf (Frank Hollister / "El Enano Rojo"): Si decides alistarte en esta nave de origen británico, has de tener en cuenta una regla fundamental: nada de introducir gatas preñadas a bordo. Por lo demás, estamos seguros de que disfrutarás en este transporte minero, dotado de una interesante cápsula llamada Blue Midget y de zonas tan estimulantes como el pasillo blanco o el Parrot's Bar. Por si todo esto fuera poco, el Red Dwarf garantiza horas de diversión gracias a su descacharrante sistema de habitaciones, que coloca a las dos personalidades más opuestas de la nave como compañeros de cuarto.

4. Galáctica (William Adama / "Galáctica, estrella de combate"): Pero ya basta de diversión. Si realmente quieres hacer algo útil por la Humanidad, ayúdala a sobrevivir al inclemente asilo cylon sirviendo en la Galáctica, una nave donde te harás todo un hombre a los pocos días de entrar. Allí podrás conocer a personalidades tan interesantes como la del doctor Gaius Baltar, nuestra última esperanza para poder detectar a las máquinas que viven entre nosotros; o la capitana Kara Thrace, una auténtica heroína de guerra con una predisposición natural a tomar una copa contigo en cualquier momento del día (algo a lo que el coronel Saul Tigh tampoco se negará). Existen rumores de que hay otra nave con el mismo nombre surcando la galaxia, pero los informes que hemos recibido  sobre ella son demasiado ridículos como para tomarlos en serio. ¿De verdad hay alguien que se crea que el capitán Bill Adama fue granjero en el pasado y dirige su nave ataviado con una capa?

3. Corazón de Oro (Zaphod Beeblebrox / "La guía del autoestopista galáctico"): ¡Por fin está aquí el primer prototipo de nave que utiliza el revolucionario Motor de Improbabilidad para surcar el espacio infinito! Preciosa y perfectamente blanca, el Corazón de Oro es la nave más potente que tu limitada mente humana pueda imaginar, pero eso no es todo: Eddie (el ordenador principal) y Marvin (el androide paranoide) estarán dispuestos a satisfacer todas tus necesidades con presteza y dedicación (nota: es posible que uno de los dos no lo haga). No pierdas más el tiempo y envía ya tu solicitud para servir en ella, porque esta preciosidad será inaugurada mañana en Damogran por el mismísimo presidente de la galaxia (en lo que se prevee como un acto lleno de sorpresas).

2. Halcón Milenario (Han Solo / "Star Wars"): Sí, esta es la mítica nave espacial que ayudó a la fuerza rebelde a desbancar para siempre al cruel Imperio galáctico, así que ya sabes lo que significaría que te aceptaran en ella. Capaz de realizar la carrera de Kessel en menos de doce parasegundos, el Halcón Milenario es una nave por la que muchos matarían, y gran parte de la culpa es de su carismático capitán Solo, quien (según la leyenda) se la ganó a un antiguo colega en una partida de cartas. Una vez solucionada su pequeña dificultad para entrar en el hiperespacio, esta nave se convierte en una de las más deseadas de la galaxia. ¡Y pensar que hubo un tiempo en el que los insensatos se referían a ella como un "pedazo de chatarra"...!

1. Serenity (Malcolm Reynolds / "Firefly", "Serenity"): Terminamos nuestra guía dándole una oportunidad a todos esos inútiles que vean denegadas sus solicitudes para cualquiera de las otras nueve naves. La tripulación de la Serenity es el tipo de escoria a la que no le importaría admitir a un perdedor más en sus filas: de hecho, los perdedores siempre han mostrado una camaradería patética entre ellos. No sería de extrañar que una nave tan inútil como esta acabe siendo pasto de los Reavers. Sinceramente, no entendemos los motivos que impulsaron a su capitán a escoger esta nave por encima de otras mucho más distinguidas, ni tampoco la razón por la que trata a su panda de inadaptados como si se tratase de su propia familia: nosotros nos referimos a ellos como ilusos, insignificantes e inadaptados. Reynolds, por alguna razón, les llama Browncoats.

* ¿Te ha gustado el folleto interactivo, joven terrícola? ¿Se te ocurre alguna otra nave digna de mención? Pues no olvides enviarnos tus sugerencias para que las tengamos en cuenta a la hora de elaborar futuras guías del espacio. ¡Muchas gracias!

De acuerdo, lleva muchos cómics volviendo, pero esta vez es distinto. Para empezar, Joss Whedon se ha referido a su nueva serie de 22 números como "la octava temporada", lo que significa que va a pasar a formar parte del canon desde el mismo instante en que aparezca publicada. Por si la palabra de Joss no fuera suficiente para vosotros, él mismo se encargará de guionizar el primer arco argumental (es decir, los cuatro primeros números), además de contratar a algunos de sus primeros espadas para encargarse del resto: si hacemos caso a los rumores, Jane Espenson, Drew Goddard y Tim Minear ya estarían trabajando en sus guiones. Y, por supuesto, el season finale correrá a cargo de ya-sabéis-quién, que nos promete un Gran Malo inesperado... pero familiar para todos los fans (aunque que me aspen si sé quién demonios puede ser).

Hasta ahí, nada que ya no supiéramos. De hecho, toda la información del párrafo de arriba lleva poniéndonos los dientes largos a los buffyadictos desde finales de julio. De modo que vayamos con las novedades: en una entrevista concedida a Entertainment Weekly, Whedon ha ido dejando una de sus retahílas de pistas crípticas para aliviar un poco más la tensa espera (el primer número no sale hasta marzo, amigos y vecinos). Sin duda, el punto más importante que se trata es el tema "Angel": dado que los derechos del spin-off y todos sus personajes pertenecen a otra editorial de cómics, muchos se temían que la octava temporada no pudiera contar con presencias tan estimulantes como la de Spike o el propio Angel. Bien, pues no hay nada que temer... casi, ya que Whedon afirma que piensa utilizarlos, pero en muy pequeñas dosis y que se note demasiado que son ellos. De todos modos, hay que tener en cuenta que estos nuevos cómics coincidirán con la quinta (y mejor) temporada televisiva de "Angel", por lo que abusar de sus personajes hubiera sido un atentado contra la continuidad. Otra cosa interesante: leyendo entre líneas, uno puede deducir que Joss piensa aprovechar sus cuatro primeros números para presentar uno por uno a los miembros del Núcleo, argumentando que no quiere volver a tener que presentar a todos sus protagonistas en poco tiempo (como hizo en "Serenity"). En mi opinión, es una gran idea: ha pasado mucho tiempo sin que veamos a Buffy, Willow, Xander y Giles. Y si estos personajes no se merecen 24 páginas de reencuentro, entonces es que esta todo esta idea de la octava temporada no tiene sentido.

Podría seguir escribiendo y escribiendo, pero temo resultar aburrido. ¿Vosotros qué pensáis? ¿Sois tan optimistas como un servidor, o creéis que es una mala idea seguir con la historia? ¿Hubierais preferido una sexta temporada de "Angel"? ¿O una segunda de "Firefly"? ¿Por qué demonios no dan luz verde a "Serenity 2"? ¿Y, sobre todo, qué opináis del nuevo modelito de Buffy?

IV. Sexo

O la razón de ser del ecosistema adolescente cinematográfico. La dicotomía entre mojar/no mojar ha estado más o menos presente en la mayoría de las películas que llevamos analizadas (y de las que vendrán), pero las cinco que vamos a tratar hoy la elevaron, directamente, a la categoría de figura de estilo. Desde los agujeros de unas duchas de instituto hasta una tarta de manzana agujereada, demos un paseo por las metáforas sexuales que mejor han definido nuestros años de ansiedad, sudores y poluciones nocturnas. Porque luego abandonamos el instituto y el sexo deja de obsesionarnos... Eh, sí, claro. Así es como ocurre.

15 Porky's (1982): Papá Oso para el resto de comedias hormonales, punto y aparte en la adolescencia de toda una generación, "Porky's" fue más que una película: fue un rito de iniciación. Perteneciente al subgénero nostálgico que manchó de algodón de azúcar cincuentero la filmografía de no pocos cineastas de los 70 y 80, este despendole canadiense fue, junto con la alucinante "Zapped!", la primera cinta que dio al público adolescente lo que el público adolescente realmente quería: guarradas, escatología y gamberradas en grandes dosis. "Porky's" parecía pensada para ser disfrutada en primerizas y maratonianas sesiones de VHS antes que en una sala de cine, acuñando toda una nueva forma de entender el cine adolescente que nada tenía que ver con cosas "Grease" o "Rebelde sin causa". Su apabullante éxito y su entrada casi inmediata en la cultura popular (gracias a la imborrable secuencia de las duchas) le garantizó una secuela que se abordaban temas como Shakespeare y el Ku Klux Klan sin rebajar ni un ápice su grosería y una tercera parte que estaba más cerca del bajón repentino que del orgasmo final. De todos modos, tampoco era su intención pasar a formar parte del Libro de Oro de las Trilogías Cinematográficas. Ni, de hecho, tampoco a la historia del cine.

Frase mítica: This has gotta be the biggest beaver shoot in the history of Florida. Momento definitorio: Lassie. Canción para recordar: "High School Nights", de Dave Edmunds. Ver también: "Porky's II: El día siguiente (1982), "Porky's III: La venganza (1985), "Just One of the Guys" (1985), "American Pie" (1999).

16 El último americano virgen (1982): ¿Quién dijo que las películas adolescentes han de acabar obligatoriamente bien? De acuerdo, sus responsables suelen ser ex-nerds que siempre tenderán a castigar a los triunfadores y darle una maldita oportunidad a los perdedores, pero eso no siempre tiene por qué ser así. "The Last American Virgin", por ejemplo, optó por el realismo hiriente antes que por el happy end de cuento de hadas, dándonos a todos un puñetazo en la boca del estómago que no nos será precisamente fácil olvidar. No obstante, lo que viene antes de ese final es comedia adolescente de la buena: con un sosias de John Belushi a su lado, el sufrido protagonista de esta quintaesencial epopeya sexual adolescente pasará por todo tipo de cómicas humillaciones en su alucinante odisea para mojar el churro. Y, todo ello, aliñado con una de las mejores bandas sonoras de la historia del subgénero, en la que Oingo Boingo se da la mano con Blondie. No es un clásico, pero tampoco te mata.

Frase mítica: Cash up front or Ruby walks. Momento definitorio: Gary llorando a lágrima viva mientras su chica se va con el malote. Canción para recordar: "Whip It", de Devo. Ver también: "Eskimo Lemon" (1978), "Virgen a los 40" (2005).

17 American Pie (1999): Podría haberse quedado en la simple ejecución del concepto "Porky's" con webcams, pero lo cierto es que esta película fue más, muchísimo más. Para empezar, tenía algo que todos sus plagios, parodias y/o derivados nunca tuvieron: personajes con tanta alma como libido, que trascendían el arquetipo mientras jugaban con él y son hacían sentir que éramos parte del grupo de colegas. No obstante, Jim, Michelle, Stifler, Finch y Oz no serían más que un puñado de frases geniales si detrás de ellos no hubiera unos actores en estado de gracia, algo que se ve sobre todo en la segunda (y mejor) parte de una trilogía que nos hablaba de lo complejo que es madurar cuando a uno le siguen haciendo gracia los chistes de pollas (dentro de tartas). La tercera entrega podía haber sido la crónica crepuscular del fin de la adolescencia que Adam Herz tenía en mente, pero acabó revelándonos que el destino último de todo Jim (y de todo Stifler) es sentar la cabeza, casarse por la iglesia y pasar a ingresar en la aburrida maquinaria social contra la que se revelaba en sus años salvajes. Si este desesperanzador, cínico mensaje era premeditado (que me da que no), "American Wedding" le arrebata a "El último americano virgen" el título de Comedia Adolescente con el Final Más Desolador de la Historia. Eso sí: para pasárnoslo bien, siempre nos quedarán las dos primeras.

Frase mítica: This one time, at band camp, I stuck a flute in my pussy. Momento definitorio: Jim, un pastel de manzana y muchas ganas de experimentar. Canción para recordar: "Mutt", de Blink 182. Ver también: "Un perdedor con suerte" (2000), "American Pie 2" (2001), "American Pie: ¡Menuda boda! (2003), "American Pie: Band Camp" (2005), "American Pie: The Naked Mile" (2006), "Another Gay Movie" (2006).

18 No es otra estúpida película americana (2001): En teoría, esta era la comedia adolescente que acabaría con todas las comedias adolescentes, pero lo cierto es que destilaba más amor y conocimiento de causa que intención destructiva (¿quién querría cargarse un subgénero como este, aparte de los críticos y el Partido Republicano?). Con un título original como (coged aire) "10 Things I Hate about Clueless Road Trips When I Can't Hardly Wait To Be Kissed", uno ya sabe lo que le espera: un catálogo de referencias hilvanadas de manera más o menos coherente en una trama al servicio de la chuminada. La buena noticia es que el resultado final se situaba bastante por encima de la media (si consideramos que la media es "Date Movie"), sobre todo en lo que a la eficacia de sus gags se refiere (el afroamericano autoconsciente de su papel, el flashback en el campo de fútbol americano, la estudiante de intercambio...). Como extras, tenemos la obligada cuota de cameos de culto (¡Mr. T!) y estrellas en alza (¡Chris Evans!).

Frase mítica: Dude, you can't start a slow clap at any time and expect everyone to join in. Momento definitorio: El final en el aeropuerto, con Molly Rigwald rompiendo la cuarta pared en repetidas ocasiones. Canción para recordar: "Tainted Love", de Marilyn Manson. Ver también: "No puedes comprar mi amor" (1987), "Shriek if You Know what I did Last Friday the Thirteenth" (2000), "Orange Country" (2002).

19 La vecina de al lado (2004): Dejemos claro desde el principio que soy de los que piensan que este es un ejemplo diáfano de comedia que es incapaz de superar su frase de promoción (de todos modos, mucho me temo que ni Will Ferrell podría superar ese pedazo de: "Matt never saw her coming... but all his friends had!"). Dicho esto, reconozco que dejar fuera de este apartado a una película que, básicamente, es la materialización del sueño erótico americano por excelencia sería una decisión algo estúpida. "The Girl Next Door" tiene momentos bastante logrados (la convención en Las Vegas es sensacional), pero a uno le da la sensación de que esta viendo la versión para menores acompañados de una historia que debería haber sido para mayores de 18 años. Con todo, siempre tendrá un huequecito en nuestros corazones por contar con Elisha Cuthbert como protagonista: si sólo hubiera enseñado un poco más (en realidad, algo) de carne...

Frase mítica: Please! Matt! Fuck her for me! For me! Momento definitorio: Matthew (Emile Hirsch) se monta la fiesta él solito tras comerse accidentalmente una pastilla de éxtasis. Canción para recordar: "Under Pressure", de David Bowie y Queen. Ver también: El videoclip de Paris Hilton "Nothing in This World" (2006).

* El rincón de Stifler (frases célebres del hombre más sensible del cine contemporáneo):

Recuerdo cuando empezamos a hablar de esto sin saber muy bien de qué iba exactamente. Ahora, tres meses después, "Lonelygirl15" se ha convertido en uno de los acontecimientos socio-culturales más importantes de 2006 y, con casi total probabilidad, el primer salto evolutivo de YouTube (aunque aún no tenemos ni la más remota idea de hasta dónde lo llevará). Para saberlo todo sobre la serie, nada mejor que este excelente artículo de "Wired", revista que (no en vano) le dedica la portada de su último número. Os advierto que es extremadamente recomendable incluso si sois seguidores de Bree: ya en el tercer párrafo, su creador (Mesh Flinders) nos revela que es capaz de pasarse más de un día entero en la habitación/plató donde transcurre la serie. "No tengo ninguna razón para salir", dice Flinders. "Aquí es donde escribo los guiones, aquí es donde los rodamos y aquí es dónde duermo. ¿Por qué iba a salir?". El tipo al que "Wired" define como el JJ Abrams de internet es el verdadero pionero de un futuro en el que, con un poco de ingenio y un presupuesto bastante razonable, todo el mundo podría ser capaz de escribir, rodar y emitir sus propias series de ficción. O ese es, al menos, el escenario que se nos presenta a finales de 2006: veamos dónde acaba todo esto, y confiemos en que los acontecimientos vayan avanzado tan rápido como lo ha hecho "LonelyGirl15".

Cambiando de tema, ahí arriba tenéis ya el primero de los tres logotipos navideños que adornarán este blog durante la temporada 2006-2007. ¡Es Buddy, amigos y vecinos! ¡Buddy! De todos modos, sólo es la fase de calentamiento: el viernes, día 1, entramos en materia. Ho-ho-ho.

Tú y yo lo sabíamos: la flamante revista Xtreme (o "SuperJuegos 2.0") ha salido hoy a la calle, demostrando que el hype estaba justificado y dejando a la competencia a la altura del betún. Si no me creéis, leed lo que dice El Chaiko al respecto y quedaos con este precio: 1 euro. Vamos, que yo creo que está claro.

Sin embargo, hay un problema: "Xtreme" es una revista peligrosa... para el bolsillo (menos mal que ha salido a la luz en diciembre, cuando se acerca la época de regalos. ¿Qué será de nosotros cuando salga el número de, por ejemplo, abril?). Lo que quiero decir es que sus responsables colocan en la portada lo siguiente: "¡¡No desearás de Wii de tu prójimo!! 50 razones por las que deberías tenerla". Os puedo asegurar que son 50 razones muy, muy convincentes. Y os puedo asegurar que quiero una Wii, y la quiero ya. Tomemos como ejemplo un título tan apetecible como "Wii Sports": cuando el resto de videojuegos deportivos se empeñan en reproducir hasta el último pelo de la cabeza de Ronaldinho, estos señores apuestan por unos personajes (los Miis) tan básicos y esencializados como condenadamente irresistibles. Además, aquí en Europa se vende junto con la consola, por lo que no tendremos que esperar ni un minuto para llevar a nuestros Miis a la bolera.

Hablando de boleras... Mirad esto. Por favor, miradlo bien. Os prometo que Nintendo no me va a pasar ningún cheque cuando acabe de escribir este artículo, pero es que un juego (y una consola) que son capaces de hacer realidad algo así... En fin, que ni siquiera he tocado ese mando que tiene, pero lo estoy deseando. Ya sabéis cuál será uno de los tres artículos que integren el post navideño de mañana...

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